Lourdes López a punto de lanzar la programación de la temporada 2019-2020 que comienza en Miami y luego sale de gira por el Este y el Oeste de los Estados Unidos. Foto gentileza MCB.

Ballerina y maestra, Lourdes López, por poco más de un lustro directora artística del Miami City Ballet (MCB), con sede en un icónico inmueble art déco de la ciudad de Miami Beach. Privilegiada discípula de Georges Balanchine, tenía apenas un año cuando llegó de Cuba a Miami con sus padres. Después de superar ciertas anomalías congénitas de sus pies logró ingresar –primero en la Joffrey School– y luego a los 14 años consiguió una beca en la afamada School of American Ballet. Por su esforzado rigor en su formación técnica, fue seleccionada para formar parte del cuerpo de baile del New York City Ballet.

Su distintiva musicalidad y su especial calidad de movimiento, combinadas con su personal glamur, fueron fundamentales para que el todopoderoso Mr B decidiera sus promociones sucesivas en los rangos del NYCB, hasta culminar en el anhelado puesto de “principal” en 1984, el cual desempeñó con éxitos de público y crítica, hasta decidir su retiro de la escena. El ejercicio de ballet mistress y el de directora, desde 2013, la han colmado de satisfacciones personales, mediante los logros artísticos alcanzados por el MCB.

Con una apretada agenda de clases, ensayos y montajes, y ante el comienzo de la temporada 2019-2020 el 18 de octubre con “Slaughter on Tenth Avenue” de Balanchine, la directora, optó por varias reposiciones y estrenos, así como dos grandes “war horses”: “Don Quijote” y “El cascanueces”.

Danzahoy: Para comenzar, ¿cuáles fueron tus criterios para la elección, estética y temática de las obras?
Lourdes López: En esta temporada solamente tenemos estrenos de dos creadores vivos, Justin Peck y Christopher Wheeldon, y la reposición de una pieza de Alexei Ratmansky. Ninguno de ellos pudo venir a Miami, pero los repositores autorizados han estado al frente de los montajes.
En cuanto a la primera cuestión, programo no por temáticas, doy prioridad a las piezas que resultan buenas para el enriquecimiento cultural y estético tanto del público como de los bailarines. Me importa mucho saber cómo se ha de sentir el público después de verlas. Es así como las combino, en busca de un equilibrio con lo clásico y lo contemporáneo. De las reposiciones, opino que mientras más las bailan mejor será la entrega. Deben bailarlas en ocasiones sucesivas cada dos o tres años, para que las incorporen mejor, particularmente en el plano de los estilos. Los grandes ballets del repertorio clásico, preferimos que los vean cada cuatro o cinco años. En esta ocasión, tenemos “Don Quijote”, en la versión que baila el American Ballet Theatre, y “El cascanueces”, por supuesto, hacemos la coreografía de Balanchine.

D: ¿Cómo se incorporan a la compañía los nuevos talentos surgidos recientemente?
LL: Ahora hemos llegado a contar con 53 bailarines, el número más grande que jamás hemos tenido. Esta vez tendremos al excelente bailarín cubano Carlos Quenedit, que interpretará Basilio en nuestro “Don Q” con la primera bailarina mexicana Katia Carranza. Por otra parte, la distinguida solista Nathalia Arjase estrena en el pas de deux “Pájaro de fuego” (Balanchine/Stravinsky). También cuento con dos chicos y dos chicas, muy jóvenes (de 19 ó 20 años) que, en dos semanas de ensayo conmigo han demostrado progresos evidentes y especial talento.

Una de las elegidas de George Balanchine en el NYCB, Lourdes López asumió la dirección del Miami City Ballet en 2013. Foto gentileza MCB.

D: ¿Y la selección de las obras que ya pueden considerarse clásicas?
LL: Consideramos mucho los permisos del Balanchine Trust, pues nos autorizan a bailar por primera vez piezas del repertorio del NYCB. Entre ellas el pas de deux “Pájaro de fuego” con nueva puesta en escena y vestuario, que solamente lo baila la agrupación neoyorkina. Igualmente, “I´m Old Fashioned”, un homenaje de Jerome Robbins a Fred Astaire, uno de los grandes bailarines de entonces. Nuestros solistas bailarán ante las estrellas del famoso filme de 1941, que se proyectarán en una gran pantalla a sus espaldas, Astaire y Rita Hayworth, con su glamur hollywoodense “irresistible y conmovedor”. El público tendrá reales motivos para salir eufórico del teatro.

