En 1954, en Nueva York, Paul Taylor formó su propia compañía, la Paul Taylor Dance Company con la que recorrió más de 500 ciudades. Foto: Paul B. Goode. Gentileza PTDC.

Un ícono insoslayable. Un referente inevitable de la danza moderna. Un explorador del movimiento. Un buscador de la belleza. Paul Taylor, el único representante vivo de una era que hizo historia en el mundo de la danza internacional, murió el miércoles 29 de agosto, en Manhattan, Nueva York, a causa de una falla renal. Tenía 88 años. Había nacido en Pittsburgh, Pensilvania, en 1930. Comenzó su carrera como nadador, y luego llegó la danza a través de sus estudios en la Juilliard School de Nueva York. Se fue formando en ese mundo devorador y apasionante de la danza moderna de los años ‘50, y a los 23 años empezó a crear sus primeras coreografías.

Fue bailarín solista de las compañías de Merce Cunningham, Martha Graham y de George Balanchine. Su trabajo como coreógrafo y como director de su compañía lo convirtieron en una de las piezas clave en la historia de la danza. Como un orfebre del movimiento fue forjando una forma de respirar y sentir la danza, universal y abarcadora.

Desde el Norte hacia el Sur de las Américas y Europa, desde el Este hacia el Oeste de este mundo cambiante y convulsionado, Paul Taylor fue dejando su huella en los lugares más remotos. Suave, delicado, intenso, acariciante. Con esos ojos azules, tan azules y profundos como el mar, con su sonrisa cálida y envolvente, con su voz pausada y reflexiva, construyó un universo apolíneo donde la belleza, la musicalidad y la armonía se fueron convirtiendo en los ejes fundamentales de su observación corporal de los hechos cotidianos.

Saludo final en escena con Paul Taylor y toda su compañía, bailarines y técnicos. Foto gentileza PTDC.

Ya en 1954, en Nueva York, dejó la tutela de sus maestros y creó su propia compañía, la Paul Taylor Dance Company (PTDC), una troupe de artistas-bailarines cuya fidelidad se convirtió en una marca registrada. Desde su creación, el ensamble se ha presentado en más de 500 ciudades y representó a los Estados Unidos en 40 países. Y él, “Paul”, siempre allí, en cada detalle, en cada sutileza, en cada respiración. Después llegaron los premios innumerables y también, los Kennedy Honors, uno de los más significativos del país destinado a quienes dejan una impronta irreemplazable en el mundo del arte y la cultura. Los grandes nombres de hoy como David Parsons, Twyla Tharp, Laura Dean, Dan Wagoner, Christopher Gillis, entre otros tantos bailarines y coreógrafos, emergieron de su compañía y hoy, marcan su propio rumbo.

Su observación y percepción sobre el arte lo llevó a indagar en las emociones y los conflictos cotidianos, a través de una danza cargada de virtuosismo. Casi en forma recurrente Taylor confesaba que su experiencia como nadador fue sumamente inspiradora, y que su forma de encarar y concebir sus coreografías se relacionaba con su visión y su experiencia en relación al movimiento de los cuerpos en el agua. Bailó más de 144 ballets, hizo 147 obras como coreógrafo, y en 1993 creó una segunda compañía, Taylor 2, con la intención de ir formando a las nuevas generaciones.

Sus obras, convertidas en verdaderos hitos contemporáneos, forman parte del repertorio del Royal Ballet de Dinamarca, la Compañía Rambert Dance de Londres, el San Francisco Ballet, el Ballet de la ciudad de Miami, entre otras. Su primer trabajo, “Duet” (1957), todo un manifiesto. Allí, el mismísimo Taylor permanecía inmóvil en escena junto a un pianista que tampoco tocaba sobre una partitura de otro de los grandes vanguardistas de la época, John Cage. La obra provocó reacciones, y especialmente la del crítico del “Observer”, Louis Horst, quien osó dejar la página en blanco como una respuesta a ese quiebre de estructuras tradicionales.

Pero sus montajes posteriores fueron encontrando ese estilo y ese rumbo que hizo de su compañía un modelo de musicalidad y lirismo. Y así empezaron a surgir propuestas como “Aureole” (1962), “Airs” (1978) y “Arden Court” (1981). Coreografías con significado y formas propias, con juegos escénicos, con humor, con frescura, con dramatismo y con una mirada incisiva sobre la vida, la condición humana y sus misterios. Un universo plagado de imágenes, de colores, de intensidad.

Antes de retirarse de los escenarios Paul Taylor bailó más de 144 ballets, y como coreógrafo realizó 147 obras. Foto gentileza Paul Taylor Dance Foundation Archive.

Paul Taylor Dance Company presentó en el Kennedy Center “Esplanade” (Eran Bugge y Michael Trusnovec. Foto: Paul B. Goode. Gentileza JFKC.

Paul Taylor es un indiscutible. Un clásico dentro de lo moderno. Un recreador de su propio estilo. Consistente. Inquieto. Pionero, y uno de los principales representantes de la danza moderna de los Estados Unidos, con más de 150 piezas creadas, Taylor se juega, en forma persistente, por la belleza. Incuestionable. Y ahonda en conflictos y emociones.

