“BIPED”, de Merce Cunningham, con música de Gavin Bryars fue una de las piezas que la Compagnie Center National de Danse Contemporaine-Angers, Francia, llevó al Kennedy Center. Foto: Jef Rabillon. Gentileza JFKC.

Un revolucionario. Indiscutible. Un hombre que trascendió los límites. Todos. Un visionario que fue más allá del siglo por venir. Sin dudas, Merce Cunningham dejó un legado irrepetible en la danza moderna. Los imitadores jamás lograron descifrar esa especie de “Élam vital” que caracterizó a todas sus obras; esa fuerza inmanente, esa sutileza oculta, esa mágica armonía. Abstracción cuyo duende se transfigura. Aún hoy pasados ya más de 60 años, su mirada sigue siendo hacia el futuro.

El miércoles 2 el Kennedy Center comenzó un ciclo en el que hubo charlas, películas e instalaciones interactivas sobre Merce Cunningham, que duró hasta el 5 de octubre con el fin de conmemorar y revalorizar a este pionero del cambio. El jueves 3, la Compagnie Center National de Danse Contemporaine (CNDC)-Angers, Francia, presentó dos obras, “Beach Birds” (1991) y “BIPED” (1999). Este programa, es parte de las celebraciones de “Merce Cunningham at 100″ que se realizan en los Estados Unidos, Europa, América latina y Canadá con motivo de los 100 años del nacimiento del coreógrafo, luego de su muerte en 2009.

“Beach Birds”, de 1991, realizada con el músico John Cage, es una de las tantas que compuso esta dupla que formó parte de la historia de la danza contemporánea. Foto: Jef Rabillon. Gentileza JFKC.

Las dos piezas, cuidadosamente reconstruidas por Robert Swinston, director de CNDC, quien integró la Merce Cunningham Dance Company, trajeron a escena memorias, empatías y vibraciones que parecían perdidas a través del tiempo. Volver a respirar a Cunningham es casi un privilegio en medio de un mundo en el que la creación ha perdido su rumbo.

Como el mismo nombre lo sugiere, estos “pájaros de playa” de “Beach Birds”, aparecen en escena como instalados en la arena esperando el amanecer. A contraluz, inmóviles, como esculturas. Poco a poco las luces van mostrando sus contornos y sutilmente comienzan a moverse. Cada uno de estos pájaros emite su propio sonido corporal, sus propias frases. Todos de blanco, con una franja negra en el pecho y en los brazos. Quizás, gaviotas. Quizás, especies desconocidas… Delicadamente se mueven, se balancean, se mantienen en largos y sostenidos equilibrios. Impecables, los bailarines fueron configurando este andamiaje de aves que se desplazan de modo celular con una asombrosa sincronización.

Esta pieza, creada en colaboración con el músico John Cage, es una de las tantas que compuso esta dupla que formó parte de un movimiento integral en el que pintores, escultores, músicos, dramaturgos, intentaban encontrar una forma de expresión diferente a partir del arte abstracto, sin que ello implicara ausencia de emoción o de dramatización. Su danza adquirió un lenguaje propio, se liberó de la anécdota, del argumento, de la psicología, para convertir al bailarín en el centro de sí mismo y en un todo integrado y sincronizado.

“Beach Birds” es una obra de extraordinaria belleza que hace mover pequeños resquicios del alma, a medida que los bailarines se desplazan, se entrelazan, se desconectan, o se quedan estáticos. Y la música de Cage, abre otras puertas y otras dimensiones paralelas.

Con sus trajes brillantes, iridiscentes, los bailarines aparecen y desaparecen nuevamente en el escenario para dar lugar a “BIPED”. Sobre una partitura de Gavin Bryars, el célebre compositor de música experimental que colaboró con Cunningham durante varios años, y con el mismísimo Bryars como contrabajista interpretando su música desde el foso, la pieza fue cobrando entidad propia con una magia absolutamente envolvente.

