“De punta a cabo”, una icónica obra de Acosta Danza con coreografía de Alexis Fernández y Yaday Ponce. Fotos: Yuris Nórido. Gentileza Acosta Danza.

Después de una larga ausencia de los escenarios de la capital cubana, retornó a su Habana natal el ennoblecido Sir Carlos Acosta, eximio ídolo de oro del ballet cubano, para recibir los merecidos reconocimientos por haber mantenido con “alto voltaje” la compañía Acosta Danza. Fundada hace ya una década, la agrupación siguió demostrando, con pasión y sólida formación técnica, su rigor y ductilidad en la ejecución de la diversidad de propuestas coreográficas, no exentas de dificultades. Sin embargo, Acosta Danza ha logrado sostener la madurez profesional del elenco y el interés del público en el repertorio.

Carlos Acosta sorprendió con su espíritu artístico perseverante, si tenemos en cuenta que hace algunos años era director artístico de una importante compañía inglesa, el Royal Birmingham Ballet. Superado todo encumbramiento, Acosta se comprometió en ofrecernos (solo tres funciones) un programa sugerente conformado por reposiciones y estrenos, de creadores locales y foráneos, necesariamente interpretados por 14 bailarines bisoños, nacionales, recién egresados de la academia de la propia compañía.

En septiembre, el Teatro Nacional de Cuba acogió las presentaciones de “Una década en movimiento” en su sala mayor, la Avellaneda, con un aforo para unos tres mil espectadores, que desbordaron las capacidades y respondieron con ovaciones en pie cada noche, curiosamente un público juvenil, más allá de los fans habituales del género.

Carlos Acosta en el saludo final de su compañía exhibe un cuadro simbólico de una de las deidades cubanas. Fotos: Yuris Nórido. Gentileza Acosta Danza.

Sin embargo, hubo luces y sombras en las calificaciones del valor artístico y creativo de los títulos presentados, que se pudieron etiquetar de desiguales. Como dato curioso, se afirmaba en ellos el hecho del trabajo coreográfico coral, cuando en el programa de mano se omitió el apellido de los danzantes. ¿Acaso algunos de ellos serían los solistas del mañana?

La pieza de apertura, tal vez la de más altos quilates, “La Ecuación”, del notable coreógrafo cubano George Céspedes (también diseñador teatral), había sido estrenada previamente por miembros de Danza Contemporánea de Cuba. En ella, tres bailarinas y un bailarín demostraron con sólida técnica y precisión musical (música de X Alfonso) el apego del creador a los elementos matemáticos al elegir como base el cubo de Rudolf Laban, autor de la “Labanotation”, para transformarlo en la mente humana y, a partir de ahí, filosofar desde el movimiento: “sobre la existencia del ser humano y la eterna búsqueda de la verdad personal”. La iluminación, por el diseño de luces de Erik Grass, fue fundamental para su éxito.

A continuación, el público se enfrentó a otro discurso coreográfico minimalista, debido a un creador invitado de la península ibérica, el joven Javier de Frutos, en ascenso entre los talentos europeos del arte coreográfico de vanguardia, quien se mostró desafiante con su obra “98 días”, para conseguir una entrega lírica y conmovedora del poema “Son de negros en Cuba”, de Federico García Lorca, donde reflejó los momentos culminantes de sus 98 días en la mayor de las Antillas en 1920. La obra tuvo un acertado soporte musical donde intervino Estrella Morente, según versiones de Michael Nyman, sobre poemas de Juan de la Cruz: “El pregón de las moras” y “Calle del aire”. La iluminación diseñada por el propio Frutos y Pedro Benítez se transformó en protagonista. No obstante, su intención primaria de “imaginar” lo que había sucedido entonces, con total libertad, param entregarnos el “paisaje impresionista” de aquellos momentos, no fue conseguida.

Como segunda parte del programa, Acosta Danza ofreció la creación del español Goyo Montero, “Llamada”, con la cual retornó a la escena cubana con un discurso revelador de su fibra sensible, casi mágica, algo así como una segunda parte de su pieza precedente “Imponderable”, donde trajo a discusión el concepto de género, entonces “cada vez más diversificado”, donde se añadieron las múltiples maneras de vivir, al aceptar la diversidad sexual en todos sus matices. Su título mismo subrayaba “un término del baile flamenco que define el momento en el cual se producirá un cambio”. En la puesta en escena, con la manipulación eficaz del vestuario de Ángelo Alberto, se sugiere el interrogante: ¿por qué el mundo se sigue viendo masculino y femenino? ¿Hasta qué punto ser diferente es un ataque a las costumbres sociales?