La Paul Taylor Dance Company (PYDC) llegó al Eisenhower Theater del Kennedy Center de DC con dos programas que incluyen obras que, más allá de los años, son una marca registrada. El primero, subió a escena “Mercuric Tidings” (1982); “Polaris” (1976), y una de las piezas más conocidas del coreógrafo, “Esplanade”, un éxito de 1975. El segundo, llegó con “Arden Court” (1981); “Beloved Renegade” (2008) y “Promethean Fire” (2002).

A pesar del paso del tiempo y del recambio inevitable de los bailarines que, durante más de 60 años, fueron transitando experiencias dentro de la compañía, la perfección se repite. Un despliegue de técnica, versatilidad y virtuosismo son la síntesis más acabada de PTDC. Los bailarines, Christina Lynch Markham, Eran Bugge, Francisco Graciano, George Smallwood, Heather Mcginley, James Samson, Jamie Rae Walker, Laura Halzack, Lee Duveneck, Madelyn Ho, Michael Apuzzo, Michael Novak, Michelle Fleet, Parisa Khobdeh, Robert Kleinendorst y Sean Mahoney y Rei Akazawa, logran esta suerte de “milagro de perfección”.

“Promethean Fire”, de Paul Taylor, interpretada por Paul Taylor Dance Company. Foto: Paul B. Goode. Gentileza JFKC.

La primera noche abrió con “Mercuric Tidings”, obra que se basa en fragmentos de las Sinfonías 1 y 2 de Franz Schubert. Allí, los bailarines, con una velocidad deslumbrante, giran, saltan, se alinean y van construyendo espacios donde la estética prevalece, y donde la claridad coreográfica -algo que escasea en estos tiempos- es el eje de la obra.

Pero nada está librado al azar en la creación de Taylor. Todo es preciso, coherente, y tiene una razón de ser. Así la compañía se instala en “Polaris”, una pieza minimalista, en donde el blanco y el negro prevalecen en el vestuario, y se concatenan en el planteo coreográfico, repetitivo, simétrico, en el que un grupo desarrolla secuencias dentro de una estructura de metal, cúbica, para luego dejar paso a un segundo grupo, que repite las mismas secuencias y movimientos. Con música de Donald York, compuesta especialmente para esta obra, los bailarines logran desplegar secuencias abstractas con un alto compromiso en la interpretación.

Para el final, Taylor optó por “Esplanade”, sobre música de Johann Sebastian Bach, una de sus obras maestras. Con la participación de la Kennedy Center Opera House Orchestra, dirigida por York, la obra es una clara síntesis del placer de bailar.

El segundo programa abrió en la noche siguiente con “Arden court”, en la que la imagen de una rosa rosa se proyecta en el telón de fondo y la pieza entera se convierte en una acuarela de romanticismo. Sutileza y sensualidad, bajo fragmentos de sinfonías de William Boyce, hacen una conjunción casi sublime y permiten sumergirse en el inexplicable goce que produce la belleza intensa.

Un toque dramático, que indaga en conflictos de la vida, inspirado en poemas del inefable Whalt Whitman, hace que “Beloved Renegade”, sobre “Gloria”, del compositor Francis Poulenc, se convierta en un símbolo de la vida y de la muerte. Cada una de las seis escenas de esta obra, en la que transitan dúos, tríos, solos y secuencias grupales, transcribe en movimientos los versos de “Leaves of Grass”. Heridos de la guerra, jóvenes jugando, despedidas, dolores…  Una visión casi existencial de la vida a través de bailarines cuya entrega es absoluta.

El final de este segundo programa trajo “Promethean Fire”, que indaga en los cambios emocionales como parte esencial de la condición humana. Dieciséis bailarines en trajes de terciopelo negro arman y desarman estructuras con sus cuerpos en perfecta simetría y con una asombrosa simultaneidad. Y allí, en cada una de estas piezas, de perfecta y delicada confección, está como un duende siempre presente, la mano de Paul Taylor. Su sello indiscutible que no sólo diseña coreografías perfectas, sino que también modela bailarines exquisitos.

“Polaris”, una de las obras que presenta la Paul Taylor Dance Company en el Kennedy Center de DC. Foto: Paul B. Goode. Gentileza JFKC.

Lleva el nombre de uno de los pioneros de la danza moderna en los Estados Unidos. Un ícono insoslayable y un referente inevitable. La Paul Taylor Dance Company (PTDC), fundada en 1954 en Nueva York por el indiscutible Paul Taylor, llega nuevamente a Washington, DC, en un tour que comienza el 21 de mayo en Bethlehem, Pensilvania, y termina el 21 de agosto en el Vail International Dance Festival, Colorado.

Con dirección artística de Paul Taylor, la compañía se presentará desde el 25 al 28 de mayo en el Eisenhower Theater del Kennedy Center for the Performing Arts, con la Kennedy Center Opera House Orchestra. Dos programas diferentes integrados por seis obras maestras de Taylor, forman parte de esta visita a la capital del país.

