Lidya Romero en una función que busca mostrar parte de su legado artístico. Foto: Emanuel Adamez. Gentileza INBAL.

Ha sido testigo de momentos cruciales en la historia de la danza nacional, pero también, de hechos que han marcado el rumbo del país, los cuales ha sabido plasmar en su quehacer como creadora escénica desde hace medio siglo. Por ello, la bailarina, coreógrafa y maestra Lidya Romero celebrará en grande su paso por este arte a través de una función inolvidable que busca mostrar una parte de su legado artístico.

Será el máximo recinto cultural de México, el Palacio de Bellas Artes, el que abra sus puertas a la maestra Romero y a su compañía El Cuerpo Mutable/teatro de movimiento el próximo sábado 19 de julio, a las 19:00 horas. Una noche donde la creadora celebrará su trayectoria con el estreno de dos coreografías de su autoría que refrendan su estilo dancístico: “Luna de Shanhai” y “Libre pastoreo”.

La función se realizará en el marco de la temporada “Diversas danzas, diversos cuerpos”, organizada por la Coordinación Nacional de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal).

El nombre de la maestra Romero es una referencia obligada para entender el movimiento dancístico de México. Con su compañía como aliada, la bailarina ha logrado mantenerse única y vigente por su capacidad de transformación y adaptabilidad; cualidades que ha demostrado en sus más de setenta obras e intervenciones en el espacio público.

Quien ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en diferentes ocasiones, hace una introspección sobre lo que ha significado mantenerse en el panorama cultural: “Han pasado más de seis sexenios y como creadora me ha tocado vivir la alternancia en el poder, los cambios de política cultural, así como diferentes visiones sobre la cultura y el arte. Desde mi perspectiva puedo decir que la producción artística es una actividad humana esencial, que se ha plasmado a lo largo de la historia desde la cueva de Lascaux, las pirámides y las catedrales góticas, porque el arte nos hace más humanos y por ello el arte es imprescindible”.

El Cuerpo Mutable/teatro de movimiento se presenta en el ciclo “Diversas danzas, diversos cuerpos”. Foto: Octavio Amador. Gentileza INBAL.

La reconocida bailarina y coreógrafa –ganadora de la Medalla de Bellas Artes por 25 años de su compañía, el Premio José Limón, el Premio Guillermina Bravo y la Medalla Una Vida en la Danza–, está convencida de que su danza es un oficio que se ha refinado con el hacer en el tiempo.

“El virtuosismo y la maestría se adquieren a través de experimentar con la materia de la danza; con distintos conceptos, técnicas y aproximaciones, así como de la observación y la reflexión. La danza se piensa, es una actividad inteligente que tiene mucho de intuición. Lo que en la juventud es un despliegue y derroche de fisicalidad y energía, se va depurando para dar paso a gestos y acciones esenciales cargadas de sentido”, afirmó.

Los estrenos

Para esta gran celebración, la maestra Romero eligió dos de sus nuevas creaciones: “Luna de Shanhai” y “Libre pastoreo”, propuestas que, si bien son disímiles entre sí, tienen algo en común que tocará los sentidos del público.

“En medio de la prisa, la inmediatez, el imperio de las redes sociales, el tráfico y Trump… (como bien lo reflexiona Byung Chul Han), somos seres agotados por esta modernidad tardía y avasallados por la autoexplotación. Así que, como contrapartida, yo propongo con estas dos obras la calma, la tranquilidad del slow art; sugiero detenernos a contemplar para que las obras se desplieguen y se propicie el espacio para el diálogo sensible con el espectador”, explicó.

“Luna de Shanghai”, surge de la fascinación que ha demostrado la coreógrafa por el “exotismo del lejano oriente”, un tema que ha trabajado desde el año 2000. Se trata de una narración cinematográfica (donde los sucesos no respetan la linealidad) con imágenes evocadoras que, de manera abstracta con un dejo de melancolía, sugieren relaciones y desencuentros, eventos afortunados, intriga, decadencia y erotismo. Aparecen personajes decadentes, outsiders o transgresores que hurgan en las profundidades de la condición humana.

Cabe destacar que esta coreografía forma parte de “Chinoiserie”, un proyecto concebido como una hexalogía que se compone de tres obras de mediano formato y tres unipersonales. Esta idea fue tomando forma desde hace muchos años, guiada por la fascinación personal de la maestra Romero por el lejano oriente: “Las culturas china y japonesa me atraen por su refinamiento, su historia y su producción artística”.

