“Cor”, de Marianela Boán, con seis intérpretes en escena y música del compositor cubano Pepe Gavilondo. Fotos: Buby. Gentileza AD.

La más joven y reconocida compañía cubana de danza, fundada en 2015 por el laureado bailarín Carlos Acosta, retorna a su décima temporada y la primera de 2019, en su habitual escenario de la Sala García-Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso –siempre sobrevendido-, con tres novedosas propuestas y la loable reposición de una exitosa obra, las cuales integran “Rituales”.

El propio Acosta, en tanto que director artístico, nos revela en el programa de mano sus objetivos a la hora de concebir este cartel, con dos términos claves: incertidumbre e indagación, en un párrafo que se explica por si solo: (estas piezas)… nos llegan en tiempos complejos para el mundo en los que la incertidumbre parece ser un sentimiento común… (y a pesar de ello) seguimos anteponiendo el arte y la belleza, sin dejar de asumir la época que nos ha tocado vivir como terreno de indagación. Para concluir: partimos de la idea de que el rito fue el inicio de toda representación escénica (…) a partir de allí, desarrollamos obras que nos muestran esencialmente (…) las preocupaciones, alegrías y deseos de los cubanos.

Al mismo tiempo, en esta introducción, Acosta se muestra solidario (acompañado por todo su conjunto) con las víctimas habaneras de un insólito evento meteorológico: la embestida de la naturaleza, por un fuerte tornado que causó enormes daños en tres populosos barrios de la capital el pasado 27 de enero. Y ante tal adversidad…”que sirva el arte de la danza como homenaje al alma cubana; que traiga alivios, alegría y esperanza, porque mientras que mantengamos nuestro espíritu limpio –ese que se trasluce en los momentos más difíciles- estaremos de alguna manera salvados”.

Para abrir cortinas fue elegido el estreno mundial de “Portal”, con coreografía y concepto del joven catalán Juanjo Arqués, apoyado por un excepcional soporte musical –según los propósitos desvelados por el coreógrafo-, producido por el conjunto cubano Ariwo con la contribución del Dj Hammadi, que anteriormente había trabajado en otro proyecto con Acosta. El tema musical, “Pyramid”, interpretado por ellos entusiasmó a Arqués: por su innovadora mezcla de percusión cubana de raíz africana con sonoridades electrónicas.

Sin duda, la diversidad étnica de la sociedad cubana, sus contrastes, sus logros y “su melancolía por el pasado” lo fascinaron al estructurar una coreografía que “los”, mostrara como en el limbo, “parados ante una puerta y sin saber qué sucederá al traspasarla”. El tema de los rituales sincréticos de la santería local estuvo en su interés primario, empero luego fue hacia lo esencial de la ritualidad, para así conseguir encaminarse al concepto de ritual en el vocabulario, con uso de la simbología en movimientos reiterativos –y casi siempre elementales- que se original “de adentro hacia afuera”. Es una pieza coral y participativa del autor con siete excelentes bailarines del conjunto. Arqués, previamente, se defiende ante los posibles reproches de la crítica especializada: he tratado de transmitir –mediante los intérpretes- ese concepto de “liminalidad” de la pieza, así como “una Cuba que no es la más conocida”, la de la melancolía, la de rudeza de la vida y el trabajo (sic).

Estamos frente a una puesta en escena minimalista con una iluminación neutra diseñada por Bonnie Beecher y un vestuario intemporal de Natalie de Koening, que se aparta de todo posible pintoresquismo, siempre en presencia de una impositiva gran puerta colonial de madera, como practicable escenográfico giratorio que pende sobre la cabeza de los danzantes, sin que interactúen con ella: es un limbo a traspasar, como lo requiere la coreografía.

Acto seguido pasamos a un lenguaje, “otro”, donde prima el estilo neoclásico con influencias posmodernas, en el estreno cubano de “Soledad”, un dúo con coreografía y concepto de Rafael Bonachella, de la compañía catalana Lanómina Imperial, que luego, en 1992, ingresó en la londinense Rambert Dance Co., hasta que, finalmente en 2006, funda la Bonachella Dance Co. Y en 2008, marchó a Australia como director artístico de la Sidney Dance Company.