D: ¿Cuáles son los estrenos elegidos?
LL: “Rodeo: Four Dances Episodes” es una recreación de Justin Peck que rinde homenaje a la coreógrafa norteamericana Agnes de Mille (con la que se hizo famosa), siempre con la música original de Aaron Copland, realizada para el NYCB será representada por vez primera fuera de su compañía de ballet. El pas de deux “This Bitter Earth” de Wheeldon sobre la música seductora de Max Richter con la voz en off de Dinah Washington, es un dúo muy hermoso pero muy triste, conmovedor.

D: Si bien no es un estreno, reponen “Symphonic Dances” (2012) de uno de los más afamados coreógrafos del momento, el ruso Ratmansky, que coincidentemente ofreció su obra “ConcertoDSCH” (de 2008) al Ballet Nacional de Cuba, obra que también bailó el Ballet del Teatro Mariinski en el Covent Garden de Londres en 2014.
LL: Me alegra mucho que el BNC tenga un ballet de Alexei (Ratmansky) en un futuro cercano. El que bailamos en nuestro conjunto siempre es muy bien recibido por el público, y aportó mucho a nuestro elenco.

D: ¿Cómo se manifiesta el público de Florida con relación al ballet, y particularmente en cuanto a los programas del MCB?
LL: Realmente la respuesta del público ha sido muy buena en los últimos años, buena venta de subscripciones y de taquilla. El nivel de asistencia ha sido alto, a Dios gracias. Hemos superado una precedente apatía.
D: ¿Cómo se desarrolla su relación profesional y personal con la nueva dupla que rige actualmente el NYCB?
LL: Puedo decirte que muy buena. Tanto con Jonathan (Stafford) que no conocía antes de mi retiro, como con Wendy (Whelan), pues fuimos amigas cuando bailamos juntas en el cuerpo de baile del NYCB. Ambos siguen siendo buenos colegas.

Lourdes López incluye en la programación del MCB clásicos de Balanchine, estrenos de Justin Peck y Christopher Wheeldon, y una reposición de Alexei Ratmansky. Foto gentileza MCB.

D: ¿Padece el MCB la carencia de nuevos talentos coreográficos, como se manifiesta en otras compañías de ballet? La programación de la nueva temporada está sostenida por nombres de gran reconocimiento…
LL: En cierta manera sí. Pero esto lo vamos paliando y superando con la participación de los estudiantes que participan en las escuelas de verano y de invierno. A la par, existe un taller coreográfico del cual han surgido dos jóvenes con promisores talentos coreográficos, que han creado piezas para los participantes de ambos cursos. Uno de ellos compone en la línea contemporánea y el otro (una chica) en la clásica… sin duda me parece muy clásica. En la temporada de 2020 le daremos oportunidad a un joven talento en lo contemporáneo, pues ha montado siete danzas muy creativas para los participantes.

D: ¿Cuál será su posición, en tanto que mentora de una institución estadounidense de ballet, con respecto a los cambios en la cúpula directriz del Ballet Nacional de Cuba?
LL: Me parece una elección positiva, es darle paso a generaciones más jóvenes. A Viengsay Valdés la he visto bailar de manera brillante, la he admirado por su baile. Estamos dispuestos a ayudarla en lo artístico y profesional. Para eso somos compañías homólogas como artistas de la danza y geográficamente vecinas.

D: ¿Cómo han programado las giras a corto plazo para 2019-2020, tanto locales como internacionales?
LL: Hasta ahora, nuestros planes de gira confirmados son los inmediatos: actuaremos en escenarios de varias ciudades del Sur de la Florida en 2019, aunque luego iremos a Washington DC, a California, y en 2020 a importantes ciudades de Canadá.

D: En 2020, en Cuba están preparando varias celebraciones para el centenario de Alicia Alonso, particularmente durante el bienal Festival Internacional de Ballet de La Habana, (octubre-noviembre). ¿Aceptaría una invitación para bailar en esas conmemoraciones?
LL: Espero que puedan celebrársele sus 100 años como ella se merece, y que esté mucho más tiempo entre nosotros. Y que sea posible estar presentes.

Dance Theatre of Harlem presentó “Dougla”, en esta nueva edición de Ballet Across America en el Kennedy Center. Foto: Rachel Neville. Gentileza JFKC.