En lo que respecta a “Libre pastoreo”, la propuesta surge del deseo de compartir el escenario y homenajear a amigos y colegas de la maestra Romero que -como ella-, han dedicado su vida a este fantástico e inagotable oficio. A decir de su creadora, esta pieza es un guiño, una provocación. Las grandes leyendas que se reencontrarán esa noche en el Palacio de Bellas para disfrutar del gesto mínimo y la complicidad son María Elena Anaya, Mirta Blostein, Miguel Ángel Palmeros, Elisa Rodríguez, Orlando Scheker y Coral Zayas.

Por su historia llena de logros y su contribución en la difusión del ballet, la maestra Reyna Pérez recibirá el Premio Xochipilli 2023. Foto gentileza Reyna Pérez.

Son su inigualable pasión, su entrega inconmensurable y su alto nivel de profesionalismo lo que han mantenido a la maestra Reyna Pérez (Ciudad de México, 1956) como una pieza clave dentro del movimiento dancístico nacional desde que comenzó a formarse en esta disciplina artística hace más de medio siglo.

Por una historia llena de logros personales e infinitas contribuciones en la difusión del ballet, la maestra Pérez será homenajeada con la entrega del Premio Xochipilli 2023, que se ha convertido en un reconocimiento entrañable dentro de la comunidad de bailarines y coreógrafos, el cual es otorgado por el Encuentro Nueva Danza y Nueva Música a figuras que contribuyen en la enseñanza, creación, difusión, apoyo a la danza y la música en México.

La distinción se llevará a cabo el próximo martes 28 de marzo, a las 19:00 horas, en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque, donde se ofrecerá una Función de Gala a cargo de la compañía Ardentía -fundada y dirigida por la maestra Pérez-, así como la Compañía Nacional de Danza. Se interpretarán fragmentos y piezas cortas de obras de ballet, así como obras contemporáneas y de género poco definido.

En entrevista, quien es egresada de la Academia de la Danza Mexicana y de la Escuela Coreográfica de Moscú, se dijo emocionada de recibir un premio tan significativo para la danza y que han recibido varios colegas suyos: “Siempre recibir un reconocimiento te hace sentir plena”.

Sobre lo que representa específicamente el Premio Xochipilli para ella comentó: “Es una distinción que se vuelve más simbólica para mí porque su nombre es muy poético y porque de alguna manera describe lo que ha sido mi vida en la danza. Xochipilli era el dios mexica del amor, los juegos, la belleza, la danza, las flores, las artes, las canciones; todo esto ha tenido cabida en mi historia dancística”.

La maestra Pérez, quien es ensayadora y docente de la Compañía Nacional de Danza, considera que este galardón llega en un momento determinante en su vida personal y profesional, ya que es resultado de arduos años de trabajo y dedicación al arte del cuerpo en movimiento: “Es fruto de una entrega total. Si bien mis condiciones físicas ya no son las mismas de antaño, la pasión sigue siendo la misma, retándome a seguir creando danza y seguir formando nuevas generaciones de bailarines”.

La Academia de la Danza Mexicana fue la escuela que vio nacer a la maestra Reyna Pérez como bailarina; ahí obtuvo la Licenciatura en Danza Clásica. Después realizó un posgrado en Pedagogía del Ballet en La Escuela Coreográfica de Moscú. Fue titular del Programa de Educación Continua de la Coordinación Nacional de Danza (2001-2006).

Escribió el libro “Alicia, el Ballet y yo”. Ha realizado coreografías para la Academia de la Danza Mexicana, las Coordinaciones Nacionales de Teatro y Ópera, así como para la Compañía Nacional de Danza, la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea y su Compañía Ardentía. Obtuvo un reconocimiento del Inbal por 40 años ininterrumpidos de trabajo y el Homenaje “Una vida en la danza” en el Palacio de Bellas Artes.

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“KŌSA – Entre dos espejos”, espectáculo que reúne fragmentos de obras emblemáticas del repertorio de Sankai Juku. Foto gentileza Sankai Juku.

Pocas son las leyendas de la danza butoh tradicional japonesa que sobreviven. Figuras emblemáticas que dieron origen a este género que ha exaltado la profundidad corporal humana, logrando posicionarlo como una expresión artística poderosa de la cultura oriental.