Para el cierre, Carlos Acosta y su equipo de producción eligieron el título “De punta a cabo”, en versión de Yaday Ponce (bailarina y maestra principal) sobre la original de Alexis Fernández (Maca). Una suerte de movimientos vinculados a la fusión musical de la banda sonora, que fue desde lo más tradicional hasta lo actual (Kumer, Kike Wolf, a partir de “La Bella Cubana” de White, X Alfonso y Omar Sosa). Las realidades de lo cotidiano en la vida del cubano se vieron más sintetizadas, con su imbricación lograda con las proyecciones de imágenes en video de X Alfonso localizadas en el Malecón habanero, como contribución inteligente al ritmo dancístico urbano. Es decir, estuvimos en presencia de un coherente divertimento donde se reflejaron los conceptos fundamentales de esta agrupación, como la variedad de diferentes técnicas y estilos que dieron nacimiento a la compañía Acosta Danza. Su permanencia en la escena cubana e internacional depende de la vitalidad creativa de su fundador, Carlos Acosta, y de los futuros reconocimientos de sus coterráneos.

Acosta Danza abrió sus presentaciones con “La Ecuación”, del notable coreógrafo cubano George Céspedes. Fotos: Yuris Nórido. Gentileza Acosta Danza.

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Malpaso Dance Company presentó en la sala García Lorca “Tabula Rasa” del coreógrafo israelí Ohad Naharin Foto: Foto gentileza Yuris Norido.

La compañía cubana de danza Malpaso, una compacta agrupación mixta de bailarines bien entrenados concluyó su primera incursión en el vasto escenario de la grandiosa sala neobarroca Federico García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso. Para muchos artistas esto sería considerado un gran privilegio -si tenemos a este sitio como el de mayor rango consagratorio-, pero para este veterano observador de las artes escénicas hubiera preferido como locación más ajustada para el formato actual de Malpaso (y de otros conjuntos similares), un espacio teatral donde se produjera la interacción dialógica de los intérpretes con el auditorio, aquí entorpecida por el distanciamiento por el amplio y profundo foso para una orquesta sinfónica.

Como apoyo a nuestra observación, podemos sumar el hecho de la elección del repertorio que conformaba este programa. Los tres títulos, en esta ocasión, se debían a jóvenes creadores con bien ganada reputación mediática en el mundo de la danza contemporánea, especialmente el menos joven, autor de la obra conclusiva del espectáculo. La producción escénica de los mismos no tenía necesidad de una escenografía corpórea; los cambios de sus respectivos ambientes o atmósferas eran conseguidos rápidamente por experimentados diseñadores de luces, teniendo como soporte un ciclorama negro. En el caso del acompañamiento musical para todas las obras, se consiguió el apoyo con excelentes grabaciones en HD.

Como bien señala en el programa de mano Fernando Sáez, director general y co-fundador de este conjunto, la escogencia de “notables” coreutas extranjeros, ha sido “el resultado de colaboraciones que han marcado nuestro destino (…), y nuestra voluntad de diálogo”. Sin embargo, a dos años de una década de existencia, Malpaso prepara una temporada para marzo de 2021 -esta vez de nuevo en el renovado decimonónico teatro Martí-, para seguir su primigenia motivación al ofrecer una “serie de obras de jóvenes coreógrafos cubanos”.

El espectáculo

“Vals Indomable”, de Aszure Barton, fue la primera obra seleccionada en este ciclo de dos funciones en el Gran Teatro de La Habana. Foto gentileza Yuris Norido.

Sin duda, han ofrecido un espectáculo encomiable por su titánica resiliencia ante las privaciones del ostracismo involuntario de nueve meses, obligado por los protocolos sanitarios a seguir para evitar los contagios de esta pandemia planetaria del nuevo Coronavirus. Esta decena de bailarines, bajo la égida de su colega y compatriota Osmel Delgado, lograron mantenerse en forma física y técnica con un duro trabajo cotidiano, clases y ensayos, a partir de las copias en video enviadas por los autores, en ausencia de su ejecutoria presencial debido al cierre de aeropuertos y la prohibición de los vuelos internacionales y locales.