Ballet Across America trajo este año dos compañías históricas en el país, tanto por sus orígenes como por su trayectoria. Esta vez, la serie propuesta por el al Kennedy Center rompió en cierta forma con el esquema habitual en el cual varias compañías de diferentes partes de los Estados Unidos se reunían en Washington para mostrar sus trabajos, pocas veces vistos en la ciudad. Y lo más interesante de todo es que compartían escenario en una misma función.

Esta vez, la propuesta fue diferente, pero no menos atractiva. Desde el norte y desde el sur de la costa Este del país llegaron el Dance Theatre of Harlen (DTH) y el Miami City Ballet (MCB). Ambas, fundadas por dos destacados bailarines de la troupe de George Balanchine, Arthur Mitchel y Edward Villella, y ahora, ambas, dirigidas por dos mujeres, también formadas en las filas de Mr. B, Virginia Johnson y Lourdes López.

Los dos ensambles, rompieron la tradición y se presentaron en forma separada un día cada uno. Solo el viernes 31 de mayo compartieron escenario. Esta propuesta de presentar solo dos compañías tuvo también su encanto y también ese dejo de nostalgia por los que se fueron.

Hace 50 años que Mitchel, el primer bailarín afroamericano que integró el New York City Ballet, durante la dura época de la lucha por los derechos civiles, fundó la primera compañía integrada por bailarines afroamericanos. Hoy, la troupe es un símbolo de la diversidad y la inclusión.

El DTH abrió el programa con la obra de la coreógrafa afroamericana Dianne McIntyre, “Change”, de 2016, con música gospel interpretada por el coro Spelman College Glee Club. La pieza, solo para tres mujeres, tiene predominio de tonalidades en negro, beige y marrón. Esas tres mujeres, que en un rito casi tribal se ensamblan a través de diferentes secuencias construyen esta interesante obra, intensa y dramática dentro de la abstracción.

“Passage” de Claudia Schreier, con música del violinista Jessie Montgomery también puso su impronta reflexiva acerca de un mundo que no ha podido desembarazarse totalmente del estigma de la discriminación. La obra, de 2019, fue encargada por el Virginia Arts Festival para celebrar los 50 años del DTH y en conmemoración de los 400 años de la llegada de los primeros esclavos africanos. Diseñada para 12 bailarines, Schreier logra controlar con inteligencia las distintas secuencias y combinaciones de movimientos sobre una partitura casi dodecafónica de la que se desprenden bellas imágenes y movimientos.

Para el final, “Dougla”, de Geoffrey Holder, también autor de la música, rompe con la estricta estética Balanchiniana y se inserta en un concepto más tribal, ritual y visceral que reúne a los 20 bailarines de la troupe. Estrenada en 1974, la obra tiene una dinámica arrolladora en la que los bailarines dejan el alma.

Desde Florida

El Miami City Ballet en “Brahms-Handel”, una coreografía de Jerome Robbins y Twyla Tharp, estrenada por primera vez en 1984. Foto: Alexander Iziliev. Gentileza JFKC.

El programa del MCB, tan intenso como el del DTH trajo una de las joyas de Balanchine, “Walpurgisnacht Ballet ”, con música de “Fausto” de Charles Gounod. Este ballet que lo estrenó el NYCB en 1980, está inspirado en una celebración folclórica germana. Katia Carranza y Rainer Krenstetter, quien debutó en el rol, asumieron los protagónicos de esta obra magnífica en cuanto a belleza y estructura. Ambos impecables, acompañados por un cuerpo de baile, también impecable, cuidado y preciso.

De Kenneth MacMillan, llegó el “Carrousel pas de deux”, una pieza al mejor estilo MacMillan, con magníficas levantadas y una teatralidad conmovedora. Jenifer Lauren y Chase Swatosh, interpretaron esta obra con suma delicadeza.

“Heatscape”, del joven coreógrafo Justin Peck, quien ha comenzado a dominar la escena de la danza etadounidense, trae frescura, humor y dinamismo, al tiempo que utiliza interesantes efectos de iluminación y un decorado casi Zen, creado por Shepard Fairey y ObeyGiant.com. Dúos, tríos, escenas grupales, hacen que los bailarines corran en escena con distintas velocidades, despojados de los guiños de la danza clásica y profundizando más los códigos de la danza callejera y juvenil.