Detrás de un telón transparente, los bailarines se mueven en una dinámica particular que se ensambla con proyecciones de imágenes animadas que, por momentos, sincronizan los movimientos. Esas imágenes, creadas a través de un software que solía usar Cunningham para crear sus coreografías, se amalgaman y forman parte de la coreografía, de la música y, también, de sí mismas. Esas proyecciones poseen sus propios tiempos y se debaten con las líneas verticales y horizontales que se van desplazando y proyectando, para crear un espacio escénico particular.

Volver a revivir esas imágenes, esos sonidos, esas emociones que solo Merce Cunningham fue capaz de lograr, es quizás, volver a recuperar la esencia de una época de fervor creativo, desafiante, audaz, que dio paso a otro mundo y a otro concepto en torno de la danza.

“Merce Cunningham at 100″ es parte de una serie de presentaciones en los Estados Unidos, Europa, América latina y Canadá para celebrar los 100 años del nacimiento del coreógrafo. Foto: Jef Rabillon. Gentileza JFKC.

Malpaso estrenó “Fielding Sixies”, de Merce Cunningham, pieza breve para ocho bailarines de ambos sexos, sobre música de John Cage. Foto: Buby. Gentileza Malpaso.

Con un novedoso programa de estrenos y reposiciones, la joven compañía de danza Malpaso –asociada siempre a Joyce Theater Productions de la ciudad de Nueva York-, se suma a las celebraciones por el centenario del nacimiento de Merce Cunningham, con el estreno de una de sus primeras y sólidas coreografías, “Fielding Sixies”, durante tres jornadas en el habanero Teatro Martí.

Esa temporada primaveral, como lo destaca el programa de mano, es un merecido tributo a la memoria del icónico bailarín (discípulo de Martha Graham) y maestro cubano de danza moderna Ramiro Guerra, que falleció a los 97 años en abril de este año.

La comunidad cubana de danza nunca fue ajena al discurso ideoestético del estadounidense Cunningham en los finales de la década del 50 de la pasada centuria, y fue Ramiro Guerra -autor de más de una docena de libros- el pionero en la asimilación “por la naciente danza moderna” en la isla de la “onda expansiva” de sus búsquedas. Luego, vinieron otras personalidades foráneas con nutrientes que abonaron el terreno en este archipiélago, tales como las norteñas bailarinas Lorna Burdsall y Elfrida Mahler. Ambas fueron maestras de varias generaciones de bailarines cubanos y fundadoras de compañías, las cuales contribuyeron con un valioso legado a las artes escénicas de la Mayor de las Antillas.

Merced a la contribución de la Fundación Merce Cunningham Trust, se hizo realidad para Malpaso el estreno de esta breve pieza de solo 12 intensos minutos, creada para ocho bailarines de ambos sexos, sobre “improvisaciones” de John Cage, su fiel compositor y partenaire de toda una vida. Y gracias al esforzado trabajo de traslación y reposición realizado por Jamie Scott, los danzantes cubanos pudieron vencer en breve tiempo –un 90%-  las dificultades para asimilar las particularidades estilísticas de la escritura poética del gran coreógrafo, tales como los cambios de dirección, las rupturas en la gestualidad, la independencia entre música y movimientos, la abstracción emocional…Todo ello apoyado por las eficaces participaciones de Manuel Da Silva con su diseño de luces y el austero minimalismo de David Quinn en sus diseños de vestuario.

Otro estreno en Cuba, “Face the Torrent”, con coreografía para cuatro parejas concebida para Malpaso por Sonya Tayeh. Foto: Buby. Gentileza Malpaso.

Mediante la observación de esta breve pieza, se pudo comprobar la justeza de la valoración expresada por su eminente compatriota, la coreógrafa Lucinda Childs: “La enseñanza de Merce (Cunningham) y su obra estaba en consonancia con el arte abstracto de esa época. Tal legado cambió completamente las estéticas y el gusto de la danza”.

