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Con pura fibra cubana

mgueler — Sun, 04 May 2025 22:33:53 +0000

Bailarines de Acosta Danza en “Paysage, soudain, la nuit”, de Pontus Lidberg en el Kennedy Center de DC. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Finalmente, y después de largos años de espera, Acosta Danza llegó a Washington DC, y lo hizo con todo su esplendor. Una compañía profesional de alto nivel. Bailarines incomparables. Una propuesta estética de enorme belleza e intensidad. Y, por sobre todo, una compañía con el alma y el corazón puestos en una Cuba abierta al mundo.

Del 1 al 3 de mayo, el Eisenhower Theater del Kennedy Center recibió por primera vez a Acosta Danza, la compañía fundada por el inolvidable bailarín cubano Carlos Acosta. El programa, “Cuban Eclectico” estuvo integrado por cinco obras que entrelazan lo clásico, lo contemporáneo y lo tradicional. El espectáculo puso en escena un retrato de identidad cultural con ese talento escénico que siempre caracterizó a los bailarines de la escuela cubana de danza.

El camino que transitó desde 2015 la compañía creada por Acosta, se asemeja, en cierta forma, al que delineó el Grupo Corpo, de Brasil, dirigido y fundado por los hermanos Paulo y Rodrigo Pederneiras en 1976. De esta forma, Acosta Danza se convierte en una de las pocas compañías de clásico-contemporáneo que deja trascender la impronta de sus raíces.

Desde una enorme falda azul, que por momentos parecía el mar, comenzaron a surgir los torsos desnudos de bailarines y bailarinas en una danza subyugante y misteriosa. “Sartori” (2018), la obra que abrió el programa, realizada por el coreógrafo cubano Raúl Reinoso, es una suerte de metáfora del despertar de la iluminación espiritual. Con música original de Pepe Gavilondo y Reinoso, la coreografía fusiona ballet clásico y danza contemporánea, con una fuerza grupal impactante. Aunque es una pieza centrada en la búsqueda interior, “Satori” se sostiene como una obra de conjunto donde la armonía del grupo amplifica su carga emocional y estética.

Del reconocido coreógrafo belga Sidi Larbi Cherkaoui se presentó “Faun” con fragmentos de Claude Debusy y Nitin Sawhney. Foto: Toti Ferrer. Gentileza JFKC.

De la mano del reconocido coreógrafo belga Sidi Larbi Cherkaoui siguió “Faun”, una obra que retoma fragmentos de “Preludio de la siesta de un fauno” de Claude Debussy e intercala, con deliciosa efectividad, texturas sonoras contemporáneas de Nitin Sawhney. Un dúo desconcertante que explora al máximo las posibilidades del cuerpo e indaga en la fusión de lo humano y lo animal, de lo masculino y lo femenino. Con un refinamiento exquisito, la obra es una especie de poema sensorial de la dualidad interna del ser humano. Interpretado magníficamente por Alejandro Silva y Patricia Torres.

“Paysage, soudain, la nuit” (2018), con coreografía de sueco Pontus Lidberg, fue sin duda el momento más logrado del programa. Enmarcada por una escenografía naturalista de Elizabet Cerviño, esta obra para 11 bailarines recupera un espíritu lúdicro rebosante y fluido. La música del incomparable Leo Brouwer con aires rumba cubana, se mezcla con la partitura de Stefan Levin, e impulsa una coreografía que celebra el encuentro, el deseo y la juventud. Cambios sutiles de dinámica entre solos, dúos y grupos, mantienen un ritmo interno que no decae y que, inevitablemente, contagia al espectador con la frescura y el disfrute de la danza.

“De Punta a Cabo” con coreografía de Alexis Fernández interpretada por Acosta Dance. Foto: Hugo Glendinning. Gentileza JFKC.

En contraste con esa explosión grupal, llegó “Impronta”, creada por la coreógrafa española María Rovira. Una joya minimalista. Y no solo eso. Ofelia Rodríguez, la única intérprete, mostró también la impronta de la escuela cubana de danza. Con una elasticidad asombrosa y esos brazos magníficos de los bailarines cubanos, en apenas siete minutos, logró una conexión visceral entre la modernidad y lo ancestral.