Estilo neoclásico con influencias posmodernas en “Soledad”, dúo con coreografía y concepto de Rafael Bonachella. Fotos: Buby. Gentileza AD.

Bonachella eligió un tema romántico recurrente, de amores y desamores entre dos seres humanos de distintos sexos, los cuales danzan con un lógico soporte musical -en un espacio limitado y minimalista- proporcionado por tangos y milongas de Astor Piazzola, así como boleros-rancheras en la icónica voz de la desaparecida Chavela Vargas (“Llorona” y “Noche de Ronda”), y un final interpretado por el célebre violinista Gidon Kremer. Tres parejas de las más brillantes y expresivas de Acosta Danza alternaron en cada una de las tres representaciones, las cuales defienden una intensa dramaturgia con destacado histrionismo y rotunda técnica, alrededor de una lámpara de pedestal y una butaca como únicos elementos escenográficos, en contraste con  la vacuidad coreográfica.

Después de una apetecible pausa, aconteció el más ansiado de los estrenos mundiales, “Cor”, con coreografía y concepto de Marianela Boán, con la ingente colaboración de los seis intérpretes y del autor de la música, el talentoso y polifacético joven compositor cubano Pepe Gavilondo (ya tiene en su haber otras exitosas piezas para esta compañía).

Marianela Boán es un nombre paradigmático en los anales de la coreografía cubana contemporánea. Ella inició su colaboración con Acosta Danza desde sus inicios en 2015, cuando el propio Acosta la invitó a reponer “El cruce sobre el Niágara”, una coreografía realizada por ella, en 1987, para dos bailarines masculinos de la compañía Danza Moderna de Cuba (hoy DCC). La posibilidad de crear una coreografía original siempre estuvo pendiente, y ahora logró hacerla, después de 16 años. Boán reside hace varios años en Santo Domingo, como directora de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea del Ministerio de Cultura de República Dominicana.

En cuanto al título de “Cor”, nuestras inquietudes fueron despejadas cuando nos explicó que proviene de la raíz de varias palabras que están muy vinculadas con su obra: el coro (tema utilizado en otros trabajos suyos mas de formas diversas); es la raíz de corazón y de coral marino, también de coralidad (relacionada a la más reciente historia cubana), y por supuesto, está en “coreo”, que “define todo lo que hacemos en danza”.

Boán define su estreno como “una obra muy física”, sin duda es igualmente una de sus creaciones más contaminada, en el sentido del empleo de la voz por los propios bailarines, quienes cantan además de moverse intensamente (con predominio del terre á terre) y trabajar con la manipulación de algún objeto: es el caso al final con las tumbadoras (instrumento cordófono que otros países denominan “congas”). La coreuta usó como leit motiv la canción “Consuélate como yo”, una muy popular rumba cubana que sirve de enlace a todos los momentos de esta pieza de poco más de 30 minutos.

La música en “Cor” es protagonista, especialmente por el trabajo dialógico estupendo realizado con Pepe Gavilondo, tecladista, compositor, profesor y productor, así como con la diseñadora de vestuario Alise Pérez (aunque el resultado no fue muy feliz); con la maestra coral Alina Orraca (arduo ejercicio con las voces, que requerían más horas de ensayo), y lujo de contar con Lino Pedroso para impartirles las clases de percusión (de tanta participación en la coreografía). No puede obviarse el trabajo significativo y eficaz de la experimentada maestra Loti Peón, como ensayadora, para superar el reto de conseguir este estreno en tiempo y forma.

Sin embargo, si bien reconocemos lo ambicioso del discurso coreográfico, el resultado no colmó nuestras expectativas.

