Skylar Brandt (Tita) y Herman Cornejo (Pedro) en la obra de Christopher Wheeldon “Como agua para chocolate”. Foto: Emma Zordan. Gentileza: ABT

Mujeres que tejen, quizás, las intrincadas tramas de la vida. Mujeres que observan como testigos silenciosos. Mujeres que acompañan los destinos de una casa sumergida en tristezas y resentimiento, en opresión y en deseos ahogados.

Christopher Wheeldon abre la primera escena de “Como agua para chocolate” con estas mujeres solas sometidas a una madre que oculta su furia y sus postergaciones. El coreógrafo, con una gran sensibilidad narrativa, logra captar la esencia de esas mujeres que describe la autora mexicana Laura Esquivel en su novela del mismo nombre. Una suerte de semejanza a “La casa de Bernarda Alba” pintada por Federico García Lorca en las primeras décadas del siglo XX al igual que la temporalidad en la que se sitúa esta obra fantástica, desbordante, donde explotan los sentidos hasta romper los límites imaginables.

En su temporada en el Metropolitan Opera House, el American Ballet Theatre (ABT) presentó en Nueva York esta obra que ya había tenido su estreno mundial en 2023 en Costa Mesa, California, y que debutó a nivel mundial con el Royal Ballet en 2022. Wheeldon se animó al tremendo desafío de competir con la película estrenada en 1992 que dejó una huella indeleble en la memoria. Más allá de las diferencias entre el cine y el ballet, esta propuesta encuentra momentos de gran belleza y logra distanciarse de la película con vuelo propio.

Catherine Hurlin interpreta a Gertrudis en la pieza de Christopher Wheeldon en el Met de Nueva York. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Wheeldon desgrana con solvencia una trama en la que transitan varias generaciones, e incorpora magníficos elementos sobrenaturales de manera efectiva y convincente. Va creando la narrativa con fluidez y gran capacidad de síntesis. Con un lenguaje que se funde entre la danza-teatro y el ballet, describe las complejas situaciones por los que transita el argumento de esta novela. A eso se suma el aporte adicional de la partitura de Joby Talbot, que incorpora instrumentos tradicionales del folclore mexicano y a su vez, recoge ciertos elementos y efectos sonoros utilizados con frecuencia en la música de películas, y alcanza a crear climas sugerentes. Pero quizás lo más impactante de esta puesta en escena descanse en la magnífica escenografía de Bob Crowley, quien también recreó un vestuario adecuado para describir a los personajes y sus personalidades.

Pero por sobre todo, “Como agua para chocolate” propone un elenco impecable. Skylar Brandt y Herman Cornejo, como Tita y Pedro, reviven esos personajes cuyo amor y apasionamiento trascienden los límites puramente humanos. Brandt, hizo un estupendo y delicado trabajo actoral, y su interpretación logró mostrar la maduración de Tita a través del paso de los años. Cornejo, por su parte, un bailarín con una técnica impecable, compuso un Pedro intenso y, una vez más, se mostró como un magnífico partenaire, cuidadoso y atento. Ambos construyeron una adorable pareja protagónica.

Christine Shevchenko interpretó a la autoritaria, intransigente y violenta Mamá Elena con solvencia y convicción. Excelente su caracterización y su expresividad. Catherine Hurlin (Gertrudis) también hizo un magnífico trabajo, lanzó su sensualidad y su potencia en el primer acto cuando la comida de Tita despertó sus más profundos deseos, y en el segundo acto, ya convertida en revolucionaria.

Conmovedora y refinada Luciana Paris como Nacha, una pieza clave en la vida de Tita, tuvo un solo sublime en el primer acto, el cual mostró, a flor de piel, a esta estupenda bailarina cuya técnica y delicadeza le permiten transitar por todos los géneros y personajes. La ovación del final dio muestra del impacto de su actuación.