En la danza moderna –y hasta en la mayoría de los géneros artísticos-, cada generación se ha rebelado contra la precedente. En los primeros años de la década del 60 del pasado siglo, una generación emergente encontró “una nueva y alternativa tradición”, y comenzó a crear lo que luego sería denominado el “postmodern”.

Tras una breve pausa, le sucedió otro estreno en Cuba, “Elemental”, pieza en memoria de Bob Williams, con coreografía de su joven y talentosa nieta Robyn Mineko Williams, para un conjunto mixto de nueve bailarines, quienes entregan un conmovedor discurso dramático coral, no lineal, donde se destacan las interpretaciones rotundas de Daile Carrazana, Fernando Benet y el carismático Abel Rojo (primer bailarín cubano nominado para los premios Benois 2019 en el Bolshoi). Williams contó con una soberbia producción concebida por Burke Brown y Branimira Ivanova (luces y vestuario, respectivamente), y un soporte musical diseñado por Robby Haynes, que incluyó en su “tape” un collage de piezas populares con dos relevantes números del cubano Ernesto Lecuona; de Tim Rutili (su “Zabriskie after Midnight”); de Arvo Part su “Hymn to a Great City” del álbum “Minimalist Dream House”; o el “Tropic of Cancer” por la banda Panda Bear, entre otros.

La presentación de Malpaso y el estreno absoluto de “Elemental” en el Chicago Auditorium se debió, en parte, por el apoyo del Joyce Theater, debido a una iniciativa de The Joyce Foundation y la Sunny Artist Management, que promueve proyectos específicos para su desarrollo, estreno y giras. Esta obra fue posible gracias a la generosidad de Pamela Cruchfield (con el apoyo adicional de otros donantes privados en los Estados Unidos).

“Elemental”, obra en memoria de Bob Williams, con coreografía de su nieta Robyn Mineko Williams.

Después de un largo intermedio llegó la segunda parte del programa, que comenzó con el estreno absoluto de “El otro”. Se trata de un trío concebido para dos bailarinas (María Karla Araújo y Dunia Acosta) y un solista masculino, interpretado por el multifacético Osnel Delgado, a la vez su coreógrafo, diseñador de vestuario y director artístico de la compañía de danza. Ha creado una pieza de 16 minutos estructurada en dos partes: una sonora y la otra muda; con soportes musicales variados, que incluyó grabaciones del “Claro de luna” para piano de Mozart; “El triángulo” de Ile y “Silence”, para piano y cuerdas de Beethoven.

Su escritura coreográfica es intrincada, aunque sin definiciones precisas, con empleo acertado de la técnica del contact,  en la explícita lucha de dos mujeres por ganar los favores de su héroe, que cae en un sendero trillado de tópicos. Delgado, esta vez, no mostró la misma creatividad de obras precedentes, en cambio no defraudó en tanto que bailarín de fuste, con su habitual demonstración de virtuosismo y calidad de movimientos, sin abandonar la expresividad de sus dinámicas.

El programa concluyó con “Face the Torrent”, otro estreno en Cuba (con título en inglés), coreografía coral para cuatro parejas concebida para esta compañía por la californiana Sonya Tayeh, que contó con una producción foránea: la música grabada fue interpretada por Collete Alexander y The Bengsons; las luces y el vestuario fueron diseñados por Nicole Pearce y Karen Young, respectivamente.

La entrega de los intérpretes, como siempre, fue inclusiva y espléndida, en consecuencia, resultó difícil destacar alguna labor en particular. Lo cual quedó validado con la ovación final del nutrido auditorio.

En 1954, en Nueva York, Paul Taylor formó su propia compañía, la Paul Taylor Dance Company con la que recorrió más de 500 ciudades. Foto: Paul B. Goode. Gentileza PTDC.