Para el final, el MCB optó por una obra conjunta de dos popes de la danza: Jerome Robbins y Twyla Tharp. Una colaboración única de ambos coreógrafos, estrenada en 1984 por el NYCB. Veintiocho bailarines, con atuendos en azul y verde diseñados por Oscar de la Renta, el famoso diseñador de modas, hacen un despliegue de talento, precisión y bravura en esta bella creación que no sólo se apodera de la nostalgia sino que, por momentos, hace sentir que “todo tiempo pasado fue mejor”. ¿Será así?

L.A. Dance Project, llevó a escena “Hearts & Arrows”, de Benjamin Millepied, con música de Philip Glass. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.,

El programa seleccionado por Justin Peck, que subió al Opera House del Kennedy Center el sábado 22 y el domingo 23, se acercó más a las características de ciclos anteriores de Ballet Across America. Aquí compartieron escenario compañías como Joffrey Ballet, L.A. Dance Project, Kyle Abraham-Abraham.In.Motion, y los bailarines del Miami City Ballet, Patricia Delgado y Jovani Furlan.

El mismo cortometraje de Ezra Hurwitz, “Now More than Ever”, también formó parte de la “carta de presentación” de este ciclo. Luego, la compañía fundada por Benjamin Millepied, L.A. Dance Project, llevó a escena “Hearts & Arrows”, una obra que se estrenó en 2014, en Miami, Florida, y que utiliza música de Philip Glass, “String Quartet Nº 3”.

La pieza, que tiene fuertes reminiscencias a Jerome Robbins, recurre a una estética minimalista, con un escenario desnudo y ocho bailarines vestidos en blanco y negro. En las seis secciones en las que se divide la estructura coreográfica, los excelentes bailarines de la troupe hacen una demostración de ajustado estado atlético. Sin embargo, la música de Glass adquiere mayor protagonismo que la danza. El lenguaje, absolutamente contemporáneo, está despojado de toda emoción.

“Year of the Rabbit”, de Justin Peck, por Patricia Delgado y Jovani Furlan, bailarines principales del Miami City Ballet. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

ero fue precisamente en “Year of the Rabbit”, de Justin Peck, donde la emoción llegó de una manera casi sublime en el pas de deux interpretado magníficamente por Patricia Delgado y Jovani Furlan, bailarines principales del Miami City Ballet. Una obra breve, con poses sostenidas, equilibrios, y un delicado trabajo de pareja, cautivó con el encanto de lo simple. Bello duetto, realizado en 2012 por el joven coreógrafo, también curador de este segmento de Ballet Across America.

De Christopher Wheeldon, el Joffrey Ballet trajo una obra de 2007 estrenada en el Sadler´s Wells Theatre de Londres, “Fool’s Paradise”, con música de Joby Talbot. Una obra neoclásica, misteriosa, sugerente, con bailarines impecables. La iluminación de Penny Jacobus y la puesta en escena de Jason Fowler, en la que una lluvia de pétalos dorados semejan el ideal intelectual del Olimpo, ponen a esta realización un toque particular y único.

Kyle Abraham/Abraham.In.Motion hizo su debut en el Kennedy Center con “The Gettin”, una obra que evoca la lucha por los derechos civiles. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.,

Con un contenido de fuerte impronta social Kyle Abraham/Abraham.In.Motion hizo su debut en el Kennedy Center con “The Gettin”, una obra creada entre 2012 y 2014 que evoca la lucha por los derechos civiles en la que el mismo presidente Kennedy estuvo involucrado durante su mandato. La música en vivo de Robert Glasper y Max Roach, trajo magníficos intérpretes, quienes formaron parte de esta propuesta escénico-coreográfica que rescata el lenguaje popular y callejero.

Desde códigos contemporáneos Kyle Abraham vuelca elementos de las danzas tribales africanas. Una serie de dúos, tríos y escenas de conjunto van delineando una historia contada a través de un valioso material audiovisual en blanco y negro que describe momentos críticos en la lucha por la discriminación racial. Una obra interesante, fuerte, con bailarines que estallan de energía.

Julie Kent, Maki Onuki, Victor Barbee y Rolando Sarabian en un ensayo de “Giselle” para The Washington Ballet. Foto gentileza TWB.

