“Cats”, uno de los clásicos del género musical se presenta en el Kennedy Center de DC, Dan Hoy protagoniza a Munkustrap. Foto: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

En la oscuridad de la noche, bajo la luz de una inmensa luna llena, los jélicos se reúnen en su celebración nocturna con la convicción de renacer más allá del Edén sideral. Sus ojos se encienden, destellan, buscan, envuelven y explotan en una diversidad de colores y voces. Los gatos invaden la escena y los pasillos del Opera House del Kennedy Center de DC y con hechicero misterio “Cats” vuelve a renacer con la misma intensidad con la que conquistó el mundo hace más de 40 años, y seguirá su ritual, allí, frente al río Potomac, hasta el 6 de octubre.

Cuando se estrenó por primera vez, en 1981, era casi impensable que un musical sin argumento y basado en poemas pudiera tener éxito. Pero “Cats”, esa creación de Andrew Lloyd Webber, basada en los textos de “El libro del viejo Possum sobre los gatos prácticos” de Thomas Stern Eliot que tanto lo fascinaron en su infancia, rompió todas las predicciones posibles y se convirtió en un clásico insoslayable.

Más allá del paso del tiempo, “Cats” es un inimputable. Los poemas de T.S. Eliot son una recopilación de las cartas que el “viejo Possum -así llamaban a Eliot- enviaba a sus amigos y nietos. Cada poema hace referencia a un tipo de gato y es a su vez una sátira sobre los dueños de los gatos y de la sociedad en la que viven. No obstante, “Memory” y “The Moments of Happiness”, se insertaron en la trama a través de Trevor Nunn, director del musical. La primera, a partir de otro poema de Eliot, “Rhapsody on a Windy Night”, y la segunda, pertenece a un poema extraído del libro “Four Quartets”, también de Eliot.

Este musical, que dispara directamente al corazón, que conmueve, que trasciende lo convencional, fue el primero en el que Lloyd Webber compuso su música sobre un texto ya escrito. Por su parte, Nunn, debió encontrar una línea narrativa que convirtiera la obra en un entramado particular que gira en torno a la tribu de los gatos jélicos -nombre inventado por Eliot- que se reúnen y deciden cuál de ellos renacerá en una nueva existencia.

Keri René Fuller interpreta el rol de Grizabella en esta reposición de 2016 de “Cats”. Foto: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

Con una coreografía de alta exigencia técnica y una clara visión grupal, Andy Blankenbuehler, sobre la base de la coreografía original creada por Gillian Lynne, hizo un delicado trabajo con los bailarines-cantantes utilizando elementos de danza-jazz y contemporánea. Impecable despliegue corporal y gestual en el que cuesta mucho pensar que se trata de “humanos” y no de verdaderos gatos.

La gata blanca, Victoria, asumida por Caitlin Bond, muestra en sus solos un sobrado dominio clásico con sus giros y desplazamientos. Mientras, Dan Hoy aporta los matices de su voz al protagonizar al líder de los jélicos, Munkustrap. Pero sin duda, el personaje clave de este musical, Grizabella, compuesto de una manera conmovedora por Keri René Fuller, llega a su punto de mayor emoción en “Memory”. Casi de una manera indescriptible, su voz se interna en lo más profundo del alma y estalla.

“Cats” debutó en el West End en Londres, y un año después llegó a Broadway. La producción original se representó durante veintiún años seguidos, y la neoyorquina, permaneció en cartel dieciocho, un récord entre los musicales. Desde 2016, “Cats” volvió a Broadway, y salió de gira por distintas ciudades de los Estados Unidos, con algunas escenas reestructuradas y ligeros cambios de la puesta original.

El magnífico diseño escénico y de vestuario de John Napier, con una opuesta de luces espectacular, realizada por Natasha Katz, y una banda de sonido impecable, reafirman a este musical como uno de los mejores de todos los tiempos, por sus sutilezas, por su filosofía subyacente, y por su composición.

En esta fusión de géneros musicales, de actores, de bailarines, de cantantes, “Cats” se convierte en una suerte de obra maestra del musical donde converge la poesía, la pasión, la destreza y la enorme belleza de la puesta. Esos gatos vagabundos que aspiran a renacer, que se reúnen noche a noche en un basural lleno de chatarras, hacen un pacto secreto con la magia.

