“Core meu” es un tributo de Jean Christophe Maillot a su maestro Maurice Béjart y a la cultura mediterránea. Foto: Luis Joa. Gentileza BNC.

Les Ballets de Monte Carlo, bajo la presidencia de SAR Carolina, princesa de Hanover y Mónaco (presente con su hija Alexandra en esta gira a la Mayor de las Antillas) junto con su director y coreógrafo Jean Christophe Maillot, cumplió su promesa de bailar en La Habana la obra más entrañable del laureado coreógrafo francés: “Core meu”. La compañía debió posponer sus presentaciones programadas durante la edición 28 del Festival Internacional de Ballet que se realizó el pasado noviembre.

“Core meu” (Mi corazón), es un tributo de Maillot a su maestro Maurice Béjart, y a la cultura de los pueblos asentados por siglos en el Mediterráneo. A través de esta obra la afición cubana por la danza vio subsanada su previa frustración, y se precipitó a las taquillas de la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba con capacidad para tres mil espectadores. El resultado:  entradas agotadas en las tres únicas presentaciones. Una pieza sin pausas para los 50 bailarines del muy afiatado cuerpo de baile de esta singular compañía europea.

Carolina de Hanover y Mónaco recibió el Grand Prix Cubadisco 2025. Foto: Luis Joa. Gentileza BNC.

Estas representaciones se realizaron con el patrocinio del Instituto Cubano de la Música y el Ministerio Nacional de Cultura. Y las funciones fueron parte de la programación del Festival Cubadisco 2025, donde también se incluyó una excepcional y brillante discografía del autor de la música original de “Core meu”, el cantante y compositor italiano Antonio Castrignanó y su banda Taranta Sounds, que acompañó fervorosamente cada presentación del ballet. Esta participación fue altamente reconocida por los organizadores del Cubadisco 2025, quienes otorgaron el Grand Prix de Honor, a la princesa Carolina de Hanover y Mónaco, al igual que a Les Ballets de Monte Carlo.

Castrignanó se ha destacado como cantautor y tamborilero en la defensa de la música tradicional de Apulia para bailar la Pizzica, como se conoce a la tarantela salentina, con fuerte tradición musical, como es la conocida Notte della Tarantela.

La dimensión sonora de este colorido y vibrante folclor mediterráneo se vio acentuada con la variedad de estilos en la escritura del coreógrafo iconoclasta de la pieza: fusiones de danza académica con la contemporánea, salpicada con la fuerza del baile proveniente de la tarantela de Salento. Para conseguir la comunicación inmediata de este singular vocabulario, hubo contribuciones fundamentales en la producción escénica. Por un lado, un imaginativo vestuario realizado por el destacado diseñador español Salvador Mateu Andujar, y por el otro, los diseños de luces con tecnología avanzada de Samuel Thery. Ambos contribuyeron a destacar la riqueza visual deseada en cada una de las frases corales de los conjuntos, o en los primeros planos de los dúos y los tríos.

A juzgar por las respuestas exultantes del auditorio al concluir la pieza, se hizo evidente que las expectativas fueron logradas a partir de un espectáculo alejado de los clásicos decimonónicos del gran repertorio, tanto por la concepción general y como por las brillantes ejecuciones.

Originalmente este espectáculo fue concebido para satisfacer grandes públicos en espacios abiertos. Varios años después, el coreógrafo decidió rediseñarlo para la visión frontal de los teatros. Así nació esta versión revisada y enriquecida en 2023, que el público cubano pudo disfrutar y ovacionar de pie varios minutos.

Este “Core meu” ratifica el enfoque mantenido por Maillot -y que lo identifica- durante los 30 años al frente de esta valiosa agrupación monegasca. El coreógrafo logra fundir códigos propios del vocabulario académico con símbolos y códigos que están en sintonía con los tiempos y preocupaciones del mundo de hoy. A eso se suma, una compañía de ballet que logra expresar un encuentro, o diálogo, inteligente entre la tarantela y el tecnicismo de la danza académica con líneas renovadoras.