Mamá Elena, interpretada por Christine Shevchenko en “Como agua para chocolate”. Foto: Marty Sohl. gentileza ABT.

Chloe Misseldine, como Rosaura, encontró la frialdad justa para caracterizar a esta mujer cargada de represiones, sumisa y resentida. Casi secundario, pero igualmente importante, el rol de Thomas Forster como el Dr. John Brown que, en esta trama intrincada y compleja, adquiere mayor presencia en el desenlace. Wheeldon, con intuición narrativa, logró transitar con acierto esta novela compleja donde lo sobrenatural y lo terrenal se encuentran de manera constante. Sin embargo, cuando se trató de los protagonistas, sus pas de deux no alcanzaron a transmitir la verdadera esencia de la danza, ni esa pasión contenida de los amantes secretos, y se perdieron en poses, a veces, vacías.

Mientras, el cuerpo de baile solo acompaña algunas secuencias grupales como la boda de Rosaura y Pedro, la llegada de los revolucionarios y escenas callejeras. Cada elemento incorporado en esta puesta donde se mezclan imágenes audiovisuales y efectos lumínicos, tiene un simbolismo especial. Tal como ocurre en las escenas en las que las marionetas -mujeres que tejen- adquieren diferentes alturas, se acercan y se alejan de los personajes. O quizás, cuando las mujeres de blanco con las caras pintadas como calaveras en el Día de los muertos, se dan vuelta y sus vestidos son negros.

“Como agua para chocolate” propone un expedición al mundo de las emociones y las contradicciones humanas. Su puesta en escena es impactante y contundente para narrar esta inolvidable historia de amor y sufrimiento, cuya magia reside en la verdad oculta y en esa explosión de los sentidos y el deseo.

Celebrando los 25

Herman Cornejo en el saludo final de la función del 19 de julio. Foto: Emma Zordan. gentileza ABT.

El 19 de julio fue el día elegido para celebrar los 25 años con el ABT de Herman Cornejo. Antes de empezar la función, un cortometraje sobre el bailarín, testimonios de sus colegas y sus propias reflexiones marcaron el comienzo de una noche memorable.

El bailarín argentino, que se incorporó al ABT en 1998, se llevó el primer premio en el Octavo Concurso Internacional de Moscú cuando tenía 16 años, y fue el ganador más joven en la historia del concurso. Un año después se incorporó al ABT Studio Company como aprendiz, y en 1999 fue elegido para el papel del Ídolo de Bronce en la producción de “La Bayadera” de Natalia Makarova en Japón. Poco después, en 2000, fue ascendido a solista y en 2003 se convirtió en primer bailarín de la compañía. Después llegaron más reconocimientos: premio Bessie en 2013 y el Prix Benois de la Danse en 2014, entre otros.

Al terminar la función, una ovación de aplausos y de estupor resonó en la sala del Met. Los espectadores de cada uno de los rincones del teatro de pie celebraron a este magnifico bailarín. Sus compañeros, cargados de emoción también ovacionaban a Cornejo. Sin embargo, el bailarín, con una generosidad conmovedora, dejó sola a Skylar Brandt para que el público reconociera su magnífico trabajo. Pero quizás lo más emocionante de esa noche fue su abrazo y su reconocimiento a Luciana Paris, su amiga, su compañera de escenarios, su compañera en el ABT. Cornejo también la dejó sola, fue hacia atrás, mientras disfrutaba esa ovación que recibía la bailarina argentina.

Lágrimas, abrazos, flores, y por sobre todo, una enorme emoción ante un público que se resistía a abandonar el teatro y sacaba fotos en un intento de plasmar un momento irrepetible.

