“Tuesday”, tercera parte de “Woolf Works” con Alessandra Ferri como Virginia Woolf y Herman Cornejo Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

En esta nueva temporada del American Ballet Theatre (ABT) en el Metropolitan Opera House volvió Alessandra Ferri. Esta vez, para encarnar los personajes creados por la escritora inglesa Virginia Woolf de la mano del coreógrafo Wayne McGregor.

“Woolf Works”, una obra potente que despierta emociones profundas y deja reverberando los conflictos de cada uno de los personajes creados por la autora británica que marcó un antes y un después en la literatura del siglo XX.

Cuando este ballet se estrenó por primera vez en el Royal Ballet de Londres en 2015, tuvo también a Ferri como una de las protagonistas. Actriz por excelencia, es una de esas bailarinas que sabe sumergirse en las emociones de sus personajes y transmitirlas con una intensidad arrolladora. Su presencia en esta obra es grave y reflexiva. Su dolor, sus inseguridades, sus conflictos, sus interrogantes son los que hacen que este tríptico quede anclado en una realidad arrolladoramente humana.

La clave de “Woolf Works” reside en su estructura, basada en tres actos, y cada uno de ellos refleja una novela diferente. El primero “I now, I then”, apoyado en “Mrs Dalloway”, una novela publicada en 1925, se desarrolla a lo largo de un solo día en la vida de Clarissa Dalloway, una mujer de la alta sociedad londinense en la década de 1920. La narrativa se entrelaza con los pensamientos y recuerdos de la protagonista y de otros personajes importantes en su vida: su esposo, Richard Dalloway; su amiga Sally Seton, y Peter Walsh, un viejo amigo que regresa a Londres después de muchos años en el extranjero.

Alessandra Ferri y Léa Fleytoux en la obra de Wayne McGregor, “Woolf Works”. Foto: Kyle Froman. Gentileza ABT.

A través de inmensos módulos de madera que van moviéndose en escena, la obra explora, al igual que la novela, temas como la memoria, el paso del tiempo, la identidad, la percepción de la realidad. Ferri, casi fundida con las palabras de Woolf, revive situaciones, y reflexiona a medida que los personajes aparecen y desaparecen en ese transcurrir. Un magnífico pas de deux con Peter, interpretado por Herman Cornejo, cuyo cuidado y delicadeza como partenaire emociona y conmueve, se suma a una serie de secuencias en las que ambos bailarines logran crear una atmósfera irrepetible. Una magnífica dupla en la que se potencian y se recrean mutuamente.

McGregor establece patrones de movimiento que se repiten a lo largo de toda la obra, crea imágenes oníricas, casi fantásticas que se funden con proyecciones que regeneran nuevos climas y secuencias. Interesante y fresca la interpretación de la joven Clarissa, a cargo de Léa Fleytoux, quien supo colorear su personaje en diferentes aristas.

En el segundo acto, “Becoming”, basado en “Orlando”, novela de 1928, un torbellino de bailarines que giran por el escenario en una fantasía satírica y una meditación sobre el cambio y la identidad a lo largo del tiempo. McGregor, con delicada sutileza y una dinámica coreográfica sorprendente, logra reflejar el interior de esta novela considerada como uno de los emblemas del modernismo literario del siglo XX.

“Tuesday”, extraída de “The Waves”, comienza con la nota de suicidio que Woolf escribe a su esposo. Una prosa llena de miedo, de remordimiento, con el fantasma de la locura acechando adquiere feroz realidad en la grabación en off de la actriz Gillian Anderson. Ferri/Woolf, atormentada, absorbida por un torrente de bailarines que la envuelven, la tragan, la absorben como si fueran las olas del mar.

La partitura de Max Richter, captura a la perfección esos cambios emocionales de la protagonista. Y la iluminación de Lucy Carter se convierte, junto a las proyecciones de video de Ravid Deepres, en el marco insoslayable de esta obra. De esta forma, la danza es una compleja reflexión sobre el tiempo, la memoria, la fragmentación de las emociones y la muerte que siempre están latentes en la obra de Woolf.

Los bailarines de ABT, con su destreza técnica y su capacidad, atraviesan los paisajes emocionales e intelectuales de esta pieza, y dan vida a esos experimentos literarios de la autora. La traducción de McGregor de la esencia de Woolf a un nuevo lenguaje permite transitar por una experiencia diferente. Con la impecable y cuidada dramaturgia de Uzma Hameed, el coreógrafo reafirma su enfoque minimalista, y crea un tríptico que desafía los límites del ballet y se introduce en diferentes aspectos del arte en una fusión que no requiere etiquetas establecidas.