Un ícono insoslayable. Un referente inevitable de la danza moderna. Un explorador del movimiento. Un buscador de la belleza. Paul Taylor, el único representante vivo de una era que hizo historia en el mundo de la danza internacional, murió el miércoles 29 de agosto, en Manhattan, Nueva York, a causa de una falla renal. Tenía 88 años. Había nacido en Pittsburgh, Pensilvania, en 1930. Comenzó su carrera como nadador, y luego llegó la danza a través de sus estudios en la Juilliard School de Nueva York. Se fue formando en ese mundo devorador y apasionante de la danza moderna de los años ‘50, y a los 23 años empezó a crear sus primeras coreografías.

Fue bailarín solista de las compañías de Merce Cunningham, Martha Graham y de George Balanchine. Su trabajo como coreógrafo y como director de su compañía lo convirtieron en una de las piezas clave en la historia de la danza. Como un orfebre del movimiento fue forjando una forma de respirar y sentir la danza, universal y abarcadora.

Desde el Norte hacia el Sur de las Américas y Europa, desde el Este hacia el Oeste de este mundo cambiante y convulsionado, Paul Taylor fue dejando su huella en los lugares más remotos. Suave, delicado, intenso, acariciante. Con esos ojos azules, tan azules y profundos como el mar, con su sonrisa cálida y envolvente, con su voz pausada y reflexiva, construyó un universo apolíneo donde la belleza, la musicalidad y la armonía se fueron convirtiendo en los ejes fundamentales de su observación corporal de los hechos cotidianos.

Saludo final en escena con Paul Taylor y toda su compañía, bailarines y técnicos. Foto gentileza PTDC.

Ya en 1954, en Nueva York, dejó la tutela de sus maestros y creó su propia compañía, la Paul Taylor Dance Company (PTDC), una troupe de artistas-bailarines cuya fidelidad se convirtió en una marca registrada. Desde su creación, el ensamble se ha presentado en más de 500 ciudades y representó a los Estados Unidos en 40 países. Y él, “Paul”, siempre allí, en cada detalle, en cada sutileza, en cada respiración. Después llegaron los premios innumerables y también, los Kennedy Honors, uno de los más significativos del país destinado a quienes dejan una impronta irreemplazable en el mundo del arte y la cultura. Los grandes nombres de hoy como David Parsons, Twyla Tharp, Laura Dean, Dan Wagoner, Christopher Gillis, entre otros tantos bailarines y coreógrafos, emergieron de su compañía y hoy, marcan su propio rumbo.

Su observación y percepción sobre el arte lo llevó a indagar en las emociones y los conflictos cotidianos, a través de una danza cargada de virtuosismo. Casi en forma recurrente Taylor confesaba que su experiencia como nadador fue sumamente inspiradora, y que su forma de encarar y concebir sus coreografías se relacionaba con su visión y su experiencia en relación al movimiento de los cuerpos en el agua. Bailó más de 144 ballets, hizo 147 obras como coreógrafo, y en 1993 creó una segunda compañía, Taylor 2, con la intención de ir formando a las nuevas generaciones.

Sus obras, convertidas en verdaderos hitos contemporáneos, forman parte del repertorio del Royal Ballet de Dinamarca, la Compañía Rambert Dance de Londres, el San Francisco Ballet, el Ballet de la ciudad de Miami, entre otras. Su primer trabajo, “Duet” (1957), todo un manifiesto. Allí, el mismísimo Taylor permanecía inmóvil en escena junto a un pianista que tampoco tocaba sobre una partitura de otro de los grandes vanguardistas de la época, John Cage. La obra provocó reacciones, y especialmente la del crítico del “Observer”, Louis Horst, quien osó dejar la página en blanco como una respuesta a ese quiebre de estructuras tradicionales.