Pudimos apreciar en ellos el atletismo elegante de los chicos y el retador lirismo de las chicas, para entregar con rigor estético los diversos estilos coreográficos de cada título. Esos variados estilos son inclusivos, evidente por las contaminaciones del vocabulario del movimiento procedente de la danza académica (tal vez guiños a la manera de Twyla Tharp, o de otros en la Judson neoyorkina), que observamos en las tres piezas de autores norteamericanos.

En la primera parte, como apertura disfrutamos los 27 minutos del “Vals Indomable” con coreografía de Aszure Barton, sobre motivadoras músicas de Alexander Balanesco, Michael Nyman y Nils Frahm y diseño de luces por Nicole Pearce. Varias instituciones y fundaciones estadounidenses contribuyeron a la realización de esta obra, co-comisionada por Dance Cleveland y la Cleveland Foundation.

Tras una breve pausa, le siguió “Elemental”, de sólo 24 minutos, para honrar la memoria de Bob Williams, concebida por la coreógrafa Robyn Mineko Williams, sobre un collage musical variado que incluye nueve temas, bajo la supervisión de Robby Haynes. En “Elemental” escuchamos a Tim Rutili en “Zabriskie After Midnight”, pasando por dos danzas para piano del cubano Ernesto Lecuona; un bolero cantado a capela en vivo por el bailarín Manuel Durán, así como un instrumental de Arvo Part. La obra cerró con el famoso “Kitchen Pan” de Robyn Williams (su voz en off). Muy generosamente aplaudida, la pieza contó con el apoyo del Chicago Auditorium, donde fue estrenada, y del Joyce Theater Production.

La segunda parte, como pieza conclusiva única, presentó “Tabula Rasa”. Gratificantes 27 minutos del afamado coreógrafo israelita Ohad Naharin, quien pudo enviar a tiempo dos asistentes, Matan David y Bret Easterling. (Gracias a ellos los bailarines pudieron trabajar el particular vocabulario Gaga creado por Naharin). Con el magnífico soporte musical de Arvo Part y el vestuario diseñado por Eri Nakamura (esposa japonesa de Naharin), beneficiado con las luces del propio coreógrafo. Como los precedentes títulos, la presentación de esta obra fue también posible gracias a The Executive Director´s Fund del Joyce Theater Foundation y de la Jerome Greene Foundation, en honor de Karen Brooks Hopkins.

Malpaso estrenó en Cuba “Tabula rasa”, una de las tres primeras obras del coreógrafo Ohad Naharin, creada en 1986. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

La más joven compañía de danza contemporánea del archipiélago cubano, Malpaso -fundada hace solamente un lustro en la capital cubana por tres osados, testarudos e indomables  jóvenes lugareños-, sigue mostrando en cada representación la solvencia de las potencialidades físicas y técnicas de sus bailarines, empero están renuentes a menoscabar sus “estándares coreográficos”, que han sido los objetivos fundacionales de esta agrupación.

Para sustentar este objetivo confesado de la constante “renovación”, preferimos citar una nota en el programa de mano firmada por Fernando Sáez, director general y co-fundador de Malpaso, donde expresa: “no es (por tanto) obra del azar, de la pereza o el descuido, que el programa que presentamos (ahora en el habanero teatro Martí) incluya junto a las obras de coreógrafos célebres (o consagrados), las de (bailarines) debutantes en el oficio”.

La primera parte nos permitió valorar, “Ser”, una miniatura (10 min) firmada por la solista Beatriz García Díaz, escrita para dos parejas mixtas sobre la sugestiva música de Ezio Bossio (compositor mediático  en Europa), apoyado por inteligentes diseños de luces y vestuario de la propia coreógrafa y danzante de la pieza. De su coreografía reprochamos la ausencia aparente de un asidero conceptual que justifique las articulaciones atléticas, con la consiguiente disminución comunicacional con el auditorio. Esto será superado con la madurez de su talento.