“Core meu” por Les Ballets de Monte Carlo en La Habana. Foto: Luis Joa. Gentileza BNC.

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Viengsay Valdés (en “Carmen”), ganó el Premio Positano de la Danza Léonide Massine por su técnica virtuosa e intensa presencia escénica. Foto: Nancy Reyes. Archivo Danzahoy.

El sábado 5 de septiembre a las 8 pm hora de Italia, el Premio Positano de la Danza Léonide Massine tuvo una nueva edición en medio de una pandemia mundial que quebró tradiciones, festejos en vivo y expectativas. No obstante, y más allá de COVID-19, en la Iglesia de Santa Maria Assunta se celebraron algunos actos en directo y otros virtuales.

En esta edición 2020, la tradicional gala en la gran playa con vistas a la isla de Li Galli, amada por Léonide Massine y Rudolf Nureyev, no encontró su espacio, pero de igual manera la danza siguió en pie en una suerte de abrazo virtual desde Nueva York a Moscú, desde Cuba a Londres. Los organizadores recopilaron mensajes en videos de cada ganador y un clip con algunos momentos de actuaciones relevantes.

Los premios principales de la danza fueron para el inolvidable Anthony Dowell y para la cubana Viengsay Valdes, sucesora de Alicia Alonso en la dirección del Ballet Nacional de Cuba (BNC).

Al anunciar la decisión, el jurado de este galardón -uno de los más antiguos y prestigiosos del mundo- consideró a Valdés heredera artística de la prima ballerina asssoluta Alicia Alonso.

Bailarina de alto nivel académico, de técnica virtuosa e intensa presencia escénica, intérprete de los grandes roles del repertorio clásico, fueron las razones argumentadas por el tribunal presidido por el director de la revista internacional BALLET2000, Alfio Agostini.

También el jurado reconoció que durante un tiempo Valdés se unió a Alicia Alonso en la dirección del BNC y, a partir de 2019, asumió el cargo de directora artística. Este galardón es también un homenaje a la memoria de Alicia Alonso, leyenda del ballet mundial hasta su muerte en octubre del año pasado, a los 99 años, apuntó el texto oficial.

Entre los bailarines hispanos que recibieron este premio en la edición 2020 figuran el cubano Alejandro Virelles, actualmente primer bailarín del Staatsoper de Berlín, Alemania, y el español Roger Cuadrado, solista del Ballet Nacional Checo.

El Premio Positano de la Danza “Léonide Massine” es uno de los máximos reconocimientos a los que puede aspirar un bailarín y se originó en la costa de la ciudad italiana de Positano por ser un destino que cautivó a muchas celebridades del ballet del siglo XX.

Figuras excepcionales fueron distinguidas con este premio, entre ellas, Carla Fracci, Margot Fonteyn, Rudolf Nureyev, Maurice Béjart, Vladimir Vasiliev, Natalia Makarova, Alessandra Ferri, Mats Ek y Ana Laguna. Igualmente lo obtuvieron Eleonora Abbagnato, Manuel Legris, Roberto Bolle, Uliana Lopatkina, Tamara Rojo, Ivan Vassiliev, Natalia Osipova, Yuri Grigorovich, Vladimir Vassiliev y Alicia Alonso.

Este año, el jurado decidió conceder el premio especial por trayectoria a Sir. Anthony Dowell, a quien describen como “danseur” noble por excelencia y el más grande bailarín clásico inglés de su generación. Dowell fue director artístico del Royal Ballet de Londres durante 15 años hasta 2001 y se mantiene activo como maestro y asesor artístico.

El jurado estuvo integrado por Nina Loory (directora artística del Premio Benois de la Danse, Moscú), Brigitte Lefèvre (ex directora del Ballet de la Ópera de París y directora artística del Festival de Danza de Cannes), Laura Valente (directora general del  Premio Positano de la Danza). Lo completaron los críticos de danza Roger Salas, de El País, España; y Valeria Crippa, del diario Il corriere della Sera, editado en Milán, Italia.

La compañía Malandain Ballet Biarritz y la Escuela Nacional de Ballet Fernando Alonso mostraron un nuevo proyecto de formación. Foto: Dubrosky. Gentileza ENBFA.