El programa cerró con “De Punta a Cabo”, de Alexis Fernández, una obra que resume la propuesta estética de Acosta Danza, ese mestizaje cultural a través del lenguaje coreográfico. Imágenes vivas del malecón, de ese magnífico mar de La Habana, de sus luces diurnas y nocturnas y esa nostalgia de la distancia. Todo eso, plasmado en un telón de fondo en movimiento del cual el espectador no se puede distanciar. En esta obra se funde el ballet clásico, la salsa, los pies descalzos, la técnica, la danza callejera, los ritmos populares, el idioma yoruba y los instrumentos tradicionales. Aquí está el espíritu de Cuba, su sensualidad, su versatilidad, su intensidad y su resiliencia.

“Cuban Eclectico” no es solo un espectáculo de danza, es una minuciosa radiografía de la riqueza, la complejidad y la evolución de la cultura cubana. Bajo la dirección de Carlos Acosta, la compañía ha logrado consolidar un lenguaje moderno y contemporáneo que no renuncia a sus raíces, sino que las reinventa y las amplifica en un diálogo con el mundo.

La presencia de Acosta Danza en el Kennedy Center marca un hito significativo. Lo que subió a escena fue mucho más que virtuosismo, fue identidad, emoción y belleza. La compañía logró ese milagro que pocas veces sucede cuando el público y los intérpretes conectan sus almas y dejan que el duende de la danza se apodere de todo.

“Sartori, obra de 2018, del coreógrafo cubano Raúl Reinoso, abrió el programa “Cuban Eclectico”. Foto: Enrique Soldevilla y Estudio 50. Gentileza JFKC.

Una fiesta de cubanía

mgueler — Tue, 31 May 2022 00:27:53 +0000

Con “Híbrido”, Norge Cedeño presentó una creación que se refiere a la cultura cubana y a sus raíces. Foto: Yuris Norido. Gentileza AD.

El estelar bailarín cubano Carlos Acosta, al frente de la dirección artística de dos compañías de danza, entre sí alejadas miles de millas, Acosta Danza en La Habana y el Birmingham Ballet en Gran Bretaña, se enorgullece de renovar sus vínculos presenciales con su numeroso y entusiasta público habanero. “La pandemia del Coronavirus Sars-2 postergó nuestro rencuentro. Finalmente podemos reunirnos y vamos a celebrar la vida; agradecer a todos los que han luchado directamente con la enfermedad y homenajear a aquellos que despedimos”, concluye así sus palabras en el programa de mano virtual como presentación de esta temporada bautizada por él, 100% cubano. El título hace referencia a todos los elementos temáticos de las obras que serán representadas por un elenco totalmente nacional. La compañía realizó con este cartel una extensa gira europea, que incluyó varios teatros de Gran Bretaña y Francia, hasta su retorno a la mayor de las Antillas en abril.

Según expresó Acosta, se ha concebido estas presentaciones como una fiesta de cubanía: “aquí están nuestras fiestas y valores, nuestras dudas y nuestras crisis, nuestro espíritu de nación joven, llena de vida, que tropieza y se levanta, con muchos deseo de dar”(sic)

En esta ocasión, sobre las tablas de la sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, ofrecieron dos estrenos absolutos por jóvenes bailarines-coreógrafos: “Liberto”, de Raúl Reinoso -solista del conjunto desde su fundación- quien explora la necesidad de la libertad para todo ser humano mediante la figura simbólica del cimarrón, un esclavo de origen africano que se fuga de la dotación de su amo o propietario en tiempos del feroz régimen colonial español. El personaje principal es perseguido por una jauría sanguinaria -cual una cacería humana- que sirve al coreógrafo para desarrollar “sus ideas en torno al ser humano enfrentado consigo mismo, o hermanado con la naturaleza”.

El segundo estreno, “Híbrido”, de Norge Cedeño (antiguo solista de Danza Contemporánea de Cuba y fundador de su propia agrupación, “El otro lado”), ofrece una visión metafórica de “nuestra cultura” como el “gran asidero ante los conflictos”.

