Megan Fairchild con Robert La Fosse en la producción del NYCB con coreografía de George Balanchine y Alexandra Danilova. Foto: Erin Baiano. Gentileza JFKC.

El New York City Ballet (NYCB), como todos los años, volvió al escenario del Opera House del Kennedy Center, y esta vez, con un ballet del repertorio clásico, “Coppélia”. La función comenzó con una presentación del director artístico, Jonathan Stafford, y de la directora artística asociada, Wendy Whelan, quienes recordaron la llegada a los Estados Unidos de los coreógrafos George Balanchine y Alexandra Danilova en busca de “libertad artística” fuera de Rusia. Y luego, ambos directores agradecieron al público por apoyar a la compañía.

Del 25 al 30 de marzo, “Coppélia” trajo un toque de frescura que, sin duda, apuntó a un público más amplio y diverso. Balanchine y Danilova, son los responsables de esta versión de 1974 basada en la puesta en escena de Marius Petipa de 1884, que contó con música del compositor francés Léo Delibes.

Este ballet, en algunas ocasiones conocido como “La Fille aux Yeux d’Émai” (La joven de los ojos de esmalte), se presentó por primera vez en 1870 en el Théâtre Impérial de l’Opéra. La protagonista fue la joven Giuseppina Bozzacchi que cubrió el papel principal de Swanilda, y la bailarina Eugénie Fiocre interpretó a Frantz, su enamorado. Coreografiado originalmente por Arthur Saint-Léon con música de Delibes y libreto de Charles-Louis-Étienne Nuitter, la trama tuvo como referente el cuento corto “Der Sandmann” (El hombre de arena) de E. T. A. Hoffmann.

En esta versión del NYCB, la puesta en escena tiene un toque naive, casi impresionista. Los bailarines del cuerpo de baile ponen todo su entusiasmo para dar vida a esta historia que hace referencia a la irrupción de los muñecos mecánicos del siglo XIX. Las escenas del primer acto, en el que los aldeanos se congregan en la plaza del pueblo en torno a la casa del Doctor Coppelius, incluyen una batería de danzas de estilo, con pasajes solistas y escenas grupales.

Megan Fairchild, como Swanilda, aportó todas las facetas que demanda el rol. Con estilo delicado y una enorme jovialidad, la bailarina transita por el personaje con naturalidad y energía. Sus juegos con Frantz, su enamorado, alcanzan un muy buen nivel de comicidad y le dan a la trama esa frescura necesaria.

Megan Fairchild, como Swanilda, y sus amigas, en el laboratorio del doctor Coppelius. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

KJ Takahashi, como Frantz, quizás necesita crecer y reafirmarse en su rol, en especial en su trabajo como partenaire. Por momentos ambos parecían desconectados uno del otro. Sus saltos y sus giros son precisos y sólidos, y su musicalidad es un elemento que enriquece su trabajo.

El segundo acto que transcurre en el taller del doctor Coppelius -escenificado y coreografiado por Danilova-, es una joya que recupera las características del ballet de acción, y pone al límite a la protagonista. Interpretación y calidad actoral, se funden con la técnica más exigente y refinada, al igual que el compromiso emocional de los personajes. Swanilda y sus amigas entran al laboratorio del doctor Coppelius y se encuentran con una colección de muñecos mecánicos que cobran vida. También descubren la naturaleza de esa muñeca que lee en la ventana y que parece real.

Danilova resuelve este acto con una delicada sutileza, y deja translucir el espíritu de la época. Una escena conmovedora, por momentos patética, intensa y resuelta con una magnífica genialidad. En el tercer acto, en cambio, se advierte el toque indiscutible de Balanchine, y el contraste de estilo queda al descubierto. Con un alto nivel técnico el cuerpo de baile, al igual que el grupo de niños de escuelas locales, y las bailarinas solistas, hacen que esta escena final se convierta en un encantador encuentro con la danza cuya culminación llega con el pas de deux final.

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Megan Fairchild y Anthony Huxley en “Rubies”, de George Balanchine en el Kennedy Center. Foto: Erin Baiano. Gentileza JFKC.

En el año de su 75 aniversario, New York City Ballet (NYCB) regresó, como lo hace cada temporada al escenario del Opera House del Kennedy Center del 4 al 8 de junio. Y lo hizo con uno de los grandes clásicos de George Balanchine, estrenada por la compañía en 1976: “Jewels”. Una obra abstracta, concebida en tres actos que involucran, a su vez, compositores distintos, y joyas, muy diferentes. “Esmeraldas”, con música de Gabriel Fauré, seguida de “Rubíes”, pieza signada por la partitura irreverente de Igor Stravinsky, y “Diamantes”, en la cual Peter Ilich Tchaikovski pone todo el rigor clásico. Con la Kennedy Center Opera House Orchestra, dirigida por Andrew Litton, la pieza adquirió gran esplendor, apoyada por el vestuario de Karinska y la escenografía de Peter Harvey.

Con energías renovadas, la compañía dirigida por Jonathan Stafford dejó aflorar sus jóvenes talentos. “Esmeraldas” abre este tríptico que solo confirma la maestría y minuciosidad de Balanchine para crear cada una de las secuencias de este ballet. Indiana Woodward cubrió el rol principal que, en la noche del estreno mundial estuvo a cargo de la inolvidable Violette Verdy. Woodward posee un encanto natural y, junto a su partenaire, Tyler Angle, logró encontrar una interpretación acertada y prolija. Ambos dieron fluidez y armonía a esta pieza que se caracteriza por su especial romanticismo.

Emilie Gerrity, con sorprendentes solos, en el pas de deux tuvo como compañero a Alec Knight, mientras que la variación del trío estuvo a cargo de Baily Jones, KJ TTakahashi y Alexa Maxwell. Frescos y ligeros.

En “Rubíes”, la música de “Capriccio” de Stravinsky cobra protagonismo en sí misma y la competencia con los bailarines es feroz. Esta vez, Mira Nadon asumió el desafío como la segunda bailarina. Sexy, seductora y precisa, se destacó del reparto con sus arabesques y su port de bras.

Megan Fairchild, que ha bailado esta obra durante largo tiempo, manejó con sutileza y oficio su rol principal. Más allá de su compañero, Anthony Huxley, a quien aún le falta ese espíritu desenfadado y chispeante que solía ponerle Gonzalo García hace ya varios años. Sus saltos, sus giros y su velocidad son impecables, pero con eso no alcanza para afrontar ese papel desafiante y hasta traicionero para cualquier bailarín. Huxley todavía está adherido a la coreografía y no deja aflorar al artista.

La tercera obra de este tríptico, que llega después de la explosión musical y coreográfica de “Rubíes”, pone en juego, con Tchaikovsky, la pureza clásica de la Rusia imperial. Sara Mearns, en el rol que asumió Suzanne Farrel la primera vez que se presentó “Diamantes”, y Chun Wai Chan fueron los protagonistas. Mearns es una bailarina expresiva, intensa, que escapa a la interpretación distante que generalmente adopta este ballet. En el pas de deux, Mearns hizo una bella interpretación, con solidez y magnífica línea.

Una presentación que hizo merecido homenaje a sus fundadores, George Balanchine y Lincoln Kirstein, quienes se arriesgaron a lanzar esta magnífica compañía, construida a lo largo de estos años por emblemáticos bailarines.

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Integrantes del Alvin Ailey American Dance Theater, dirigido por Robert Battle interpretarán “Dancing Spirit” de Ronald K. Brown. Foto: Daniel Arnold. Gentileza BAAND.

Cinco de las compañías de danza más emblemáticas de Nueva York regresan para la tercera edición anual del BAAND Together Dance Festival, un encuentro gratuito con la danza y el arte al aire libre, que forma parte del Summer for the City del Lincoln Center.