Catherine Hurlin y Daniel Camargo en “Becomings”, de “Woolf Works”. Foto: Kyle Froman. Gentileza ABT.

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Nederlands Dans Theater en “Sehnsucht”. Silas Henriksen (adelante) en rol del hijo, y Medhi Walerski (al fondo en el cubo) en el papel de padre. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

El Teatro Real de Madrid cerró la temporada 2014/2015 con un espléndido programa doble de la compañía Nederlands Dans Theater (NDT). Bajo el hilo conductor del amor, las relaciones humanas, la vida y la muerte, la formación neerlandesa ofreció dos brillantes interpretaciones de las obras “Sehnsucht” (2009) y “Schmetterling” (2010), coreografías nacidas de la conjunción entre el genio creativo del inglés Paul Lightfoot y la cordobesa Sol León.

Nacido en 1959 por un grupo de bailarines que buscaban una fórmula de expresión más allá de los cánones clásicos, NDT ha sabido avivar los fuegos creativos de algunos de sus bailarines/coreógrafos. Tras las magníficas etapas en la dirección artística y creación de repertorio coreográfico de Hans Van Manen (1961-1970) y Jiří Kylián (1975-2004), parece que el dueto Lightfoot-León, quienes se conocieron en 1987 como bailarines de la compañía y formaron pareja sentimental durante años, está llamado a marcar otra era dentro de NDT. En 2002, fueron nombrados coreógrafos asociados del grupo holandés; dos años después, recibieron el Premio Benois de la Danse –oscar de la danza- por su obra “Signing off” y, en 2011, Lightfoot fue designado director artístico de NDT, nombrando a León, asesora artística.

En una especie de juego de ingenio particular, prácticamente todas las piezas de Lightfoot-León  llevan un título que comienza por S, en referencia al nombre de pila de Sol, de su hija en común, Saura, y en alusión al infinito. De esta manera, en el coliseo madrileño ofrecieron un espectáculo, con una duración de hora y cuarenta y cinco minutos, que se inició con la obra “Sehnsucht” –cuya traducción del alemán es nostalgia o anhelo-, todo un compendio de belleza formal inconmensurable basado en el deseo de un joven que aspira a convertirse en bailarín. Con una escenografía rozando la irrealidad en la que se recrea una habitación en un cubo que gira insertado en el ciclorama, esta mágica pieza alterna los dúos íntimos de los padres –interpretados por Danielle Rowe y un sensacional Medhi Warlerski-, aprisionados en la claustrofóbica estancia, con espléndidos momentos corales en los que el hijo –Silas Henriksen- comanda al grupo sobre la brillante música de Beethoven.

Nederlands Dans Theater en “Schmetterling”. Jorge Nozal (fte.) en el rol de la muerte. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Tras un intermedio poco convencional en el que tres bailarines se van dando el relevo en la corbata del escenario mientras se cambia todo el decorado, comienza la segunda parte con “Schmetterling” –mariposa, en alemán-, una obra de tono diametralmente opuesto a la anterior, pero junto a la que crea un díptico capaz de emocionar, de dibujar una sonrisa a los asistentes y de hacer disfrutar al público, que, el día del estreno, llenó el Teatro Real. Sobre el álbum “69 love songs” de la banda indie estadounidense The Magnetic Fields y fragmentos de piezas del pianista británico Max Richter, Lightfoot-León abordan el ciclo de la vida, en el que primero la madre cuida al hijo y luego, al revés. Pieza absolutamente conmovedora, destaca la interpretación del rol de la muerte por el donostiarra Jorge Nozal, recientemente nominado a los Premios Swan, los galardones de danza más prestigiosos de los Países Bajos.

Más allá de la calidad de los bailarines de NDT, la apuesta por la belleza sin parangón de este doble programa de Lightfoot-León satisfizo los gustos de los espectadores más exigentes. La excelencia del trabajo de NDT fue recompensada con una ovación de siete minutos de aplausos más cálida que los 39 grados que marcaba el termómetro en Madrid.

Tatiana y Oberon dos de los personajes centrales de “The Dream”, producción que el Royal Ballet llevó a Nueva York. Foto: Bill Cooper. Gentileza ROH/ArenaPAL.

