Malpaso presentó “Vértigo”, de la coreógrafa española Susana Pous en el Teatro Martí. Foto: Julio Larramendi. Gentileza Teatro Martí.

Este primer maridaje de la danza y el jazz -en todas sus modalidades-, aconteció en la Habana en enero durante la celebración del macro Festival internacional jazz-Plaza, en su trigésima novena edición. Un hito para los apasionados aficionados del género jazzístico de la Mayor de las Antillas y de muchos, más allá de sus fronteras.

El público consumidor habitual de este tipo de convocatorias musicales pluridisciplinarias fue testigo de tres impactantes entregas creativas generadas por talentosos coreógrafos con formación en la danza contemporánea, a partir del crisol que le aporta la joven compañía Malpaso y, por otra parte, el Ballet Nacional de Cuba, con una brillante veteranía de 75 años. Las producciones contaron, afortunadamente, con el soporte musical en vivo ejecutado por el conjunto instrumental Cubadentro, beneficiado con dos pianistas de excelencia, Alejandro Falcón y el neoyorkino de origen cubano Arturo O’Farrill, con la participación del virtuoso saxofonista estadounidense Ted Nash.

Mientras que, en el estreno absoluto por el BNC, el protagonista musical fue el electrizante tecladista y compositor Roberto Fonseca, director artístico del evento internacional (activas 12 sedes, con 184 espectáculos en la capital y 74 en Santiago de Cuba, con participación de invitados de 17 países de tres continentes, de China por primera vez).

Estas mencionadas agrupaciones de danza de renombre defendieron con brío y emotividad los honores de inaugurar el evento. Malpaso en el elegante y acogedor Teatro Martí, y el BNC en la gran sala modernista Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, con sus directores artísticos respectivos en escena: Osnel Delgado y Viengsay Valdés, para beneplácito de las multitudinarias audiencias.

Malpaso regaló tres piezas de su catálogo, entre ellas “A dancing Island”, de Osnel Delgado, como estreno en Cuba, pues su premier mundial -siempre con música en vivo- fue en Filadelfia el pasado año. Luego se presentó en la sede neoyorkina de la compañía, el Joyce Theater, al cual están asociados hace varios años.

Igualmente, tuvimos ahora la oportunidad de apreciar “Vértigo”, la más reciente creación de la exbailarina española Susana Pous, afincada en Cuba hace varias décadas. Agradecemos la reposición revisitada de la miniatura coreográfica de la bailarina y directora Daile Carrazana, “Nana para un insomnio”, estrenada con éxito de la crítica especializada hace dos años, sobre música instrumental original de Jordi Sabatés, con arreglos de temas del gran músico cubano Bola de Nieve (Ignacio Villa), ejecutada en vivo al piano por O’Farrill. Es un solo para Osnel Delgado, que nos entregó una estupenda demostración de virtuosismo técnico e interpretativo, para situarlo entre los mejores de su generación,

Estreno de “A Dancing Island”

Viengsay Valdés y Anyelo Montero en “Love Fear Loss”, de Ricardo Amarante. Foto Frank Dominguez. Gentileza BNC.

Como ha desvelado recientemente a la prensa Delgado, por once años líder de Malpaso, “A Dancing Island” proviene “de una verdad de pueblo, de un barrio, de una tonada o tumbao”, es “cada vez más importante tomar de las raíces, beber de esa agua”.

Y no es menos cierto que lo mostrado en escena por los atléticos bailarines de ambos sexos con un desenfado de autenticidad sincera que confirma su aseveración: “La danza no es más que una recreación simbólica de la vida, y cada baile es una estilización de cómo nos movemos de manera ordinaria”. El coreógrafo realiza pues un repaso de su herencia transcultural al pasar de la rumba al chachachá, al mambo, al son, la conga, al bolero o la salsa, en un flujo y reflujo; acentuada por elementos provenientes de las vivencias de los propios intérpretes.

También ha sido necesario conocer como influyó en las improvisaciones iniciales la visita a las obras del más eminente artista plástico nacional, Wifredo Lam, que atesora el Museo Nacional de Bellas Artes. En esta creación ha sido fundamental la participación del afamado pianista de jazz y compositor Arturo O’Farrill, que contribuyó en la integración del proyecto al pianista Alejandro Falcón y Cubadentro. La música, esta vez, fue creada exclusivamente para “A Dancing Island”, donde escuchamos una amalgama de géneros cubanos bailables y con raíces afros, fusionados con el jazz y la improvisación. Según O’Farrill, esta oportunidad “era un motivo para salir de las zonas de confort y ser un músico un poco más completo”.

La dirección artística tuvo el buen tino de elegir para abrir el espectáculo con la pieza “Vértigo”, de la coreógrafa española afincada en la isla hace décadas, Susana Pous, con formación primera en la danza académica. Su discurso coreográfico minimalista nos hace penetrar en las zonas más íntimas de la “poética del vivir”, emocionantes sus intérpretes mixtos. Con el apoyo de un ingenioso empleo de las iluminaciones con sus correspondientes artefactos escénicos aéreos manipulados por los bailarines, con austero vestuario monocromático que contribuye a la atmósfera dramática sugerente por el soporte musical del compositor Boris Kovac. El público demoró unos segundos antes de estallar en un largo aplauso cerrado.

El 28 de enero (coincidente con el natalicio José Martí) concluyó esta edición del macro festival anual de jazz, con el habitual concierto que ofrece el pianista y director artístico del evento Roberto Fonseca, y esta vez con la participación especial del Ballet Nacional de Cuba. Con esta invitación, el Festival Jazz Plaza aprovecha la ocasión para rendir homenaje la compañía por sus 75 años de fundación (por Alicia, Fernando y Alberto Alonso en 1948).

Por tal motivo se produjo el estreno absoluto de la obra “Apparatus”, -diez minutos intensos para 21 bailarines mixtos de la sección más joven del conjunto-, creada por el bailarín y coreógrafo de Acosta Danza, Raúl Reinoso. Se confiesa el coreógrafo como un creador del movimiento a partir de la música. La danza, después, según creaba el icónico Balanchine. En este caso se ha inspirado en una elogiada pieza de jazz de Fonseca, “Contradanza del espíritu” (el autor y su ensemble los interpretan en escena), para crear este “ballet” coral donde lúdicamente deconstruye las poses y gestualidades de los grandes clásicos decimonónicos empleando diagonales y círculos, con retadoras cargadas de chicas en tutú ruso. Y llega hasta sorprendernos con un guiño a la inclusividad de los géneros: un joven bailarín sale de la fila y se coloca un tutú, para ejecutar una deslumbrante variación y coda. Finalmente, hace un fugaz mutis.

Igualmente, Fonseca acompañó al piano el pas de deux que cerró la gala, “Love, Fear, Loss”, un homenaje a Edith Piaff por el coreógrafo brasileño Ricardo Amarante con música de Charles Dumont. Este tercer tema de la pieza se benefició con una vibrante interpretación de la primera bailarina y directora general del BNC, Viengsay Valdés, acompañada con eficacia y atletismo por el juvenil solista principal Anyelo Montero. Varios minutos duraron los saludos de cortina con ovaciones en pie por más de tres mil espectadores.

Malpaso subió a escena “La última canción”, un estreno de la coreógrafa Daile Carrazana. Foto gentileza Malpaso.