Del 25 al 29 de julio, el Ballet Hispánico, Alvin Ailey American Dance Theater (AADT), American Ballet Theatre (ABT), New York City Ballet (NYCB) y Dance Theatre of Harlem presentarán una diversidad de propuestas en una programación que reúne la quintaesencia del estilo y la brillantez de cada compañía. A su vez, el Ballet Hispánico, dirigido por Eduardo Vilaro, propone para este encuentro un estreno mundial: “Pas de O’Farill” de Pedro Ruiz, un nuevo dúo con bailarines del Ballet Hispánico y el New York City Ballet, encargado por el Lincoln Center for the Performing Arts. Esta obra es un homenaje al creador del jazz latino, Arturo O’Farill. Con este objetivo el coreógrafo Pedro Ruiz retoma la forma clásica del ballet y la fusiona con el movimiento y las esencias del legado de la diáspora afrocubana. El dúo busca sumergir la técnica clásica con la voz “latinx” y ampliar la idea de lo que es y puede ser el ballet.

Cada tarde, una de las compañías llevará al campus su particular estilo de enseñanza con un taller educativo diario. La serie ofrecerá una variedad de estilos de enseñanza y formas de danza, apropiados para todas las edades y capacidades.

Desde 2021, año de lanzamiento del BAAND Together Dance Festival, Chanel es el principal patrocinador. Una organización que ha transitado un largo camino apoyando las artes escénicas, y sigue rindiendo homenaje al compromiso de su fundadora, Gabrielle Chanel. La casa de modas está también asociada con los Premios Nijinsky en Mónaco, y patrocina la gala de apertura de la Ópera de París y del Ballet de la Ópera de París. Este es el tercer año que el Festival cuenta con el apoyo de Chanel, colaboración que refleja su larga tradición de mecenazgo en el mundo de la danza, que se prolonga desde hace más de un siglo.

“El Festival de Danza BAAND Together es un testimonio de la vitalidad y diversidad de la comunidad de danza de la ciudad de Nueva York. Estamos encantados de volver con un programa espectacular que presenta a las compañías de repertorio de esta ciudad que son las más veneradas internacionalmente. El programa de este año pone de relieve las visiones innovadoras que han hecho de la ciudad de Nueva York la capital nacional de la danza”, declararon en forma unánime los directores de las compañías que participan de BAAND.

De esta forma, Robert Battle por AADT, Susan Jaffe por ABT, Vilaro por el Ballet Hispánico, Robert Garland por el Dance Theatre of Harlem y por el NYCB, su director artístico, Jonathan Stafford, y su directora artística asociada, Wendy Whelan, coincidieron en la importancia de llevar la danza a las calles.

Además de las representaciones y los talleres, el Lincoln Center for the Performing Arts habrá mesas redondas antes de la representación del 26 de julio, como parte del anunciado proceso de planificación participativa para ayudar a reimaginar la parte de su campus de Amsterdam Avenue con el fin de crear un mayor acceso. Se anima a todos los neoyorquinos a dar su opinión.

El Ballet Hispánico sube a escena “Línea Recta”, una obra de Annabelle Lopez Ochoa. Foto: Daniel Arnold. Gentileza BAAND.

Fechas y horarios

Martes, 25 de julio de 2023 a las 7:30 pm

Miércoles, 26 de julio de 2023 a las 19:30 horas

Jueves, 27 de julio de 2023 a las 19:30 horas

Viernes, 28 de julio de 2023 a las 19.30 horas

Sábado, 29 de julio de 2023 a las 19.30 horas

Programa

Ballet Hispánico – Línea Recta by Annabelle Lopez Ochoa

American Ballet Theatre – Other Dances by Jerome Robbins

Dance Theatre of Harlem – Nyman String Quartet No. 2 by Robert Garland

World Premiere of Pas de O’Farill by Pedro Ruiz, a collaboration between Ballet Hispánico & New York City Ballet

Alvin Ailey American Dance Theater – excerpt of Dancing Spirit by Ronald K. Brown

New York City Ballet – The Times Are Racing by Justin Peck

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Los integrantes de distintas agrupaciones cumplen las directivas de las autoridades sanitarias de acuerdo con los protocolos de la OMS. Foto gentileza RM.

Lo que parecía una inactividad temporal obligatoria con la cancelación de los espectáculos para evitar la propagación contaminante del nuevo Coronavirus COVID-19, y el ulterior cierre laboral de todas las compañías de ballet y danza, las de artes dramáticas, de teatro lírico -más adelante también museos y galerías de arte-, aplicada por decreto estatal a todos los estamentos de la vida social y comunitaria del archipiélago cubano, se ha convertido en una realidad sin término conclusivo definido, en cuanto a un retorno a las actividades culturales en calendarios normales.

En consecuencia, esto incluye a los artistas profesionales que practican y ejercen su actividad escénica con el dominio de sus cuerpos mediante el ejercicio cotidiano para evitar que su rendimiento muscular de vea mermado por la inacción. Es por ello que los bailarines -practicantes e intérpretes- de las diversas compañías o agrupaciones de cualquier tendencia y estilo, las cuales cerraron “sine die” se dieron a la tarea de revertir esta situación de manera privada en los domicilios donde mantienen disciplinadamente su “encierro” involuntario.

Sin importarle las limitaciones de los espacios disponibles, los danzantes se afanaron en el mantenimiento de sus tonos musculares, y se dedicaron a instalar un improvisado estudio de clases con el mobiliario a su alcance: sillas o butacas, mesas, alfombras o esteras, espejos colgantes en sus paredes y otros elementos. Allí cumplen, cotidianamente, los ejercicios en la barra y los de centro en días alternos por un promedio de dos horas, con descanso el domingo.

Este tipo “novedoso” de resiliencia ante la adversidad sanitaria provocada por el virus COVID 19, ha permitido conocer interesantes y positivas reflexiones de algunos jóvenes solistas del Ballet Nacional de Cuba o de la compañía Acosta Danza. Todos están conscientes de lo correcto en las medidas tomadas por las autoridades sanitarias cubanas, que siguen los protocolos fijados por la Organización Mundial de la Salud (OMS), aunque también lo están de una posible afectación de la técnica alcanzada o la merma de su rendimiento corporal y mental.

Aislados, los bailarines necesitan hacer una rutina de ejercicios, que les sirva de preparación física para cuando todo vuelva a la normalidad. Foto gentileza RM.

“Teniendo en cuenta que nos ejercitamos sobre el suelo duro de nuestras viviendas, es imposible ejecutar algunos pasos como se debe”, comentó Daniela Gómez (25) solista del BNC, por ejemplo, los “grand jetés”, las cabriolas, los tours en “l´air”, los “sisones”, u otros, empero si hacemos muchas “baterías”, los estiramientos de piernas, los calentamientos de tobillos y de empeines con o sin zapatillas de punta. Los muchachos entrenan como si estuvieran en un gimnasio improvisado (la mayoría posee sus propios artefactos), para fortalecimiento de sus musculaturas con suaves ejercicios de halterofilia afines con las cargadas, o se van a nadar para activar la respiración -los que viven próximos al mar, por supuesto-, como mi pareja Alex Silva, y su hermana Leticia, ambos solistas de Acosta Danza, apuntó.