“Mercuric Tidings”, con música de Franz Schubert; “Polaris”, sobre una partitura de Donald York en la que los bailarines exploran formas y movimientos alrededor de un cubo de metal diseñado por Alex Katz, y “Esplanade”, inspirado en la experiencia de una joven que va a tomar un bus con música de Johann Sebastian Bach, integran el primer repertorio que sube a escena el 25 y el 27 de mayo. El segundo, el 26 y el 28 de mayo, está integrado por “Arden Court”, sobre una partitura de William Boyce; “Beloved Renegade”, un tributo a Walt Whitman con música de Francis Poulenc, y “Promethean Fire”, también con música de Bach.

Taylor, comenzó su carrera como nadador, y luego se acercó a la danza a través de sus estudios en la Juilliard School de Nueva York, y a los 23 años empezó a crear sus primeras coreografías. Fue bailarín solista de la Compañía de Martha Graham y de George Balanchine. Su trabajo como coreógrafo y como director de su compañía lo convirtieron en una de las piezas clave en la historia de la danza contemporánea y en 1992 fue reconocido a través de los Kennedy Honors, uno de los premios más significativos del país.

Pasados ya 66 años de su primera obra de vanguardia, y a sus 86 años, Taylor lleva sobre sus espaldas más de 144 ballets interpretados como bailarín, más de 140 obras como coreógrafo, y ha creado una segunda compañía, Taylor 2 en 1993.

Su mirada sobre el arte lo ha llevado a indagar en las emociones y los conflictos cotidianos, a través de una danza cargada de virtuosismo. En una oportunidad Taylor confesó que su experiencia como nadador fue sumamente inspiradora, y su forma de encarar sus coreografías apunta a la visión del movimiento de los cuerpos en el agua.

Muchas de sus obras se han convertido en verdaderos hitos contemporáneos, y formaron parte del repertorio de compañías como el Royal Ballet de Dinamarca, la Compañía Rambert Dance de Londres, el San Francisco Ballet, el Ballet de la ciudad de Miami, entre otras. Desde su creación la PTDC, se ha presentado en más de 520 ciudades de 62 países, y ha representado a los Estados Unidos en 40 países.

Paul Taylor Dance Company

Con la Kennedy Center Opera House Orchestra

Miércoles, 25 y viernes 27 de mayo
Mercuric Tidings / Polaris  / Esplanade**

Jueves 26 y sábado 28 de mayo
Arden Court** / Beloved Renegade / Promethean Fire**

*Después de la función del miércoles 25 de mayo se realizará un panel de discusión dentro del ciclo Explore the Arts
**Estas obras se realizarán con música en vivo con la Kennedy Center Opera House Orchestra.

Twyla Tharp celebra con “Yowzie”, sobre “Viper’s Drag”, una recopilación de jazz arreglada por Henry Butler y Steven Bernstein. Foto: Sharen-Bradford. Gentileza JFKC.

Dueña de un talento especial que cambió los cánones de la danza contemporánea, la coreógrafa estadounidense Twyla Tharp llega al Kennedy Center de DC desde el 11 al 14 de noviembre para celebrar en esta ciudad sus 50 años con la danza. Como despedida de un tour que recorrió varias ciudades del país, la troupe, emblema del avant-gard, presentará dos estrenos, “Preludes and Fugues” y “Yowzie” en el Eisenhower Theater.

Tharp, que recibió el Kennedy Honor en 2008, nació en Portland, Indiana, pero a los pocos años su familia se mudó a California. Comenzó a tomar clases de danza cuando tenía 4 años, y se fue adentrando en disciplinas como el ballet, el tap, el jazz y la danza moderna.

Multifacética e intensa, Tharp ha transitado estas cinco décadas a través del ballet, la televisión, los musicales de Broadway, varios films de Hollywood y compañías de danza contemporánea.

“Preludes and Fugues”, está basada en la partitura de J.S. Bach, “The Well-Tempered Clavier” volumen 1 & 2, y “Yowzie”, sobre “Viper’s Drag”, una recopilación de jazz arreglada por Henry Butler y Steven Bernstein. El vestuario es de Santo Loquasto, y la iluminación, de James Ingalls.

En este tour, cuatro de los bailarines de la troupe, Matthew Dibble, Rika Okamoto, John Selya y Ron Todorowski, tienen una larga historia con la coreógrafa a través de sus presentaciones en shows de Broadway como “Movin’ Out”, “The Times They Are A-Changin” y “Come Fly Away”.  Los cuatro también formaron parte de la compañía creada por Tharp en 1965. Mientras los nuevos que acompañan a la coreógrafa en esta gira son: Daniel Baker, Nicholas Coppula, Kaitlyn Gilliland, Ramona Kelley, Savannah Lowery, Eric Otto, Amy Ruggiero, Reed Tankersley y Eva Trapp.

Desde que se graduó en Barnard College en 1963, Tharp ha realizado más de 160 obras, 129 para danza, 12 para especiales de televisión, seis para películas de Hollywood, cuatro ballets de larga duración, cuatro shows de Broadway, y dos rutinas para patinaje.

Fue en Nueva York donde se formó con los bailarines de danza moderna como Martha Graham, Merce Cunningham, Alwin Nikolais y en la compañía de Taylor donde bailó (1963-1965) antes de formar su propio grupo.