La compañía cubana de danza Malpaso, después de un largo período ausente de los escenarios de la mayor de las Antillas, debido a diversos compromisos en ciudades europeas y estadounidenses, retorna a su habitual sede habanera, el hermosamente remozado decimonónico Teatro Martí (seriamente afectado el pasado año por la explosión accidental de los depósitos de gas de un vecino hotel de lujo).

Este coliseo capitalino los acoge, esta vez, con un conjunto ampliado numéricamente, con jóvenes bailarines de ambos sexos, junto con un cuerpo de baile formado con las técnicas contemporáneas avanzadas dispuesto a ofrecernos una reclamada reposición y dos estrenos absolutos.

Malpaso, es una “ong” cultural sin ánimo de lucro fundada en diciembre de 2012 por el joven teatrista y productor Fernando Sáez, junto con los bailarines y coreógrafos Daile Carrazana y Osnel Delgado. En sus orígenes, consiguieron el generoso coauspicio de la Fundación Luwig de Cuba (sede matriz en Alemania), sin duda fundamental para su actual andadura internacional.

Por su experiencia en cuanto a la colaboración con la danza contemporánea, Malpaso se define como “una compañía de repertorio la cual, como parte esencial de su misión, promueve el trabajo de los coreógrafos cubanos emergentes”.

Otro principio básico, apuntan los directores artísticos de la agrupación, es la colaboración con prestigiosos artistas músicos (con Chico OFarrill), coreógrafos, o diseñadores de luces y vestuario. Este conjunto cubano está asociado, en el presente, al Joyce Theatre Productions de NYC.

Sobre las obras y los coreógrafos en cartel

En la primera parte: “Vals Indomable” (en reposición) es una creación de Azure Barton (Canadá/USA). Barton nació en Alberta, luego marchó a estudiar a la Escuela nacional de ballet de Toronto, donde recibió su formación profesional. Hasta la fecha ha colaborado con prestigiosas compañías tales como el Bolshoi Ballet, el ABT, el Houston Ballet, la Martha Graham Dance Co., el Netherlands Dans Theatre, BBaños, benefiada con grand piano Steinway en escena.

La joven Asherie es una b-girl, coreógrafa y bailarina. Afincada en NYC y laureada con el Premio Bessie 2016, por sus logros innovadores en danza”, ha recibido igualmente reconocimientos por sus trabajos, así como dos becas de estudios. El pasado año recibió el Premio del Proyecto Nacional de Danza para apoyar el desarrollo y puesta en escena de su nueva obra, “Odeon”, por parte de la Universidad de Wisconsin-Milwaukee obtuvo una maestría en Bellas Artes, donde investigó acerca de las raíces de la danza vernácula de jazz en los bailes callejeros y de clubes contemporáneos.

Actualmente, imparte cursos como docente de danza en varias universidades norteamericanas, y enseña en el Broadway Dance Centre. Asherie es miembro co-fundadora del colectivo femenino de la “house dance” (MAWU) siempre vinculada con la comunidad de danza “underground”.  Para esta obra y la precedente los diseños de luces y vestuario fueron por el imaginativo Guido Gali.

Como cierre del programa vino una gratificante pieza de la coreógrafa y directora artística Daile Carrazana como estreno absoluto, donde tuvo como soporte musical conocidas obras popularizadas por María Teresa Vera y Lorenzo Hierrezuelo y del catalán Jorge Sabatés, servidas por Carolina Baños al piano.

Aquí las luces fueron aseguradas por Gali, empero los diseños del colorido vestuario se debieron a Rachel Forbes. Carrazana nos regaló el plato fuerte de la noche. La pieza posee una intensidad holística que contribuye a enfatizar la característica identitaria del discurso coreográfico. En su desarrollo nada lineal y el eclecticismo de formas y estilos logra una sostenida coherencia en este trabajo coral intenso, conformado por los bisoños miembros del conjunto.

Las miniaturas coreográficas precedente, dejaron patente la vitalidad y atletismo distintivos de Malpaso, con promisorios futuros proyectos, aunque sentimos la ausencia de las impactantes entregas de su estelar bailarín Osnel Delgado.

RM.

]]> https://www.danzahoy.com/home/2023/10/con-nuevos-aires/feed/ 0 https://www.danzahoy.com/home/2022/10/disfruta-comparte-y-sigue-sonando/ https://www.danzahoy.com/home/2022/10/disfruta-comparte-y-sigue-sonando/#comments Fri, 07 Oct 2022 23:37:36 +0000 mgueler http://www.danzahoy.com/home/?p=15148

“The Turntable”, una nueva obra de Osnel Delgado realizada para el Smuin Contemporary Ballet, dirigido por Celia Fushille. Foto gentileza Toba Singer.

La publicación de este artículo es una gentileza de culturevulture.net, cuya versión en inglés se puede encontrar en el siguiente enlace:
https://culturevulture.net/features/interview-with-osnel-delgado/

Smuin Contemporary Ballet está llevando Dance Series 1 a escenarios alrededor del Área de la Bahía de San Francisco, California. El programa cuenta con tres obras: “Take Five”, de Rex Wheeler, “Requiem for a Rose”, de Annabelle López Ochoa, y “The Turntable”, del coreógrafo cubano y codirector artístico de la compañía de danza Malpaso de La Habana Cuba, Osnel Delgado. Entrevista a Osnel Delgado por correo electrónico el 25 de septiembre de 2022.

Toba Singer: ¿Por qué el tocadiscos (“The Turntable”) en este momento?

Osnel Delgado: Algo de historia… Diez años atrás conocí a Celia (Fushille) en la Habana, en ese entonces trabajaba con mi padre tras haber dejado Danza Contemporánea de Cuba. Surgió la idea de que en algún momento yo conociera a Smuin y trabajara con sus bailarines. Uno conoce a tanta gente a través de los años que yo ni siquiera la recordaba cuando reapareció en la sala de conferencia del Teatro Joyce de NY donde Malpaso estaba haciendo su temporada en una de las tantas giras por los Estados Unidos. Ella no había olvidado su sueño y se propuso que de una vez me diera un salto a San Francisco. En 2019 los visité, y en 2020 empezaba el proceso que se interrumpió por la pandemia. Dos años después, todo el antiguo material y las conversaciones dieron forma a esta obra. Algo hecho en especial para la compañía y no sólo en la manera en la que yo trabajo sino también en la forma que los veo y lo que creo que necesitan para seguir creciendo. ”Turntable” es una obra en la que todos deben mirarse, en la que el espectador es parte como observador pero nosotros no bailamos para ellos, bailamos para nosotros mismos. Un personaje central y varias historia se entremezclan en el vórtice de la vida, de una canción a otra, se pierden y se encuentran.

TS:  Ya que es (literalmente) central en la pieza, ¿por qué lo usas tan selectivamente?

OD: Fue bien interesante trabajar con esta estructura circular, y no me refiero sólo al centro sino a la obra en sí, no hay frentes, solo puntos de entrada y salida. Como efecto es algo muy poderoso pero no podía ser abordado todo el tiempo, tratar de matizar para no aburrir, y aunque lo considero el motor impulsor de todo, bueno, a veces hay que salir de él para encontrarle sentido a las cosas. Como en la vida real, no todo se encuentra en nosotros mismos, ni en un sólo lugar…

TS: En los segmentos de palabra hablada y en la música, el tema de la espera de un amante adquiere una urgencia cada vez mayor, empezando al inicio de la pieza con una súplica para volver, y se vuelve más acentuado e insistente hasta que escuchamos “Si no vuelves, me muero”, donde el movimiento implora desgarradoramente. ¿Esa letra/historia impulsó la coreografía o es que los pasos inspiraron la palabra hablada?