Desde su exilio en 2005, el cubano Rolando Sarabia ha recorrido un camino ecléctico y al mismo tiempo, signado por su constante búsqueda dentro del ámbito de la danza clásica, un lenguaje que le fue familiar desde su infancia y que también ha sido su sello indiscutible. Su primera y gloriosa presentación en los Estados Unidos, luego de su exilio, fue en el Festival Internacional de Ballet de Miami de 2006, apenas recuperado de una de sus tantas operaciones en la rodilla. Luego pasó por el Houston Ballet, el Miami City Ballet, el Ballet Clásico Cubano de Miami, y también fue bailarín independiente. Premiado y multipremiado, Sarabia, recibió el Benois de la danza en 2011, y otros tantos reconocimientos que obtuvo cuando apenas tenía 20 años y era primera figura del Ballet Nacional de Cuba (BNC).

En septiembre de 2016, cuando Julie Kent asumió la dirección de The Washington Ballet (TWB), Sarabia pasó a integrar la compañía que durante 17 años había dirigido Septime Webre. Y este jueves 2 de marzo será protagonista en el estreno de “Giselle”, su primer rol en un clásico completo como bailarín de esta compañía. Las funciones, que se realizarán desde el 1 hasta el 5 de marzo en el Eisenhower Theatre del Kennedy Center, contarán con orquesta en vivo y diferentes elencos.

Siguiendo los pasos de su esposa, la bailarina cubana Venus Villa, también bailarina de TWB, Sarabia decidió quedarse en Washington. “Cuando me enteré que Julie (Kent) y Xiomara Reyes estaban en la compañía, tomé la decisión de hacer una audición”, comentó a pocos días del estreno en Washington.

DANZAHOY: ¿Cómo fue tu primer acercamiento con la dirección de TWB?

Rolando Sarabia integra en elenco de The Washington Ballet desde mediados de 20016. Foto gentileza TWB.

Rolando Sarabia: Había compartido galas internacionales con Julie, pero tenerla como directora es otro ámbito. Creo que tanto con Julie, como con Victor Barbee, su esposo y director artístico asociado, y de larga trayectoria en el American Ballet Theatre, la compañía va a cambiar. Los cambios siempre hacen bien. Estamos trabajando muchísimo en un repertorio variado que va desde Frederic Ashton a Alexei Ratmansky. Con la perspectiva de utilizar orquesta en vivo, de recuperar los grandes clásicos y de hacer tours no solo por los Estados Unidos sino también por el resto del mundo, se abre un nuevo panorama.

D: ¿Cómo fue trabajar “Giselle”?

RS: Es uno de los clásicos más grandes. La producción es de Julie, mezclada con toda su experiencia en este ballet. “Giselle” es uno de mis favoritos, aunque “Don Quijote” está en el primer lugar de mis preferencias. Pero la historia de “Giselle” me encanta, especialmente cuando la haces tuya. Julie ha hecho un trabajo estupendo con todas las parejas y sus consejos son increíbles. La visión que tienen, tanto Victo como ella, de los personajes, ayuda a seguir mejorando, y cuando nos hacen una crítica es para enfatizar en lo que uno tiene que rectificar para hacerte mejor bailarín. Julie llena a las bailarinas de detalles asombrosos. Y yo, hacía mucho tiempo que no tenía un coach como Victor, un coach que ayude a interpretar el personaje. Porque en estos roles, si no tienes ángel, presencia y emoción no existe el bailarín. El ballet no es solo técnica, es arte, y hay que dar prioridad a la calidad más que a la cantidad. Muchas veces la gente no se da cuenta de que no se trata de hacer trucos o piruetas sino de encontrar la interpretación. En la época de Mikhail Baryshnikov y de Rudolph Nureyev, ninguno de los dos exageraron los saltos o los giros, ni se fueron de estilo para llamar la atención.

D: Después de estos cinco meses de experiencia, ¿qué es lo que remarcarías de TWB?

RS: Hay mucho talento joven y mucha diversidad. Por otra parte, esta intención de recuperar los clásicos me parece interesante. Después de todo, ¿por qué esperar que venga el Bolshoi para ver ballet clásico? Esta compañía es perfecta para mí, y me interesa volver a la experiencia de ser bailarín “full time”.

D: ¿Cuáles son las diferencias que encuentras entre ser bailarín invitado y pertenecer a un ensamble?