Pero sus montajes posteriores fueron encontrando ese estilo y ese rumbo que hizo de su compañía un modelo de musicalidad y lirismo. Y así empezaron a surgir propuestas como “Aureole” (1962), “Airs” (1978) y “Arden Court” (1981). Coreografías con significado y formas propias, con juegos escénicos, con humor, con frescura, con dramatismo y con una mirada incisiva sobre la vida, la condición humana y sus misterios. Un universo plagado de imágenes, de colores, de intensidad.

Antes de retirarse de los escenarios Paul Taylor bailó más de 144 ballets, y como coreógrafo realizó 147 obras. Foto gentileza Paul Taylor Dance Foundation Archive.

“La Sylphide”, en versión coreográfica de Bernard Courtot de Bouteiller, tendrá a Ludmila Pagliero y a Gregoire Lansier en los roles protagónicos. Foto gentileza Ballet del Sur.

La joven bailarina que en 2005 se convirtió en la primera argentina en unirse al Ballet de la Opéra de París y en 2012 fue consagrada étoile de la legendaria compañía francesa, se presentará el sábado 22 de julio en Bahía Blanca; el 28 y el 29 de julio en dos únicas funciones en el Teatro Coliseo de Buenos Aires, y el 4 y 5 de agosto, en El Frutillar, Chile.

Con la participación del Ballet del Sur dirigido por Ricardo Alfonso, Pagliero bailará “La Sylphide”, en versión coreográfica de Bernard Courtot de Bouteiller sobre la original de August Bournonville. El resto de los roles principales lo cubrirán Gregoire Lansier (James), Carolina Basualdo ( Effie, sobrina de Anne y prometida de James), Magda, la hechicera (Ricardo Alfonso) y Gorky Flores, como Gurn.

Esta pieza, una de las más representativas del ballet romántico, tiene libreto original de Adolphe Nourrit, inspirado en “Trilby”, un cuento de Charles Nodier. La primera versión, con coreografía de Filippo Taglioni, fue estrenada en la Ópera de París en 1832, con Marie Taglioni en el rol principal, junto a Joseph Mazilier y Lisa Noblet en los co-protagónicos. Esta fue la primera vez que Taglioni empleó la técnica de puntas.

“La Silphide” cuenta la historia de James, un joven escocés ya comprometido para casarse con Effie, que es amado por una sílfide a la que sólo él puede ver. El día de su boda, ella se apodera de la alianza de la novia y corre a esconderse en el bosque. James la persigue y deja a su prometida esperándolo. Ya en el bosque se encuentra con la hechicera a la que había rechazado, dispuesta a vengarse del joven.

Ludmila Pagliero, galardonada con el grado de Chevalier des Arts et des Lettres, fue la primera argentina en unirse al Ballet de la Opéra de París. Foto gentileza Ballet del Sur.

La versión de Bournoville, estrenada en 1836, para el Royal Danish Ballet, es la única que aun permanece, ya que ha quedado como parte del repertorio permanente de la compañía danesa. La de Taglioni, en cambio, dejó de representarse hasta que Pierre Lacotte pudo recomponerla a través de documentos, dibujos y material de archivo de la época, y se volvió a estrenar en 1972 en la Ópera Nacional de París.

Recién galardonada en Rusia con el máximo premio a la danza, el Benois de la Danse, Pagliero se presentó recientemente en Japón, y en abril, estrenó un programa contemporáneo junto al ballet de la Opera de Paris que estuvo dedicado a creaciones de Merce Cunningham y William Forsythe. Cabe recordar su trabajo junto al coreógrafo norteamericano en la temporada 2016 cuando formó parte de su última obra, “Blake Works I”, estrenada en julio.