El maestro Ushio Amagatsu es justamente una de esas joyas vivientes de la danza en Japón. Desde hace casi medio siglo, ha exaltado la expresión de este género a través de su prestigiada compañía Sankai Juku, que sublimará el escenario del Palacio de Bellas Artes con dos únicas funciones: el jueves 27 y viernes 28 de octubre, a las 20:00 horas.

Su presentación forma parte del Circuito Cervantino en la Ciudad de México, programado en el marco de la edición 50 del Festival Internacional Cervantino, que tiene lugar durante el mes de octubre en la ciudad de Guanajuato.

Para los amantes de la danza, ser parte de estas funciones es una experiencia obligada. Para quienes no están adentrados en el butoh es una oportunidad irrepetible para dejarse cautivar por este género. Y es que, desde su creación en 1975, la agrupación Sankai Juko ha construido una inigualable historia dancística; ha encontrado la fórmula perfecta para exaltar la esencia del butoh: la sensibilidad del cuerpo a través de la lentitud de los movimientos y expresiones gestuales exageradas y grotescas, detonando imágenes en el escenario que sobrepasan los estereotipos de la belleza occidental.

Dirigida por Ushio Amagatsu, Sankai Juku ha encontrado la fórmula para exaltar la esencia del butoh. Foto gentileza Sankai Juku.

Y cómo no ser una compañía ícono si su fundador -el maestro Ushio Amagatsu- forma parte de la segunda generación de bailarines del butoh en Japón. Fue de los pioneros en este arte corporal, al que le ha inyectado su propio estilo: una danza más transparente y telúrica.

El nombre de Sankai Juku es un reflejo claro del trabajo espiritual que existe en el interior de la agrupación. En japonés significa “el taller de la montaña y el mar”, que hace referencia a los dos elementos básicos de la topología de Japón (la topología es una rama de las matemáticas dedicada al estudio de aquellas propiedades de los cuerpos geométricos que permanecen inalteradas por transformaciones continuas). Como dato curioso hay que resaltar que, en sus orígenes, el grupo estuvo conformado sólo por hombres.

La agrupación poco a poco fue ganando terreno, presentándose en pequeños teatros vanguardistas de Japón. Debido a la grandeza de su danza, Sankai Juku despuntó a nivel internacional. Fue en 1978 cuando realizó su primera gran producción titulada “Kinkan Shonen” y en 1980 cuando visitó por primera vez a Europa dentro del Festival de Nancy en Francia. Desde entonces, el grupo ha realizado giras en más de cincuenta países de Europa, América del Sur, Estados Unidos, Australia y toda Asia.

Para su presentación en México, Sankai Juku ha preparado un programa muy especial: “KŌSA – Entre dos espejos”, que está conformado por extractos de algunas de las piezas más emblemáticas del repertorio de la compañía japonesa. Este espectáculo refleja claramente el estilo coreográfico del maestro Ushio Amagatsu, quien hizo una reelaboración de cada una de las piezas.

Cabe destacar que este montaje fue creado por el coreógrafo japonés durante el confinamiento sanitario. La ansiedad que le generó la pandemia lo inspiró a crear una danza pura e impresiones visuales filosóficas.

El maestro Ushio Amagatsu, una de las joyas vivientes de la danza en Japón. Foto gentileza Sankai Juku.

Triciclo Rojo presenta “Poeta de lavabo”, pieza que narra las aventuras de un caballero que busca de pequeños milagros. Fotos: Gloria Minauro. Gentileza INBAL.

Los seres humanos tienen la capacidad única para hacer posible aquello que sueñan. Por lo que no tendrían que perder la fe en que los milagros son posibles. Tal es el mensaje que guarda el montaje “Poeta de lavabo”, que la compañía mexicana Triciclo Rojo presenta en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque los sábados 16, 23 y 30 y domingos 10, 17, 24 de noviembre, así como el 1 de diciembre, a las 13:00 horas.

El bailarín y coreógrafo Emiliano Cárdenas, fundador y director de la agrupación, explicó que el objetivo de su propuesta es compartir una experiencia escénica, conmovedora e inolvidable con el público: “Queremos recordarles que tienen una capacidad única para hacer posible aquello que sueñan, que no lo tienen que olvidar”.

“Poeta de lavabo” narra las aventuras de un caballero andante que siempre está en busca de pequeños milagros y cuyo destino es devolverle a la gente la fe en sus sueños. Con ayuda dos guardias explosivos del Castillo de Lavabo, el protagonista descubrirá a dónde van los sueños olvidados y tendrá que conquistar el miedo y el peligro antes de escalar el mundo.