RS: La diferencia es que el “full time” te mantiene entrenado y te permite alcanzar nuevas metas todos los días. A su vez, perteneciendo a una compañía, en los períodos de receso se puede ser también invitado en galas. En cambio el ser un bailarín “free lance” limita mucho, es muy duro mantenerse en forma, no solo porque no hay incentivo sino también porque pesan otros factores como los lugares de ensayo, las clases, y la constancia en el trabajo. Las compañías, en cambio, te dan la posibilidad de hacer muchos ballets diferentes, y eso alimenta la cultura del cuerpo y de la mente, algo que se pierde mucho como invitado porque el bailarín no se entrena de la manera adecuada. Por eso los bailarines con carrera satisfactoria han estado en una compañía en forma permanente.

Rolando Sarabia y Maku Onuki, de The Washington Ballet, en “Cascanueces”. Foto: Media4artists, Theo Kossenas. Gentileza TWB.

D: ¿Y si tuvieras que elegir entre alguna de las dos formas?

RS: En lo personal, necesito mucho el reto del día a día. Me interesa saber que hay bailarines mejores porque me incentiva a sobrepasar mis propias metas. Eso es lo importante, porque mantienen el entusiasmo vivo. Cuando uno es el único grande en una compañía, cae en la rutina inevitablemente. Me inspira y me ayuda a mejorar saber que hay otros de los que se puedo aprende para mantener la competencia sana.

D: ¿Cuál fue tu motivación para salir de Cuba?

RS: Cuando me fui, salí con la mente preparada y tenía decidido lo que iba a hacer. Me fui no porque vivía mal, en absoluto. De hecho viajaba por el mundo con el BNC, mi papá, Rolando Sarabia, y mi hermano Daniel Sarabia, los dos bailarines, también viajaban. Nuestra familia tuvo la fortuna de no pasar esos grandes trabajos que otros dicen. Pero me fui porque quería mostrarle al mundo lo que me enseñó mi escuela cubana. Mi carrera es una de las cosas más importantes de la vida y me propuse crecer. Llegué a Miami, me recibió mi tía Marisol, que me dio comida y techo; estuve tomando clases con Magaly Suárez, quien me ayudó a recuperarme de mi rodilla y aprendí mucho de ella.

D: ¿Y cómo llegó el amor? ¿Amor entre bailarines?

RS: Con Venus (Villa) nos conocimos en el Festival Internacional de Miami, dirigido por Pedro Pablo Peña, un hombre que revolucionó la cultura en Miami. Por entonces, ella estaba en el English National Ballet, y nos fuimos encontrando en festivales. Bailamos juntos en algunas galas, si bien al principio éramos amigos. Pero después de un tiempo nos dimos cuenta de que estábamos enamorados y decidimos casarnos. Y ahora tenemos una niña de 3 años que me llena la vida con su sonrisa.

BalletNow, con la curaduría del italiano Roberto Bolle y del argentino Herman Cornejo, reúne reconocidos bailarines internacionales. Foto: (izq.) Roberto Bolle, por Luciano Romano. (der.) Herman Cornejo, por Lucas Chilczuk.

Un nuevo capítulo en la programación de danza de The Music Center de Los Ángeles, centro reconocido por sus ciclos de ballet y danza contemporánea. Esta vez, Europa y América latina se funden en un abanico de estilos y tendencias con los mejores de cada continente. Con el estreno mundial del ciclo BalletNow™, que se realizará desde el viernes 10 al domingo 12 de julio, el ballet tendrá una cita memorable.

Por primera vez, y con la curaduría de dos grandes de la danza internacional, el italiano Roberto Bolle y el argentino Herman Cornejo, ambos primeros bailarines del American Ballet Theatre, BalletNow™, propone una gran diversidad de obras. Bolle y Cornejo han formado un ensamble internacional con 18 de los mejores bailarines de 12 países, en tres presentaciones diferentes que se realizarán por primera vez en The Music Center y en el sur de California.

El 10 de julio, en el Dorothy Chandler Pavilion de The Music Center se presentarán artistas europeos seleccionados por Bolle, mientras que en la segunda noche, lo hará el grupo latinoamericano, con curaduría de Cornejo. Para la tercera función final del 12 de julio, está preparado un show que reúne a la mayoría de los bailarines de las presentaciones anteriores.

The Music Center co-produce el programa europeo y el tercer programa junto a Arts Producer Plus LLC (Richard Kielar, director) y Artedanza s.r.l. (Emanuela Bolle,directoral). Y el latinoamericano,es una producción exclusiva de Arts Producer Plus LLC.