La temporada “Rituales” cerró con la inteligente reposición de “Paysage, Soudain, La Nuit”, del coreógrafo sueco Pontus Lidberg, quien utiliza con eficacia teatral dos temas musicales de notables factura, como “Paisaje cubano con rumba”, de multilaureado compositor cubano Leo Brouwer (festeja sus 80 este año), y Cuban Landscape, del escandinavo Stefan Levin. Esta obra ya fue comentada por este cronista en su estreno, de la cual destacamos siempre la solidez de la escritura coreográfica en Lidberg, y la sabia iluminación de Patrick Bogardh. Un acierto, sin duda, cerrar esta primera temporada de 2019 con esta estupenda obra.

Acosta Danza abrió el telón con el estreno mundial de “Portal”, con coreografía y concepto del catalán Juanjo Arqués. Fotos: Buby. Gentileza AD.

Acosta Danza subió a escena “Mil años después”, estreno mundial, regalo para Carlos Acosta de parte del creador japonés Saburo Teshigawara. Fotos: Buby. Gentileza AD.

La nueva temporada primaveral habanera de Acosta Danza, la jovial agrupación fundada y dirigida por el encumbrado bailarín cubano Carlos Acosta, se presentó tres noches sucesivas a teatro lleno, del 6 al 8 de abril, en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso bajo la etiqueta de “Encuentros”. Y realmente lo fue doblemente. Al confrontarse los aficionados locales con tres obras provenientes de dos culturas -artísticas y coreográficas- de lejanas regiones como Japón y Suecia, representados por sus creadores: Saburo Teshigawara y Pontus Lidberg, respectivamente.

El primero, despertó curiosidad con una obra menos reciente empero icónica y referencial, “Lost in Dance”, 26 min, interpretada por el propio Teshigawara junto a su alter ego, la intrigante, intensa y virtuosa bailarina Rihoko Sato, desde 1996 su asistente artística para su labor creativa, laureada con el premio Positano “Léonide Massine per l’Arte della Danza (2012), y recientemente con el nuevo premio Japan Dance Critical Award (2016).

Teshigawara (1953) nació en Tokio, donde estudió artes visuales antes de comenzar ballet con 20 años cumplidos. En 1981, aunque admirador de la técnica clásica, comenzó a experimentar con proyectos más interdisciplinarios, trabajando con realizadores de vídeos y con artistas de artes escénicas, en busca de lo que denominó “a new form of beauty”. Este creador se ha distinguido por su poderoso sentido de la “composición, del dominio del espacio y  los fluidos movimientos de baile”, con el objetivo de crear un estilo único y personal.

En cierta ocasión dijo: “I don´t live to make dance”. Luego ha explicado que “cuando hay algo que quiero expresar cojo un lápiz para convertirlo en poesía; si tengo un lienzo frente a mí será una pintura y si hay un espacio alrededor de mí, éste se transformará en una danza”. Para un mejor entendimiento de su danza hay que remitirse a la tradicional caligrafía japonesa, donde su brocha o pincel casi nunca se levanta del papel. Sus movimientos son como espirales en el espacio que se aceleran o desaceleran, como los movimientos en cámara lenta de un mimo. Hasta sus caderas y brazos se agitan enérgicamente con círculos. Todo parece igual o casi igual. Aunque, prestando más atención, se puede descubrir la variedad y hasta  mínimas sorpresas, aunque la impresión acumulativa pueda parecer una monotonía… sin duda es de una inventiva a veces impenetrable.

Vale señalar, por ejemplo, su repetida secuencia con la bailarina, ambos de riguroso negro, para indicar las transferencias de los cuerpos dentro de la danza, con los recíprocos traspasos ad infinitum de un amplio y sedoso kimono negro. El inteligente soporte musical de la Sonata de Schubert  (tempo moderato cantabile) ejecutada preciosamente en la grabación por el gran Sviatoslav Richter, fue una contribución mayor al  carácter hipnótico de la pieza: ahí está su tendencia a enfatizar  los símbolos y no lo narrativo.

“Lost in Dance”, de Saburo Teshigawara interpretada por el coreógrafo y junto a la virtuosa bailarina Rihoko Sato. Fotos: Buby. Gentileza AD.