Entre sus trabajos se destacan: “Deuce Coupe” (1973) para el Ballet Joffrey, con música de los Beach Boys, y “Push comes to Shove” (1976), para Mikhail Baryshnikov. En 1988 disolvió su compañía para convertirse en coreógrafa del American Ballet Theatre.

A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios incluido un Tony, dos Emmy, 19 doctorados honorarios, National Medal of the Arts en 2004; el premio Jerome Robbins en 2008, entre otros.

La gala de apertura del ABT llevará a escena la reposición de un clásico de Twyla Tharp, “The Brahms-Haydn Variations”. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Con la circular que el American Ballet Theatre (ABT) acaba de enviar  a la prensa sobre la temporada otoñal que ofrecerá en el Koch Theatre del Lincoln Center de Nueva York, se descorre la cortina de un nuevo ciclo. Desde el 21 de octubre hasta el 1 de noviembre, la compañía arremeterá con una troupe renovada. Aunque posiblemente se noten las ausencias de las tres principales que se retiraron en el verano, Julie Kent, Xiomara Reyes y Paloma Herrera.

La presencia de obras de afamados coreógrafos actuales y de algunos que ya forman parte de la historia de la danza y que han dejado su valioso  legado, forman parte de una programación compuesta por una diversidad de estilos. Muchas de las piezas que llegan al Koch son de “colección”, y tienen un valor incalculable

A esto se suman las promociones anunciadas al finalizar la temporada de verano, que abren un nuevo abanico de solistas y bailarines principales. Aunque el director de la compañía, Kevin McKenzie, también optó por conservar a algunas de las estrellas. Ese es el caso de Marcelo Gomes, partenaire como pocos, que ahora también está fijando su interés en la coreografía.

“Aftereffects”, con música de Peter I. Tchaikovsky, es una de las creaciones de Gomes incluida en la programación. Tampoco faltará en esta temporada otra de las estrellas del ABT, el argentino Herman Cornejo, que también está incursionando en la coreografía.

La argentina Luciana Paris, solista del ABT, en “Company B” de Paul Taylor. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

La gala de apertura llevará a escena la reposición de un clásico de Twyla Tharp, “The Brahms-Haydn Variations”, que tendrá como protagonista a Sarah Lane, Daniil Simkin, Gillian Murphy y Cornejo. Y también marca el debut en esta obra de Isabella Boylston, Alban Lendorf, Maria Kochetkova, James Whiteside, Christine Shevchenko y Joseph Gorak. Misty Copeland, Sterling Baca, Luciana Paris, Arron Scott, Stephanie Williams, Blaine Hoven, April Giangeruso, Calvin Royal III, Skylar Brandt y Craig Salstein interpretarán por primera vez la pieza de Tharp el 24 de octubre.

En la primera noche también suben a escena, de Frederick Ashton, “Monotones I and II”, con música de Erik Satie, y un estreno de Mark Morris, con música de Johann Nepomuk Hummel.

George Balanchine, con su “Valse Fantasie”, estará representado en esta temporada. A la lista de trabajos sobresalientes que componen la corta programación, un infaltable: “Espectro de la Rosa”, de Michel Fokine, con música de Carl Maria von Weber.

No obstante, hay más clásicos, y Alexei Ratmansky aparece entre estos con “Piano Concerto #1”, una coreografía sobre  el  Concierto de Piano No. 1 de Dmtri Shostakovitch.  Y entre los contemporáneos, se destaca  por derecho propio, Paul Taylor, con la simpática y entretenida obra “Company B”, que lleva el acompañamiento del trio de las Hermanas Andrews, quienes fueron famosas durante los años de la segunda guerra mundial.
Una pieza antibélica por excelencia, “La mesa verde”, del incuestionable director y coreógrafo alemán, Kurt Jooss, vuelve a la escena. Ganadora de grandes aplausos y buenas críticas, en el momento en que fue estrenada, 1932, su argumento hizo clara referencia a la complicada situación de la desigualdad entre los países de Europa, que no lograban ponerse de acuerdo, mientras los Nazis comenzaban a cobrar cierto protagonismo.

En 1933, la obra se presentó por primera vez en Nueva York. En 1940, Jooss llevó “La mesa verde” a La Habana, bajo contrato con Pro-Arte Musical; luego, volvió a los Estados Unidos en 1967 a través del Joffrey Ballet. Y en la temporada 2005, pasó a integrar el repertorio del ABT. En el rol principal, La Muerte, que en su estreno mundial fue interpretado por el mismo Jooss, en el teatro Koch aparecerá Gomes.

Las entradas ya están a la venta y muchos de los balletómanos ocuparon los primeros puestos en la fila frente a la taquilla.

Informes
www.abt.org.
212-496-0600

El Scottish Ballet presentó en el Kennedy Center de DC “A Streetcar Named Desire”. Foto: Andrew Ross. Gentileza JFKC.

Hay una razón para ver “A Streetcar Named Desire” (Un tranvía llamado deseo) del Scottish Ballet, la interpretación luminosa de Eva Mutso como la más famosa fallida debutante sureña de la literatura estadounidense, Blanche DuBois.