OD: Siempre me gustó la canción, estaba dentro de la selección de músicas que decidí usar para confeccionar la pieza. Las reflexiones las escribí durante la pandemia. Nunca pensé usarlas, pero bueno, mis maestros dicen que todo sirve, grabarlas y utilizarlas creo que fue acertado pero todo un reto. Me costó acostumbrarme a escuchar mi propia voz, pero al final tomó forma dentro del proceso. Las cosas hay que tramarlas si no se traman a sí mismas. Texto, movimiento y canción hacen una combinación interesante que nunca había explorado antes y me ayudó a darle voz a la ausencia del otro, algo por lo que clama, no solo el personaje central. Todos necesitamos el afecto y la compañía de alguien.

Osnel Delgado ha trabajado con coreógrafos como Mats Ek, Rafael Bonachela, Kenneth Kvarnström, Ja Linkens e Itzik Galili, entre otros. Foto gentileza Toba Singer.

TS: ¿Qué temas coreográficos, de vida o deseos ocupan tus pensamientos que no hubo tiempo de continuar?

OD: Muchos, todos. Las cosas que quiero decir son diferentes e infinitas. Me interesan las vivencias y experiencias humanas, las historias, pero lo que más me gusta es conectar con gente diferente, construir un material a través del cual puedan expresar quiénes son y de dónde vienen. Al final no es tan importante lo que yo quiero sino lo que somos capaces de construir todos como parte de una experiencia colectiva, que es la manera en la que puedo definir mi proceso. Siempre cambia y siempre es este momento.

TS: ¿Qué has aprendido en el proceso de colaboración con otros coreógrafos, otras compañías y qué has aportado a sus vidas creativas?

OD: Mucho, e incluso puedo decir que tengo algo de cada uno de ellos. He aprendido de todos con los que he trabajado, soy el resultado de todas esas colaboraciones y también, de mis profesores y de mis compañeros. Pero luego hay que encontrar algo que decir más allá de todo eso, encontrar nuevas motivaciones. Para mí los más importantes son aquellos con los que convivo día a día, son mi fuente de inspiración y en quienes baso mis propias historias, de quienes aprendo más de lo que puedo entregar.

TS:  Este es el décimo aniversario de Malpaso. En alguna manera, es solo un número, pero en otras, es una década resonante de vivir su nombre como una compañía en rebelión contra una proscripción, una advertencia de que estabas comenzando con el pie izquierdo. ¿Qué quiere decirle ahora tu propio ser, como coreógrafo que ha absorbido tanta experiencia de esa década, a ese joven que recién comenzaba hace diez años?

OD: Es muy interesante poner las cosas en esa perspectiva. Estaría tentado de aconsejarlo sobre un par de cosas, pero de nuevo, cada uno debe cometer sus propios errores y aprender de ellos. Malpaso es lo contrario de lo que debe ser la danza, pero debes comprometerte para encontrar tu camino. Esa es la filosofía de nuestro grupo, así como las colaboraciones entre varios artistas para ayudar al crecimiento y desarrollo de cada uno de los integrantes. Sólo le diría que recuerde que, aunque la carrera se afronta individualmente, nada se consigue sin ayuda. Disfruta, comparte y sigue soñando.

Sobre la autora:
Toba Singer, autora de “Fernando Alonso, the Father of Cuban Ballet” (University Press of Florida 2013), y “First Position: a Century of Ballet Artists” (Praeger 2007), escribe para revistas y sitios web de danza internacionales, y se ha desempeñado como asesora del Museo de Performance y Diseño de San Francisco. Fue la autora representante de University Press of Florida en la Feria Internacional del Libro de Miami de 2013. “Fernando Alonso, el padre del ballet cubano” fue nominado para el premio Bryce de la Asociación de Estudiantes Latinoamericanos, el premio de la Torre Research and Dance Scholars y el Commonwealth Club California Book Award.

Malpaso estrenó una versión posmoderna de “Cascanueces” con coreografía del bailarín y director artístico Osnel Delgado. Foto gentileza Malpaso.

Malpaso, la juvenil compañía de danza contemporánea, se presentó, entre el 4 y el 6 de febrero, en la gran sala del Teatro Nacional de Cuba (su sede habitual ha sido el decimonónico Teatro Martí), con un aforo de tres mil ahora reducido al 50% ante las medidas sanitarias obligadas por la pandemia de la Covid 19. En esta ocasión se lanzó al reto de estrenar una rompedora versión minimalista y posmoderna del archiconocido ballet del gran repertorio, “Cascanueces”. Siempre con la música original de P. I. Tchaikovsky en un meritorio arreglo “digest” de la joven violinista y compositora cubana Jenny Peña, y con coreografía del bailarín y director artístico Osnel Delgado.

En la primera parte del programa, una obra ya paradigmática de la danza contemporánea de los finales del siglo XX, “Tabula Rasa”, del coreógrafo y bailarín israelita Ohad Naharin. Se sumó una intrigante miniatura coreográfica del inmenso coreógrafo sueco Mats Ek, “Woman with water”, como ingreso al repertorio activo del conjunto. Como pieza de apertura el solo masculino “Nana para un insomnio”, creado para Osnel Delgado, con coreografía de la bailarina-fundadora de la agrupación Daile Carrazana, sobre el poderoso soporte musical del malogrado compositor catalán Jordi Sabatés, con dedicatoria in menoriam de esta temporada.

Un equipo, conducido por Fernando Sáez, diseña con cuidadosa estrategia los títulos elegidos para cada temporada y giras internacionales, para evitar arduas elaboraciones intelectuales que permean o cargan las obras que deciden poner a consideración de los numerosos seguidores de este grupo. Es una pauta que siguen otros conjuntos igualmente asociados al Joyce Theatre de Nueva York.

Heriberto Meneses en “Nana para un insomnio”, de la bailarina-fundadora de la agrupación Daile Carrazana. Foto: Ivo Baelli. Gentileza Malpaso.

Por supuesto que, de este festín de danza, el plato fuerte a descubrir y degustar es la mencionada versión de “Cascanueces”. Una obra para 10 bailarines de ambos sexos en un acto, con duración de algo más de 40 minutos, en la cual Delgado no se aparta del tema central de la historia familiar, pero elude la narración lineal y se concentra en las definiciones de cada personaje en sus interacciones con los otros en la supuesta fiesta navideña, sin recurrir a la simbología tradicional. La música es ejecutada sobre la escena por una orquesta de cámara ad hoc, conducida con pericia por el maestro Pedro Ortiz. Los diseños de luces y de vestuario son una baza de triunfos debidos a su creador, Guido Gali (asociado al equipo de producción desde sus inicios).

Empero, como se dice en buen cubano: el pollo del arroz con pollo es la coreografía, la cual exhibe una amplia variedad en su vocabulario de pasos, así como unas ingeniosas articulaciones con un desenfadado atletismo posmoderno en las dinámicas corporales, sin miedo a utilizar contaminaciones provenientes de la técnica del ballet, en los port de bras, los sautés, los portées, los tours, los coup de tete y otros. Esta amalgama tiene una coherente estética en la ejecución de los excelentes bailarines del elenco. Por otra parte, la dramaturgia no quedó descuidada. Esta obra fue merecedora con justicia del premio Villanueva 2021, que otorga anualmente un exigente jurado del círculo de la crítica de las Artes Escénicas de la UNEAC (Unión nacional de escritores y artistas de Cuba).