“Poeta de lavabo”, una propuesta donde intervienen diferentes técnicas de las artes escénicas: clown, la danza, la plástica, la animación y la música. Fotos: Gloria Minauro. Gentileza INBAL.

Triciclo Rojo se ha posicionado dentro de la escena nacional por tener un estilo único que integra, de manera poética y lúdica, el clown, la danza, las artes plásticas, la animación y la música en complicidad viva con la imaginación de los niños. Hace de la risa un arma del pensamiento mediante un diálogo incansable con la fantasía y el asombro.

La compañía ha sido reconocida por su autenticidad escénica y su capacidad de realizar proyectos integrales de gran impacto, pisando los escenarios más importantes para las artes en México como el Palacio de Bellas Artes. Ha llevado su obra por la República Mexicana y países como Dinamarca, India, Chile, Estados Unidos, Portugal, Canadá, España, China, Brasil, Colombia, Belice, Escocia, Turquía y Finlandia. Ha desarrollado el proyecto Caravana del Elefante Polar con el que lleva artes escénicas para niños y niñas de manera gratuita a las zonas que no cuentan con infraestructura teatral. Actualmente ha recorrido seis Estados impactando a un público de cien mil espectadores.

El Ballet Folklórico Mexicano lleva a escena “¿Y a dónde irán los muertos?”, obra que aborda un tema clave en la cultura mexicana. Foto gentileza INBAL.

México se ha distinguido en el mundo por su particular punto de vista en torno a la muerte. Forma parte crucial de su idiosincrasia. En las vísperas del 2 de noviembre, día que se celebra el Día de los muertos, y para enaltecer esta parte de la cultura del país, el Ballet Folklórico Mexicano de Guillermo González presentará un programa que incluye la coreografía “¿Y a dónde irán los muertos?” el miércoles 30 y jueves 31 de octubre, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque.

El maestro González, profesor, coreógrafo, investigador y conferencistas sobre danza regional mexicana, explicó que “¿Y a dónde irán los muertos?” aborda la historia conceptual que sobre la muerte han tenido los mexicanos de ayer y de hoy: “Este recorrido por el tiempo lleva a escena el sacrificio humano mesoamericano y la lucha de los dioses por el alma, también la lucha del bien contra el mal en la religión católica, y la simbiosis de estas dos visiones desde la independencia y hasta nuestros días. Tradición que tiene su mayor fuerza en el sector rural pero que en las grandes ciudades deja de ser temida y respetada por la población, para transformarse en una fecha festiva y burlona. Sin embargo, la muerte es fría y se hace respetar sola”.

Quien formó parte del Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández (1975-1979) comentó que, si bien esta es la pieza principal del programa, también sobresalen las otras tres coreografías que interpretarán y que tratan sobre el pueblo huichol, la revolución mexicana y la cultura africana en nuestro folklore.

Una de ellas será “Nayarit” (Los huicholes, San Juan Peyatán, región serrana, fiesta del esquite o maíz tostado), que muestra el mestizaje en su mínima expresión, así como a los coras y huicholes como las tribus más antiguas.

Otra coreografía importante será “Revolución Mexicana” (Zapata en la Revolución – segunda parte de la coreografía general “A zarandearnos tiranita”, beca del Fonca, 1996), inspirada en el baile aristocrático francés y el bailar de origen norteamericano en las fiestas de alta sociedad porfiriana, en contraste en la pobreza, tristezas y también alegrías del pueblo campesino en armas.

La tercera propuesta se titula “Jarocho” (primera parte de la coreografía “Pa’ goza’ mi negra”, estreno 2010), integrada por danzas de origen africano aportadas por los esclavos negros durante la colonización española, en combinación con la tradición dancística indígena y los zapateados españoles, que crearon un baile alegre y bullanguero: el son veracruzano.

El Ballet Folklórico Mexicano de Guillermo González se fundó en 1979. Ha colaborado con diversas instituciones culturales delegacionales, municipales, estatales y nacionales, a la vez que participado en diversos festivales y temporadas de danza en los mejores teatros de la Ciudad de México, como el Palacio de Bellas Artes, Teatro de la Ciudad Esperanza Iris y Sala Miguel Covarrubias. En el extranjero ha realizado giras a Japón, Venezuela, Argentina, el sur de Norteamérica y Alemania. Cuenta con un elenco artístico de treinta y seis bailarines y posee un repertorio de 14 montajes coreográficos, cuatro de los cuales han merecido la beca del FONCA.