La coreógrafa Annabelle López Ochoa ha capturado toda la formación represiva de Blanche y su caída en la decepción hasta llegar a la desesperación y la locura.  Para sus escasos solos en escena, López Ochoa ha creado un retrato distintivo en movimientos peculiares que capturan todo el carácter con su gloria pasada, sus esperanzas falladas y su descenso a la locura con agudeza y una evidente simpatía. Mutso usa toda la gama de sus grandes habilidades técnicas en su interpretación del potencial poético de una Blanche sin las palabras, del autor Tennessee Williams.

Por desgracia, la poesía de William desaparece del resto de la producción, que está atrapado en un intento equivocado de crear un ballet de larga duración, recreado en una manera dolorosamente literal. El pastiche distintamente desagradable de la partitura de Peter Salem en torno al cual se desarrolló la obra tampoco sirve a la producción.

Los solos, dúos y tríos bailados que forman el núcleo de la obra son generalmente exitosos, pero las escenas con grupos más grandes que tratan de crear el ambiente de un determinado tiempo y lugar, son mucho menos exitosas. El axioma bien considerado de George Balanchine que no hay suegras en el ballet, habría sido bien aplicado aquí.  Al menos la mitad del ballet, sobre todo el segmento del baile swing, que surge como un homenaje tibio a las obras de Jerome Robbins y Paul Taylor, parecía como relleno vacío en aras de lograr una función de dos horas de duración.

En lugar de evocar la tristeza teñida de sepia que quedó tras el suicidio del marido de Blanche en sus recuerdos íntimos, como se hace en la obra teatral, la producción del Scottish Ballet periódicamente resucita su cuerpo ensangrentado, como una especie moderna del fantasma de Banquo, durante los momentos de crisis que ella sufre.

La nota más discordante de la noche llegó con el único uso de las palabras de Williams por Erik Cavallari, en el papel de Stanley, el violento cuñado de Blanche.  Su famoso grito demandando el regreso de su esposa Stella, Sophie Martin, al lecho conyugal exige un actor de la talla de Marlon Brando – cuya actuación cinemática del papel está claramente referenciada en la coreografía de López Ochoa.

Mientras que muchos bailarines se mueven con la intensidad requerida, no se vio ningún bailarín que también pueda actuar con la misma fuerza.  La violación bailada de Stanley a Blanche al final del ballet era completamente brutal, y diestramente evitó la trampa de caer en la depravación que se documenta.

Eve Mutso, como Blanche DuBois, y Erik Cavallari, como Stanley, del Scottish Ballet, en “A Streetcar Named Desire”. Foto: Andrew-Ross. Gentileza JFKC.

Confesaré una preferencia por la perfección alcanzada mediante la eliminación de todo lo que es innecesario a la realización visual de una idea artística. Limitado a las escenas metafóricas bailadas por Blanche cuando ella esta atraída por la luz de pasión como una polilla a una llama, parece que hay una obra  verdaderamente trascendente enterada en esta obra de teatro que obviamente complació la gran mayoría de su público.

Cuando Mitch, el pretendiente de Blanche, bailado por Lewis Landini, arranca la luz hacia el rostro de Blanche para obligarla a reconocer su pasado como prostituta, se logra una violencia psicológica tan devastadora como la violación física hecha por Stanley.

El ballet de cuentos parece tener una especie de renacimiento en el siglo XXI, aunque parece que muchas de las lecciones aprendidas durante el apogeo de la forma en el siglo XIX sobre la necesidad de tramas simplificadas, se necesita, en muchos casos, volverse a aprender.

El elaborado desfile de Mardi Gras hacia la locura y el extraño campo humano de flores para los muertos al final de la obra eran poco más que distracciones irritantes en este Tranvía. La Blanche de Mutso, bailando en medio de las luces de una casona en ruinas, es el corazón poderosamente palpitante de la obra. Esto fue todo lo que se necesitaba para lograr la poesía de la idea original de Williams.

Julie Kent y Marcelo Gomes, en “Manón”, durante la gala de los 75 años del American Ballet Theatre en el Metropolitan de Nueva York. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

En las tres horas que duró la función, los asistentes, ataviados con sus mejores galas, pudieron conocer la historia fascinante del American Ballet Theatre (ABT), desde su fundación en 1940 por Lucia Chase, hasta llegar al presente.

Alfombra roja mediante, en esta gala de los 75 años, que se realizó en la temporada de primavera del Metropolitan Opera House de Nueva York, nadie faltó a la cita el lunes 18 de mayo, una semana después de la apertura de la temporada, uno de los acontecimientos más importantes que todos los años se apodera de la ciudad.

El programa incluyó igualmente, una variedad de épocas y coreógrafos, entre los que pudieron contarse los antiguos como Bournonville, o los modernos como Twyla Tharp. Cerca de 460 obras de más de 150 coreógrafos, desde Marius Petipa, George Balanchine, Aaron Copeland, Antony Tudor, Agnes de Mille, Jerome Robbins, Paul Taylor, Jiri Kylian y Alexei Ratmansky, entre otros tantos, formaron parte del repertorio de la compañía en estos 75 años.