El resultado enriquecedor de esta novedosa experiencia pedagógica entre una compañía francesa, Malandain Ballet Biarritz y la Escuela Nacional de Ballet Fernando Alonso, ejecutada durante una semana en su sede de La Habana, fue presentada en el multidisciplinario espacio denominado Fábrica de Arte Cubano con tres representaciones nocturnas abiertas al público.

La prensa especializada fue invitada por los organizadores a la tercera y última de las representaciones de este particular intercambio entre dos instituciones con perfiles estéticos diferentes pero no excluyentes. La experiencia pedagógica fue ejecutada por miembros de la compañía francesa fundada y dirigida por el coreógrafo Thierry Malandain, según el proyecto curatorial de Xavier D´Arthuys y la participación de la coreógrafa Sandra Ramy, responsable de los proyectos s en el mencionado complejo cultural capitalino conocido popularmente como “la FAC” (una antigua fábrica de aceites comestibles abandonada, hace un lustro rediseñada y restructurada inteligentemente para el disfrute de la juventud y los turistas en la isla).

Esta oportunidad nos permitió calibrar lo positivo del evento participativo, para el desarrollo artístico y ético de la veintena de estudiantes de ballet del nivel medio elegidos por los directores de la ENBFA. La total participación de ellos  en las clases y ensayos, casi seis horas diarias en una semana, bajo la coordinación profesional de Wendy Ferrer, una de las primeras bailarinas de Danza Contemporánea de Cuba, quien imparte cursos de técnica contemporánea en los niveles avanzados, fue satisfactoria, y de esto dan fe dos notables bailarines-coreógrafos del conjunto de Biarritz: Gilles Schambert  y Frederick Deberdt.
El público cubano conoció por vez primera el trabajo artístico del MBB en ocasión de sus primeras presentaciones en la isla en 2004. Considerado uno de los centros coreográficos nacionales más importantes de Francia – entre los 19 que funcionan actualmente en todo el “Hexagon”-, regresa a La Habana con estos dos artistas con destacada trayectoria en la escena europea. Ellos nos mostraron – en el desbordado espacio Nave 3 de la FAC-, mediante el programa de 70 minutos, las 4 diversas obras seleccionadas donde se evidencia “la esencia renovadora” de una agrupación que se distingue por nutrirse del ballet como corriente estética principal, en tanto que se implica en la sensualidad que genera “la sinergia entre el hombre y la danza”.

Creada en 1998 por iniciativa del Ministerio francés de cultura y de la ciudad de Biarritz, este conjunto bajo la dirección de Malandain, estableció sus cimientos en “profundos valores humanos”, exhibiendo un estilo intemporal a la vez que musculoso, enérgico y sobrio, “que extrae su riqueza de la propia danza y de una visión dinámica del arte”.

El programa ofrecido estas tres noches en la FAC estaba conformado con dos solos por los invitados galos y dos piezas bailadas por los estudiantes de la ENBFA.  Abrió el espectáculo Frederick Debert, cráneo rasurado, espléndido torso atlético desnudo, con mallas grises y encerrado literalmente en un cuadrilátero de barras metálicas de una clase de ballet, que las manipula con destreza en el transcurso de la sobria escritura coreográfica,  donde nos muestra sus notables habilidades  en “Silhouette”, un solo de concebido por Malandain con el apoyo musical de la última sonata escrita para piano por Beethoven, según dicen, poco antes de su muerte – siempre bajo un minimalista diseño de luces.
Luego le tocó el turno a Gilles Schambert, intérprete y coreógrafo del solo “Corps de Soi”, con el místico soporte musical proporcionado por la pieza de John Taverner “Prayer of the Heart”, interpretada en latín por la afamada cantante nórdica  Bjork.  El espigado bailarín inicia sus movimientos desde la posición fetal, vestido únicamente con un slip negro, ejecutando un encrescendo gestual, a partir del cual nos transmite una patética gama de impulsos y emociones, a partir de la serie de elementos coreográficos subliminales de su cuerpo, el cual sobrepasa los límites en el proceso de recordar sus humanas experiencias. Sin duda un talentoso artista que comenzó su carrera como bailarín integrando el Ballet del Siglo XX, bajo la dirección entonces del célebre marsellés Maurice Béjart.  Sendos intérpretes fueron afortunados con la ejecución inteligente del diseño de luces creado in situ por Christian Grossard. Una mayor contribución para las ovaciones en pie de la numerosa audiencia que asistió la misma noche de este cronista.