Su director ha colaborado desde hace 37 años con las más importantes instituciones culturales delegacionales, municipales, estatales y nacionales, a la vez que participado en diversos festivales nacionales y temporadas de danza. Es creador de más de ciento cincuenta coreografías. Ha fungido como presidente de jurado en diversos concursos de danza regional mexicana, dictaminador de libros y miembro de la Comisión Dictaminadora de Creadores Escénicos 2015 del FONCA.

“Tratados de Lumínica”, de Óscar Ruvalcaba Pérez, ofrece una visión holística del ser humano. Foto: Lugo. Gentileza INBA.

¿En este momento histórico de revaloración general es posible seguir refiriéndonos a “mi cuerpo”, “mi mente”, “mi espíritu”, como entidades divorciadas?

Tal es la reflexión personal que llevó al maestro Óscar Ruvalcaba Pérez a crear la pieza “Tratados de Lumínica”, que busca reflejar lo absurdo de la tricotomía “mente-cuerpo-espíritu” y la necesidad de entender que no existe una mente o un espíritu divorciados de un cuerpo.

La propuesta del bailarín, coreógrafo y maestro se estrenó en La Caja de la Ex Esmeralda (San Fernando 14, colonia Guerrero) el 23 de mayo y continuará del 30 de mayo al domingo 2 de junio, a las 18:00 horas.

Ruvalcaba Pérez, quien fuera miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en 2006 y 2015, comparte que el detonador de su pieza es la imagen errónea que se tiene de cuerpo, mente y espíritu como entidades divorciadas. Al respecto, explicó: “Prevalece la idea de que el cuerpo es mecánico, perecedero, pero que la mente y el espíritu son eternos. La danza nos ha hecho evidente que no es así. Creo que una visión holística parecería más adecuada, pues cuerpo y persona, hoy día, son una sola entidad”.

Así que, en “Tratados de Lumínica”intenta recuperar la dimensión metafórica y poética del cuerpo, a través de la evocación, soñándolo y ensoñándolo: “Tal vez podamos regresar a la inocencia primera, esa inocencia donde cuerpo, alma y espíritu aún no se dividían. Creemos que es en este estado de gracia, de beatitud, donde encontramos que somos polvo y sueño de estrellas. ‘Tratados de Lumínica’nos susurra que el cosmos está aquí, en nuestro cuerpo ensoñado”, dijo el artista.

En cuanto a la lectura particular que busca generar en el espectador, Ruvalcaba Pérez afirmó: “Quiero que amplíe su sentido de respeto y entendimiento hacia el cuerpo, que ya no se vea al cuerpo como una entidad inferior a la mente o al espíritu. Mente, cuerpo y espíritu son una entidad, es como el viejo adagio de: ¿Qué fue primero, la gallina o el huevo? Imposible de responder, absurdo pretender responderlo. Creo que el cuerpo es el gran campo de batalla del mundo contemporáneo: nos define, nos acota, nos da identidad, nos singulariza y nos hace reconocibles. Y la batalla ya no es por las almas de los individuos, es por sus cuerpos”.

Sobre el proceso creativo el maestro, quien ha presentado sus creaciones en foros internacionales y en los principales recintos culturales de México -entre ellos el Palacio de Bellas Artes-, comentó que los temas que aborda su compañía son cada vez más de corte filosófico mayor, casi religioso, y la madurez de los intérpretes es más evidente, lo que le ha permitido hacer de la danza una metáfora que busque la evocación poética.

Oscar Ruvalcaba, Cía., Danza Contemporánea, fue fundada en 1991 por el maestro, quien es su director general y artístico. Se ha presentado en el Palacio de Bellas Artes, Teatro de la Ciudad, Teatro de las Artes, Sala Miguel Covarrubias, Teatro de la Danza Guillermina Bravo, y ha sido invitada a varios de los principales festivales de danza de México. En 2011 recibió el Premio de la Crítica del XXXI Premio INBA-UAM por “Himnos de Ciudad” y en 2012 el EPRO Danza 2012 por “Los Reinos de Este Mundo”. En 2013 fue beneficiada por el FONCA en su programa “Rutas Escénicas” para apoyar su gira por España en el 2014. Entre sus obras, muchas ya desde su fundación, figuran “Himno”, “Carlota, la del jardín de Bélgica”, “Tres árboles altos contra un paisaje rojo”, “Personas desaparecidas”, “Héroes de guerra” y “Crónica desde mi cuerpo mutilado”. Se ha presentado en Europa, Centroamérica y EUA.