Por una corta temporada en el Teatro Koch de Nueva York, el Royal Ballet of London, presentado por Joyce Theater Foundation, regresó al Lincoln Center después de varios años de ausencia. La compañía dirigida por Kevin O’Hare, llevó a Nueva York dos programas mixtos integrados por clásicos de su repertorio.

Desde el 23 al 28 de junio, la compañía fue alternando elencos y obras. Y así desfilaron “The Dream”, de  Frederick Ashton, con  música de Felix Mendelssohn; “Song of the Earth”, de Kenneth MacMillan y música de  Gustav Mahler; “Infra”,  Wayne McGregor con música de Max Richter; “The Age of Anxiety”, de Liam Scarlett con música de Leonard Bernstein; “Voices of Spring”, también de Ashton; “Borrowed Light”, de Alastair Marriott; “The Dying Swan”,  con coreografía  de Calvin Richardson; “Le Train Bleu‘Le beau gosse’”, de  Bronislava Nijinska; “Aeternum” pas de deux, de Christopher Wheeldon, y “Carousel” pas de deux, de MacMillan.

“Song of the Earth” , de Kenneth Mac Millan, tuvo como protagonistas a Carlos Acosta y Marianela Núñez. Foto: Tristram Kenton. Gentileza ROH.

Entre los primeros ballets presentados, había una dupla muy interesante por la diferencia de estéticas y en la personalidad de los que subieron a la escena.  El jueves 24 se presentó “The Dream”, la obra de Ashton basada en “Sueño de una noche de verano” de William Shakespeare, y “Song of the Earth”, de MacMillan.
Ashton escogio la encantadora música de Felix Mendelssohn para idear una coreografía con infinidad de situaciones graciosas, enredos, magia, supersticiones, hadas, dioses y mortales, que logran un particular encantamiento.

Sarah Lamb, la Titania de esa noche, puede decirse que bordó los pasos. Asimiló el rol como si le perteneciera. Por lo demás, su técnica es de la mejor calidad e hizo una pareja estupenda con Steven McRae en el rol de Oberon,  rey de la foresta. Sumamente atractivo y de limpios entrechats. Una pareja que delineó los personajes a la perfección y supo provocar ese encantamiento que propone esta bella obra.

El travieso Puck, James Hay, le hizo honor al personaje con saltos increíbles y vueltas que lo hacían parecer un trompo. Por su parte, Bottom, Bennet Gartside, hizo lo suyo como el personaje lo exigía.

“Song of the Earth” llegó para el final de este primer programa. Una realización de MacMillan de 1965, estrenada por el Stuttgart Ballet, que indica cuáles son los principales problemas que sufren los mortales. El rol de Mensajero de la muerte -que aparece en escena desde que la cortina se abre-, fue desempeñado por el bailarín cubano Carlos Acosta, miembro invitado desde hace tiempo de la compañía.

La mascarilla que Acosta llevaba  sobre la cara  escondía las expresiones indicativas de la personalidad y propósitos abrigados por el personaje. pero no, Acosta no parecía sentir nada. Su parte bailable tampoco emociono, como sucedía tiempo atrás.

Seis canciones de Gustav Mahler, con texto de Hans Bethge, acompañan la coreografía que danzan solistas y cuerpo de baile. Marianela Núñez, en el rol principal, se destaca desde un principio. Es bella y se mueve con una delicadeza digna de admiración. Ya sea sola o en trío con Acosta y Nehemiah Kish, su amado que ya había pasado a mejor vida sin ella. El movimiento de los brazos de Núñez semejan la

“La Fille mal gardée”, un clásico del Royal Ballet con Marianela Núñez y Carlos Acosta. Foto archivo Danzahoy.

El martes 9 de junio subió al escenario del Kennedy Center de DC después de casi seis años de ausencia, y el público estalló en aplausos. Junto a ella, uno de sus más entrañables compañeros de trabajo, y amigo: Carlos Acosta. El ballet: “Don Quijote”. Clave en su vida y quizás, en la de muchas bailarinas.