Finalmente, tocó el turno a las demostraciones de los aprendices de la ENBFA. Primeramente, intervino una juvenil pareja (16 años, María Luisa y Yasiel) ganadora del Grand Prix en el recientemente celebrado Concurso internacional de Academias de Ballet de La Habana, para ofrecernos su interpretación del dúo de amor “Mozart á 2” -en el repertorio activo del conjunto de Biarritz desde 2010-, que con justeza se apoya musicalmente en un hermoso concierto para piano y orquesta del genio de Salzburgo. En escasos cinco días aprendieron y asimilaron, merced a su sólida formación académica, una escritura y estilo que les era ajena, por las complejas frases neoclásicas del heterodoxo movimiento creado por  Malandain.

Igualmente, podemos confirmar los notables resultados conseguidos -siempre con el riguroso trabajo de Wendy Ferrer- en la interpretación del “Bolero” de Ravel, una difícil pieza coral sui generis para seis chicas y 11 chicos de físicos envidiables y con visible multiracialidad, los cuales se esforzaron en vencer la gestualidad marcada por los acentos del ostinatto  en la partitura; así como las posturas “en dédans”, opuestas a su habitual posición “en dehors”. Eso sí:  aquí no hubo giros virtuosos o cargadas desafiantes. Pero sí disfrutamos el despliegue de gracia y juvenil belleza de estos prometedores talentos.
Lo visto consolida un convenio de toma y daca, una especie de viaje cultural permanente entre los dos países, que mantienen por mucho tiempo relaciones amistosas y diplomáticas. Tanto Schambert como Deberdt se ocuparon, en esta oportunidad, de la transmisión de saberes a los alumnos caribeños,  quienes confesaron que era “la primera vez que trabajaban en una experiencia didáctica con una escuela de ballet de tan algo nivel como la cubana”,  subrayando que  “se entregaron con fervor a una técnica y estilo diferentes a su formación académica”.

Según afirma Wendy Ferrer, sus estudiantes se concentraron en aprender lo que les impartían los  maestros invitados, “no fue nada difícil compartir saberes con Frederick (Deberdt) , además los chicos tienen la disciplina y disposición necesarias para aceptar  nuevas experiencias”. Por su parte, la reconocida maestra Ramona de Sáa, Pemio Nacional de Danza y directora de la ENBFA, expresó su adhesión a este intercambio, al cual nunca se mostró reticente ante una posible lesión muscular en los dúctiles cuerpos de sus juveniles estudiantes al acometer ejercicios de la danza moderna o contemporánea, como demanda el estilo neoclásico de Malandain. “Me siento satisfecha con los resultados, y espero que este puente cultural con Francia tenga una continuidad fructífera”, concluyó.

Danza Contemporánea de Cuba presentó “Consagración” pocos días antes de la fecha de la primera audición de la pieza de Stravinski con coreografía de Vaslav Nijinski, hace 150 años. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza DCC.

Una nueva temporada de Danza Contemporánea de Cuba (DCC), la compañía alma mater del género en la isla, en la Sala García-Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso tuvo esta vez el gran incentivo de un “intrigante” estreno absoluto de “Consagración”: una coreografía con el soporte musical de la celebérrima partitura de Igor Stravinski, Rito de primavera. Se trata de una versión particular o idiosincrática de una dupla formada por los jóvenes creadores franceses Jonathan Pranlas-Descours y Christophe Béranger, fundadores de la agrupación Sine Qua Non Art.