El propio Acosta ha profetizado, en el programa de mano digitalizado en QR (una novedad para los asistentes locales, pues deben escanearlo en el lobby del teatro), que “esta obra moverá fibras muy íntimas en las cubanas y los cubanos”.

Tres apreciadas reposiciones completaron la segunda parte del programa, tras una breve pausa. A pesar de las adaptaciones sufridas por el cambio de sede teatral, el público las aplaudió extensamente: “Paysage, soudain, la nuit” del sueco Pontus Lidberg, creada a partir de un dual soporte musical que magnifica la rumba cubana (patrimonio cultural de la nación), del consagrado maestro Leo Brouwer para Paysage, y el europeo Stefan Levin (para “la nuit”).

Le siguió el solo femenino “Impronta” de la española María Rovira, la cual logra trasladar con su vocabulario técnico “esa manera de bailar que es muy común en la mayor de las Antillas”, gracias a Zeleide Crespo, una bailarina de ébano fuera de serie. Y para cerrar en tono enfático, al elevar los acentos climáticos y atizar las efusivas respuestas de la heterogénea audiencia, Acosta y su directora artística Yaday Ponce, eligieron el original de Alexis Fernández (Maca), con cinta collage de Kumar, Kike Wolf -a partir de La Bella Cubana, de José White- y Omar Sosa, con imágenes en video del cantante y compositor X Alfonso. Toda la compañía se entrega de lleno, para regalar algo que “es como un espejo de lo que somos”.

Los estrenos absolutos

“Liberto”, de Raúl Reinoso, explora la necesidad de la libertad mediante la figura simbólica del cimarrón. Foto: Yuris Norido. Gentileza AD.

Nos enfrentamos con “Liberto”, de Raúl Reinoso sobre música original de Pepe Gavilondo, a partir de una concepción musical de ambos, acentuada por el inteligente diseño de luces del israelita Yaron Abulaifa (dirigido mediante plataforma virtual en internet).

En síntesis, Reinoso ha transpuesto en danza contemporánea explosiva la historia de un cimarrón, es decir un esclavo de origen africano en fuga, con la explícita intención de provocar una profunda reflexión “sobre las caras del esclavismo” desde la antigüedad hasta nuestros días. En suma, a partir de una historia de amor, va más allá hasta encontrar el camino “hacia el reino utópico de la libertad total”.

Fue el mismo Acosta quien lo instigó al diseño y desarrollo de una coreografía a partir de una pequeña fábula de dos cimarrones, según comentarios de Reinoso: él está interesado en desvelar los componentes de la cultura africana “como un estilo vivo dentro del repertorio de (su) compañía, es decir, crear piezas que expongan la belleza negra” (otro ejemplo cercano está en este cartel, “Impronta”).

El cimarrón tiene una meta, la natural de todos ser humano, conseguir la libertad. Por ella, expresa el autor, es capaz de sacrificarse y, “sin no la encuentra físicamente, la halla en la imaginación, en su espiritualidad”. Sin duda, sin miedo a los esoterismos a ultranza, comunica su concepto de la libertad como tema trascendental para los seres humanos…y “cuando digo libertad me refiero más a un camino que a una meta” (sic)

Para desentrañar los simbolismos de esta dramática pieza, es necesario recurrir a dos obras paradigmáticas de la literatura cubana del siglo XX: “El Monte” de Lydia Cabrera, y “Biografía de un cimarrón”, novela testimonial del etnógrafo y poeta Miguel Barnet.

La primera fue “iluminadora” para elegir el tipo de sonoridades que debía tener el soporte musical la coreografía. En la segunda, se describen las semillas, los arroyuelos, cuevas, maderas, árboles, todo lo cual “evocó una atmósfera de sonidos y timbres que luego solicitó al compositor Gavilondo. El músico ha logrado varios éxitos componiendo para la danza, y está convencido que cada coreógrafo tiene una manera propia de entender su pieza, “con sus exigencias específicas”. Gavilondo es rotundo al revelar un requisito: que la música se integre tanto a la coreografía que una y otra parezcan la misma cosa. Así sucedió en “Liberto”, como lo fue su trabajo precedente “Satori”.