Algo similar y contrastante ocurre en los Estados Unidos, igualmente abrumado por la rápida propagación del Coronavirus en todo su inmenso territorio. Un artículo publicado en “The NYTIMES”, firmado por Gia Kourlas, expone ampliamente la misma situación afrontada por los principales solistas del American Ballet Theatre y del NYCity Ballet. Son dos tipos de resiliencia hacia el mismo objetivo: teniendo en cuenta los avanzados recursos tecnológicos al alcance de estas importantes compañías de danza, los ballet masters emplean para dar sus clases una laptop con aplicaciones y video cámara conectados con los bailarines en sus respectivos domicilios, algunos de ellos en otros estados de la Unión con diferentes usos horarios. Por ejemplo, el maitre Carlos López en NYC explica los pasos y combinaciones a Tiler Peck en su casa de California. Y en NYC a los solistas Gonzalo García o Aran Bell…así ocurre con otros miembros de las dos compañías estadounidenses.

Sobre Cuba y la pandemia

Gentileza de Mercedes Borges Bartutis / CMBF, Radio Musical Nacional

Con las limitaciones de los espacios disponibles en sus propias casas, los danzantes improvisaron un estudio. Foto gentileza RM.

En estos tiempos en que una pandemia nos obliga a permanecer quietos en casa…, uno de los sectores que más puede sufrir a nivel profesional, son los bailarines… 

Ya sabemos que la danza es movimiento y el cuerpo humano es su principal instrumento de trabajo…, para ello los bailarines se entrenan diariamente…, en rutinas muy parecidas a la de los deportistas de alto rendimiento.

Pero este aislamiento que vivimos hoy ha llevado a suspender en el país cualquier sesión de clases en los salones de danza, ballet y folclore, justamente porque es el salón el lugar donde más posibilidades de contagio existen por el nuevo coronavirus COVID 19….

Todos los ejercicios de clases tanto de ballet como de danza implican sudor, contacto físico, la utilización de la barra…, en fin, todo lo que está contraindicado para enfrentar los riesgos del COVID 19.

Es por eso que los bailarines al permanecer en casa, aislados, necesitan hacer una rutina de ejercicios, que les sirva de preparación física, y tratar de mantenerse en forma para cuando las cosas vuelvan a la normalidad que su cuerpo vaya respondiendo poco a poco a las exigencias de un montaje y de los ensayos.

Para brindarles más herramientas de trabajo a los bailarines de todo el mundo, varias figuras a nivel internacional han publicado en las redes sociales, productos que han surgido de sus iniciativas individuales y colectivas.

Por ejemplo, la bailarina española Tamara Rojo, una de las estrellas que hizo época en el Royal Ballet de Londres y que hoy dirige el English National Ballet, ha realizado varias trasmisiones desde el interior de su casa, donde utiliza la cocina como pequeño salón de clases… Así, la meseta donde habitualmente se cortan y preparan alimentos, ahora cumple la función de barra para realizar ejercicios que son dictados y hechos por esta hermosa bailarina que visitó Cuba en varias oportunidades.

En nuestro país también varios artistas de la danza se han mantenido activos en las redes sociales… Hoy en la mañana (30 de marzo), la coreógrafa Rosario Cárdenas posteaba en su perfil de Facebook el siguiente mensaje: 

“Bailarines queridos, en estos momentos en que hemos tenido que abandonar nuestros salones, ese no poder atender como debiéramos: la fuerza, la resistencia, la flexibilidad, y más que ello, ese también sutil estar con nosotros mismos dejando surgir nuestras sensaciones, escuchándolas y haciéndolas vibrar, no es justo que nos abandonemos, no es justo que dejemos a nuestros cuerpos vencerse por la gravedad y no dedicarle el tiempo que merecen. Tenemos que ser fuertes y alzar la voluntad, ser conscientes de lo que significa en nuestra carrera abandonarnos hacia el No entrenamiento, cualquiera que este sea como incluso esa parte que significa dedicarle minutos al cuerpo para estar con nosotros mismos. Un pedazo de nuestras casas será suficiente para que nuestra voluntad se eleve y edifique al nivel de la realidad en que vivimos.”

Este es solo un fragmento del mensaje que la coreógrafa cubana Rosario Cárdenas, enviaba estaba mañana, desde su perfil de Facebook, a los bailarines para que no descuiden su forma física en estos días de aislamiento, donde todos debemos quedarnos en casa.

Yansiel Pujadas y solistas del BNC interpretaron “Poema del Fuego”, de Alberto Méndez, estrenado en 1983 por Jorge Esquivel. Fotos cortesía BNC.

El baluarte cubano de la danza académica, el Ballet Nacional de Cuba, nos entrega la primera temporada post-Alicia Alonso –la sempiterna prima ballerina assoluta y cofundadora–, ahora con la primera bailarina Viegnsay Valdés con la responsabilidad plena como directora artística (no obstante, en los programas de mano aparece aún con el prefijo “sub”), en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana que lleva el nombre de la eximia Alonso, recientemente despedida físicamente con todos los honores populares y oficiales.

En dos atractivos y optimistas programas, el BNC nos permitió valorar una acertada elección de títulos, ora por su variedad de estilos ora por sus novedades creativas. En sucesivos fines de semana, presentaron dos estrenos y tres reposiciones, debidos a destacados coreógrafos con evidentes valores ideo-estéticos, pero de generaciones y culturas disímiles. Algo que considero de suma importancia para el enriquecimiento formativo profesional de un cuerpo de baile -en el presente- mayoritariamente integrado por jóvenes que apenas superan la veintena.

Entre las reposiciones pudimos disfrutar la exhumación de una admirada pieza del coreógrafo cubano Alberto Méndez, actual asistente de la dirección artística-, como es el caso de “Poema del Fuego” inspirada por la música homónima de Alexander Scriabin. Este ballet en un acto fue estrenado en 1983, y en el rol principal figuraba el estelar bailarín Jorge Esquivel. Después de su defección de la compañía, nunca más se repuso esta obra. Actualmente, la obra se reciente por la carencia de un bailarín que supere tal referencia, con la alternancia de dos bailarines del cuerpo de baile con biotipos distintos asumieron con fuste y sólida técnica al dios mitológico del fuego, empero sin la madurez interpretativa requerida. Ciertamente, algunos ballets centrados e inspirados por un bailarín o bailarina “fuera de serie”, es mejor dejarlos dormir hasta que aparezca ese ser irrepetible (recordemos aquellos creados para Nijinsky, y los guiños al “Apolo” de George Balanchine)

Luego, retornó “Celeste” (2014), de la coreógrafa colombo-belga Annabelle López-Ochoa, ballet neoclásico coral inspirado por el Concierto para violín y orquesta en Re mayor de P. I. Tchaikovsky, para tres parejas solistas y reducido cuerpo de baile, donde el vestuario y el diseño de luces nos transporta a un mundo azul celeste. Esta creación para la compañía fue posible gracias al apoyo del British Friends of BNC.

Del coreógrafo brasileño Ricardo Amarante se presentó “Love, Fear, Loss”, ballet de estilo neoclásico ejecutado al piano por Marcos Madrigal. Fotos cortesía BNC.

Para la semana siguiente, acometieron la valiente tarea de reponer uno de los emblemáticos títulos de danza académica en el repertorio activo, con el rigor estilístico que requiere esta joya del ballet del siglo XX, precursor de la modernidad, “Las sílfides” (1907) –también conocido como “Chopiniana”- en un montaje de Alicia Alonso según la versión original de Mikhail Fokine (como ella misma ha revelado, trabajó en el ABT con el autor en 1942, poco antes de su muerte). El propio Fokine emprendió cambios para una reposición de 1908 (entonces fue rebautizado en francés como “Réverie Romantique”, siempre con música de Chopin), para convertirlo en un ballet sin argumento, pero cargado de símbolos y “con un estilo de profundo lirismo, alejado de todo amaneramiento…”.