El maestro Óscar Ruvalcaba ha realizado obras para la Compañía Nacional de Danza del INBA, el CEPRODAC, Contempodanza, el Ballet Independiente, Nemian, Opus Nigrum, el Ballet del Nuevo Siglo, la ENDNyGC, entre otras. Ha colaborado con algunos de los coreógrafos más importantes de su generación y recibió la beca del FONCA en el rubro de ejecutante en el 2005 y la del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2006 y 2015. Igualmente, ha recibido numerosos premios y reconocimientos: del INBA por su trayectoria como Coreógrafo en 2010, el Premio de la Crítica del XXXI Premio INBA-UAM, 2011, el EPRO Danza 2012, etc. Ha sido invitado como jurado en diversos concursos de danza, de coreografía y de intérpretes, nacionales y estatales o locales, y ha sido miembro de las Comisiones de Dictaminación del FONCA en varios de sus programas. Actualmente es miembro del Consejo Artístico del CEPRODAC.

“El espectador”, obra ganadora del XXXVI Concurso de Creación Coreográfica Contemporánea INBA-UAM, creada por Edisel Cruz González. Foto: Gloria Minauro/isoptica. Gentileza INBA.

El talento coreográfico de los jóvenes que lograron despuntar este año dentro de la competencia más importante del país en el género contemporáneo podrá verse en el máximo recinto cultural de México, donde compartirán sus innovadoras propuestas que son un reflejo de su pasión por el arte del cuerpo en movimiento.

Por segunda ocasión, el Palacio de Bellas Artes será el escenario donde se lleve a cabo la Gala del Premio Nacional de Danza Guillermo Arriaga, XXXVI Concurso de Creación Coreográfica Contemporánea INBA-UAM. La función será el lunes 11 de diciembre, a las 20:00 horas, en la Sala principal. Cabe destacar que habrá un 50 por ciento de descuento en la compra de la entrada a la función en todas las localidades.

Durante esa noche, el público podrá admirar la pieza “El espectador”, obra ganadora creada por Edisel Cruz González. Asimismo, se interpretarán las dos piezas elegidas por el jurado del premio y que son “Estepa” de Miguel Pérez García/ Isabel Aguerrebere, así como “La Matriz (Teoría Sintérgica)”, de Erika Méndez Ureña.

Miguel Pérez García e Isabel Aguerrebere llevan a escena “Estepa”, una de las obras seleccionadas por el jurado del Premio. Foto: Gloria Minauro/isoptica. Gentileza INBA.

La Gala es una oportunidad no sólo para reconocer el trabajo, el profesionalismo y la pasión tanto de las nuevas generaciones de coreógrafos como de los ya consolidados, sino la oportunidad de exaltar la diversidad de las apuestas escénicas que se registran en México, además de refrendar a este certamen como una plataforma de creación y proyección que se ha mantenido viva desde hace 36 años.

En entrevista, los protagonistas de esta Gala comparten su sentir de mostrar su trabajo en este recinto que es un referente de la cultura nacional. Edisel Cruz se dice completamente agradecido porque simbólicamente representa la oportunidad de cerrar ciclos y abrir nuevos caminos en búsqueda de nuevas metas. Además, sus sentimientos se encuentran a flor de piel, ya que justamente el premio llegó a su vida después del fallecimiento de su madre, la persona más importante para él.

“Llegar al Palacio de Bellas Artes como coreógrafo es una motivación para seguir aprendiendo -dijo el ganador del premio-. Hoy creo fielmente en la coherencia. Sostener con acciones las palabras que uno emite. Hay una responsabilidad que tiene el arte en sí mismo y por ende en nosotros como artistas. Hoy más que nunca el arte tiene la responsabilidad de dar respuesta a la pregunta que habita en el corazón del ser humano de cuál es el motivo de nuestra estancia en la tierra”.

“El espectador” es la obra que le valió el triunfo a Edisel. El protagonista de la pieza es un individuo persuadido por los contenidos de la televisión. Sobre su esencia explicó: “Usé la escena como un espejo en el que espectador pasivo se ve a sí mismo. Es un darse cuenta de cómo estamos siendo programados sutilmente a partir de propaganda ideológica para llevar una vida que nos escogemos; somos conducidos como perros de Pavlov”.