Después de una breve pausa, subió a escena la creación de la coreógrafa canadiense Aszure Barton, “Vals Indomable” (27 min). Nos presentó una obra coral para diez bailarines mixtos co-comisionada por Dancecleveland y la Cleveland Foundation, producida merced al mecenazgo de la New England Foundation for the Arts´ National Dance Project y el apoyo de otras instituciones con sede en los Estados Unidos. Malpaso es una compañía asociada al Joyce Theatre Productions.
Aszure Barton, asistida por Jonathan Emanuel Alsberry, elaboró una pieza atrayente y dinámica donde hecha mano de la técnica del contact y de unos pocos elementos de ballet, para así aprovechar las posibilidades rítmicas y tímbricas que le proporcionan las diversas músicas elegidas  de compositores  tales como Alexander Balanescu, Michael Nyman y Nils Frahm, así como la producción escénica de Nicole Pearce, en las luces, y de Fritz Masten en los figurines. La solvencia ejecutoria de los danzantes quedó probada con creces, particularmente en las intervenciones de Daile Carrazana, Osnel Delgado y Fernando Benet.

Solo para bailarín, “El piso a cuestas”, de Abel Rojo, protagonizado por Osnel Delgado, director artístico de Malpaso. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

Tras otra breve pausa, las cortinas abrieron para mostrar bambalinas negras y por iluminación, una luz cenital al centro (según diseño de Guido Gali) donde podemos distinguir a medias un atlético bailarín todo de negro sobre una losa blanca: Abel Rojo, el solista y coreógrafo del solo “El Piso a Cuestas” (10 min intensos e hipnóticos). Sobre ese piso desmontable se desarrollan las acciones de este carismático bailarín de especial proyección escénica. Su desempeño se vio mermado, según pudimos conocer, por una lesión muscular en el ensayo precedente, no obstante, las ovaciones no se hicieron esperar al final. Señalemos que un elemento a su favor fue su elección de Les Gymnopédies, de Erik Satie, como soporte musical, aunque la originalidad de la pieza de Rojo está por verse.

Finalmente, luego de un prolongado intermedio, llegó el plato fuerte de esta temporada: el estreno en Cuba de “Tabula rasa” (1986), del afamado coreógrafo israelita Ohad Naharin (residente director de Batsheva Dance Company y creador de un nuevo método de improvisación denominado GAGA con vocabulario propio), nacido en 1952 en el seno de una familia de artistas con formación musical, que comenzó en la danza con 22 años cumplidos . “Tabula…”, una de sus tres primeras creaciones, fue la pieza elegida en común acuerdo por los codirectores Malpaso y el creador, teniendo en cuenta varios aspectos logísticos y estéticos, para ser interpretada por diez de los más solventes danzantes de la joven agrupación.

Para lograr esto, viajaron previamente a La Habana dos de sus asistentes: Matan David y Bret Easterling, que se entregaron día y noche al montaje de la obra, hasta la llegada de Naharin, quien trabajó intensas jornadas con todo el equipo para revisar, pulir  y precisar matices y detalles actualizados en los movimientos requeridos para conseguir  claridad en las complejas imbricaciones de sus bien estructurados 27 minutos de duración, apoyados por una perturbadora música de Arvo Part.
La entrega artística del cuerpo de baile mixto -implicado a fondo en la profunda dramaturgia de “Tabula rasa” -,  logró apresar  y comunicar  su intensa carga dramática: angustias, desesperanza, dolor espiritual y físico. Son algunos de los elementos referenciales y autobiográficos en la vida del autor que transpira la pieza en su discurso coreográfico: un accidente óseo que detuvo su carrera de bailarín clásico (estudió primero con Martha Graham y luego en la School of American Ballet) o la trágica muerte en 2001 de su primera esposa y asistente. El éxito quedó sellado con largas ovaciones en pie.

Igualmente, esta obra fue posible gracias al director ejecutivo del Joyce Theatre Foundation; Jerome L. Green Foundation en honor a Karen Brooks Hopkins, así como el apoyo de Susan Dickler y Sig  Van Raan.