La orquesta sinfónica del GTHAA estuvo en el foso bajo la dirección del maestro Giovanni Duarte con un soporte musical ajustado a las circunstancias. El poeta fue encarnado con sobriedad y justeza por el primer bailarín Rafael Quenedit, con una Anette Delgado estilísticamente modélica, arropados por una sobrevalorada ejecución del cuerpo de baile femenino. En no pocos momentos provocó el aplauso merecido de la audiencia.

Dos coreografías por autores foráneos recibieron sendos estrenos por el BNC, y fueron bailados en dos fines de semanas por elencos alternantes. Estas piezas, de disímiles culturas y escuelas de ballet, contribuyeron a elevar la temperatura en el entusiasmo del numeroso público que colmó a tope el hermoso coliseo de la capital (en su medio milenio de fundación). En lo fundamental se debió a la entrega artística de los elencos debutantes: ambas eran demandantes de talentos interpretativos que fueran más allá de las demostraciones del virtuosismo técnico. Estas novedades los obligaba a salir de su zona de confort.

Para abrir la segunda parte del programa, vino Love, Fear, Loss (2012), del coreógrafo brasileño Ricardo Amarante (responsable igualmente del vestuario y las luces). Es un ballet para tres parejas, de estilo neoclásico e inspirado en la vida de la gran cantante francesa Edith Piaf (1915-1963), así como en sus “antológicas interpretaciones de tres obras que, de alguna manera, son fiel reflejo de su trágica vida amorosa”. Esta pieza (deudora de otros referentes creados por Jerome Robbins), tuvo su premier en 2012 por el Ballet Real de Flandes, en Amberes, y por cuya creación recibió el premio de la Asociación Francesa de la Danza. Su estreno cubano tuvo un IVA en el soporte musical, pues contó con la privilegiada ejecución al piano en escena de Marcos Madrigal considerado uno de los más talentosos músicos cubanos de su generación del siglo XXI, residente en Italia actualmente. Ejecutó con pasión y rigor las transcripciones para piano realizadas por Natalia Chepurenko, que incluye temas de Jacques Brel, Charles Dumont y de la propia Piaf. Hubo distinguidas interpetaciones, como las de Chanell Cabrera y Sadaise Arencibia, pero la más descollante interpretativa y técnicamente fue la pareja formada por Claudia García y Adrián Sánchez (el auditorio los gratificó en pie).

Para el cierre, llegó el plato fuerte de la noche: el celebrado ballet “Concerto DSCH”, del coreógrafo ruso-norteamericano Alexei Ratmanski, que fuera creado originalmente para el New York City Ballet en 2008, inspirado en el Concierto para piano, No.2 en F mayor, Opus 102, del afamado compositor ruso Dimitri Shostakovich. Dado el éxito conseguido por esta obra, ya ha ingresado en los repertorios de otras grandes compañías: Ballet del Teatro alla Scala de Milán, en 2012, y el Ballet del Teatro Mariinski de San Petersburgo, en 2013.

La entrada de esta obra, en 2019, en el vasto repertorio del BNC resulta un acontecimiento significativo, entre otras cosas, porque es el primero bajo la dirección artística de Viengsay Valdés (que baila en él, como solista), así como primero después de la desaparición física de Alicia Alonso.

En segundo lugar, porque constituye un reto para los noveles bailarines de la compañía, ya que se enfrentan al estilo muy particular de Ratmaski; por sus atrevidas audacias dentro del neoclasicismo balanchiniano, donde lo abstracto se funde con “sutilezas y sugerencias” narrativas, donde transpira el optimismo y la euforia al bailar.

Si la construcción de sus bailes son totalmente diferentes, los aficionados al ballet podrían hallar claras referencias con “Concerto” (1966) del inglés Kenneth MacMillan (particularmente en el movimiento lento), así como derivaciones de otro maestro predecesor, George Balanchine, en su canónico “Ballet Imperial”, de 1941, actualmente conocido como “Tchaikovsky Piano Concerto No.2”, al utilizar a dos primeras bailarinas y tres solistas masculinos, quienes bailan todos en sucesivos episodios del primer movimiento. Ratmanski aprehende recursos de sus precursores, empero en tanto que un maestro, los recrea con libertad y frescura.

Es evidente que domina las formas puras del ballet académico, mas también nos muestra fuertes elementos de lo que popularmente calificamos como danza de carácter o démi carácter. Además, no abandona importantes aspectos de la caracterización en las interpretaciones dramáticas.

El final de “Concerto DSCH” se convierte en un despliegue abrumador de círculos por separado y de giros como un tornado por parte de la bailarina principal, a la vez mezclados con espectaculares saltos. No obstante, es necesario señalar que los bailarines del cuerpo de baile no son grupos de mero apoyo o reflejos multiplicados de los solistas: ellos se manifiestan como sus “partners”. Fue una participación esencial como ensayador del destacado bailarín español Joaquín de Luz, que formó parte del elenco original de esta obra como miembro del NYCBallet, y en el presente es director artístico de la Compañía Nacional de Danza de España.

El desempeño del elenco cubano estuvo a gran altura, por su brillantez y el poderío técnico, particularmente las primeras bailarinas Anette Delgado, Gretel Morejón y Viengsay Valdés, el primer bailarín Dani Hernández, así como los solistas: Diego Tápanes, Narciso Medina o Chanell Cabrera, con apoyo eficiente del cuerpo de baile mixto.

Para esta producción el BNC obtuvo el generoso patrocinio de la Cuban Artists Fund y de la American Girls for Cuban Dance, con sede en los estados Unidos.

“Concerto DSCH”, del coreógrafo Alexei Ratmanski, tuvo como solistas femeninas a Anette Delgado, Gretel Morejón y Viengsay Valdés. Fotos cortesía BNC.

Lourdes López a punto de lanzar la programación de la temporada 2019-2020 que comienza en Miami y luego sale de gira por el Este y el Oeste de los Estados Unidos. Foto gentileza MCB.

Ballerina y maestra, Lourdes López, por poco más de un lustro directora artística del Miami City Ballet (MCB), con sede en un icónico inmueble art déco de la ciudad de Miami Beach. Privilegiada discípula de Georges Balanchine, tenía apenas un año cuando llegó de Cuba a Miami con sus padres. Después de superar ciertas anomalías congénitas de sus pies logró ingresar –primero en la Joffrey School– y luego a los 14 años consiguió una beca en la afamada School of American Ballet. Por su esforzado rigor en su formación técnica, fue seleccionada para formar parte del cuerpo de baile del New York City Ballet.

Su distintiva musicalidad y su especial calidad de movimiento, combinadas con su personal glamur, fueron fundamentales para que el todopoderoso Mr B decidiera sus promociones sucesivas en los rangos del NYCB, hasta culminar en el anhelado puesto de “principal” en 1984, el cual desempeñó con éxitos de público y crítica, hasta decidir su retiro de la escena. El ejercicio de ballet mistress y el de directora, desde 2013, la han colmado de satisfacciones personales, mediante los logros artísticos alcanzados por el MCB.

Con una apretada agenda de clases, ensayos y montajes, y ante el comienzo de la temporada 2019-2020 el 18 de octubre con “Slaughter on Tenth Avenue” de Balanchine, la directora, optó por varias reposiciones y estrenos, así como dos grandes “war horses”: “Don Quijote” y “El cascanueces”.