Por su parte, Miguel Pérez e Isabel Aguerrebere se muestran entusiastas, ya que su trabajo en equipo rindió frutos, entre ellos, presentarse en el Palacio de Bellas Artes. Al respecto, Miguel comentó: “Es el recinto más anhelado por cualquier artista mexicano. La responsabilidad de presentarte ahí es hacerlo entregando todo lo que tienes en honor a todos los que quieren pisar algún día ese escenario”. En tanto, Isabel asume con honor y compromiso esta Gala: “No podemos ser más chicos que el recinto”.

“Estepa” es su propuesta. Después de adentrarse en crisis, ausencias, travesías, necesidades, miedos; y de explorar el cuerpo, el movimiento, el sonido, pero sobre todo lo más humano de ellos, es que llegaron a esta pieza, que es el lugar esencial que despoja de la comodidad, la seguridad, de los significados, en el que sólo queda el humano, el hombre desnudo frente a su verdad.

“Mi obra busca llegar a un lugar sensible en el espectador, cautivarlo y enchinarle la piel por medio del virtuosismo y precisión del zapateo, el canto y la música que hay en la obra. Hablamos de la crisis, de los topes contra la pared, de la resistencia contra uno mismo”, dijo Miguel.

El la sala principal del Palacio de Bellas Artes se presentará “La Matriz (Teoría Sintérgica)”, de Erika Méndez Ureña. Foto: Gloria Minauro/isoptica. Gentileza INBA.

Finalmente, Erika Méndez -quien también resultó ganadora en la categoría de Mejor Intérprete Femenina- confesó que pisar el recinto de mármol por tercera ocasión con una obra propia es gratificante, ya que todo lo que se presenta en este lugar es considerado de gran valor y es aceptado por el público más exigente: “Siento que he logrado acceder a lo que se puede considerar como obra de arte. Además, siendo mi compañía independiente, sin subsidio o beca alguna por parte del gobierno o alguna institución, he logrado la trascendencia con mis propios recursos y eso me da una sensación de estar haciendo lo correcto en mi profesión”.

Su obra es “La Matriz (Teoría Sintérgica)”, está inspirada en el legado de Jacobo Grinberg (mexicano), quien desarrolló la teoría de la Sintérgia, donde se plantea que la matriz perceptual llamada comúnmente Matrix es la realidad que percibimos y ésta es susceptible de ser transformada por el pensamiento.

La bailarina se apoyó en diversas investigaciones sobre este tema pare generar en el escenario la ilusión de la teletransportación sin el uso de recursos externos, sólo el cuerpo: “Esta coreografía describe esta teoría y hace un homenaje a su autor. Los bailarines interpretan los átomos, el campo neural, la meditación que fue la base de su estudio, la tele-transportación y la posibilidad de salir de la Matriz predeterminada en nuestras vidas para ser un mago de la realidad”, dijo

“Othello”, de Marina Kesler con música de Arvo Pärt, interpretado por el Ballet de Estonia. Foto: alexander Reneff-Olson. Gentileza SFEF.

El ballet fue el foco central de la gala del San Francisco Estonian Festival que inauguró el 28 de junio en el Palacio de Bellas Artes. El primer bailarín del San Francisco Ballet, Tiit Helimets, dio un paso adelante para llevar la cultura de su país natal a la ciudad. El espectáculo puso énfasis especial en, “Time”, de Helimets, y en “Othello”, de Marina Kesler con música de Arvo Pärt. El Ballet Nacional de Estonia compartió el escenario con la Orquesta Juvenil de Estonia, pianista Hando Nahkur y la cantante Hanna-Liina VOSA.

“Othello”, de Kesler, tomó un enfoque igualmente complejo en comparación con “Pavana del Moro” de José Limón, basado en el tema de la traición. En lugar de construir la historia poco a poco con gestos simples, como en el trabajo de Limón, el de Kesler se abre en un escenario oscuro, donde los arcos iluminados constituyen el telón de fondo.

Cinco hombres vestidos con los colores y el estilo de los modernos soldados de Europa del Este asumen poses de batalla o pasos de baile basados en ejercicios de calistenia. Crean así un ambiente de disciplina, y un creciente sentido de camaradería machista arraigada en el miedo y la intimidación. Los bailarines trotan como caballos en lugar de saltar. El acento va en dirección hacia abajo.