Entre los bailarines que, una vez más, brillaron durante el programa, cabe mencionar a dos de los pocos hispanos que van quedando en la compañía, Herman Cornejo, siempre exquisitamente clásico, y el potente Marcelo Gomes, quien muchos llaman el mejor partenaire del ABT. Y las tres ballerinas que ya  se retiran en esta temporada -quizás indebidamente-: Paloma Herrrera, Jullie Kent y Xiomara Reyes.

Cuando cae el telón, una ovación para Paloma Herrera, que se despide de la compañía. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Herrera, descolló con sutileza en “Tchaikovsky Pas de Deux”, de Balanchine. Mientras Kent, interpretó una Manón como pocas, en el dueto del dormitorio de la obra del mismo nombre de Kenneth MacMillan. Junto a Gomes, ambos estuvieron sencillamente conmovedores. Xiomara Reyes, puso gracia y humor en la Cowgirl de “Rodeo”, de de Mille.

Quiénes serán las sustitutas? Al parecer, si antes en  el ABT se hablaba español, ahora se oye demasiado ruso o ucraniano.
Una larga lista de fragmentos de obras que fueron clave en el repertorio de la compañía formaron parte del programa de esa noche. Misty Copeland, una de las estrellas ascendentes, interpretó Odette/Odile de “El Lago de los cisnes”, un rol que bailará por primera vez en esta temporada.

El inolvidable Mikhail Baryshnikov, que también fue director de la compañía antes de Kevin McKenzie, apareció en un video que hizo estallar a la platea. De la misma manera que Caroline Kennedy, desde su misión diplomática en Japón, dio el presente en una noche tan especial. Su madre, Jacqueline Kennedy Onassis, fue una de las figuras más importantes que bregó por la subsistencia del ABT a lo largo de los años. Al punto que la escuela lleva su nombre.

Al final, los aplausos y los homenajes llegaron también para despedir a Paloma Herrera, que hará su última función con el ABT el miércoles, matiné, con “Giselle”, junto a Roberto Bolle, el mismo partenaire que eligió Alessandra Ferri para dar su adiós al escenario del Met hace varios años atrás.

sssssaLa temporada continuará hasta el 4 de julio, que cerrará con el debut de la argentina Marianela Núñez, primera bailarina del Royal Ballet de Londres. Sólo resta desear a la compañía otros exitosos 75 años.

El presidente Barack Obama, Michel Obama, Carlos Santana, Shirley MacLaine,Herbie Hanckoc, Martina Arroyo y Billy Joel el domingo 8 durante la ceremonia de los Kennedy Honors. Foto: Margot Schulman.Gentileza JFKC.

Estudió ballet y participó en anuncios publicitarios desde que era niña. La danza fue una de sus pasiones. Hasta que en 1950 se fue a Nueva York para comenzar su carrera como actriz de teatro y consiguió debutar en Broadway en 1953 en la obra “Me And Juliet”.  Pero su revelación fue con el protagónico en “The Pajama Game” (1954) sustituyendo a Carol Haney, que se había lesionado el tobillo.

Desde entonces, hasta hoy, Shirley MacLaine se convirtió en un modelo y un emblema dentro del mundo del teatro y del cine. El domingo 8 de diciembre, la actriz, bailarina y cantante recibió uno de los premios más importantes de los Estados Unidos, los Kennedy Honors, otorgados por la trayectoria a los artistas de diferentes disciplinas.

En la 36 edición de los Kennedy Honors formaron parte del quinteto el mexicano Carlos Santana, la soprano Martina Arroyo, hija de puertorriqueño y primera intérprete de ópera afroamericana; Billy Joel, uno de los más destacados representantes del rock y pop de este país, y en jazz, Herbie Hancock.

Las ceremonias de entrega del premio comenzaron el sábado 7 mediante la gala realizada en el Departamento de Estado, con el secretario de Estado John Kerry como anfitrión. El domingo por la tarde el presidente Barack Obama y la Primera Dama, recibieron en la Casa Blanca a los galardonados. Luego, en el Kennedy Center, después de una pasarela de celebridades por la alfombra roja montada en el Hall de los Estados, compartieron un show de más de dos horas en su honor en el palco presidencial del Opera House.

Otros popes de la danza como Mikhail Baryshnikov, Alvin Ailey, Suzanne Farrell, George Balanchine, Jerome Robbins, Martha Graham, Merce Cunningham, Paul Taylor, Jacques D’Amboise, Edward Villela, Judith Jamison, Twyla Tharp y Natalia Makarova, recibieron este reconocimiento en ediciones anteriores.

MacLaine saltó rápidamente del musical a Hollywood, y debutó en la película de Alfred Hitchcock, “Pero… ¿Quién mató a Harry?” (1955), una comedia negra en la que fue la protagonista femenina, acompañada de John Forsythe y Edmund Gwenn.

Afiche de la película “The Turning Point”, que tuvo once nominaciones para el Oscar.

Sin embargo, para el mundo de la danza, la actriz tuvo un film memorable “The Turning Point” (1977) o “Momento de decisión” (como se lo llamó en algunos países hispanos), una película que capta con profundidad el mundo del ballet clásico. Allí debutó en el cine Baryshnikov, nominado al Oscar como mejor actor de reparto, mientras MacLaine y Anne Bancroft, su contrafigura, fueron nominadas para el mismo premio como mejor actriz principal.