Danzahoy: Para comenzar, ¿cuáles fueron tus criterios para la elección, estética y temática de las obras?
Lourdes López: En esta temporada solamente tenemos estrenos de dos creadores vivos, Justin Peck y Christopher Wheeldon, y la reposición de una pieza de Alexei Ratmansky. Ninguno de ellos pudo venir a Miami, pero los repositores autorizados han estado al frente de los montajes.
En cuanto a la primera cuestión, programo no por temáticas, doy prioridad a las piezas que resultan buenas para el enriquecimiento cultural y estético tanto del público como de los bailarines. Me importa mucho saber cómo se ha de sentir el público después de verlas. Es así como las combino, en busca de un equilibrio con lo clásico y lo contemporáneo. De las reposiciones, opino que mientras más las bailan mejor será la entrega. Deben bailarlas en ocasiones sucesivas cada dos o tres años, para que las incorporen mejor, particularmente en el plano de los estilos. Los grandes ballets del repertorio clásico, preferimos que los vean cada cuatro o cinco años. En esta ocasión, tenemos “Don Quijote”, en la versión que baila el American Ballet Theatre, y “El cascanueces”, por supuesto, hacemos la coreografía de Balanchine.

D: ¿Cómo se incorporan a la compañía los nuevos talentos surgidos recientemente?
LL: Ahora hemos llegado a contar con 53 bailarines, el número más grande que jamás hemos tenido. Esta vez tendremos al excelente bailarín cubano Carlos Quenedit, que interpretará Basilio en nuestro “Don Q” con la primera bailarina mexicana Katia Carranza. Por otra parte, la distinguida solista Nathalia Arjase estrena en el pas de deux “Pájaro de fuego” (Balanchine/Stravinsky). También cuento con dos chicos y dos chicas, muy jóvenes (de 19 ó 20 años) que, en dos semanas de ensayo conmigo han demostrado progresos evidentes y especial talento.

Una de las elegidas de George Balanchine en el NYCB, Lourdes López asumió la dirección del Miami City Ballet en 2013. Foto gentileza MCB.

D: ¿Y la selección de las obras que ya pueden considerarse clásicas?
LL: Consideramos mucho los permisos del Balanchine Trust, pues nos autorizan a bailar por primera vez piezas del repertorio del NYCB. Entre ellas el pas de deux “Pájaro de fuego” con nueva puesta en escena y vestuario, que solamente lo baila la agrupación neoyorkina. Igualmente, “I´m Old Fashioned”, un homenaje de Jerome Robbins a Fred Astaire, uno de los grandes bailarines de entonces. Nuestros solistas bailarán ante las estrellas del famoso filme de 1941, que se proyectarán en una gran pantalla a sus espaldas, Astaire y Rita Hayworth, con su glamur hollywoodense “irresistible y conmovedor”. El público tendrá reales motivos para salir eufórico del teatro.

D: ¿Cuáles son los estrenos elegidos?
LL: “Rodeo: Four Dances Episodes” es una recreación de Justin Peck que rinde homenaje a la coreógrafa norteamericana Agnes de Mille (con la que se hizo famosa), siempre con la música original de Aaron Copland, realizada para el NYCB será representada por vez primera fuera de su compañía de ballet. El pas de deux “This Bitter Earth” de Wheeldon sobre la música seductora de Max Richter con la voz en off de Dinah Washington, es un dúo muy hermoso pero muy triste, conmovedor.

D: Si bien no es un estreno, reponen “Symphonic Dances” (2012) de uno de los más afamados coreógrafos del momento, el ruso Ratmansky, que coincidentemente ofreció su obra “ConcertoDSCH” (de 2008) al Ballet Nacional de Cuba, obra que también bailó el Ballet del Teatro Mariinski en el Covent Garden de Londres en 2014.
LL: Me alegra mucho que el BNC tenga un ballet de Alexei (Ratmansky) en un futuro cercano. El que bailamos en nuestro conjunto siempre es muy bien recibido por el público, y aportó mucho a nuestro elenco.

D: ¿Cómo se manifiesta el público de Florida con relación al ballet, y particularmente en cuanto a los programas del MCB?
LL: Realmente la respuesta del público ha sido muy buena en los últimos años, buena venta de subscripciones y de taquilla. El nivel de asistencia ha sido alto, a Dios gracias. Hemos superado una precedente apatía.
D: ¿Cómo se desarrolla su relación profesional y personal con la nueva dupla que rige actualmente el NYCB?
LL: Puedo decirte que muy buena. Tanto con Jonathan (Stafford) que no conocía antes de mi retiro, como con Wendy (Whelan), pues fuimos amigas cuando bailamos juntas en el cuerpo de baile del NYCB. Ambos siguen siendo buenos colegas.

Lourdes López incluye en la programación del MCB clásicos de Balanchine, estrenos de Justin Peck y Christopher Wheeldon, y una reposición de Alexei Ratmansky. Foto gentileza MCB.

D: ¿Padece el MCB la carencia de nuevos talentos coreográficos, como se manifiesta en otras compañías de ballet? La programación de la nueva temporada está sostenida por nombres de gran reconocimiento…
LL: En cierta manera sí. Pero esto lo vamos paliando y superando con la participación de los estudiantes que participan en las escuelas de verano y de invierno. A la par, existe un taller coreográfico del cual han surgido dos jóvenes con promisores talentos coreográficos, que han creado piezas para los participantes de ambos cursos. Uno de ellos compone en la línea contemporánea y el otro (una chica) en la clásica… sin duda me parece muy clásica. En la temporada de 2020 le daremos oportunidad a un joven talento en lo contemporáneo, pues ha montado siete danzas muy creativas para los participantes.

D: ¿Cuál será su posición, en tanto que mentora de una institución estadounidense de ballet, con respecto a los cambios en la cúpula directriz del Ballet Nacional de Cuba?
LL: Me parece una elección positiva, es darle paso a generaciones más jóvenes. A Viengsay Valdés la he visto bailar de manera brillante, la he admirado por su baile. Estamos dispuestos a ayudarla en lo artístico y profesional. Para eso somos compañías homólogas como artistas de la danza y geográficamente vecinas.

D: ¿Cómo han programado las giras a corto plazo para 2019-2020, tanto locales como internacionales?
LL: Hasta ahora, nuestros planes de gira confirmados son los inmediatos: actuaremos en escenarios de varias ciudades del Sur de la Florida en 2019, aunque luego iremos a Washington DC, a California, y en 2020 a importantes ciudades de Canadá.

D: En 2020, en Cuba están preparando varias celebraciones para el centenario de Alicia Alonso, particularmente durante el bienal Festival Internacional de Ballet de La Habana, (octubre-noviembre). ¿Aceptaría una invitación para bailar en esas conmemoraciones?
LL: Espero que puedan celebrársele sus 100 años como ella se merece, y que esté mucho más tiempo entre nosotros. Y que sea posible estar presentes.

En los 100 años del nacimiento de Jerome Robbins, un potpurrí de sus más reconocidos musicales en “Something to Dance About”. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Después de más de un año sin timón, sumido en escándalos legales y laborales, el New York City Ballet (NYCB) abrió sus funciones en el Opera House del Kennedy Center de Washington DC en una forma inusual. Los dos flamantes directores y ex bailarines de la compañía fundada por George Balanchine y Lincoln Kirstein en 1948, salieron a escena a modo de presentación oficial y con la intención de asegurar que la troupe no perdería su rumbo.

En esta nueva etapa, liderada por Jonathan Stafford como director artístico y Wendy Whelan como directora artística asociada, los dos programas mixtos que presentaron desde el 2 hasta el 7 de abril, trajeron a escena un potpurrí en el que se mezclaron obras históricas y nuevas piezas de jóvenes coreógrafos que armaron un interesante caleidoscopio.