En la génesis de la realización de este proyecto artístico entre Cuba y Francia, está el fuerte apoyo de varias instituciones culturales de ambas naciones, teniendo en cuenta los notorios aniversarios que confluyen durante este año, tales como la tercera edición del Mes de la Cultura Francesa (instituido por el entonces presidente galo Francois Hollande); el aniversario 180 del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso (donde se estrena la pieza); los 90 años del estreno del ballet “La Rebambaramba” (1928) del compositor Amadeo Roldán con textos del novelista Alejo Carpentier, así como las celebraciones  por los 50 años del debut en Cuba del Ballet del Siglo XX, con la presentación habanera del “Rito de primavera” de Maurice Béjart; y como dato curioso del reforzamiento de los nexos cubano-franceses, recordaré que el debut internacional de DCC (como se la conoce hoy) fue en el Festival de Teatro de las Naciones de París (1961), y una de las coreografías presentadas fue precisamente “La Rebambaramba” cuya creación, como señalara el propio Carpentier en su paradigmático libro “La música en Cuba”, tiene muchos nexos con la admiración del cubano –nacido en París- Roldán  por la música de Stravinski y su innegable influencia “en la vanguardia musical cubana de los años veinte y treinta” de la pasada centuria.

Danza Contemporánea de Cuba rescata en “Consagración” las peculiaridades estéticas del contexto cubano. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza DCC.

En los orígenes de “Consagración” está presente la obra de Alejo Carpentier, Premio Cervantes de las Letras, como autor de la elogiada novela “La consagración de la primavera”, con la que se consagra como “el más grande cronista de la cultura francesa en Cuba y de la cultura cubana en Francia” (después del 1960 hasta su deceso, se desempeñó como diplomático en la embajada cubana en París). El título de su novela, según ha confesado públicamente, fue un homenaje dedicado a la tan admirada partitura homónima de Stavinski.

Esta versión de Béranger y Pranlas-Descours tiene otros dos antecedentes que no llegaron a cuajar, por diferentes motivos, o fatalidades humanas. En 2004, junto al coreógrafo cubano Iván Tenorio (fallecido en años recientes), DCC quería crear una “Consagración de la primavera”, a partir de la visión carpenteriana, en el año del centenario del novelista (por “oscuras razones no fue posible”, según Brooks Gremps, en el programa de mano); y a inicios de 2005, la ex bailarina y ballet mistress  Menia Martínez (residente en Bruselas) llegó al DCC con el sueño de Béjart no realizado de montar su obra con el conjunto cubano, empero otra vez se frustró el empeño por el deceso del francés en 2007.

En vísperas del aniversario 60 de DCC, (primeramente Danza Moderna), en 2019, esta “Consagración” se estrenó pocos días antes del 29 de mayo, fecha de la primera audición de la pieza de Stravinski con coreografía de Vaslav Nijinski, hace 150 años, “Cuando fue aplaudida y abucheada, hasta la turbamulta, en el Teatro de los Campos Elíseos”, en la avenida Montaigne de París.

La escritura coreográfica que nos entregan ahora los creadores galos no está inspirada en la novela de Carpentier, según ellos han expresado ante los medios. Lo que han tratado es de apresar escénicamente las intenciones de la bailarina rusa Vera afincada en la isla, personaje protagonista de dicha novela, quien pretendía “llevar a la escena la fuerza, la armonía y el espíritu del cubano cuando danza”.

Gran reto afrontaron los coreógrafos de esta singular versión, al buscar -por supuesto- una distintiva autenticidad y originalidad en la concepción general de su proyecto, cuando existen más de una decena de versiones coreográficas sobre esta música, tales como las iniciáticas de Nijinski, Léonide Massine, Lester Horton, Miloss, las más recientes: de Richard Alston, Tetley, pasando por Kenneth MacMillan, John Neumeier, Hans Van Manen, así como las más representadas de Pina Bausch, Mats Ek o Angelin Preljocaj (sin olvidar la mencionada de Béjart). Este cronista ha podido, con fortuna, testimoniar algunas de ellas en vivo o en filmaciones o vídeos.