El vestuario y las luces constituyen dos de los elementos a favor de este estreno. En los diseños de Alicia Pérez se manifiesta el requerimiento de crear “una visualidad universal” (evitar el color local), bebiendo de la estética africana importada por la masa de los negros de nación convertida en mano de obra esclava, consiguiendo una imagen descontextualizada. El segundo elemento, la iluminación en manos de Abulafia, se convirtió en otro personaje después de elaborarla Internet mediante, con el objetivo de interpretar las ideas de Reinoso. De allí surgió una traducción lumínica del tema central, merced a este notable profesional en las artes escénicas, residente en los Países Bajos y colaborador regular de los grandes teatros de Europa y Australia. Abulafia es autor de un imprescindible libro, considerado el primero de este género, “The Art of Light on Stage: Lighting in Contemporary Theatre”, de 2016, “desde las perspectivas semióticas y fenomenológicas”.

El segundo título estrenado mundialmente es “Híbrido”, una creación de Norge Cedeño. El coreógrafo (asistido por miembros de su grupo) pretende mostrar un universo “donde lo real y lo irreal desdibujan sus límites para alcanzar nuestras quimeras”. Es decir, una aproximación “a las realidades e imaginarios” de los seres que habitan la nación que los vio nacer, mediante la fuerza de su cultura y su danza.

Cedeño expresa en el programa de mano el ¿por qué? “Híbrido”: Es el resultado de las necesidades de la dirección de la compañía en la búsqueda del sello de cubanía que comparte con los mercados internacionales en los que normalmente trabaja. En suma, la búsqueda de un equilibrio entre todos los elementos que le interesaba utilizar para llegar a eso que llama “cubanidad”.

Está estructurado a partir de las características que tiene el cubano en su forma de moverse, interactuar, su gestualidad, su forma de sentir la música, sus ritmos y los colores. “Ha sido un reto interesante para mí -desvela Cedeño-, fue un rescate de las formas de construcción que tengo en reposo y que al final es mucho de lo que me interesa defender. Una motivación fundamental para la dramaturgia surgió del conocido ‘mito de Sísifo’. Un sueño para viajar revisitado…porque los sueños no tienen límites”.

Los pilares fundamentales en “Híbrido”, de su equipo creativo, son dos elementos de la producción: la música y el vestuario (de originalidad elegante). Para el primero, contó con la colaboración buscada, una notable violinista dotada con talento para la composición y el compositor Randy Araujo, “el ideal híbrido”. Es decir: “logré tener en la misma obra un compositor de música electrónica-artista plástico de formación y con una compositora de música acústica”, comentó. Ambos consiguen la contemporaneidad con un lenguaje identificable, no sólo para los cubanos: la diversidad de ritmos es apabullante -a veces caótica, como lo reconoce también el coreógrafo.

Por otra parte, el vestuario de Celia Ledón (su muestra en el Kenndedy Center fue muy comentada), aporta efectismo al reto de la transformación, de las metamorfosis que se suceden en este “viaje”, como una “amplificación de la estructura dramatúrgica” de la coreografía. Algo parecido aconteció con el set escenográfico y el diseño de luces que tuvieron el crédito seguro con el mencionado Yaron Abulafia, con una estructura minimalista. Esto revela una influencia en la composición escénica del bailarín-coreógrafo contemporáneo del cine. Comentó que piensa sus piezas cinematográficamente, desde la luz y desde el cine, “desde una perspectiva audiovisual” que la traduce en un espectáculo de danza. A veces muestra guiños de imágenes presentes en Rembrandt, Dalí, Munch o Mondrian.

Primera promoción de la academia Acosta Danza

La última representación de esta temporada 100% cubano tuvo una característica inusitada. Todas las obras del repertorio, tanto los estrenos como las reposiciones fueron bailadas, en esta ocasión, por los bailarines formados en la academia de danza adjunta a la compañía, a cargo de la ex solista del Ballet Nacional de Cuba Aymara Vasallo. Por supuesto, estos bisoños intérpretes ganaron el reconocimiento del auditorio en buena lid, pues se entregaron a fondo en cada uno de los roles asignados, algunos de ellos con mayor realce que otros, en sendos géneros, al mostrar sus potencialidades para alcanzar una carrera profesional de éxito.