Después de un prolongado pero necesario intermedio, para el montaje escenográfico de la obra siguiente, comenzó la pieza grupal de corta duración concebida por el sueco Pontus Lidberg para once notables bailarines de Acosta Danza, bajo el título en francés “Paysage, soudain, la Nuit” (Un paisaje, súbitamente, la noche). Lidberg ha establecido su reputación en pocos años como coreógrafo, cineasta y bailarín. Su creatividad quedó internacionalmente reconocida con su film “The Rain”. Ulteriormente, en 2012, su filme creado para el grupo californiano Morphoses, “Labyrinth Within”, le permitió ganar el trofeo como Mejor Película en el Festival Dance in Camera, del neoyorquino Lincoln Center.

Lidberg  nació en Estocolmo hace 40 años y posee una mirada intensa, propia de una personalidad controlada, intelectual y reflexiva. Su formación artística es muy peculiar. Desde los 6 años inició su inusual carrera luego de asistir a un espectáculo de ballet. A los 10 años, después de una audición, este hijo de un siquiatra y una sicóloga, ingresó en la Escuela del Real Ballet de Suecia; luego recibió una maestría en Artes Escénicas Contemporáneas de la Universidad de Gothenburg, posteriormente intercaló cuatro años de estudios de medicina entre los cursos de ballet, actuaciones en escena y la dirección de filmes.

Para su estreno mundial en La Habana, “Paisaje…”, Lidberg  tuvo un doble acierto al elegir como soporte sonoro una notable obra del afamado compositor cubano Leo Brouwer (Paisaje cubano con rumba) y otra pieza corta minimalista del sueco Stefan Levin (Cuban Landscape), así como la escogencia para la escenografía de la talentosa artista Elizabet Cerviño: una instalación lineal lumínica que muestra una franja de trigo antes de la cosecha.

Además, la coreografía para un grupo mixto de bailarines -que incluyó al propio autor y su joven compatriota David Lagerqvist, como bailarín invitado-, está cargada puntualmente de un marcado atletismo,  sazonado con instantes joviales teñidos de gran sentido del humor, que provocaron la espontánea risa del auditorio. Aquí destacaremos la labor interpretativa de Marta Ortega, Laura Treto y Alejandro Silva, entre otros.

Con el soporte sonoro de obras del cubano Leo Brouwer y del sueco Stefan Levin, Pontus Lidberg llevó a Cuba “Paysage, soudain, la Nuit” . Fotos: Buby. Gentileza AD.

Después de otra pausa, la danza siempre intensa, dinámica y subliminal en su creatividad y estilo particular de Saburo Teshigawara. Esta vez aplicada sobre ocho brillantes bailarines  ambos sexos de Acosta Danza, con notables intervenciones de Javier Rojas (en el “opening” y el cierre), Carlos Luis Blanco y la escultural Zeleidy Crespo. Se trata de otra obra hipnótica (o casi) de unos 27 minutos, “Mil años después”, estreno mundial regalo a Carlos Acosta, con coreografía, dirección, diseño de luces y vestuario por el multifacético creador japonés asistido por la eficaz bailarina Sato.

En esta entrega hubo atisbos de elementos provenientes de la técnica académica y del butoh, pero no hubo cambrés, cargadas, ni el “contact”; sin embargo, los afiatados cuerpos del conjunto cubano vestidos de blanco con sus piernas y pies desnudos, asimilaron aproximativamente -en escasos ensayos- una filosofía y poética bien ajena a ellos hasta entonces. En cambio, evolucionaron con precisión las dinámicas tímbricas de la exquisita Suite Lírica del vienés Alban Berg, con notables dúos por Raúl Barroso y Mario  Sergio Elías… Hasta que irrumpe la soberbia música de cámara creada por Mozart – un cambio de giro rupturista-, sobre la cual los bailarines “se desmayan” sucesivamente como castillos de naipes. ¿Será, acaso, una imagen evocativa del maltrato indiscriminado infringido a la “casa común”?