“Easy”, obra de Justin Peck, creada en 2018 para el New York City Ballet, subió a escena en el Kennedy Center del 2 al 7 de abril. Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

La primera noche comenzó con una propuesta juvenil, atractiva, dinámica, con elementos de danza jazz, de la coreógrafa Gianna Reisen, quien compuso esta pieza a los 18 años, cuando recién salía de la School of American Ballet hace apenas dos años. “Composer’s Holiday” con música de Lukas Fosses, es interesante y fresca, con una estructura clara y definida, bella y delicada, en la que los bailarines pueden lucirse tanto en grupo como individualmente. La interpretación en violín de Arturo Delmoni y de SusanWalters en piano, la pieza adquiere una magnífica armonía.

“Kammermusik No. 2”, de George Balanchine, una obra de 1978 que tuvo como protagonistas femeninas a Teresa Reichlen y a Abi Stafford. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

A la frescura de “Composer’s Holiday” se sumó “Kammermusik No. 2”, de George Balanchine, una obra que requiere gran velocidad y precisión, con una estructura compleja, en la que dos parejas y ocho bailarines transitan por intrincados pas de deux, duetos y dinámicas grupales. Esta obra de 1978 tuvo como protagonistas femeninas a Teresa Reichlen y a Abi Stafford, ambas ligeramente descoordinadas por momentos, y a un cuerpo de baile compacto.

También de Balanchine, y para cerrar el programa, una marca registrada: “Symphony in C”, creación que, a pesar del paso del tiempo sigue impoluta y en todo su esplendor. No obstante, el cuerpo de baile femenino mostró ciertas desprolijidades e imprecisiones sutiles. En tanto, las bailarinas principales, Ashley Bouder, en el primer movimiento, junto a Tyler Angle como partenaire, y Sara Mearns, en el segundo, con Jared Angle, así como las dos parejas que protagonizaron el tercer y cuarto movimiento, Baily Jones y Anthony Huxley, y Erica Pereira y Andrew Scordato, tuvieron un espléndido desempeño. Precisas y ajustadas en tiempo y estilo.

“Opus 19/The Dreamer”, de Jerome Robbins, con una pareja de lujo, Sterling Hyltin y el español Gonzalo García. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Pero sin embargo, el NYCB se mostró con su verdadera identidad y personalidad en “Opus 19/The Dreamer”, de Jerome Robbins, con una pareja protagónica de lujo, Sterling Hyltin y el magnífico  Gonzalo García, un bailarín que logra encontrar el tono justo en cada una de sus interpretaciones, excelente partenaire y de un talento muy especial.

Robbins incluye en esta obra, estrenada por primera vez en 1979, ciertas reminiscencias eslavas de su origen, y la convierte en una especie de delicada joya en la que los bailarines principales y cuerpo de baile entablan un diálogo delicado y sutil, intenso y con bellas imágenes

Robbins también protagonista del segundo programa, cuya tercera parte fue una suerte de homenaje al este multifacético coreógrafo que marcó la historia de la danza del siglo XX y ha servido de simiente para los nuevos realizadores.

“Easy”, obra de Justin Peck, creada en 2018, es un divertimento en el que los bailarines, con zapatillas y colorida ropa de calle, juegan con los movimientos. La pregunta sería, dónde está la sustancia. En el telón de fondo se proyecta un interrogante: “Who is the boss in a concerto, the soloist or the conductor?” Pero no hay respuesta.

Del coreógrafo Kyle Abraham el NYCB presentó “The Runaway”, una obra donde predomina el lenguaje contemporáneo.

Luego de una pausa, otro clásico de Robbins, “In the Night”, creación de una belleza sublime en una serie de duetos conmovedores. Sin duda, lo mejor de ese segundo programa donde el coreógrafo Kyle Abraham, tuvo su protagonismo en “The Runaway”, una obra donde predomina el lenguaje contemporáneo, con vocabulario de hip hop y “street dance”.

Al comenzar la tercera parte del programa, la imagen de Jerome Robbins vuelve a dominar la escena en “Something to Dance About”, y una sucesión de fragmentos de sus musicales más famosos para celebrar los cien años de su nacimiento. Bello final que apunta a la nostalgia.

El New York City Ballet en la obra de Gianna Reisen, “Composer’s Holiday”, que formó parte del primer programa mixto presentado por la compañía. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Después de 15 años con el NYCB Joaquín De Luz deja la troupe fundada por George Balanchine. Foto: Erin Baiano. Gentileza NYCB.

Domingo. Tres en punto de la tarde. Se levanta el telón de un día memorable para la danza. El 14 de octubre, justo cuando el New York City Ballet (NYCB) cerraba su temporada de otoño en el Teatro David H. Koch en la plaza del Lincoln Center en Nueva York, Joaquín de Luz se despedía de la compañía. El bailarín español, formado por el célebre Víctor Ullate, pertenece a esta generación de bailarines en vías de extinción, esos que han hecho un culto de su profesión y del trabajo diario. Talentoso, intenso, vibrante, De Luz se instaló en la escena del ballet de los Estados Unidos con esa fuerza indescriptible que solo trasmiten los verdaderos artistas.

Después de 15 años con la compañía fundada por George Balanchine y Lincoln Kirstein, y luego de pasar por el Pennsylvania Ballet y el American Ballet Theatre, de Luz, a sus 42 años, decidió retirarse con una función que llevó como título: “Joaquín De Luz Farewell Performance”. Allí celebró a tres de los coreógrafos que de alguna manera definieron su carrera.

Una bandera española, su madre y bailarines del NYCB, acompañaron a Joaquín De Luz en el saludo final. Foto: Erin Baiano. Gentileza NYCB.

Comenzó con uno de sus ballets preferidos, “Theme and Variations”, de Balanchine. Junto a él, magnífica, Tiler Peck, con giros veloces, bello port de bras y posiciones impecables. Un ballet que requiere de sólidos bailarines en los roles principales. De Luz, quien ha bailado esta obra infinidad de veces, hizo, una vez más, un despliegue de virtuosismo pocas veces visto. Giros una con una precisión incomparable, bravura en sus solos, y una especial excelencia como partenaire. Ambos bailarines hicieron una versión inolvidable de este clásico.

La segunda obra fue “Concerto Barocco” (1941), otra de las históricas creaciones de Balanchine para el American Ballet Caravan, la primera troupe comandada por Mr. B. en los Estados Unidos. La compañía, al igual que los solistas, mostró una vez más el alto nivel de danza, a pesar de las convulsiones ajenas al arte por las que ha transitado durante este año. Una obra de una belleza incomparable, con limpias simetrías y un estilo de alto refinamiento.

De Luz volvió con “A suite of dances”, solo que Jerome Robbins, creó para Mikhail Baryshnikov y el White Oak Project en 1994. Una violonchelista, Ann Kim,en el escenario interpreta diferentes movimientos de “Seis suites para cello” de Johan Sebastian Bach, mientras el bailarín, con chispeante humor parece jugar con el instrumento y con la música a medida que baila. Delicioso, fresco y desenfadado, De Luz hace un despliegue de esa fibra artística tan particular y especial que lo caracteriza. Con esta obra rindió tributo a Robbins, un coreógrafo clave en la historia de la compañía.

“A Suite of Dances” de Jerome Robbins, solo interpretado por Joaquín De Luz. Foto: Paul Kolnik. Gentileza NYCB.

El final llegó con “Todo Buenos Aires”, de Peter Martins, el último director del NYCB. Con músicos en vivo interpretando diferentes temas de Astor Piazzolla, entre ellos, el argentino Rodolfo Zanetti en bandoneón, instrumento clave para este género. Una recreación particular y minimalista de esta danza rioplatense interpretada en puntas por las bailarinas solistas Maria Kowroski y Sara Mearns. Giros, saltos, ganchos y cruces tangueros estilizados, y parejas entrecruzándose con velados aires de malevaje. Mientras se alternaban los dúos, tríos y solos, De Luz siguió reafirmando su versatilidad y su talento para interpretar todos los estilos posibles.