A sala llena y con estrenos

mgueler — Mon, 25 Mar 2019 20:46:52 +0000

“Cor”, de Marianela Boán, con seis intérpretes en escena y música del compositor cubano Pepe Gavilondo. Fotos: Buby. Gentileza AD.

La más joven y reconocida compañía cubana de danza, fundada en 2015 por el laureado bailarín Carlos Acosta, retorna a su décima temporada y la primera de 2019, en su habitual escenario de la Sala García-Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso –siempre sobrevendido-, con tres novedosas propuestas y la loable reposición de una exitosa obra, las cuales integran “Rituales”.

El propio Acosta, en tanto que director artístico, nos revela en el programa de mano sus objetivos a la hora de concebir este cartel, con dos términos claves: incertidumbre e indagación, en un párrafo que se explica por si solo: (estas piezas)… nos llegan en tiempos complejos para el mundo en los que la incertidumbre parece ser un sentimiento común… (y a pesar de ello) seguimos anteponiendo el arte y la belleza, sin dejar de asumir la época que nos ha tocado vivir como terreno de indagación. Para concluir: partimos de la idea de que el rito fue el inicio de toda representación escénica (…) a partir de allí, desarrollamos obras que nos muestran esencialmente (…) las preocupaciones, alegrías y deseos de los cubanos.

Al mismo tiempo, en esta introducción, Acosta se muestra solidario (acompañado por todo su conjunto) con las víctimas habaneras de un insólito evento meteorológico: la embestida de la naturaleza, por un fuerte tornado que causó enormes daños en tres populosos barrios de la capital el pasado 27 de enero. Y ante tal adversidad…”que sirva el arte de la danza como homenaje al alma cubana; que traiga alivios, alegría y esperanza, porque mientras que mantengamos nuestro espíritu limpio –ese que se trasluce en los momentos más difíciles- estaremos de alguna manera salvados”.

Para abrir cortinas fue elegido el estreno mundial de “Portal”, con coreografía y concepto del joven catalán Juanjo Arqués, apoyado por un excepcional soporte musical –según los propósitos desvelados por el coreógrafo-, producido por el conjunto cubano Ariwo con la contribución del Dj Hammadi, que anteriormente había trabajado en otro proyecto con Acosta. El tema musical, “Pyramid”, interpretado por ellos entusiasmó a Arqués: por su innovadora mezcla de percusión cubana de raíz africana con sonoridades electrónicas.

Sin duda, la diversidad étnica de la sociedad cubana, sus contrastes, sus logros y “su melancolía por el pasado” lo fascinaron al estructurar una coreografía que “los”, mostrara como en el limbo, “parados ante una puerta y sin saber qué sucederá al traspasarla”. El tema de los rituales sincréticos de la santería local estuvo en su interés primario, empero luego fue hacia lo esencial de la ritualidad, para así conseguir encaminarse al concepto de ritual en el vocabulario, con uso de la simbología en movimientos reiterativos –y casi siempre elementales- que se original “de adentro hacia afuera”. Es una pieza coral y participativa del autor con siete excelentes bailarines del conjunto. Arqués, previamente, se defiende ante los posibles reproches de la crítica especializada: he tratado de transmitir –mediante los intérpretes- ese concepto de “liminalidad” de la pieza, así como “una Cuba que no es la más conocida”, la de la melancolía, la de rudeza de la vida y el trabajo (sic).

Estamos frente a una puesta en escena minimalista con una iluminación neutra diseñada por Bonnie Beecher y un vestuario intemporal de Natalie de Koening, que se aparta de todo posible pintoresquismo, siempre en presencia de una impositiva gran puerta colonial de madera, como practicable escenográfico giratorio que pende sobre la cabeza de los danzantes, sin que interactúen con ella: es un limbo a traspasar, como lo requiere la coreografía.