La última presentación de Pagliero en la Argentina fue en noviembre de 2016, cuando bailó “La Bayadera”, en el Teatro Colón. Ha sido galardonada con el grado de Chevalier des Arts et des Lettres, además de ser bailarina invitada en el Teatro Bolshoi de Moscú, el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, el Ballet Nacional de Kazakhstan y la Ópera Nacional de Lituania, entre otros

Información

“La Sylphide”

Ballet Romántico en dos actos
(Copenhagen, 20 de noviembre de 1836)

Versión coreográfica de Bernard Courtot de Bouteiller sobre original de A. Bournonville
Musica: H. Løvenskiold
La Sylphide: Ludmila Pagliero
James: Gregoire Lansier
Effie, sobrina de Anne y prometida de James: Carolina Basualdo
Magda, la hechicera: Ricardo Alfonso
Gurn: Gorky Flores
Anna, madre de James: Nataliya Gamon

Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan celebra sus 40 años con “Rice”, pieza creada en 2013. Foto gentileza JFKC.

Sólo dos funciones, el 12 y 13 de febrero, en el Opera House del Kennedy Center for the Performing Arts de Washinton DC. De la mano de su director y fundador, Hwai-min Lin, Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan presenta “Rice”, pieza creada en 2013 con un claro sentido ecológico. Este año, la troupe celebra sus 40 años con una obra que propone un paralelo entre el ciclo de cultivo del arroz, con el proceso evolutivo de la vida del hombre. Una historia que muestra la devastación de la Tierra.

“Rice” se inspiró en una pequeña granja en el pueblo de Chihshang, ubicado en el East Rift Valley en Taiwan, en el cual los granjeros buscan métodos ecológicos para el cultivo, como un camino alternativo a la contaminación por fertilizantes químicos. Como resultado de esos esfuerzos, el valle recuperó su tierra y su gloria. Conocida como la tierra del emperador del arroz, Chihshang libró su batalla medio ambiental.

Hwai-min Lin fue creando espacios semejantes al valle, a través de imágenes que fueron rescatando durante dos años elementos del programa de recuperación. De esta forma combinan los movimientos en escena, y los reflejos de las nubes en el agua, el arroz moviéndose en el viento, y el fuego arrasando los campos.

Canciones del folclore en Hakka -el dialecto chino más antiguo que aún existe- y arias de ópera occidentales, conforman esta obra que habla de la muerte y del renacimiento después de la destrucción.

La última vez que Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan se presentó en el Kennedy Center fue en 2010 con una de las obras que se ha convertido en su “marca registrada”, “Moon Water”. La compañía realiza  cada año actuaciones para las personas bajos recursos económicos con un promedio de entre 50.000 y 60.000 espectadores.

Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan mezcla elementos de la mitología asiática, folclore y estéticas modernas. El entrenamiento de los bailarines incluye disciplinas con un fuerte acento en la concentración mental como tai chi, chi kung, artes marciales, la meditación y la caligrafía china. La formación también se apoya en elementos de la ópera china, el ballet y el lenguaje contemporáneo. A su vez, los bailarines trabajan sobre danzas cortesanas de Japón, Corea y Camboya.

Hwai-min Lin fundó la compañía en 1973, cuando regresó de los Estados Unidos, e intentó romper con los preconceptos en los que estaba sumergida la danza en Taiwán. Un innovador de la danza, es uno de los artistas más reconocidos de este siglo en la línea de coreógrafos como Martha Graham, Merce Cunningham y Pina Bausch.

Recibió premio Samuel H. Scripps / American Dance Festival Award por su trayectoria artística. Y en su país, Taiwán, Lin Hwai-min fué reconocido y aclamado por la crítica. En los Estados obtuvo una Maestría en Bellas Artes en la Universidad de Iowa, y estudió danza moderna en Nueva York.
Lin Hwai-min  ha hecho doctorados honorarios de seis universidades en Taiwán y Hong Kong, recibió el Premio Nacional de Artes de Taiwan, el Premio Ramón Magsaysay, el Premio John D. Rockefeller, y el premio a la “Mejor Coreografía” en la Lyon Festival Bienal de Danza, entre otros. En 2005, la revista “TIME” lo eligió como uno de sus “héroes de Asia”.