Un bailarín capaz de profundizar en August Bournonville, Justin Peck, Alexei Ratmansky y Christopher Wheeldon, al tiempo que se adentró con soltura en los clásicos, en Balanchine, Robbins y una diversidad de coreógrafos.

Para el final, las flores, los abrazos, las lágrimas, bailarines, coreógrafos y vestidores en el escenario, y el público de pie que no terminaba de aplaudir y de gritar su nombre. Antes de los confetis, el español Gonzalo García, compañero de ruta en el NYCB, salió con una bandera española y ambos bailarines jugaron, en escena, como dos niños, al toro y el torero. Un encuentro emocionante con esa identidad que quedó atrás en miras de cumplir los sueños. Y para el final de los saludos, su madre, con quien De Luz bailó unas sevillanas y se fundieron en un enorme abrazo. ¡Gracias!

Joaquín De Luz en “Theme and Variations”, de George Balanchine, primera obra de “Joaquín De Luz Farewell Performance”. Foto: Paul Kolnik. Gentileza NYCB.

Lucas Segovia interpretará dos solos en “Evolution”, una gala que convoca bailarines de diferentes compañías internacionales. Foto: Cheryl Mann. Gentileza: Fundación Arte y Cultura.

Inesperada. Sorpresiva. La invitación esperaba en la casilla de “emails”. Mientras, Lucas Segovia, en Nueva York, ensayaba para un gala que, tiempo después, se hizo en Florida en honor de Wendy Whelan, una de las reconocidas bailarinas del New York City Ballet. Al leer el mensaje, y casi sin confesarlo, su corazón dio un vuelco. Hacía 10 años que no bailaba en la Argentina y ahora, el director de Arte y Cultura, Juan Lavanga, le estaba proponiendo una vuelta impensada. Con ansiedad, revisó su agenda. Las fechas coincidían con lo que iban a ser sus únicas vacaciones. Pero no importaba.

La propuesta fue: hacer dos solos de ocho minutos aproximadamente como parte de “Evolution”, un espectáculo de danza y ballet en el que también participarán la Primera Bailarina del Ballet de Hamburgo, Carolina Agüero, Thomas Bieszka, Bailarín solista de la Opera de Dresden, Florencia Chinellato (solista) y Matias Oberlin, del Ballet de Hamburgo. Y junto a ellos, primeras figuras de Ballet del Teatro Colón, Paula Cassano; del Teatro Argentino de La Plata, Julieta Paul; del Ballet del Sur, Carolina Basualdo y de Los Ballet de Araiz. Todos bajo la coordinación artística de Mario Gallizzi.

Desde hace 10 años el argentino Lucas Segovia, es uno de los principales representantes hispanos en el mundo del ballet de los Estados Unidos. Foto gentileza: Fundación Arte y Cultura.

“Evolution” se presentará el 28 y 29 de julio, en el Teatro Coliseo, de Buenos Aires, y el primero de agosto en el Teatro El Círculo de la ciudad de Rosario, Santa Fe. Una propuesta a la que no podía decir que no.
Segovia, llegó por primera vez a los Estados Unidos con la compañía de Julio Bocca, y despertó admiración por su musicalidad y talento. Tiempo después apareció como bailarín principal del Washington Ballet, para luego terminar en el histórico Joffrey Ballet, donde durante muchos años formó parte de la compañía y actualmente es bailarín invitado.

Cuando tuvo que pensar en el repertorio para “Evolution”, Segovia optó por el estreno de “Vendetta”, una obra de la reconocida coreógrafa belga-colombiana, Annabelle López-Ochoa, y por “Percussion 4”, del inolvidable Bob Fosse.

Danzahoy: ¿Cuál fue el criterio para la selección de estos dos solos en tu primera gala en Buenos Aires?
Lucas Segovia: “Vendetta” es una pieza que Annabelle (López-Ochoa) creó para mí y lo hicimos en el Joffrey Ballet. Pero además, no quería llevar coreógrafos muy conocidos, quería algo nuevo. Viajé a Canadá a trabajar con ella en los dos días libres que tuve en las funciones del musical “Oklahoma”. Después, nos encontramos otros cuatro días en Nueva York para pulir detalles. Y el solo de Bob Fosse, que lo había bailado Julio Bocca, era una de las obras que siempre tuve en mente. Si bien fue bastante complicada la logística, porque el contrato es muy estricto y con cláusulas complicadas.

D: ¿Cómo es volver después de 10 años?
L.S.: Siempre lo soñé, pero no me había imaginado que se iba a dar de esta manera. Por un lado, poder presentar en la Argentina obras que realmente amo, como la de Annabelle, que hace un trabajo maravilloso. Y llevar a escena la obra de Bob Fosse, que siempre quise bailar, es increíble. Además, que mi familia, mis amigos, mis profesores puedan estar ahí, y puedan verme, algo que no siempre se da estando fuera del país, es muy emocionante. No siempre se puede coordinar todas estas cosas juntas. Es como si se hubiera dado una intervención divina.

D: ¿Cómo fue tu experiencia de ser el único argentino en una compañía como el Joffrey Ballet?
L.S.: Amo la compañía por toda su tradición, por lo que significa, por lo que hace, pero después de un tiempo, sentí que estaban pesando otros intereses. Y empecé a interesarme en el género del musical. El primero fue “West Side Story”, y luego de esa temporada con este primer musical, tenía que reintegrarme al Joffrey. Pero cuando empezó a picarme “el bicho” del teatro musical, sentí que tenía que tomar distancia y ser simplemente bailarín invitado. No quería estar piediendo permisos permanentemente. Pero la compañía es maravillosa y mi experiencia fue maravillosa. Podía hacer todo el repertorio que quería, pude exponerme a coreógrafos con los que quería trabajar, pude hacer todo lo que quería hacer y en una ciudad que me gusta, con gente que me gusta. Por otra parte, me hace muy feliz vivir en una ciudad como Chicago donde le dan importancia al arte. Sin ir más lejos, en el aeropuerto hay una gigantografía mía, y eso me llena de orgullo, no sólo porque soy yo, sino porque es una forma de representar a la ciudad.

Lucas Segovia y Cara Maria Gary del Joffrey Ballet en una obra de Anabelle Lopez-Ochoa. Foto: Cheryl Mann. Gentileza: Fundación Arte y Cultura.

D: ¿Y por qué esta incursión en el teatro musical?
L.S.: Es algo muy diferente. Estuve de gira durante un año con “An American in Paris” y la disciplina mental que uno necesita para hacer estos shows es muy distinta. Hacer ocho shows por semana durante un año es una experiencia especial. Llega un punto en el que no sabés en qué día estás y hay que reservar energía para poder seguir. Creo que esa experiencia tan intensa puso a prueba mi resistencia y fortaleza mental para poder hacerlo. Hay otros shows que me funcionan mejor porque son contratos más cortos.

D: ¿Cómo evaluarías tu crecimiento como profesional desde tu llegada a los Estados Unidos?
L.S.: Me fui de aquí siendo profesional. Me siento feliz de haber bailado en la Argentina, y tuve la suerte de haber estado en el momento y el lugar adecuado con un repertorio bastante amplio. Cuando me mudé a los Estados Unidos tenía sueños. Quería bailar los emblemáticos americanos y trabajar en una compañía que me inspirara. Y esa fue la de Christopher Wheeldon, después fue el Joffrey Ballet que me dio la posibilidad de trabajar con coreógrafos internacionales y de bailar la cantidad de funciones con las que soñaba bailar. Pude recorrer el mundo con el Joffrey, y también hacer otro tipo de proyectos: teatro, tv, cine… Y no puedo hacer un balance porque todavía estoy viviéndolo. Me llena de felicidad decir que éste era el sueño que tenía a los 19 cuando empecé y ahora que tengo 32 lo puedo ver. Estoy en una ciudad y en un país donde al decir que sos bailarín, la gente lo toma con respeto. Me parece fantástico que haya respeto por el trabajo artístico.