Acto seguido pasamos a un lenguaje, “otro”, donde prima el estilo neoclásico con influencias posmodernas, en el estreno cubano de “Soledad”, un dúo con coreografía y concepto de Rafael Bonachella, de la compañía catalana Lanómina Imperial, que luego, en 1992, ingresó en la londinense Rambert Dance Co., hasta que, finalmente en 2006, funda la Bonachella Dance Co. Y en 2008, marchó a Australia como director artístico de la Sidney Dance Company.

Estilo neoclásico con influencias posmodernas en “Soledad”, dúo con coreografía y concepto de Rafael Bonachella. Fotos: Buby. Gentileza AD.

Bonachella eligió un tema romántico recurrente, de amores y desamores entre dos seres humanos de distintos sexos, los cuales danzan con un lógico soporte musical -en un espacio limitado y minimalista- proporcionado por tangos y milongas de Astor Piazzola, así como boleros-rancheras en la icónica voz de la desaparecida Chavela Vargas (“Llorona” y “Noche de Ronda”), y un final interpretado por el célebre violinista Gidon Kremer. Tres parejas de las más brillantes y expresivas de Acosta Danza alternaron en cada una de las tres representaciones, las cuales defienden una intensa dramaturgia con destacado histrionismo y rotunda técnica, alrededor de una lámpara de pedestal y una butaca como únicos elementos escenográficos, en contraste con la vacuidad coreográfica.

Después de una apetecible pausa, aconteció el más ansiado de los estrenos mundiales, “Cor”, con coreografía y concepto de Marianela Boán, con la ingente colaboración de los seis intérpretes y del autor de la música, el talentoso y polifacético joven compositor cubano Pepe Gavilondo (ya tiene en su haber otras exitosas piezas para esta compañía).

Marianela Boán es un nombre paradigmático en los anales de la coreografía cubana contemporánea. Ella inició su colaboración con Acosta Danza desde sus inicios en 2015, cuando el propio Acosta la invitó a reponer “El cruce sobre el Niágara”, una coreografía realizada por ella, en 1987, para dos bailarines masculinos de la compañía Danza Moderna de Cuba (hoy DCC). La posibilidad de crear una coreografía original siempre estuvo pendiente, y ahora logró hacerla, después de 16 años. Boán reside hace varios años en Santo Domingo, como directora de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea del Ministerio de Cultura de República Dominicana.

En cuanto al título de “Cor”, nuestras inquietudes fueron despejadas cuando nos explicó que proviene de la raíz de varias palabras que están muy vinculadas con su obra: el coro (tema utilizado en otros trabajos suyos mas de formas diversas); es la raíz de corazón y de coral marino, también de coralidad (relacionada a la más reciente historia cubana), y por supuesto, está en “coreo”, que “define todo lo que hacemos en danza”.

Boán define su estreno como “una obra muy física”, sin duda es igualmente una de sus creaciones más contaminada, en el sentido del empleo de la voz por los propios bailarines, quienes cantan además de moverse intensamente (con predominio del terre á terre) y trabajar con la manipulación de algún objeto: es el caso al final con las tumbadoras (instrumento cordófono que otros países denominan “congas”). La coreuta usó como leit motiv la canción “Consuélate como yo”, una muy popular rumba cubana que sirve de enlace a todos los momentos de esta pieza de poco más de 30 minutos.

La música en “Cor” es protagonista, especialmente por el trabajo dialógico estupendo realizado con Pepe Gavilondo, tecladista, compositor, profesor y productor, así como con la diseñadora de vestuario Alise Pérez (aunque el resultado no fue muy feliz); con la maestra coral Alina Orraca (arduo ejercicio con las voces, que requerían más horas de ensayo), y lujo de contar con Lino Pedroso para impartirles las clases de percusión (de tanta participación en la coreografía). No puede obviarse el trabajo significativo y eficaz de la experimentada maestra Loti Peón, como ensayadora, para superar el reto de conseguir este estreno en tiempo y forma.

Sin embargo, si bien reconocemos lo ambicioso del discurso coreográfico, el resultado no colmó nuestras expectativas.