Marianela Núñez volvió a ser protagonista de este romance caballeresco entre Kitri y Basilio, tal como lo fue en el estreno mundial de esta versión de Acosta, en 2013, estrenada por el Royal Ballet of London (RB), compañía en la que la bailarina argentina se formó desde que tenía 15 años. Por entonces, pasó una audición en Los Ángeles, bajo la mirada de Anthony Dowell (ex director artístico de la compañía), y entró a la escuela del RB. Sola, en Londres, y sin hablar una palabra de inglés, al año pasó a formar parte del cuerpo de baile de la compañía que actualmente dirige Kevin O’Hare.

Es la menor de tres hermanos varones, y fue la “niña mimada de la casa”. Se enamoró del ballet desde que tenía 3 años, y desde entonces la danza fue su meta y objetivo. Se formó en la escuela del Teatro Colón en Buenos Aires, donde vivía con su familia, y también integró el Ballet Estable del Teatro Colón. Bailó como partenaire de Maximiliano Guerra cuando tenía 13 años, y una vez en el Royal, a los 20 años, llegó a ser principal. Luego llegaron los premios, entre ellos, el María Ruanova, entregado por el Consejo Argentino de la Danza en la Argentina; el Best Female Dancer del Critics’ Circle Dance Awards en 2006 y 2013, y el Olivier Award (2013) por sus destacados logros en danza.

En ésta, una de sus primeras apariciones en los Estados Unidos, la bailarina realizará un tour por Chicago y Nueva York con el RB, y luego hará su debut con el American Ballet Theatre (ABT) el 2 de julio en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Bailará “Cenicienta”, de Frederik Ashton, una obra que forma parte del repertorio del ensamble londinense.

Marianela Núñez y Carlos Acosta en “Song of the Earth”, de Kenneth MacMillan, obra que el Royal Ballet presenta en Nueva York. Foto: Tristram Kenton. Gentileza RB.

DANZAHOY: ¿Qué significa volver a hacer Quijote con Acosta?

Marianela Núñez: Es un ballet que siempre estuvo en mi carrera, lo bailé por primera vez en Uruguay con Maxi (Maximiliano Guerra), cuando tenía 13 años. Y después, ya como principal, hice con el Royal la versión de Rudolph Nureyev. Así que cuando Carlitos (Acosta) me propuso que hiciera el estreno de esta nueva producción que le encargó el Royal, para mí fue un súper regalo. Y cuando me dijo que él también lo iba a bailar, dije: ‘jaque mate’.

D: ¿Hay alguna diferencia entre este Quijote y los otros que has bailado?

MN: Si bien la base es la tradicional, le hizo muchos toques que identifican a la compañía. Uno mira esta puesta y se da cuenta que es la del Royal Ballet. Con Quijote es muy fácil irse para el circo, pero él quería calidad técnica y la actuación. Y los tres actos son completamente diferentes. Ahora Carlos está por hacer un “Carmen”, que lo va a hacer para mí y él también va a bailar. Y con eso se retira. Hace poco hicimos “Fille mal gardée”, que es un ballet en el que nos han visto mucho juntos y la gente nos identifica. Fue la primera vez que lo vi tan emocionado, su hija le entregó unas flores en el escenario, recuerdo. Estoy compartiendo estos momentos tan especiales para él, que también lo son para mí.

D: ¿Qué es lo que más te atrae de las puestas de la compañía?

MN: Una de las cosas que más amo de nuestra compañía es que todas las puestas son muy teatrales. En lugar de estar viendo bailarines parece que ves actores sobre el escenario, y el desarrollo es muy natural.

D: ¿Qué se siente al estar tanto tiempo en una compañía como esa?

MN: Les debo todo. Me siento feliz. Me adoptaron, tanto como la compañía como la audiencia en Londres. Me siento muy mimada. Me dieron todo, y me lo dieron de una manera que me ayudó a crecer artísticamente de la forma correcta. Tengo 33 años y miro para atrás, y veo que fui pasando todos los escaloncitos en el momento indicado, y los roles también me fueron llegando en el momento justo. Tuve mucha contención todo el tiempo. Esta compañía es mi familia. Es un sueño hecho realidad.

La versión de “Don Quijote” de Carlos Acosta, con el RB y Marianela Núñez como protagonista, se estrenó en el Kennedy Center y se presenta en Chicago. Foto: Johan Persson. Gentileza ROH/ArenaPAL.

D: ¿De qué manera se sobrevive a la competencia en una compañía tan importante?