BalletNow es una combinación de clásicos, solos y pas de deux, las más renovadas propuestas contemporáneas, estrenos mundiales y estrenos especiales para la Costa Oeste. El programa propuesto por Bolle será una mezcla de obras clásicas, neoclásicas y contemporáneas. Y él mismo estrenará en Los Ángeles “Prototype”, con coreografía de Massimiliano Volpini y música de Piero Salvatori, que incluye efectos digitales de Xchanges Visual effects. Bolle, Étoile del Teatro alla Scala de Milán, también bailará “Passage” -estreno en los Estados Unidos-, con coreografía de Marco Pelle, y música y video de Fabrizio Ferri. ”Passage” fue presentado por primera vez en el Festival de Cine de Venecia en Italia en 2014.

Cornejo, por su parte, ideó un programa con fuerte toque latino, incluida la presentación “Tango y Yo”, que también será estreno en la Costa Oeste, cuya premier la hizo el Ballet Hispanico en New York en 2010. El bailarín argentino su vez estrenará otra coreografía propia, “Fuga y Misterio”, con música de Astor Piazzolla.

El programa se completará con una serie de pas de deux y variaciones de la versión de Cornejo de “Don Quixote Suite”. El colombiano Carlos Molina creó su versión del pas de deux de “Carmen”, que será uno de los estrenos mundiales, y también presentará el estreno de su versión del pas de deux de “Spartacus”.

Paloma Herrera, que acaba de retirarse del American Ballet Theatre, hará también su despedida en la Costa Oeste el sábado 11 de julio. En esta oportunidad bailará junto al argentino Juan Pablo Ledo el pas de deux de “Verano Porteño”, obra que pertenece a “Cuatro Estaciones de Buenos Aires”, con coreografía de Mauricio Wainrot, y en la segunda parte, el pas de deux “Nuestros Valses”, de Vicente Nebrada.

BalletNow: bailarines

Estrellas de Europa
Roberto Bolle, Étoile Teatro alla Scala de Milan y principal del American Ballet Theatre. (de Italia)
Petra Conti, principal del Boston Ballet, Boston (de Italia)
Marlon Dino, principal del Bayerisches Staatsballett de Munich (de Albania)
Maria Eichwald, bailarín invitado, y ex principal del Suttgart Ballet de Alemania (from Kazakhstan)
Maria Kochetkova, principal del San Francisco Ballet (de Rusia)
Lucia Lacarra, principal del Bayerisches Staatsballett de Munich (de España)
Marijn Rademaker, principal del Dutch National Ballet de Amsterdam (de Holanda)
Henry Sidford, San Francisco Ballet (de los Estados Unidos)
Dinu Tamazlacaru, principal del Staatsballett Berlin (de Moldavia)

Estrella latinas

Herman Cornejo, principal del American Ballet Theatre. (de Argentina)
Paulo Arrais, principal del Boston Ballet (de Brazil)
Mary Carmen Catoya, artista invitada, ex principal del Miami City Ballet. (de Venezuela)
Erica Cornejo, principal del Boston Ballet (de Argentina)
Paloma Herrera, principal del American Ballet Theatre. (de Argentina)
Juan Pablo Ledo, principal del Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires (de Argentina)
Carlos Molina, artista invitado, ex principal del Boston Ballet. (de Colombia)
Luciana Paris, solista del American Ballet Theatre (de Argentina)
Kleber Rebello, principal del Miami City Ballet (de Brasil)
Viengsay Valdes, principal del Ballet Nacional de Cuba (de Cuba)

Hacer clic aquí para ver el programa completo.

Izq. a der. Joan Boada con Lorna Feijóo, Nelson Madrigal con Lorena Feijóo, Reyneris Reyes con Xiomara Reyes, y Paloma Herrera con José M. Carreño en "Majísimo", de Geoge García en el Metropolitan de Nueva York. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Ya el American Ballet Theatre (ABT) ha presentado otras veces una función dedicada a los hispanos en su usual temporada en el Metropolitan de Nueva York. No obstante, la Gala de este año celebrada el 16 de mayo, sin ser denominada como un homenaje a los hispanos, parecía ser así. En el ambiente de esa noche predominaban lujosos atuendos en las damas, con los caballeros vistiendo elegantes “smokings”, sin embargo, también resaltaba el idioma español que se oía por todas partes, y las expectativas, especialmente entre los balletómanos cubanos, por el estreno de “Majísimo”, del coreógrafo cubano George García, sobre música de Jules Massanet, que cerró el primer acto de la función.