Twyla Tharp celebra con “Yowzie”, sobre “Viper’s Drag”, una recopilación de jazz arreglada por Henry Butler y Steven Bernstein. Foto: Sharen-Bradford. Gentileza JFKC.

Dueña de un talento especial que cambió los cánones de la danza contemporánea, la coreógrafa estadounidense Twyla Tharp llega al Kennedy Center de DC desde el 11 al 14 de noviembre para celebrar en esta ciudad sus 50 años con la danza. Como despedida de un tour que recorrió varias ciudades del país, la troupe, emblema del avant-gard, presentará dos estrenos, “Preludes and Fugues” y “Yowzie” en el Eisenhower Theater.

Tharp, que recibió el Kennedy Honor en 2008, nació en Portland, Indiana, pero a los pocos años su familia se mudó a California. Comenzó a tomar clases de danza cuando tenía 4 años, y se fue adentrando en disciplinas como el ballet, el tap, el jazz y la danza moderna.

Multifacética e intensa, Tharp ha transitado estas cinco décadas a través del ballet, la televisión, los musicales de Broadway, varios films de Hollywood y compañías de danza contemporánea.

“Preludes and Fugues”, está basada en la partitura de J.S. Bach, “The Well-Tempered Clavier” volumen 1 & 2, y “Yowzie”, sobre “Viper’s Drag”, una recopilación de jazz arreglada por Henry Butler y Steven Bernstein. El vestuario es de Santo Loquasto, y la iluminación, de James Ingalls.

En este tour, cuatro de los bailarines de la troupe, Matthew Dibble, Rika Okamoto, John Selya y Ron Todorowski, tienen una larga historia con la coreógrafa a través de sus presentaciones en shows de Broadway como “Movin’ Out”, “The Times They Are A-Changin” y “Come Fly Away”.  Los cuatro también formaron parte de la compañía creada por Tharp en 1965. Mientras los nuevos que acompañan a la coreógrafa en esta gira son: Daniel Baker, Nicholas Coppula, Kaitlyn Gilliland, Ramona Kelley, Savannah Lowery, Eric Otto, Amy Ruggiero, Reed Tankersley y Eva Trapp.

Desde que se graduó en Barnard College en 1963, Tharp ha realizado más de 160 obras, 129 para danza, 12 para especiales de televisión, seis para películas de Hollywood, cuatro ballets de larga duración, cuatro shows de Broadway, y dos rutinas para patinaje.

Fue en Nueva York donde se formó con los bailarines de danza moderna como Martha Graham, Merce Cunningham, Alwin Nikolais y en la compañía de Taylor donde bailó (1963-1965) antes de formar su propio grupo.

Entre sus trabajos se destacan: “Deuce Coupe” (1973) para el Ballet Joffrey, con música de los Beach Boys, y “Push comes to Shove” (1976), para Mikhail Baryshnikov. En 1988 disolvió su compañía para convertirse en coreógrafa del American Ballet Theatre.

A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios incluido un Tony, dos Emmy, 19 doctorados honorarios, National Medal of the Arts en 2004; el premio Jerome Robbins en 2008, entre otros.

El presidente Barack Obama, Michel Obama, Carlos Santana, Shirley MacLaine,Herbie Hanckoc, Martina Arroyo y Billy Joel el domingo 8 durante la ceremonia de los Kennedy Honors. Foto: Margot Schulman.Gentileza JFKC.

Estudió ballet y participó en anuncios publicitarios desde que era niña. La danza fue una de sus pasiones. Hasta que en 1950 se fue a Nueva York para comenzar su carrera como actriz de teatro y consiguió debutar en Broadway en 1953 en la obra “Me And Juliet”.  Pero su revelación fue con el protagónico en “The Pajama Game” (1954) sustituyendo a Carol Haney, que se había lesionado el tobillo.