La temporada “Rituales” cerró con la inteligente reposición de “Paysage, Soudain, La Nuit”, del coreógrafo sueco Pontus Lidberg, quien utiliza con eficacia teatral dos temas musicales de notables factura, como “Paisaje cubano con rumba”, de multilaureado compositor cubano Leo Brouwer (festeja sus 80 este año), y Cuban Landscape, del escandinavo Stefan Levin. Esta obra ya fue comentada por este cronista en su estreno, de la cual destacamos siempre la solidez de la escritura coreográfica en Lidberg, y la sabia iluminación de Patrick Bogardh. Un acierto, sin duda, cerrar esta primera temporada de 2019 con esta estupenda obra.

Acosta Danza abrió el telón con el estreno mundial de “Portal”, con coreografía y concepto del catalán Juanjo Arqués. Fotos: Buby. Gentileza AD.

Vienen de tierras lejanas

mgueler — Thu, 19 Apr 2018 16:35:27 +0000

Acosta Danza subió a escena “Mil años después”, estreno mundial, regalo para Carlos Acosta de parte del creador japonés Saburo Teshigawara. Fotos: Buby. Gentileza AD.

La nueva temporada primaveral habanera de Acosta Danza, la jovial agrupación fundada y dirigida por el encumbrado bailarín cubano Carlos Acosta, se presentó tres noches sucesivas a teatro lleno, del 6 al 8 de abril, en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso bajo la etiqueta de “Encuentros”. Y realmente lo fue doblemente. Al confrontarse los aficionados locales con tres obras provenientes de dos culturas -artísticas y coreográficas- de lejanas regiones como Japón y Suecia, representados por sus creadores: Saburo Teshigawara y Pontus Lidberg, respectivamente.

El primero, despertó curiosidad con una obra menos reciente empero icónica y referencial, “Lost in Dance”, 26 min, interpretada por el propio Teshigawara junto a su alter ego, la intrigante, intensa y virtuosa bailarina Rihoko Sato, desde 1996 su asistente artística para su labor creativa, laureada con el premio Positano “Léonide Massine per l’Arte della Danza (2012), y recientemente con el nuevo premio Japan Dance Critical Award (2016).

Teshigawara (1953) nació en Tokio, donde estudió artes visuales antes de comenzar ballet con 20 años cumplidos. En 1981, aunque admirador de la técnica clásica, comenzó a experimentar con proyectos más interdisciplinarios, trabajando con realizadores de vídeos y con artistas de artes escénicas, en busca de lo que denominó “a new form of beauty”. Este creador se ha distinguido por su poderoso sentido de la “composición, del dominio del espacio y los fluidos movimientos de baile”, con el objetivo de crear un estilo único y personal.

En cierta ocasión dijo: “I don´t live to make dance”. Luego ha explicado que “cuando hay algo que quiero expresar cojo un lápiz para convertirlo en poesía; si tengo un lienzo frente a mí será una pintura y si hay un espacio alrededor de mí, éste se transformará en una danza”. Para un mejor entendimiento de su danza hay que remitirse a la tradicional caligrafía japonesa, donde su brocha o pincel casi nunca se levanta del papel. Sus movimientos son como espirales en el espacio que se aceleran o desaceleran, como los movimientos en cámara lenta de un mimo. Hasta sus caderas y brazos se agitan enérgicamente con círculos. Todo parece igual o casi igual. Aunque, prestando más atención, se puede descubrir la variedad y hasta mínimas sorpresas, aunque la impresión acumulativa pueda parecer una monotonía… sin duda es de una inventiva a veces impenetrable.

Vale señalar, por ejemplo, su repetida secuencia con la bailarina, ambos de riguroso negro, para indicar las transferencias de los cuerpos dentro de la danza, con los recíprocos traspasos ad infinitum de un amplio y sedoso kimono negro. El inteligente soporte musical de la Sonata de Schubert (tempo moderato cantabile) ejecutada preciosamente en la grabación por el gran Sviatoslav Richter, fue una contribución mayor al carácter hipnótico de la pieza: ahí está su tendencia a enfatizar los símbolos y no lo narrativo.