Bianka, consorte de Iago (Heidi Kopti) entra en un leotardo de lamé dorado con un tutú de flores penacho como un ramo de colores. Desdemona (Eva Andre) lleva un traje de satén frambuesa. Las otras mujeres llevan vestuario de varios tonos de púrpura. La vulgaridad de los trajes de las mujeres contrasta con el atuendo de los hombres, más aburrido y monótono.

Iago, bailado por Sergei Upkin, entra en el escenario con movimientos audaces, golpes largos y giros en arabesque en dehors, estiramientos en flexión del pie, detallado con miradas paranoicas sobre el hombro. Hay un pas de deux lánguido entre Otelo y Desdémona bailado exquisitamente por Anatoli Arhangelski y Andre. Othello parece estar en un estado de inducido estupor, y por defecto, deja a Iago a cargo. Iago, por su parte, se mueve amenazadoramente hacia el espacio de Otelo.

El primer bailarín del San Francisco Ballet, Tiit Helimets, presentó su obra “Time”. Foto: alexander Reneff-Olson. Gentileza SFEF.

A medida que avanza la conspiración, las parejas se ponen gafas 3D y comienzan a moverse con movimientos robóticos. Se crea una atmósfera de embriaguez programada que prepara la transición para la aparición aparentemente accidental de las pruebas, un pañuelo y una bufanda, que sellan el destino de los cuatro personajes principales.

La obra está brillantemente concebida y los bailarines mantienen el dominio en esta pequeña joya de la compañía.

“Time” llega en cuatro partes. La primera abre con Nadezda Antipenko en ropa deportiva azul claro y blanco haciendo pas de cheval de perfil. Ksenia Seletskaja, Jevgeni Grib y Andrus Laur se unen a ella. Los primeros adoptan pasos de danza contemporánea sobre la percusiva música tecno compuesta por Paula Matthusen, acentuada por destellos de luz diseñado por Tiit Urvik. El segundo dúo se contrapone a los pasos rápidos del primero, con un adagio aterciopelado.

Sonidos de percusivos, susurros y sonidos de radio, marcan el tiempo en una cadencia galope o trote.

La pareja de la derecha añade carreras y amaga ir hacia una dirección y otra. La de la izquierda es más hábil y tradicional. Quizás un cambio de último minuto en el elenco es responsable por este desequilibrio aparente en la agudeza. Pero los pasos disimulan lo que los bailarines son en realidad. Una tercera pareja entra y distrae esta disonancia. Todos se reúnen el centro del escenario abriendo y cerrando como pétalos de flores.

Antipenko regresa al centro del escenario, curvando su cuerpo sobre su plié. Ella hace un paso de cangrejo cerca del piso, con extensiones y luego de pie y haciendo estiramientos en cambré.

En la segunda mitad de la pieza, Svetlana Danilova, en un tutu “pancake” del color blanco translúcido, corre hacia el escenario. Ella comienza con movimientos de brazos rápidos en el estilo de William Forsythe. Anatoli Arhangelski se une a ella. Él baila solo con estocadas sensuales que contrastan con saltos amplios, todo enmarcado con épaulement.

El pas de deux del “Cisne Blanco” de “Lago de los Cisnes”, con Alexsandra Meijer del Ballet San José y Tiit Helimets. Foto: alexander Reneff-Olson. Gentileza SFEF.

Nanae Maruyama entra en un tutú transparente en forma de campana. El segundo movimiento es más interesante de ver, más atlético, expresivo, percusivo, y ofrece una buena gama de colores de la diseñadora de vestuario Marja-Liisa Pihlak. Danilova hace los giros perfectos. En el pas de deux Maruyama manipula a su partenaire, Jonathan Hanks, con un gran control y fuerza. Se convierte en un pas de trois cuando llega Eve Andre. El trio inaugura un petit sauté individual y técnicamente excelente. Las mujeres caminan al proscenio y trabajan desde primera o quinta plié para completar círculos del cuerpo y los brazos, terminando con extensiones de piernas que se mueven en pas de cheval.

También se presentó el pas de deux del “Cisne Blanco” de “Lago de los Cisnes”, con Alexsandra Meijer del Ballet San José con Helimets  como partenaire. Una versión heroica, su aparición como partenaire de Helimets fue desconcertante cuando hay tantos cisnes virtuoso en el área de la bahía que podrían hacer justicia a una versión e interpretación más fiel a la intención y el espíritu de la obra reverenciada.