El solo creado por Carrazana para Osnel Delgado (luego compartido por el apolíneo Heriberto Meneses), contó con un “grand concert” piano en escena ejecutado sensiblemente por Carolina Baños. La coreógrafa explota “in extremis” el virtuosismo técnico del notable intérprete que, además, logra comunicar matices interpretativos donde demuestra su madurez artística.

Dos coreógrafos foráneos invitados –gracias al patrocinio de importantes instituciones internacionales–, completaron el cartel con sus creaciones bien avaladas por el público y la crítica europea: “Woman of the Water”, un dúo concebido por el sueco Mats Ek para su excelsa esposa-bailarina-actriz Ana Laguna (aquí su asistente), montado para dos parejas del conjunto, Dunia Acosta con Delgado y Daile Carrazana con Meneses. El hecho de presentarse en este vasto espacio y con la lejanía del público por interposición del gran foso de orquesta, la entrega del drama -encapsulado en 15 minutos- resultó epidérmica.

Por otra parte, la obra coral de Naharin, “Tabula Rasa”, desde su estreno mundial europeo, ha derramado ríos de tinta, más para bien que para mal. Ha sido muy apreciada por las sutilezas refinadas en los planteamientos filosóficos que se empeña en comunicar, danza mediante, apoyado por un grandioso soporte musical minimalista del muy mediático compositor letón Arvo Part, pleno de sutilezas con acentos cósmicos. La producción escénica ha sido muy cuidada e inteligente: luces diseñadas por el propio Naharin y un vestuario pertinente de Eri Nakamura. Una muy agradecida reposición, ovacionada cada noche, que adoleció (como pasó con las otras piezas) del devorador espacio escénico de la Sala Avellaneda.

Una miniatura coreográfica de Mats Ek, “Woman with water”, interpretada por Osnel Delgado y Dunia Acosta, ingresó al repertorio de Malpaso. Foto: Ivo Baelli. Gentileza Malpaso.

]]> https://www.danzahoy.com/home/2022/02/un-festin-de-danza-con-un-plato-fuerte/feed/ 0 https://www.danzahoy.com/home/2020/12/despues-del-silencio/ https://www.danzahoy.com/home/2020/12/despues-del-silencio/#comments Fri, 18 Dec 2020 23:41:27 +0000 mgueler http://www.danzahoy.com/home/?p=14400

Malpaso Dance Company presentó en la sala García Lorca “Tabula Rasa” del coreógrafo israelí Ohad Naharin Foto: Foto gentileza Yuris Norido.

La compañía cubana de danza Malpaso, una compacta agrupación mixta de bailarines bien entrenados concluyó su primera incursión en el vasto escenario de la grandiosa sala neobarroca Federico García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso. Para muchos artistas esto sería considerado un gran privilegio -si tenemos a este sitio como el de mayor rango consagratorio-, pero para este veterano observador de las artes escénicas hubiera preferido como locación más ajustada para el formato actual de Malpaso (y de otros conjuntos similares), un espacio teatral donde se produjera la interacción dialógica de los intérpretes con el auditorio, aquí entorpecida por el distanciamiento por el amplio y profundo foso para una orquesta sinfónica.

Como apoyo a nuestra observación, podemos sumar el hecho de la elección del repertorio que conformaba este programa. Los tres títulos, en esta ocasión, se debían a jóvenes creadores con bien ganada reputación mediática en el mundo de la danza contemporánea, especialmente el menos joven, autor de la obra conclusiva del espectáculo. La producción escénica de los mismos no tenía necesidad de una escenografía corpórea; los cambios de sus respectivos ambientes o atmósferas eran conseguidos rápidamente por experimentados diseñadores de luces, teniendo como soporte un ciclorama negro. En el caso del acompañamiento musical para todas las obras, se consiguió el apoyo con excelentes grabaciones en HD.

Como bien señala en el programa de mano Fernando Sáez, director general y co-fundador de este conjunto, la escogencia de “notables” coreutas extranjeros, ha sido “el resultado de colaboraciones que han marcado nuestro destino (…), y nuestra voluntad de diálogo”. Sin embargo, a dos años de una década de existencia, Malpaso prepara una temporada para marzo de 2021 -esta vez de nuevo en el renovado decimonónico teatro Martí-, para seguir su primigenia motivación al ofrecer una “serie de obras de jóvenes coreógrafos cubanos”.

El espectáculo

“Vals Indomable”, de Aszure Barton, fue la primera obra seleccionada en este ciclo de dos funciones en el Gran Teatro de La Habana. Foto gentileza Yuris Norido.

Sin duda, han ofrecido un espectáculo encomiable por su titánica resiliencia ante las privaciones del ostracismo involuntario de nueve meses, obligado por los protocolos sanitarios a seguir para evitar los contagios de esta pandemia planetaria del nuevo Coronavirus. Esta decena de bailarines, bajo la égida de su colega y compatriota Osmel Delgado, lograron mantenerse en forma física y técnica con un duro trabajo cotidiano, clases y ensayos, a partir de las copias en video enviadas por los autores, en ausencia de su ejecutoria presencial debido al cierre de aeropuertos y la prohibición de los vuelos internacionales y locales.

Pudimos apreciar en ellos el atletismo elegante de los chicos y el retador lirismo de las chicas, para entregar con rigor estético los diversos estilos coreográficos de cada título. Esos variados estilos son inclusivos, evidente por las contaminaciones del vocabulario del movimiento procedente de la danza académica (tal vez guiños a la manera de Twyla Tharp, o de otros en la Judson neoyorkina), que observamos en las tres piezas de autores norteamericanos.

En la primera parte, como apertura disfrutamos los 27 minutos del “Vals Indomable” con coreografía de Aszure Barton, sobre motivadoras músicas de Alexander Balanesco, Michael Nyman y Nils Frahm y diseño de luces por Nicole Pearce. Varias instituciones y fundaciones estadounidenses contribuyeron a la realización de esta obra, co-comisionada por Dance Cleveland y la Cleveland Foundation.

Tras una breve pausa, le siguió “Elemental”, de sólo 24 minutos, para honrar la memoria de Bob Williams, concebida por la coreógrafa Robyn Mineko Williams, sobre un collage musical variado que incluye nueve temas, bajo la supervisión de Robby Haynes. En “Elemental” escuchamos a Tim Rutili en “Zabriskie After Midnight”, pasando por dos danzas para piano del cubano Ernesto Lecuona; un bolero cantado a capela en vivo por el bailarín Manuel Durán, así como un instrumental de Arvo Part. La obra cerró con el famoso “Kitchen Pan” de Robyn Williams (su voz en off). Muy generosamente aplaudida, la pieza contó con el apoyo del Chicago Auditorium, donde fue estrenada, y del Joyce Theater Production.

La segunda parte, como pieza conclusiva única, presentó “Tabula Rasa”. Gratificantes 27 minutos del afamado coreógrafo israelita Ohad Naharin, quien pudo enviar a tiempo dos asistentes, Matan David y Bret Easterling. (Gracias a ellos los bailarines pudieron trabajar el particular vocabulario Gaga creado por Naharin). Con el magnífico soporte musical de Arvo Part y el vestuario diseñado por Eri Nakamura (esposa japonesa de Naharin), beneficiado con las luces del propio coreógrafo. Como los precedentes títulos, la presentación de esta obra fue también posible gracias a The Executive Director´s Fund del Joyce Theater Foundation y de la Jerome Greene Foundation, en honor de Karen Brooks Hopkins.