D: ¿Y la distancia, los afectos, la soledad?
L. S.: Como persona, uno crece en el deasarraigo, la tristeza de la soledad, y eso influyó en mi carrera artística por lo lejos que estoy de mi familia y de la gente que quiero. Y creo que esta ebullición profesional fue porque tenía siempre en claro lo que quería hacer. No es que en cada función tuve a alguien con quien quería estar, muchas veces he vuelto a casa solo. Me he sentido muy solo y muy triste, pero nunca pensé en dejar todo y volver. Porque soy consciente de la bendición y la suerte que tengo, y no es para tirarla por la ventana. Uno vive en esa tristeza de la soledad, pero aún así sigo eligiendo esto.

“Evolution” – Programa
Por Carolina Agüero y Thomas Bieszka
“Trois Gnossiennes”
Música: Erick Satie
Coreografía: Hans Van Manen
“In The Middle”
Música: Thom Willems
Coreografía: William Forsythe

Por Florencia Chinellato y Matias Oberlin
“Adagietto”
Música: G. Mahler
Coreografía: John Neumeier
“La Dama de las Camelia”
Música: F. Chopin
Coreografía: John Neumeier

Por Lucas Segovia
“Vendetta” (estreno mundial)
Música: Hauschka / Elizabeth Bay
Coreografía: Annabelle López-Ochoa
“Percussion 4” de Bob Fosse
Música: G. Harrell
Presentado con Permiso y Cortesía de The Verdon Fosse Legacy LLC.

Las tres primeras figuras argentinas realizaran la obra “Las Euménides”: Julieta Paul del Ballet del Teatro Argentino de La Plata, Paula Cassano del Ballet del Teatro Colón y Carolina Basualdo del Ballet del Sur.
Coreografía: Bernard Courtot de Bouteiller
Música: Dead Can Dance

“Gounod Symphony”, con música de Charles Gounod, una de las piezas presentadas en el Kennedy Center por The Suzanne Farrell Ballet. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Parece casi un absurdo, una burla del destino, que justo ahora, en un momento de gran esplendor para la compañía, el controvertido “romance” entre el Kennedy Center y la gran musa de George Balanchine haya llegado a su fin. En este mundo de la sinrazón, en el que el arte ha dejado el espacio a la violencia y al miedo, The Suzanne Farrell Ballet (TSFB), una de las grandes joyas del ballet, hoy, tiene un camino incierto. Lo único seguro, es que esta fue la última función bajo la “tutoría” del Kennedy Center Washington DC.

En su presentación de despedida en el Opera House, del 7 al 9 de diciembre, la compañía, como es costumbre desde hace 16 años, trajo una serie de “incunables”, pocas veces frecuentados por otros ensambles. Ni siquiera por el New York City Ballet (NYCB), compañía creada por Balanchine y Lincoln Kirstein en 1933, encargada de preservar la obra de Mr. B.

Farrell, con su estilo y con la pureza de su propuesta artística, ha logrado conquistar la fidelidad de sus bailarines a lo largo de todos estos años. Es casi un privilegio para los jóvenes del cuerpo de baile y para los principales poder aprender y trabajar con alguien que ha formado parte de la historia esencial de la danza en los Estados Unidos. Y allí están, a pesar de ser un ensamble temporal que los obliga a trabajar durante gran parte del año con otros estilos y otras compañías, siempre vuelven y asumen su compromiso con el arte.

Farrell optó para esta despedida, un título “casi” conmovedor y significativo: “Forever Balanchine: Farewell Performances”. Incluyo un repertorio magnífico en el que permitió el lucimiento de cada uno de sus solistas y también, de un cuerpo de baile que ha ido refinando su técnica, su calidad y su coordinación. Filas cuidadas, con un respeto de la pureza técnica pocas veces visto cuando se trata de Balenchine, y un entusiasmo fresco, son las mayores virtudes de este joven cuerpo de baile.

Natalia Magnicaballi en “Tzigane”, estrenada en 1975 por Suzanne Farrell, con coreografía de George Balanchine. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Dos programas que resumieron algunas de las mejores piezas que Mr. B creó para Farrell durante su paso por el NYCB, formaron esta última entrega en la que no faltaron los conflictos y las rispideces solapadas con el Kennedy Center. El 7 y el 9 de diciembre, subieron a escena “Chaconne” (Gluck/Balanchine), “Tzigane” (Ravel/Balanchine), “Meditation” (Tchaikovsky/Balanchine) y una de las obras más deslumbrantes de este gran maestro de la coreografía, “Gounod Symphony”, con música de Charles Gounod. Un derroche de precisión, claridad coreográfica, belleza y desafío técnico que pone a bailarines principales y cuerpo de baile en el límite de la concentración. Farrell, esta artesana de las artes escénicas, pudo recuperar y reponer de manera impecable.

En la primera noche, la argentina Natalia Magnicaballi y Michael Cook –quienes trabajan con Farrell desde que se creó la compañía– asumieron el rol de la pareja central con una enorme solvencia, calidad artística y técnica. Dos bailarines que juntos forman una pareja memorable con una comuinicación pocas veces vista.

Magnicaballi, una bailarina especial no solo por sus cualidades físicas sino por su compromiso en la interpretación y una capacidad particular para transmitir emociones, también asumió con intensidad, maestría y una enorme seducción, el rol central en “Tzigane”, obra que tuvo su estreno en 1975, creada especialmente para Farrell. Pieza corta, con fuerte acento moderno, donde las puntas intercambian espacio con movimientos de contracción de los pies, y un cambio importante en el port de bras. Con desplazamientos y movimientos ajenos a lo tradicional, esta gitana atractiva y esquiva, logra encontrarse con su amado, y al mismo tiempo, escaparse de él. Otra vez esta dupla –Magnicaballi-Cook– parece respirar al unísono.

La segunda de las dos piezas cortas, de la misma época, y también creada para Farrell, fue “Meditation”, en la primera noche a cargo de Elizabeth Holowchuk y de Kirk Henning. Una realización de una belleza singular, de profunda emoción, en la que lo abstracto se mezcla con lo real. Conmovedor trabajo de ambos bailarines.

La primera entrega de la noche del estreno fue “Chaconne”, otra de esas obras de ingeniería coreográfica de Mr. B., que confirma su genialidad y que lo hacen incomparable, a pesar del paso del tiempo y la llegada de nuevos coreógrafos que apelan a la pirotecnia de la tecnología y se olvidan de la danza. Heather Ogden, otra de las bailarinas históricas de la compañía, y Thomas Garrett, asumieron los roles principales. Ogden, una bailarina de una sutileza y de una técnica indiscutible, y Garrett, un buen partenaire que logró acompañar con solvencia a Ogden.

Para el final del segundo programa, otro de los indiscutibles: “Serenade”, obra de 1934 realizada por Balanchine para la School of American Ballet cuando todavía no se había creado el NYCB. “Serenade” posee una magnificencia casi superlativa a la que el tiempo mejora y reafirma en su majestuosidad, y a la que Farrell llenó de magia, con bailarines excelentes, capaces de transmitir emociones, climas, texturas y, a su vez, convertirse en instrumentos perfectos de la belleza.

The Suzanne Farrell Ballet culminó su ciclo “Forever Balanchine: Farewell Performances” con “Serenade”, creada por el coreógrafo en 1934. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.