“Incomitable Waltz” es el título de la pieza concebida por Aszure Barton para esta exitosa agrupación cubana. De solo 27 intensos minutos, fue realizada por ella en colaboración con los ocho bailarines que ejecutan con brillantez y pasión los encadenamientos de pasos que recrean las formas básicas del vals vienés, en su mayor parte con figuras predominantemente en la vertical, asistidos por su compatriota Jonathan E. Alsberry.

Es una pieza coral con hermosos movimientos líricos abstractos, que entrelazan una buena variedad de combinaciones genéricas, que alternan dúos, tríos o solos, hasta un final de todos, apoyados por un eficaz soporte musical aportado, que incluye fragmentos seleccionados a partir de obras de tres compositores: Alexandre Balonescu, Michael Nyman y Nils Frahm. Además, la puesta en escena fue concebida por diseñadores escénicos foráneos de reconocida experiencia, como Fritz Masten (vestuario, en los que predominan los amarillos, fucsia y bermellón), y en las luces Nicole E. Pearce (bombillas incandescentes colgantes sobre los danzantes). Esta obra ha sido posible merced al patrocinio del Proyecto de Danza de New England Foundation for the Arts.

Otras dos obras del repertorio completaron el primer programa, ambas concebidas por autores foráneos especialmente para este conjunto: “Bad Winter”, dúo de 13 minutos, del polifacético coreógrafo estadounidense Trey McIntyre, pensado sobre una intrigante y dinámica cinta musical interpretada por The Cinematic Orchestra & Arthur Tracey. Tanto los dúos como los solos fueron ejecutados con notable hondura emocional por Carla Araújo y Manuel Durán. El diseño de luces de Travis Richardson se mostró como un factor importante para el éxito de esta miniatura coreográfica.

Para el cierre de este programa, eligieron una coreografía del mediático afroamericano Ronald K. Brown, siempre interesado en validar las culturas ancestrales afro-norteamericanas, partiendo siempre de su formación en la danza contemporánea para luego elaborar una particular escritura coreográfica. En su pieza “Why You Follow” -de unos 24 minutos de duración-, Brown despliega con agudeza sus saberes de una manera diáfana en la manipulación de estos nueve dúctiles bailarines cubanos. Su inspirada creación tiene el eficiente soporte musical brindado por Open Hart “Looklit Africa” (Zap Mama); The Path “Yoruba Road” (Allenko Brotherhood); Commintment “En route to Motherland” (Godheaven and Juliano); Faithfully Forward “Kusase Mnandi”(Godheaven and Juliano).

Segunda vuelta

El coreógrafo Ronald K. Brown, presentó su obra “Why You Follow”, cuyo foco apunta a las culturas ancestrales afro-norteamericanas. Foto: Beatriz García. Gentileza Malpaso.

En el segundo programa, Malpaso ofreció la más reciente creación de Delgado: “Leones en las largas playas doradas”, una pieza de 60 minutos para toda una noche sin pausas, y como es regla, la escritura coreográfica de Delgado está desarrollada en colaboración con los bailarines. Esta producción fue originalmente comisionada por el Festival de Arte Luminato de Toronto, con patrocinio privado de Joan y Jerry Lozinski.

Una lograda puesta en escena minimalista, donde los altos niveles profesionales de la producción constituyen un valor fundamental para conseguir sus propósitos narrativos y de la dramaturgia. Entre ellos, el importante soporte musical con la partitura original y su dirección en vivo por el autor, el multipremiado (varios Grammy) Arturo O´Farrill; los diseños austeros y creativos del vestuario y de las luces por los afamados artistas Reid and Harriet y Al Crawford, respectivamente.

El amplio foso de orquesta de la Sala Lorca acomodó una formidable banda todos estrellas que incluyó instrumentistas excelentes, tales como Yasek Manzano (trompeta y fiscorno), Alejandro Falcón (piano), Michel Herrera (en los tres saxos), Héctor Quintana (guitarra clásica), entre otros jóvenes talentos de la percusión cubana.

En esta obra, Osnel Delgado se inspiró en la novela “El viejo y el mar” de  Ernest Hemingway, cuya acción se desarrolla en el ámbito de un pueblo pesquero, Cojímar, en las inmediaciones de la capital cubana, y cuya coreografía, la mayor parte del tiempo horizontal, está atenida a los principios de creación colectiva que definen a Malpaso. No se trata, aquí, de ilustrar la conocida novela, explica la nota al programa, sino de revisitar la anécdota en una aproximación metafórica a la mística y a sus temas fundamentales que atraviesan la poética de Hemingway: el triunfo de la voluntad, la defensa de la dignidad y el honor, la inutilidad de la victoria; y el espanto ante el carácter efímero.