Malpaso estrenó en Cuba “Tabula rasa”, una de las tres primeras obras del coreógrafo Ohad Naharin, creada en 1986. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

La más joven compañía de danza contemporánea del archipiélago cubano, Malpaso -fundada hace solamente un lustro en la capital cubana por tres osados, testarudos e indomables  jóvenes lugareños-, sigue mostrando en cada representación la solvencia de las potencialidades físicas y técnicas de sus bailarines, empero están renuentes a menoscabar sus “estándares coreográficos”, que han sido los objetivos fundacionales de esta agrupación.

Para sustentar este objetivo confesado de la constante “renovación”, preferimos citar una nota en el programa de mano firmada por Fernando Sáez, director general y co-fundador de Malpaso, donde expresa: “no es (por tanto) obra del azar, de la pereza o el descuido, que el programa que presentamos (ahora en el habanero teatro Martí) incluya junto a las obras de coreógrafos célebres (o consagrados), las de (bailarines) debutantes en el oficio”.

La primera parte nos permitió valorar, “Ser”, una miniatura (10 min) firmada por la solista Beatriz García Díaz, escrita para dos parejas mixtas sobre la sugestiva música de Ezio Bossio (compositor mediático  en Europa), apoyado por inteligentes diseños de luces y vestuario de la propia coreógrafa y danzante de la pieza. De su coreografía reprochamos la ausencia aparente de un asidero conceptual que justifique las articulaciones atléticas, con la consiguiente disminución comunicacional con el auditorio. Esto será superado con la madurez de su talento.

Después de una breve pausa, subió a escena la creación de la coreógrafa canadiense Aszure Barton, “Vals Indomable” (27 min). Nos presentó una obra coral para diez bailarines mixtos co-comisionada por Dancecleveland y la Cleveland Foundation, producida merced al mecenazgo de la New England Foundation for the Arts´ National Dance Project y el apoyo de otras instituciones con sede en los Estados Unidos. Malpaso es una compañía asociada al Joyce Theatre Productions.
Aszure Barton, asistida por Jonathan Emanuel Alsberry, elaboró una pieza atrayente y dinámica donde hecha mano de la técnica del contact y de unos pocos elementos de ballet, para así aprovechar las posibilidades rítmicas y tímbricas que le proporcionan las diversas músicas elegidas  de compositores  tales como Alexander Balanescu, Michael Nyman y Nils Frahm, así como la producción escénica de Nicole Pearce, en las luces, y de Fritz Masten en los figurines. La solvencia ejecutoria de los danzantes quedó probada con creces, particularmente en las intervenciones de Daile Carrazana, Osnel Delgado y Fernando Benet.

Solo para bailarín, “El piso a cuestas”, de Abel Rojo, protagonizado por Osnel Delgado, director artístico de Malpaso. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

Tras otra breve pausa, las cortinas abrieron para mostrar bambalinas negras y por iluminación, una luz cenital al centro (según diseño de Guido Gali) donde podemos distinguir a medias un atlético bailarín todo de negro sobre una losa blanca: Abel Rojo, el solista y coreógrafo del solo “El Piso a Cuestas” (10 min intensos e hipnóticos). Sobre ese piso desmontable se desarrollan las acciones de este carismático bailarín de especial proyección escénica. Su desempeño se vio mermado, según pudimos conocer, por una lesión muscular en el ensayo precedente, no obstante, las ovaciones no se hicieron esperar al final. Señalemos que un elemento a su favor fue su elección de Les Gymnopédies, de Erik Satie, como soporte musical, aunque la originalidad de la pieza de Rojo está por verse.

Finalmente, luego de un prolongado intermedio, llegó el plato fuerte de esta temporada: el estreno en Cuba de “Tabula rasa” (1986), del afamado coreógrafo israelita Ohad Naharin (residente director de Batsheva Dance Company y creador de un nuevo método de improvisación denominado GAGA con vocabulario propio), nacido en 1952 en el seno de una familia de artistas con formación musical, que comenzó en la danza con 22 años cumplidos . “Tabula…”, una de sus tres primeras creaciones, fue la pieza elegida en común acuerdo por los codirectores Malpaso y el creador, teniendo en cuenta varios aspectos logísticos y estéticos, para ser interpretada por diez de los más solventes danzantes de la joven agrupación.

Para lograr esto, viajaron previamente a La Habana dos de sus asistentes: Matan David y Bret Easterling, que se entregaron día y noche al montaje de la obra, hasta la llegada de Naharin, quien trabajó intensas jornadas con todo el equipo para revisar, pulir  y precisar matices y detalles actualizados en los movimientos requeridos para conseguir  claridad en las complejas imbricaciones de sus bien estructurados 27 minutos de duración, apoyados por una perturbadora música de Arvo Part.
La entrega artística del cuerpo de baile mixto -implicado a fondo en la profunda dramaturgia de “Tabula rasa” -,  logró apresar  y comunicar  su intensa carga dramática: angustias, desesperanza, dolor espiritual y físico. Son algunos de los elementos referenciales y autobiográficos en la vida del autor que transpira la pieza en su discurso coreográfico: un accidente óseo que detuvo su carrera de bailarín clásico (estudió primero con Martha Graham y luego en la School of American Ballet) o la trágica muerte en 2001 de su primera esposa y asistente. El éxito quedó sellado con largas ovaciones en pie.

Igualmente, esta obra fue posible gracias al director ejecutivo del Joyce Theatre Foundation; Jerome L. Green Foundation en honor a Karen Brooks Hopkins, así como el apoyo de Susan Dickler y Sig  Van Raan.

“Incomitable Waltz” es el título de la pieza concebida por Aszure Barton para esta exitosa agrupación cubana. De solo 27 intensos minutos, fue realizada por ella en colaboración con los ocho bailarines que ejecutan con brillantez y pasión los encadenamientos de pasos que recrean las formas básicas del vals vienés, en su mayor parte con figuras predominantemente en la vertical, asistidos por su compatriota Jonathan E. Alsberry.

Es una pieza coral con hermosos movimientos líricos abstractos, que entrelazan una buena variedad de combinaciones genéricas, que alternan dúos, tríos o solos, hasta un final de todos, apoyados por un eficaz soporte musical aportado, que incluye fragmentos seleccionados a partir de obras de tres compositores: Alexandre Balonescu, Michael Nyman y Nils Frahm. Además, la puesta en escena fue concebida por diseñadores escénicos foráneos de reconocida experiencia, como Fritz Masten (vestuario, en los que predominan los amarillos, fucsia y bermellón), y en las luces Nicole E. Pearce (bombillas incandescentes colgantes sobre los danzantes). Esta obra ha sido posible merced al patrocinio del Proyecto de Danza de New England Foundation for the Arts.

Otras dos obras del repertorio completaron el primer programa, ambas concebidas por autores foráneos especialmente para este conjunto: “Bad Winter”, dúo de 13 minutos, del polifacético coreógrafo estadounidense Trey McIntyre, pensado sobre una intrigante y dinámica cinta musical interpretada por The Cinematic Orchestra & Arthur Tracey. Tanto los dúos como los solos fueron ejecutados con notable hondura emocional por Carla Araújo y Manuel Durán. El diseño de luces de Travis Richardson se mostró como un factor importante para el éxito de esta miniatura coreográfica.