“Cats”, uno de los clásicos del género musical se presenta en el Kennedy Center de DC, Dan Hoy protagoniza a Munkustrap. Foto: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

En la oscuridad de la noche, bajo la luz de una inmensa luna llena, los jélicos se reúnen en su celebración nocturna con la convicción de renacer más allá del Edén sideral. Sus ojos se encienden, destellan, buscan, envuelven y explotan en una diversidad de colores y voces. Los gatos invaden la escena y los pasillos del Opera House del Kennedy Center de DC y con hechicero misterio “Cats” vuelve a renacer con la misma intensidad con la que conquistó el mundo hace más de 40 años, y seguirá su ritual, allí, frente al río Potomac, hasta el 6 de octubre.

Cuando se estrenó por primera vez, en 1981, era casi impensable que un musical sin argumento y basado en poemas pudiera tener éxito. Pero “Cats”, esa creación de Andrew Lloyd Webber, basada en los textos de “El libro del viejo Possum sobre los gatos prácticos” de Thomas Stern Eliot que tanto lo fascinaron en su infancia, rompió todas las predicciones posibles y se convirtió en un clásico insoslayable.

Más allá del paso del tiempo, “Cats” es un inimputable. Los poemas de T.S. Eliot son una recopilación de las cartas que el “viejo Possum -así llamaban a Eliot- enviaba a sus amigos y nietos. Cada poema hace referencia a un tipo de gato y es a su vez una sátira sobre los dueños de los gatos y de la sociedad en la que viven. No obstante, “Memory” y “The Moments of Happiness”, se insertaron en la trama a través de Trevor Nunn, director del musical. La primera, a partir de otro poema de Eliot, “Rhapsody on a Windy Night”, y la segunda, pertenece a un poema extraído del libro “Four Quartets”, también de Eliot.

Este musical, que dispara directamente al corazón, que conmueve, que trasciende lo convencional, fue el primero en el que Lloyd Webber compuso su música sobre un texto ya escrito. Por su parte, Nunn, debió encontrar una línea narrativa que convirtiera la obra en un entramado particular que gira en torno a la tribu de los gatos jélicos -nombre inventado por Eliot- que se reúnen y deciden cuál de ellos renacerá en una nueva existencia.

Keri René Fuller interpreta el rol de Grizabella en esta reposición de 2016 de “Cats”. Foto: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

Con una coreografía de alta exigencia técnica y una clara visión grupal, Andy Blankenbuehler, sobre la base de la coreografía original creada por Gillian Lynne, hizo un delicado trabajo con los bailarines-cantantes utilizando elementos de danza-jazz y contemporánea. Impecable despliegue corporal y gestual en el que cuesta mucho pensar que se trata de “humanos” y no de verdaderos gatos.

La gata blanca, Victoria, asumida por Caitlin Bond, muestra en sus solos un sobrado dominio clásico con sus giros y desplazamientos. Mientras, Dan Hoy aporta los matices de su voz al protagonizar al líder de los jélicos, Munkustrap. Pero sin duda, el personaje clave de este musical, Grizabella, compuesto de una manera conmovedora por Keri René Fuller, llega a su punto de mayor emoción en “Memory”. Casi de una manera indescriptible, su voz se interna en lo más profundo del alma y estalla.

“Cats” debutó en el West End en Londres, y un año después llegó a Broadway. La producción original se representó durante veintiún años seguidos, y la neoyorquina, permaneció en cartel dieciocho, un récord entre los musicales. Desde 2016, “Cats” volvió a Broadway, y salió de gira por distintas ciudades de los Estados Unidos, con algunas escenas reestructuradas y ligeros cambios de la puesta original.

El magnífico diseño escénico y de vestuario de John Napier, con una opuesta de luces espectacular, realizada por Natasha Katz, y una banda de sonido impecable, reafirman a este musical como uno de los mejores de todos los tiempos, por sus sutilezas, por su filosofía subyacente, y por su composición.

En esta fusión de géneros musicales, de actores, de bailarines, de cantantes, “Cats” se convierte en una suerte de obra maestra del musical donde converge la poesía, la pasión, la destreza y la enorme belleza de la puesta. Esos gatos vagabundos que aspiran a renacer, que se reúnen noche a noche en un basural lleno de chatarras, hacen un pacto secreto con la magia.