La película obtuvo once nominaciones a los Oscar en las categorías de mejor película, mejor director, mejor actor de reparto, mejor actriz principal, mejor actriz de reparto (Leslie Browne), mejor guion original, mejor dirección artística, mejor fotografía, mejor sonido y mejor montaje.

En 1954 MacLaine se casó con el productor Steve Parker, quien produjo dos films para ella, “Mi Dulce Geisha” (1962) de Jack Cardiff y “John Goldfarb, Please Come Home” (1965), comedia dirigida por J. Lee Thompson. Parker y MacLaine se divorciaron en 1982

Su sueño de la infancia era ser bailarina. Tomó clases de ballet y estaba tan obsesionada con la danza que su pesadilla recurrente durante la infancia era que perdía el bus hacia la clase.  Parte de su formación la hizo en la escuela del Washington Ballet, en DC, pero luego de un tiempo, advirtió que el ballet profesional no era para ella. No tenía el cuerpo adecuado, sus pies no eran suficientemente buenos (no tenía el empeine y el arco muy altos), y no quería privarse de la comida, según mencionó alguna vez.

MacLaine fue nominada cinco veces al Oscar como mejor actriz: en 1958 por “Como un torrente”, en 1960 por “El apartamento”, en 1963 por “Irma la dulce”, en 1977 por “The Turning Point”, y en 1983 por “La fuerza del cariño”, película con la que finalmente ganó.

En 2012 participó en la tercera temporada de la serie inglesa “Downton Abbey”, junto a Maggie Smith y Elizabeth McGovern.

“Brandenburghs” (1988), por la Payl Taylor Dance Company, sobre música de Johann Sebastian Bach, en el Lincoln Center de Nueva York. Foto: Paul B. Goode. Gentileza PTDC.

El invierno se ha hecho muy largo, sin embargo, en la temporada anual de Paul Taylor Dance Company, en el amplio escenario del teatro Koch del Lincoln Center, siempre aparece alguna estampa primaveral, muy necesaria para levantar el espíritu de los neoyorquinos.

En ella, Paul Taylor, como en años anteriores, incluye estrenos además de reposiciones, entre estos últimos, los trabajos que más han sido aplaudidos a través de los años. El conjunto solo cuenta con 16 bailarines, entre los que aparecen algunas figuras como Michael Trusnovec, fiel miembro de la compañía desde 1998, que esa noche apareció en las tres obras presentadas.

El programa dio comienzo con “Scudorama”, compuesta en l963 y basada en un corto poema de Dante. Usa como música una partitura compuesta al efecto por Clarence Jackson. Los sonidos, bastante disonantes y ruidosos a veces, igual que los extraños movimientos sobre la escena, tal vez hayan causado inquietud en la época de su creación.

Taylor fue uno de los innovadores, por incluir en sus trabajos a bailarines que ruedan por los suelos. Hoy día eso se acepta hasta en las obras clásicas. No obstante, el resultado total en el presente, no es totalmente positivo.

La pieza siguiente, “Perpetual Dawn”, estrenada en esta temporada, basa la inspiración de Taylor en una corta estrofa de Emily Dickinson, que ofrece una estampa situada en un espacio abierto, evocando quizás la primavera que en este hemisferio demora mucho en llegar.

La hechicera Amy Young, flirtea y a veces se burla de Trusnovec, en un intercambio de coquetos ademanes, a los compases de los bellos Dresden Concerti, original de J.D. Heinichen. Las bailarinas visten amplias sayas al estilo campesino, según diseños de Santo Loquasto, responsable también por los telones. Un verdadero regalo para el espíritu.

La velada terminó con “Brandenburghs” (1988), de fácil reconocimiento, por los magistrales compases del inmenso Johann Sebastian Bach (todas las piezas van acompañadas por grabaciones electrónicas). Los diseños de vestuario, originales una vez más de Loquasto –en negro para  hombres y mujeres, llevando un hombro y la espalda al descubierto –, son muy apropiados para la seriedad de la música y la coreografía.

Aquí Taylor utiliza un trío de egregias intérpretes que incluyen a la atractiva Young, junto a Parisa Khobdeh y Eran Bugge, así como un solista masculino, el arrogante Trusnovec, que domina la escena en cuanto aparece en ella.

Las tres bailarinas, con Young a la cabeza, se envuelven en los brazos de manera fascinante, para luego abrirlos, igual que el resto del conjunto, y situarlos en alto, Este movimiento parece ser la contraseña que señala a Taylor siempre como autor. Por otra parte, el grupo de bailarines no puede ser más ágil y bien entrenado, marcando los exactos compases de Bach con total musicalidad. Una presentación exacta y bien concebida, digna de todo encomio.

La temporada se prolonga hasta marzo 24, aunque es de esperar que se extienda más para deleite de los que prefieren trabajos como los de Taylor: contemporáneos, pero del mejor buen gusto y novedad.