Para el cierre de este programa, eligieron una coreografía del mediático afroamericano Ronald K. Brown, siempre interesado en validar las culturas ancestrales afro-norteamericanas, partiendo siempre de su formación en la danza contemporánea para luego elaborar una particular escritura coreográfica. En su pieza “Why You Follow” -de unos 24 minutos de duración-, Brown despliega con agudeza sus saberes de una manera diáfana en la manipulación de estos nueve dúctiles bailarines cubanos. Su inspirada creación tiene el eficiente soporte musical brindado por Open Hart “Looklit Africa” (Zap Mama); The Path “Yoruba Road” (Allenko Brotherhood); Commintment “En route to Motherland” (Godheaven and Juliano); Faithfully Forward “Kusase Mnandi”(Godheaven and Juliano).

Segunda vuelta

El coreógrafo Ronald K. Brown, presentó su obra “Why You Follow”, cuyo foco apunta a las culturas ancestrales afro-norteamericanas. Foto: Beatriz García. Gentileza Malpaso.

En el segundo programa, Malpaso ofreció la más reciente creación de Delgado: “Leones en las largas playas doradas”, una pieza de 60 minutos para toda una noche sin pausas, y como es regla, la escritura coreográfica de Delgado está desarrollada en colaboración con los bailarines. Esta producción fue originalmente comisionada por el Festival de Arte Luminato de Toronto, con patrocinio privado de Joan y Jerry Lozinski.

Una lograda puesta en escena minimalista, donde los altos niveles profesionales de la producción constituyen un valor fundamental para conseguir sus propósitos narrativos y de la dramaturgia. Entre ellos, el importante soporte musical con la partitura original y su dirección en vivo por el autor, el multipremiado (varios Grammy) Arturo O´Farrill; los diseños austeros y creativos del vestuario y de las luces por los afamados artistas Reid and Harriet y Al Crawford, respectivamente.

El amplio foso de orquesta de la Sala Lorca acomodó una formidable banda todos estrellas que incluyó instrumentistas excelentes, tales como Yasek Manzano (trompeta y fiscorno), Alejandro Falcón (piano), Michel Herrera (en los tres saxos), Héctor Quintana (guitarra clásica), entre otros jóvenes talentos de la percusión cubana.

En esta obra, Osnel Delgado se inspiró en la novela “El viejo y el mar” de  Ernest Hemingway, cuya acción se desarrolla en el ámbito de un pueblo pesquero, Cojímar, en las inmediaciones de la capital cubana, y cuya coreografía, la mayor parte del tiempo horizontal, está atenida a los principios de creación colectiva que definen a Malpaso. No se trata, aquí, de ilustrar la conocida novela, explica la nota al programa, sino de revisitar la anécdota en una aproximación metafórica a la mística y a sus temas fundamentales que atraviesan la poética de Hemingway: el triunfo de la voluntad, la defensa de la dignidad y el honor, la inutilidad de la victoria; y el espanto ante el carácter efímero.

El personaje protagonista, el viejo Santiago encarnado con pasión y carisma por Delgado, se afana en recrear los esencial con su coreografía y su estructura dramática que muestra la lucha de este veterano pescador “a solas en el mar inexorable con un pez enorme y esquivo”. Este mítico personaje está arropado todo el tiempo por nueve entregados y disciplinaos  bailarines de ambos sexos.
Malpaso es una compañía vinculada al Centro de Danza de la ciudad de La Habana y a la Fundación Luwig de Cuba, así como asociad al Joyce Theater Productions, una iniciativa del The Joyce Theater Foundation (NYC)  y el  Sunny Artist Management de Toronto, Canadá.

Danza Contemporánea de Cuba presentó la premiere de una obra de contenido político, “Heterodoxo”, de Annabel López-Ochoa. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

La danza contemporánea acapara las carteleras de la capital cubana estos dos primeros meses del año que comienza. Primeramente, una compañía norteamericana residente en Minnesota y, luego, dos compañías locales con sede en La Habana conquistaron el entusiasmo de un público heterogéneo, mayoritariamente juvenil, ávido de  novedosas propuestas. Los programas que se presentaron fueron acometidos con vigor, profesionalidad y pasión en cada uno de los variados títulos presentados. Ya sea por sus estilos coreográficos como por el discurso de los temas abordados en esta ocasión.

La compañía Zenon Dance, fundada y dirigida desde 1983 por Linda E. Andrews en Minneapolis, Minesota, pudo presentarse en el rescatado teatro Martí, poseedor de una hermosa sala de estilo italiano decimonónico. Esta agrupación estadounidense cuenta con un variado repertorio.

La presentación surgió a raíz del éxito de la obra “Coming Home” (Volver a casa), del coreógrafo cubano Osnel Delgado en agosto de 2014 en Minnesota. La compañía, a su vez, aprovechó su estancia habanera para “profundizar la conexión artística y cultural” con Delgado y su compañía Malpaso, como también con el público cubano.

La pieza de Osnel Delgado fue la más relevante (y aplaudida) del programa presentado aquí. En este “proceso creativo” entre un creador cubano y bailarines foráneos que recién se conocían, en solo diez días, fue acertado utilizar el pretexto de “jugar a la pelota”, es decir el baseball. Juego que, si bien nació en los Estados Unidos llegó a enraizarse en la isla a mitad del siglo XIX. Sin embargo, no constituye el tema central de “Coming Home”. En este desafío personal de Delgado, las tradiciones están presentes en las articulaciones del fraseo coreográfico, de enorme exigencia física, a la pasar del lirismo y lo vertiginoso, con la intención de recrear metafóricamente las posturas arquetípicas en la práctica del  béisbol. Delgado utiliza un soporte musical elaborado por él mismo.

En este programa se destaca también el dúo “My Very Empty Mouth” (Mi boca muy vacía), con coreografía de Wynn Fricke en colaboración con los bailarines, sobre música original de David Lang. Fricke entrega una pieza de claras referencias erótico-lésbicas de gran fuerza dramática, no exenta de una hermosa sensualidad y dominio corporal. El diseño de luces de Mike Grogan, mostró las astucias necesarias para delinear, en la brevedad de la obra, las sugestiones de Fricke.

La última obra fue una coreografía grupal de Danny Buraczeki, de 1999, con el sugerente título bíblico de “La Rueda de Ezequiel” (Ezekiel´s Wheel),  donde deslumbró la solista Mary Ann Bradley por su interpretación dramática y ejecución precisa al recrear corporalmente la voz icónica del poeta James Baldwin. La pieza se basa en una grabación en off de su elegía “Another Country”, apoyada por la banda sonora de Peter Jones a partir de los “Baldwin Blues” de Philip Hamilton. A pesar de los esfuerzos, las debilidades técnicas del cuerpo de baile no lograron hacer trascender la imagen bíblica sugerida por el coreógrafo. El movimiento circular de lucha y la búsqueda de la tolerancia en el discurso de Baldwin no llegó en toda su elocuencia.

Zenon Dance, de MInnesota, Estados Unidos, llevó a Cuba “Coming Home” de Osnel Delgado. Froto: Buby. Gentileza Buby.