Elenco de gira de “Cats”, en la puesta que se presenta desde el 17 de septiembre al 6 de octubre en el Kennedy Center de DC. Foto: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

Los protagonistas, Kaenaonalani Kekoa y Clinton Greenspan, en “Aladino”, el musical de Disney que se presenta en el Kennedy Center de Washington, DC. Foto: Deen van Meer. Gentileza JFKC.

Inspirado en el cuento popular árabe “Aladino y su lámpara maravillosa”, de la colección de “Las mil y una noches”, y en la película de 1949 “El ladrón de Bagdad”, “Aladino”, que primero fue un filme animado y luego se convirtió en un musical de Broadway, se quedará hasta el 7 de septiembre en el Opera House del Kennedy Center con todos sus oropeles, su majestuosidad y sus efectos especiales. Y viene con su genio, las alfombras voladoras, su princesa, una cueva mágica en la que el oro resplandece, y su lámpara maravillosa. Esa lámpara que chicos y grandes quisieran tener para convertir los sueños en realidad.

“Aladino” cuenta la historia de un joven de la calle que un día encuentra una lámpara mágica con un genio en su interior. El genio, que solo puede conceder tres deseos, convierte al joven ladronzuelo en un bello príncipe capaz de enamorar a la rebelde princesa Jasmín encaprichada en desobedecer los mandatos de su padre. Revolucionaria al fin, sólo pretende casarse por amor, sin tener en cuenta las conveniencias del reino.

El director y coreógrafo Casey Nicholaw, con varias nominaciones a los premios Tony y con espectáculos en la cartelera de Broadway ha logrado un ensamble perfecto en esta pieza, en la que la danza tiene un papel preponderante. Mientras, la música de Alan Menken, logra un atractivo equilibrio de estilos y ritmos, y deja lucir los grandes hits de este musical como “A Whole New World” y “Friend Like Me”. Con bailarines capaces de hacer las más increíbles acrobacias, y con una interesante propuesta lumínica de Natasha Katz, unida a la imponente escenografía de Bob Crowley, la puesta recobra imágenes y colores del filme de Disney.

En la cueva del genio Aladino encuentra la lámpara maravillosa que cambiará su vida para siempre. Foto: Deen van Meer. Gentileza JFKC.

Si bien cada una de las escenas adquiere encanto propio, la cueva del genio, que parece un “reino” construido en oro, con joyas de oro desbordando los innumerables cofres, también de oro, es la que se lleva las palmas. Allí, ante un desfile alucinante de trajes diseñados por Greg Barnes y una diversidad coreográfica incomparables, el musical recobra el espíritu y el concepto de los años gloriosos de Broadway, con ingeniosos despliegues de trajes y movimientos.

Y es allí donde Aladino encuentra su lámpara y su genio, protagonizado por Major Attaway, quien logra seducir al público con su encanto, su humor y su picardía. No obstante, la narrativa de este musical aborda casi superficialmente los conflictos centrales del cuento y solo deja entrever la disputa entre el villano y los “buenos”; la autodeterminación de la princesa Jasmin, y la transformación de Aladino. Todo transcurre de una manera muy lineal. Quizás no hay tiempo para profundidades.

Kaenaonalani Kekoa, como Jasmin, aborda con acierto su personaje, y por momentos logra seducir a la audiencia con su personaje. Aladino, en cambio, interpretado por Clinton Greenspan, pone frescura y dinamismo a ese “chico de la calle” que se enamora perdidamente de la princesa al pundo que se anima a confesar su verdadera identidad aún a riesgo de perderlo todo.

Y para el final, el genio se libera de la lámpara en donde estuvo prisionero, y llega el amor. Y la esperada alfombra mágica que vuela con Aladino y Jasmin hacia una inmensa luna redonda plantada en un cielo azul, pleno estrellas.