Esta nueva temporada que apenas se inicia, marcará tres ocasiones especiales en el mes de junio: Julie Kent, en “La Dama de las Camelias”, con Roberto Bolle, celebra 25 años con la compañía; el 18, Paloma Herrera, con Angel Corella, bailando “Coppelia”, cumple 20, y el día 30, José M. Carreño se despide del ABT, después de 15 años como bailarín principal.

La Gala dio comienzo y terminó con escenas de “The Bright Stream”, de Sergei Ratmansky, con música de Dmitri Shotakovitch, y vestuario de Elena Markovskaya. El ballet completo se verá en la segunda semana de la temporada; en esta función inicial sólo se hizo una suerte de introducción. Con excepción del mencionado estreno neoyorquino de “Majísimo”, las escenas de la obra de Ratmansky, el coro de cisnes que le dio realce al Pas de Deux del Cisne Blanco, el Adagio de la Rosa de “La Bella Durmiente”, y lo que podría llamarse una “pieza de ocasión”, bailado por 16 encantadoras y bien entrenadas alumnas a Nivel 7 de la Escuela Jacqueline Kennedy Onassis del American Ballet Theatre (con coreografía de Raymond Lukens, sobre “Karelia March” de Sibelius), los demás bailes incluidos esa noche fueron solamente Pas de Deux por las estrellas de la compañía.

“Majísimo”, obra que merecía un poco más de iluminación, mostró a las bailarinas con hermosas flores en el cabello, del color de la camisa de su compañero, y usando abanicos en algunos pasajes. Las parejas iban formadas por Lorena Feijóo con Boada, Lorna Feijóo con Madrigal, Xiomara Reyes con Reyneris Reyes, y Herrera de pareja de Carreño, Hubo solos a cargo de Herrera y Reyes, y por su parte Boada y Carreño hicieron las delicias del público con sus límpidas e innumerables vueltas. Muy satisfecho debe haberse sentido García ante la reacción del público, que no solo aplaudió, sino gritó a pleno pulmón su aprobación al espectáculo.

Sobre el resto del programa, nunca Veronica Part se ha visto más emotiva que en su suave interpretación del Pas de Deux de “Nutcracker”, según la coreografía hermosa y efectiva de Ratmansky, llevando de compañero a un partenaire como hay pocos: el brillante Marcelo Gomes. La sutil Alina Cojocaru, en el Adagio de la Rosa de “La Bella Durmiente”, tuvo a sus cuatro príncipes solicitando su mano, y entregándole la rosa como es costumbre. Los balances de la Cojocaru fueron un encantador regalo.

En la escena de la alcoba de “Manon”, el coreógrafo McMillan logró un trabajo muy codiciado en la actualidad por las bailarinas. Su gloriosa intérprete esa noche fue Diana Vishneva, tan maravillosa danzarina como actriz dramática, y cómo no iba a lograr un trabajo tan magistral, si tenía a su lado al magnífico Gomes. El resto del programa pasó sin pena ni gloria, por más que hay que añadir que la orquesta sonó magnífica en todo momento, como siempre, si bien esta vez llevó a tres directores diferentes: Charles Barker, Ormsky Wilkins y David LaMarche.

George García y su “Majísimo”

Geoge García, coreógrafo disidente cubano, autor “Majísimo”, el estreno eseprado en el Metropolitan, junto a otros nueve bailarines, pidió y obtuvo asilo político en París en 1966, durante una gira del Ballet Nacional de Cuba en Francia, lo que causó la primera crisis política sufrida por el régimen revolucionario cubano. Por lo demás, García ha hecho muy buena carrera en Europa, donde está radicado desde su exilio, trabajando con compañías de Bruselas y Portugal, entre otras. José Manuel Carreño, en vísperas de su retiro, insistió con Kevin McKenzie, director artístico del ABT, sobre su deseo de bailar “Majísimo” con artistas cubanos. McKenzie accedió a su petición y del ABT serán incluidos en el estreno Xiomara Reyes, bailarina cubana también, y la argentina Paloma Herrera. Para completar el elenco vendrán como invitados los cubanos Lorena Feijóo y Joan Boada, del Ballet de San Francisco, Lorna Feijóo y Nelson Madrigal, del Ballet de Boston, y Reyneris Reyes, del Miami City Ballet.