MN: La competencia es saludable porque eso te empuja a seguir mejorando y perfeccionándote. Es bueno tener gente que te inspira y te incita a buscar respuestas nuevas o a ver lo que uno no quiere llegar a ser. Es muy importante poder absorber todo eso. De todas maneras, el lugar que me dieron, no me obliga a estar presionada. Porque me lo gané trabajando. Y la confianza y el respeto que me tienen es maravilloso. La compañía me vio crecer como bailarina y como persona. Y tanto los bailarines como los maestros, los directores y los técnicos se preocupan de todo con cada uno de nosotros. Se vive una atmósfera muy saludable. La única preocupación son las cosas personales de uno, pero ellos están acompañando y pendientes de lo que te pasa. Nuestro director está siempre ahí, en todos los ensayos, intercambiando ideas. Me siento muy cuidada. Ellos me dan todas las llaves para ir mejorando. Además, todo es hermoso. Mi camarín en el Coven Garden es como mi casita. Y cuando me voy de vacaciones los extraño.

D: ¿Cómo fue surgió tu debut con el ABT?

MN: Estuvimos desde hace varios años tratando de combinar fechas que nunca coincidieron, pero ahora, justo que estamos en Nueva York y que terminamos la gira con el Royal, coincide todo como para poder terminar la temporada del ABT con “Cenicienta”, la nuestra, la que hacemos nosotros. Esta gira con el Royal también es importantísima. En Nueva York tenemos un repertorio increíble, y creo que terminar con “Cenicienta” de Ashton, es fantástico. Ésta es prácticamente la primera vez que vengo de gira a los Estados Unidos con la compañía, y que venimos con un repertorio tan amplio. La última vez que estuvimos en Nueva York fue en 2004.

D: ¿Cuándo eras niña, imaginaste que llegarías a ser una bailarina tan reconocida?

MN: Siempre tuve claro que quería ser bailarina y que no quería quedarme en el cuerpo de baile sino ser la mejor. Pero nunca me imaginé que iba ocupar un lugar así en el RB. Es más, a veces me tengo que sacudir para no creer que estoy soñando. El martes, cuando abrimos con “DQ”, dije: “noche de apertura en el Kennedy Center, gente parada, y gente esperándome a la salida. Fue increíble. Creo, también que las proyecciones cinematográficas de los ballets del Royal abrieron el mercado de una manera increíble.

D: Si tuvieras que recordar algo de tus primeros tiempos, ¿qué es lo primero que aparece?

MN: Ríe a carcajadas. Cuando entré al RB como cuerpo de baile, no estaba acostumbrada a ser parte de una compañía porque desde los 14, en la Argentina tenía roles de solista. No tenía ni idea de cómo era eso. Y recuerdo que en un “Lago de los cisnes”, creo que el primero, como siempre tenía una chica rubia adelante mío, me dije: pase lo que pase, vos seguí a la rubia. Y de repente tomé conciencia de que había como 10 rubias, y no sabía a quién seguir…Me agarró un ataque de pánico. Recuerdo que alguien me agarró y me puso en la fila. Y me dije: esto no puede pasar más… Pero pasar por esa etapa me vino muy bien porque fue un gran aprendizaje. Esos papeles secundarios y el cuerpo de baile te dan la avena para fortificarte.

Próximas funciones con el Royal Ballet of London

Auditorium Theatre, Chicago

Del 18 al 21 de junio

“Don Quijote”
Producción y Coreografía de Carlos Acosta, sobre Marius Petipa
Música de Ludwig Minkus, con arreglos  de Martin Yates.

 Koch Theatre, New York

Junio 23

“The Dream”
Coreografía: Frederick Ashton
Música: Felix Mendelssohn
Gala Anual del Joyce

Junio 24, 25 y 26 

“The Dream”
Coreografía: Frederick Ashton
Música: Felix Mendelssohn
“Song of the Earth”
Coreografía: Kenneth MacMillan
Música: Gustav Mahler

Junio 27 y 28

“Infra”
Coreografía: Wayne McGregor
Música: Max Richter
“The Age of Anxiety”
Coreografía: Liam Scarlett
Música: Leonard Bernstein
“Voices of Spring”
Coreografía: Frederick Ashton
“Borrowed Light”
Coreografía: Alastair Marriott
“The Dying Swan”
Coreografía :Calvin Richardson
“Le Train Bleu
‘Le beau gosse’”
Coreografía: Bronislava Nijinska
“Aeternum” pas de deux
Coreografía: Christopher Wheeldon
“Carousel” pas de deux
Coreografía: Kenneth MacMillan