La Paul Taylor Dance Company presentó "Three Dobious Memories" en el Lincoln Center de Nueva York. Foto: Paul B. Goode. Gentileza PTDC.

Al fin sucedió: El Koch Theater del Lincoln Center, ya en vísperas de sus habituales temporadas primaverales, ha abierto sus puertas para que un nuevo inquilino aparezca en su amplio escenario (que merecía hacerlo desde hace mucho tiempo): Paul Taylor Dance Company.

Por casi tres semanas, la aplaudida compañía fundada por Paul Taylor en 1954 –cuando todavía pertenecía al conjunto de Martha Graham–, ocupó el teatro, presentando tres estrenos y 22  obras de su repertorio anterior, entre las 136 que ha compuesto a través de los años. Después de su labor con Graham (según las notas del programa), Taylor fue invitado por el propio Balanchine a formar parte del New York City Ballet (NYCB), posición en la que permaneció durante ocho años, y al retirarse como bailarín, se dedicó por completo a hacer coreografías, la profesión que más le interesaba.

En diferentes épocas, sus obras han ido marcando caminos que incluyen distintas situaciones; motivos lúgubres. igual que simpáticas burlas, o creaciones de carácter social que nunca antes se habían presentado libremente en escena. Toda esa nueva inventiva del coreógrafo abrió camino a otros que han intentado o intentan aún seguir esas pautas. Resumiendo: Taylor es, aún a sus 82 años, un icono en el mundo de la danza, quien continúa creando nuevas obras que él mismo monta, y que quedarán en la historia como inapreciables tesoros de la danza moderna.

La primera obra del programa, “Brandenburgs”, usando algunas composiciones del grandioso Bach, data de 1988, y esa noche llevó de acompañamiento (como sucedió durante toda la temporada) una grabación electrónica. Cuando la cortina se abre, aparecen en escena los cinco hombres que forman el coro, Robert Kleinendorst, James Samson, Sean Mahoney, Jeffrey Smith y Michael Apuzzo, todos descalzos y vestidos con trajes negros de una sola pieza, pantalones anchos al final de la pierna, bajo la rodilla, así como tirantes que dejan ver los hombros al desnudo, creaciones de Santo Loquasto.

En el centro del grupo está la figura apolínea del solista principal, Michael Trusnovec, tan atractivo en su apariencia como en su interpretación. Las tres mujeres que luego se les unen, para interpretar solos, dúos o tríos, Amy Young, Eran Brugge y Laura Halzack, van también descalzas. La moderna coreografía es atractiva, cambiando de poses o interpolando saltos, tan inesperados como seductores arabesques.

No hay tema en la obra, si bien puede notarse algún tipo de flirteo entre las bailarinas con Trusnovec, pero éste, ajeno a las leves insinuaciones, prosigue su camino. El final, con todos los intérpretes en escena, es alegre y de danza ligera, por más que termina en una pose muy clásica, con Trusnovec al centro, con los demás bailarines formando distintos ruedos en su derredor.

“Gossamer Gallants”, estreno de la temporada, sobre música de Smetana tomada de “The Bartered Bride” (La novia vendida), es sumamente divertida, llegando a lo cómico. El público se divirtió a sus anchas, con estruendosas carcajadas por parte de algunos. Según una analogía de Herman Melville, “El resplandor nocturno de las luciérnagas tienen como propósito principal, atraer al sexo opuesto… algún insecto Héroe puede mostrar enamoramiento a su fina telaraña”, incita la imaginación de Taylor a crear esta pieza, donde siete bailarines, vistiendo leotards oscuros con brillo, que llevan alas en la espalda, y graciosos turbantes en la cabeza con pequeñas antenas, aparecen en la escena moviendo las manos bajo la barbilla, con los dedos apuntando amenazantes hacia fuera, mientras se mueven de un lado a otro de la escena, hasta que desaparecen por los laterales. Luego entran cuatro bailarinas, con seductoras mallas verdes, con las susodichas alas en la espalda, y las consabidas gorras de antenas, también originales de Loquasto, así como la escenografía, e igualmente, una apropiada iluminación a cargo de Jennifer Tipton. Estas insinuantes libélulas, parecen propuestas a conquistar a los abejorros, o aceptar sus proposiciones amorosas, para luego poder dominarlos.

EL programa terminó con un trabajo sobre música de Piazzola y Jerry Peterburshsky, que toma la idea expresada por Pablo Neruda, en uno de sus pensamientos que explica “la defectuosa confusión de los seres humanos”, y Taylor convirtiéndola en baile, crea en ella una atmósfera lúgubre y pecaminosa, donde hay intercambios de parejas, con el sexo dominando la escena. Las más relevantes interpretaciones fueron logradas por el trío que ejecuta Concierto para Quinteto, formado por Parisa Khodeh, Bugge y Kleinendorst, y el cuarteto que baila Celos, que incluye una bailarina, Michelle Fleet, junto a tres hombres, Trusnovec, Apuzzo y Smith.

En medio de los aplausos finales que parecían no terminarse, apareció en la escena, ante la compañía, la figura respetada y querida de Taylor, que fue ovacionado por todos los asistentes, puestos en pie unánimemente, como si un resorte los hubiera empujado a hacerlo.