Compañía de danza Malpaso

Nuevamente, el teatro Martí acogió el siguiente fin de semana a la compañía Malpaso, fundada hace menos de un lustro por el bailarín y coreógrafo Osnel Delgado. La agrupación, de corta andadura, ya es reconocida allende los mares, a tenor de la buena repercusión en los medios de comunicación especializados, dentro y fuera del país. Está auspiciada por la filial cubana de la germana Fundación Ludwig, por la Embajada de Noruega en Cuba, y otras entidades afincadas en la isla.

De las tres obras programadas para esta la primera temporada del grupo en 2016, “Bad Winter” del coreógrafo invitado Trey McIntyre era la novedad. McIntyre se formó como bailarín en la Academia de Ballet de Houston, pero muy pronto, en 1989, se desempeñó como coreógrafo aprendiz en esta misma institución. Después, al integrarse de lleno a la coreografía, desde 1995 logró estrenar piezas en compañías profesionales importantes de los Estados Unidos, hasta que decidió fundar en 2005 el Trey McIntyre Project. Actualmente,  ha enfocado su carrera hacia la experimentación en las artes visuales como documentalista.

La producción del dúo llamado “Bad Winter” estuvo encargado a un equipo estadounidense de experiencia y dominio de las nuevas tecnologías, eligiendo como soporte musical eficaz creaciones del The Cinematic Orchestra Arthur Tracy. Lo cual contribuyó a otorgar la adecuada relevancia a una serie de reiterada gestualidad, y así potenciar la interpretación de los solistas, a pesar de la brevedad de la pieza en cuestión.

Ha sido muy gratificante para los numerosos aficionados como a los especialistas rencontrarse y disfrutar de “Ocaso”, uno de los primeros dúos creados por Osnel Delgado para su agrupación, donde se lo vio en todo su potencia como intérprete. Junto él, la juvenil Daite Carrazana, elegante y precisa, sin menoscabo de su fuerza expresiva en su baile. Como cierre del espectáculo, otra obra apreciada de Delgado (con la colaboración de sus bailarines), “24 horas y un perro”, con el estupendo soporte musical del laureado pianista y compositor Arturo O´Farrill junto a su ensamble jazzístico, con arreglos de conocidos ritmos cubanos. Esta obra, estructurada en siete momentos rítmicos, es el resultado de una colaboración y complicidad artística entre el coreógrafo y el músico.

Danza Contemporánea de Cuba

El director de DCC, George Céspedes, recuperó para el repertorio su creación “Matria Etnocentra”. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Después de poco más de tres años ausentes de su escenario habitual, la Sala García Lorca del Gran teatro de La Habana Alicia Alonso  -por los motivos conocidos de su restauración y renovación-, la compañía Danza Contemporánea de Cuba (DCC), siempre bajo la  exigente dirección general del ex bailarín Miguel Iglesias, retorna con un atractivo programa. En esta primera temporada presentaron dos estrenos mundiales y tres reposiciones. Así como también, una nueva hornada juvenil de bailarines recién egresados de la Escuela Nacional de Danza, que -con urgencia- cubren las plazas abandonadas por una docena de antiguos miembros.

La joven coreógrafa colombo-belga Annabel López-Ochoa (actualmente requerida por varias importantes compañías de las cuatro esquinas del planeta), estuvo invitada para el montaje de una nueva pieza, e invirtió parte de su tiempo en el rescate de su precedente título, “Reversible”, asistida por la cubana Yoerlis Brunet. Esta última trabajó, igualmente, junto al coreógrafo George Céspedes en la recuperación para el repertorio de dos de sus creaciones: “Identidad – 1″ y “Matria Etnocentra”. Ambas con diseños grupales articulados matemáticamente, los cuales trascienden los tópicos al uso de los avatares de género, los juegos entre rivales, o las concepciones acerca del sentido de pertenencia nacional.

“Heterodoxo” (estreno mundial), según su autora López-Ochoa, es una pieza motivada por los recientes ataques cometidos en París, el pasado diciembre, por los grupos islamistas radicales vinculados al ISIS, que están insertados en la sociedad civil francesa, u otras de Europa.

Sobre la escena iluminada, están en pose 16 bailarines solistas de ambos sexos uniformados con vestimenta militar de camuflaje, los cuales se agitan vertiginosamente, luego en cámara lenta o con pasos marciales, diseñados por Vladimir Cuenca. En apenas 27 minutos, la atmósfera creada mantiene en vilo al espectador, con una mezcla de emociones angustiosas e inquietantes en desarrollo, hasta su desenlace imprevisible. El eficaz soporte musical resultó de un collage que incluyó piezas corales en creole, cubanas, y temas de películas, entre otras. La respuesta del público fue positiva, mas con un evidente acento de desconcierto.

El segundo estreno anunciado, “Cenit” de Laura Domingo –egresada de la Escuela nacional de ballet y dotada de un real talento para la escritura poética-, logra convencer con su talento para la creación de este trío de sólo siete minutos. Los tres bailarines, un hombre y dos mujeres, desarrollan coherentemente su discurso cual un ménage á trois. Si bien la paleta de su vocabulario revela su formación clásica, no se muestra encorsetada, y consigue explayarse a la hora de comunicar sentimientos, pasiones íntimas en esta concentrada miniatura coreográfica cargada de virtuosismo. Un punto a su favor ha sido la elección de la pieza para guitarra “La catedral”, del desaparecido genio paraguayo Agustín Barrios “Mangoré”.

“Under Fire”, de Trey McIntyre, obra que abrió la función de Malpaso en el Teatro Martí . Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

Con el apoyo corporativo de dos fundaciones extranjeras sobre basamentos artístico-culturales similares –la alemana Fundación Ludwig a partir de su filial afincada en La Habana hace dos décadas, y otra norteamericana, la The Joyce Foundation, con sede en NYC–, facilitaron al joven Proyecto cubano de danza Malpaso entregarse, en la misma función, a un díptico de poéticas coreográficas dialogantes.

En 70 minutos en los cuales los bailarines se sometieron, primeramente, al lenguaje y el estilo discursivo del reconocido coreógrafo estadounidense Trey McIntyre, en “Under Fire/Bajo fuego”, donde trata de expandir el vocabulario del ballet adquirido en su formación primigenia. Y en la segunda parte, ejecutaron el estreno “Despedida”, de su mentor y fundador el virtuoso y carismático bailarín Osnel Delgado, quien utilizó el poema homónimo del notable bardo argentino Jorge Luis Borges (ver recuadro).

Por su parte, McIntyre, con una carrera creativa internacionalmente consolidada, desde sus primeros veinte años hasta logar estrenar un centenar de coreografías en múltiples compañías del orbe, fue formado en las técnicas clásicas en la academia del Houston Ballet con el inglés Ben Stevenson. Aquí entrega nítidas frases para iluminar las claves poéticas, de sus propósitos metafóricos de su discurso.

En la segunda parte, Malpaso interpretó el estreno de “Despedida”, de su mentor y fundador, Osnel Delgado. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

A partir de unos papeles o documentos calcinados por el fuego, al hurgar en sus cenizas, vio que algunos se mantuvieron “prístinos”, logrando descubrir en ellos “como una metáfora elegante de la vida humana”. Y añade: “Cuanto más intentamos quemar y cambiar nuestro exterior, más evidentes se hacen ver nuestras esencias”.