El personaje protagonista, el viejo Santiago encarnado con pasión y carisma por Delgado, se afana en recrear los esencial con su coreografía y su estructura dramática que muestra la lucha de este veterano pescador “a solas en el mar inexorable con un pez enorme y esquivo”. Este mítico personaje está arropado todo el tiempo por nueve entregados y disciplinaos  bailarines de ambos sexos.
Malpaso es una compañía vinculada al Centro de Danza de la ciudad de La Habana y a la Fundación Luwig de Cuba, así como asociad al Joyce Theater Productions, una iniciativa del The Joyce Theater Foundation (NYC)  y el  Sunny Artist Management de Toronto, Canadá.

El Taller de Danza de la Universidad Europea de Madrid presentará “Mínimos” en dos teatros de Madrid. Foto gentileza de TdeDdeUEM.

El Taller de Danza de la Universidad Europea de Madrid, con el patrocinio de Santander Universidades, presentará “Mínimos”, los días 5 de junio (Teatro Jacinto Benavente de Galapagar) y 9 de junio (Teatro del Arte, de Lavapies, en Madrid).

Esta experiencia de danza minimalista es un homenaje a los coreógrafos más relevantes de este particular estilo de danza, surgido dentro de las vanguardias de los años ’60 y ’80. En esta línea se inscriben creadores como las norteamericanas Lucinda Childs, artista minimalista por excelencia, y Trisha Brown. Y también, el director escénico Bob Wilson, la coreógrafa belga Anne Teresa de Keersmaeker, directora de la compañía Rosas, y la creadora catalana Ángels Margarit, de la compañía Mudances de Barcelona, que en sus inicios firmó obras de carácter minimalista mercadas fuertemente por lo mediterráneo.

Armado como un laboratorio de investigación y creación, la experiencia de los estudiantes de la UEM arrancó en septiembre del año pasado inicialmente a partir del análisis teórico y conceptual del minimalismo, sus coreografías y sus hacedores. Posteriormente, trajeron propuestas coreográficas directamente inspiradas en la estética, preceptos y lineamientos de cada uno de estos maestros de la vanguardia.

De esta forma terminaron por conformar un espectáculo-homenaje que toma la estética de Bob Wilson y en el que se encadenan imágenes, segmentos y pasajes de creación colectiva en el que se podrán identificar, entre otros, el rigor de Childs, el complejo encadenado de las acumulaciones de Brown. Y al mismo tiempo, una versión propia de “Rosas Danst Rosas”, coreografía emblemática de Keersmaeker, o la hipnótica belleza giratoria de los primeros trabajos de Margarit.

Cada una de estas secuencias de “Mínimos”, se suceden bajo las melodías repetitivas de las partituras de los más destacados representantes del minimalismo musical como Philip Glass, Michael Nyman o Steve Reich.

“Mínimos” tendrá su estreno en el Teatro Jacinto Benavente de Galapagar, y compartirá programa con la propuesta “¿Me regalas un movimiento?”, proyecto que Beatriz Palenzuela y Rafael de La Lastra, de la compañía madrileña Babirusa Danza.

Adicionalmente, se verá “Istmos”, una propuesta de los estudiantes, sobre el surrealismo, el cubismo y el expresionismo.

Además, el martes 9 de junio, “Mínimos” se presenta en el Teatro del Arte en dos funciones. Todas las representaciones tienen entrada libre hasta completar el aforo.

Informes:

Viernes 5 de junio, a las 19 hs.
Teatro Jacinto Benavente de Galapagar
Guadarrama, 66, de Galapagar

Programa:

“Mínimos”
“¿Me regalas un movimiento?”, de Beatriz Palenzuela y Rafael de La Lastra.
“Itsmos”, creación colectiva.

Martes 9 de junio, a las 20 hs. y a las 22 hs.
Teatro del Arte (calle San Cosme y San Damián 3, de Lavapies)

“Mínimos”
Entrada libre.