“Lost in Dance”, de Saburo Teshigawara interpretada por el coreógrafo y junto a la virtuosa bailarina Rihoko Sato. Fotos: Buby. Gentileza AD.

Después de un prolongado pero necesario intermedio, para el montaje escenográfico de la obra siguiente, comenzó la pieza grupal de corta duración concebida por el sueco Pontus Lidberg para once notables bailarines de Acosta Danza, bajo el título en francés “Paysage, soudain, la Nuit” (Un paisaje, súbitamente, la noche). Lidberg ha establecido su reputación en pocos años como coreógrafo, cineasta y bailarín. Su creatividad quedó internacionalmente reconocida con su film “The Rain”. Ulteriormente, en 2012, su filme creado para el grupo californiano Morphoses, “Labyrinth Within”, le permitió ganar el trofeo como Mejor Película en el Festival Dance in Camera, del neoyorquino Lincoln Center.

Lidberg nació en Estocolmo hace 40 años y posee una mirada intensa, propia de una personalidad controlada, intelectual y reflexiva. Su formación artística es muy peculiar. Desde los 6 años inició su inusual carrera luego de asistir a un espectáculo de ballet. A los 10 años, después de una audición, este hijo de un siquiatra y una sicóloga, ingresó en la Escuela del Real Ballet de Suecia; luego recibió una maestría en Artes Escénicas Contemporáneas de la Universidad de Gothenburg, posteriormente intercaló cuatro años de estudios de medicina entre los cursos de ballet, actuaciones en escena y la dirección de filmes.

Para su estreno mundial en La Habana, “Paisaje…”, Lidberg tuvo un doble acierto al elegir como soporte sonoro una notable obra del afamado compositor cubano Leo Brouwer (Paisaje cubano con rumba) y otra pieza corta minimalista del sueco Stefan Levin (Cuban Landscape), así como la escogencia para la escenografía de la talentosa artista Elizabet Cerviño: una instalación lineal lumínica que muestra una franja de trigo antes de la cosecha.

Además, la coreografía para un grupo mixto de bailarines -que incluyó al propio autor y su joven compatriota David Lagerqvist, como bailarín invitado-, está cargada puntualmente de un marcado atletismo, sazonado con instantes joviales teñidos de gran sentido del humor, que provocaron la espontánea risa del auditorio. Aquí destacaremos la labor interpretativa de Marta Ortega, Laura Treto y Alejandro Silva, entre otros.

Con el soporte sonoro de obras del cubano Leo Brouwer y del sueco Stefan Levin, Pontus Lidberg llevó a Cuba “Paysage, soudain, la Nuit” . Fotos: Buby. Gentileza AD.

Después de otra pausa, la danza siempre intensa, dinámica y subliminal en su creatividad y estilo particular de Saburo Teshigawara. Esta vez aplicada sobre ocho brillantes bailarines ambos sexos de Acosta Danza, con notables intervenciones de Javier Rojas (en el “opening” y el cierre), Carlos Luis Blanco y la escultural Zeleidy Crespo. Se trata de otra obra hipnótica (o casi) de unos 27 minutos, “Mil años después”, estreno mundial regalo a Carlos Acosta, con coreografía, dirección, diseño de luces y vestuario por el multifacético creador japonés asistido por la eficaz bailarina Sato.

En esta entrega hubo atisbos de elementos provenientes de la técnica académica y del butoh, pero no hubo cambrés, cargadas, ni el “contact”; sin embargo, los afiatados cuerpos del conjunto cubano vestidos de blanco con sus piernas y pies desnudos, asimilaron aproximativamente -en escasos ensayos- una filosofía y poética bien ajena a ellos hasta entonces. En cambio, evolucionaron con precisión las dinámicas tímbricas de la exquisita Suite Lírica del vienés Alban Berg, con notables dúos por Raúl Barroso y Mario Sergio Elías… Hasta que irrumpe la soberbia música de cámara creada por Mozart – un cambio de giro rupturista-, sobre la cual los bailarines “se desmayan” sucesivamente como castillos de naipes. ¿Será, acaso, una imagen evocativa del maltrato indiscriminado infringido a la “casa común”?