Cuatro impetuosas parejas de ambos sexos bailan sobre el acertado soporte musical aportado por Grandma Kelsey –enfatizados con los impactantes diseños de luces de Al Crawford–, donde interpretan una bien estructurada pieza que atinadamente conjuga los encadenamientos balletísticos con la gestualidad posmoderna de la danza actual más competitiva. Sin evadir los recursos de la contact y del terre á terre, aunque sólo como elementos puntuales para otorgar fluidez a su fraseo. Entonces revela la madurez alcanzada por el autor invitado en su oficio coréutico.

Después de una pausa necesaria –como para limpiar “el paladar” después de degustar el primer plato de una suculenta cena–, llegó el “segundo plato” elaborado sobre ocho afiatados bailarines de Malpaso. Siempre liderados por Osnel Delgado, quien debió construir su “Despedida” sin la música, hasta que el afamado compositor de latin-jazz, Arturo O´Farrill, la enviara espléndidamente ejecutada por su octeto neoyorquino.

La obra de Delgado también se benefició con los inteligentes diseños de luces de Crawford, logrados con los recursos instalados en el centenario Teatro Martí (donde estrenan su escenario), aunque el inventivo vestuario de Jennifer Yanes no siempre facilitó la tarea de algunas bailarinas en particular.

Para entender y gozar a plenitud  la urdimbre de entretejidos, donde se alternan los sentimientos contrastantes de tristeza, nostalgia y de felicidad efímera con los reencuentros.

 Jorge Luis Borges

Entre mi amor y yo han de levantarse
Trescientas noches como trescientas paredes
y el mar será una magia entre nosotros.

No habrá sino recuerdos.
Oh tardes merecidas por la pena,
Noches esperanzadas de mirarte,
Campos de mi camino, firmamento
que estoy viendo y perdiendo…

Definitiva como un mármol
Entristecerá tu ausencia otras tardes.

Trey McIntyre, coreógrafo invitado
Nacido en Wichita, Kansas´, estudió en la North Carolina School of the Arts por dos años y, en 1987, ingresó en la Academia de Ben Stevenson del Houston Ballet. En la primavera de 1989, McIntyre fue nombrado aprendiz de coreografía de esta compañía, una categoría creada por Stevenson especialmente para él. Pasó a ser miembro del cuerpo de baile del Houston Ballet en 1990, y ese mismo año creó su primera obra para dicha agrupación, “Skeleton Clock”, con solamente cumplidos sus 20 años de edad. Desde temprana edad, sus destrezas creativas fueron evidentes para la crítica de danza y los aficionados. En 2005, fundó su propio grupo de danza, el Trey McIntyre Project (TMP), pero fue dispersado recientemente –el pasado junio de 2014-, porque, según el mismo ha expresado a la prensa, deseaba enfocarse más como freelance en la coreografía, la fotografía y el cine, siempre bajo la marca TMP. No obstante, permanecerá asentado en Boise, mantendrá un equipo reducido que le ayudará a reponer los más de 30 ballets realizados para el TMP, en otras compañías y escuelas que lo han solicitado.
En 2009, dirigió la grabación de un vídeo para The Sun Road, una multimedia sobre ballet, filmada en Glaciar National Park, que fue mostrada el pasado mayo en el Festival de Arkansas. Actualmente, está procesando documentales sobre dos de sus más exitosos trabajos: “Ma Maison” y “The Sweeter End”, inspirados en las consecuencias sufridas por New Orleáns tras el paso del huracán Katrina. Igualmente, montó en pasado año su ballet para toda una noche, “Peter Pan” (de 2002), con el Queensland Ballet, así como también fue comisionado para crear una instalación en el Segerstrom Center for the Arts, situado en la localidad californiana de Costa Mesa.

La obra “24 horas y un perro”, bailada por cuatro parejas y el propio coreógrafo, Osnel Delgado, se presentó con Malpaso/Proyecto cubano de danza. Foto gentileza Malpaso.

“Malpaso”, un proyecto creativo fundado recientemente con el auspicio de la Fundación Ludwig de Cuba y el Consejo cubano de las Artes Escénicas, se entregó a fondo sobre el vasto escenario del capitalino Teatro Mella, con el objetivo fundamental de producir dos estrenos concebidos por un coreógrafo estadounidense invitado, Ronald K. Brown y el joven cubano Osnel Delgado, primer bailarín y director artístico del conjunto.

El escenario escogido resultó más apropiado para la obra de la primera parte de este programa de solo una hora 20 minutos. Inició con la pieza de Delgado, como anfitrión, bajo el intrigante y sugerente título de “24 horas y un perro”, bailada por cuatro parejas y el propio coreógrafo, sobre el soporte magnífico de una banda musical creada conjuntamente con el notable pianista de jazz (residente en los Estados Unidos), Arturo O´Farrill. El programa de mano desvela un dato importante para valorar con justeza la pieza: la música es el punto de partida de una complicidad artística, cuyo poder de “evocación y teatralidad” hicieron brotar improvisaciones “temáticas recurrentes”.

Los diseños de luces y del vestuario debidos al experimentado artista Erik Grass se convierten en cómplices relevantes de una dinámica e intensa entrega por parte de los intérpretes de ambos sexos, no siempre descalzos, pero con un atletismo en gran forma técnica, matizado por una gestualidad puntual, según sonaban los ritmos cubanos engarzados por O´Farrill y salpicados con brillantes solos de piano, trompeta, trombón o percusión cubana, y hasta hindú (según el caso).

La fisicalidad y calidad de movimientos de Osnel Delgado se impone a cada instante al resto de sus colegas, y se destaca en particular el extenso y lírico dueto bailado con Dunia Acosta, comparado con los otros tres o cuatro que posee esta obra coral dividida en siete “eventos”. Así  concluye, con un “skyline” de La Habana sobre ciclorama negro, “un día típico en la vida de un bailarín”.

La segunda parte le correspondió al estreno de “Why You Follow/Por qué sigues”, de Ron K. Brown, coreógrafo residente en Chicago, asistido por el nativo costarricense de origen filipino Arcell Cabuag, fundadores en 1985 del grupo Evidence. Brown elabora sus movimientos y diseños reiterativos, pero diversos en gestualidad, a partir de su poema homónimo, cuyos versos dan la clave de sus intensiones: Camino yoruba/por qué sigues/Ese es vuestro sendero. La razón/tu propia vida/Amor, Libertad, Paz….

Su producción minimalista se ve prestigiada por los diseños de Clifton Taylor y Keiko Voltaire, en las luces y los figurines respectivamente, así como por la cinta magnetofónica, un inteligente collage editado con fragmentos musicales de Zap Mama, Gordheaven and Julian, The Allenko Brotherhood Ensemble y The Heavy Quartez.
En general, las obras de Brown tienen un sello particular, enfatizado por su interés por exhibir sus raíces africanas, sin duda de las regiones que pertenecieron al antiguo reino yoruba. Esta etnicidad está integrada genéticamente en los fabulosos bailarines cual hermosas tallas de ébano, de su compañía en Brooklyn. Aquí contó con bailarines tratando de asumir los matices corporales del estilo “Brown”, no muy difícil  tarea con su preparación técnica, pero todavía se vislumbran las costuras. Notables sus diseños espaciales, siempre con la acelerada verticalidad siempre presente sobre sus pies desnudos.

Este diálogo o puente entre dos pueblos y dos culturas tan vecinas ha sido posible gracias al concurso de la Joyce Theater Foundation y la BAM (Brooklyn Academy of Music). Todo parece indicar que el público estadounidense podrá apreciar y aplaudir estas obras en fecha próxima.