Desde entonces, hasta hoy, Shirley MacLaine se convirtió en un modelo y un emblema dentro del mundo del teatro y del cine. El domingo 8 de diciembre, la actriz, bailarina y cantante recibió uno de los premios más importantes de los Estados Unidos, los Kennedy Honors, otorgados por la trayectoria a los artistas de diferentes disciplinas.

En la 36 edición de los Kennedy Honors formaron parte del quinteto el mexicano Carlos Santana, la soprano Martina Arroyo, hija de puertorriqueño y primera intérprete de ópera afroamericana; Billy Joel, uno de los más destacados representantes del rock y pop de este país, y en jazz, Herbie Hancock.

Las ceremonias de entrega del premio comenzaron el sábado 7 mediante la gala realizada en el Departamento de Estado, con el secretario de Estado John Kerry como anfitrión. El domingo por la tarde el presidente Barack Obama y la Primera Dama, recibieron en la Casa Blanca a los galardonados. Luego, en el Kennedy Center, después de una pasarela de celebridades por la alfombra roja montada en el Hall de los Estados, compartieron un show de más de dos horas en su honor en el palco presidencial del Opera House.

Otros popes de la danza como Mikhail Baryshnikov, Alvin Ailey, Suzanne Farrell, George Balanchine, Jerome Robbins, Martha Graham, Merce Cunningham, Paul Taylor, Jacques D’Amboise, Edward Villela, Judith Jamison, Twyla Tharp y Natalia Makarova, recibieron este reconocimiento en ediciones anteriores.

MacLaine saltó rápidamente del musical a Hollywood, y debutó en la película de Alfred Hitchcock, “Pero… ¿Quién mató a Harry?” (1955), una comedia negra en la que fue la protagonista femenina, acompañada de John Forsythe y Edmund Gwenn.

Afiche de la película “The Turning Point”, que tuvo once nominaciones para el Oscar.

Sin embargo, para el mundo de la danza, la actriz tuvo un film memorable “The Turning Point” (1977) o “Momento de decisión” (como se lo llamó en algunos países hispanos), una película que capta con profundidad el mundo del ballet clásico. Allí debutó en el cine Baryshnikov, nominado al Oscar como mejor actor de reparto, mientras MacLaine y Anne Bancroft, su contrafigura, fueron nominadas para el mismo premio como mejor actriz principal.

La película obtuvo once nominaciones a los Oscar en las categorías de mejor película, mejor director, mejor actor de reparto, mejor actriz principal, mejor actriz de reparto (Leslie Browne), mejor guion original, mejor dirección artística, mejor fotografía, mejor sonido y mejor montaje.

En 1954 MacLaine se casó con el productor Steve Parker, quien produjo dos films para ella, “Mi Dulce Geisha” (1962) de Jack Cardiff y “John Goldfarb, Please Come Home” (1965), comedia dirigida por J. Lee Thompson. Parker y MacLaine se divorciaron en 1982

Su sueño de la infancia era ser bailarina. Tomó clases de ballet y estaba tan obsesionada con la danza que su pesadilla recurrente durante la infancia era que perdía el bus hacia la clase.  Parte de su formación la hizo en la escuela del Washington Ballet, en DC, pero luego de un tiempo, advirtió que el ballet profesional no era para ella. No tenía el cuerpo adecuado, sus pies no eran suficientemente buenos (no tenía el empeine y el arco muy altos), y no quería privarse de la comida, según mencionó alguna vez.

MacLaine fue nominada cinco veces al Oscar como mejor actriz: en 1958 por “Como un torrente”, en 1960 por “El apartamento”, en 1963 por “Irma la dulce”, en 1977 por “The Turning Point”, y en 1983 por “La fuerza del cariño”, película con la que finalmente ganó.

En 2012 participó en la tercera temporada de la serie inglesa “Downton Abbey”, junto a Maggie Smith y Elizabeth McGovern.