Elenco de gira de “Cats”, en la puesta que se presenta desde el 17 de septiembre al 6 de octubre en el Kennedy Center de DC. Foto: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

Betty Buckley encarna a Dolly Gallagher Levi en la producción de “Hello Dolly” que se estrenó en el Kennedy Center de DC. Foto: Julieta Cervantes. Gentileza JFKC.

Inevitable. Cómo no emocionarse, cómo no sentir que la vida se vuelve de colores cuando apenas empiezan a sonar los compases de “Hello Dolly”, ese musical que en 1964 se llevó casi todos los premios Tony y que cinco años después recorrió los cines del mundo con Barbra Streisand y Walter Matthau en los protagónicos.

Cómo no volver a emocionarse cuando Dolly llega nuevamente al restaurante a hacer su debut estelar con su vestido rojo y su deslumbrante tiara de plumas y brillantes, tratando de reencontrarse con el amor. Ella, que con su ojo clínico y su intuición, había logrado descubrir el amor escondido en otros, pero no dentro de sí misma. Un descubrimiento progresivo que va develándose a medida que se permite una mirada introspectiva.

En esta reposición que llegó a partir del 4 de junio al Opera House del Kennedy Center y que permanecerá en cartel hasta el 7 de julio, ese personaje entrañable, tramposo, sensible, pícaro y lleno de vitalidad está en manos de la célebre Betty Buckley. La misma que logró cautivar con su memorable versión de “Memory”, uno de los temas clave de “Cats”, rol con el que se llevó un premio Tony en 1983.

Buckley encarna a una Dolly Gallagher Levi cálida y simpática, perspicaz y disimuladamente atenta que logra conectarse con la audiencia de la misma manera que lo hace con los personajes que la rodean. Su emoción y su alegría son tan genuinas que no caben dudas de que el personaje es justo para ella. Tanto desde lo corporal, con sus bailes y desplazamientos como desde su gestualidad, sus guiños con el público y la composición del personaje.

En “Hello Dolly”, los camareros del Harmonia Gardens hacen un despliegue de talento y destreza basados en la coreografía de Warren Carlyle. Foto: Julieta Cervantes. Gentileza JFKC.

“Hello Dolly”, basada en la obra “The Merchant of Yonkers”, de Thornton Wilder, que luego se tituló, en 1955, “The Matchmaker” (La casamentera), es una de las producciones musicales de Broadway más representadas. Su primera protagonista en 1964 fue Carol Channing, quien volvió a ser Dolly en la reposición de 1995. La actual producción, que se estrenó en Broadway en 2017, abrió con Bette Midler en el protagónico.

Con dirección de Jerry Zaks, coreografía de Warren Carlyle, y escenografía y vestuario de Santo Loquasto, la puesta apunta a una armonía de colores donde predominan los tonos pastel para el conjunto y los colores brillantes para la protagonista. El libro de Michael Stewart y la música de Jerry Herman son, sin discusión, un elemento clave en esta obra donde el texto, la música y las actuaciones son la clave del éxito y la vigencia de una propuesta que podría resultar riesgosa en estos tiempos de efectos especiales.

El reparto incluye a Lewis J. Stadlen como el gruñón maduro Horace Vandergelder que recurre a Dolly en busca de una esposa joven; Nic Rouleau como Cornelius; Analisa Leaming como Irene Molloy, Sean Burns como el atlético y prudente Barnaby, y Kristen Hahn como Minnie Fay. Cada uno de ellos, en una composición tierna y encantadora de sus personajes.

En ese Manhattan del siglo XIX Carlyle hace un derroche de talento a través de una coreografía desafiante, energética, estructurada, concisa y organizada, que permite descubrir los talentos individuales y los de conjunto. Magnífica y al mismo tiempo intrincada la escena en el restaurante Harmonia Gardens, donde los mozos hacen un despliegue asombroso, deslizándose con fuentes, mesas, copas, bandejas, en medio de acrobacias inimaginables.

Pero, sin duda, Dolly, a través de Buckley, hace más vívida la sensación de que siempre hay otra chance, una esperanza de reparación, o quizás, una nueva oportunidad para intentar, una nueva puerta que se abre para demostrar que la vida todavía tiene sentido.

Situada en Manhattan en el siglo XIX, “Hello Dolly” cuenta con escenografía y vestuario de Santo Loquasto, y una puesta colorida y ocurrente. Foto: Julieta Cervantes. Gentileza JFKC.

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