Mis consideraciones al respecto de esta “revisitación” de la partitura stravinskiana (ejecutada con acierto en vivo por la Orquesta sinfónica del GTH AA, dirigidas por su titular Giovanni Duarte y su asistente César E. Ramos), al conectarla con las peculiaridades etno-estéticas del contexto cubano, en sus raíces africanas, ofrece un resultado exento de folclorismos a ultranza, sin menoscabo de las intenciones primigenias. Sin duda, a ello ha sido fundamental la contribución humana, antes que todo, la excelente formación técnica y proyección física de los miembros del cuerpo de baile mixto elegido, con un ajustado atletismo ritualista, matizado con la sensualidad al linde del erotismo de la sección femenina. En la ejecución precisa de las evoluciones, observamos un austero uso del contact y elegantes pasos de saltos y poses provenientes del “clásico”.

Sin duda, en la construcción logran conectar los movimientos con las impresionantes sonoridades tímbricas, los ritmos complejos, los atonales acordes  de la partitura del autor ruso, con el evidente objetivo de “evocar los juegos primitivos de la Rusia pagana”.

“Consagración”, de los coreógrafos Jonathan Pranlas-Descours y Christophe Béranger, está presente la obra de Alejo Carpentier, Premio Cervantes de las Letras. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza DCC.

Esta puesta en escena minimalista se enriquece con los aportes creativos de los diseñadores de luces (protagonistas en cada instante dramático) y de los figurines (los propios coreógrafos con colaboración del cubano Vladimir Cuenca): todos en maillots negros con los rostros cubiertos con un largo velo grisáceo, que cumple su cometido al extender las gestualidades en algunos diseños circulares. Al final, una espléndida chica solista, como la elegida, se arranca el velo mostrándonos su verdadero rostro, acto seguido el resto de los miembros de este “ritual” repiten ese gesto: no más sacrificios solitarios de una fémina, es un signo final de rebeldía colectiva en pro de la equidad como metáfora poética lograda. En este punto, el “black out” total, luego el estallido de los aplausos cerrados como prueba de aceptación.

En esta temporada, siempre dirigidos por Miguel Iglesias, quien recibió el pasado mes de abril el Premio Nacional de Danza, se bailó otras obras del repertorio activo de DCC; como “El Cristal” y “Coil”, de Julio César Iglesias, que alternaron con la pieza coral de George Céspedes “Matria Etnocentra”.

Lauren Cuthbertson y Edward Watson, de The Royal Ballet, ofrecieron un fragmento de “Romeo y Julieta” de Kenneth MacMillan. Foto: Jack Devant. Gentileza Jack Devant.

El cuarto centenario del fallecimiento de William Shakespeare (1564-1616) fue el eje temático escogido por el Festival Internacional de Ballet Benois de la Danse, para la gala que reunió a galardonados en diferentes ediciones. Cómo han visto los ojos de diferentes coreógrafos a lo largo de la historia del ballet las obras de “El Bardo de Avon” es un buen punto de partida para un espectáculo más comedido en su duración que el día anterior. En apenas tres horas, desfilaron por el escenario del Teatro Bolshoi de Moscú, cuatro versiones coreográficas de “Romeo y Julieta”, dos de “La fierecilla domada”, “Otelo” y “Hamlet”, y una de “Macbeth”, “La tempestad” y “As you like it”.

Honrando la memoria de Leonid Lavrovsky (1905–1967), autor de la primera versión coreográfica de “Romeo y Julieta” sobre la partitura de Sergei Prokofiev (estrenada en Brno, en 1938 y en el Teatro Kirov de la entonces Leningrado, en 1940), Anastasia Soboleva y Victor Lebedev (Ballet del Teatro Mikhaikovsky) abrieron la gala con los enamorados de Verona. En contraposición, “La tempestad” de Mauricio Wainrot agitó la escena, gracias a Sol Rourich y Rubén Rodríguez (Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, Argentina). La ambición y la traición de “Macbeth” vinieron de la mano de Yulia Stepanova y Denis Rodkin (Bolshoi Ballet), en una intensa interpretación de la creación de Vladimir Vasiliev. Para aligerar la densidad de tragedias, “La fierecilla domada”, en versión de Jean-Christophe Maillot (Les Ballets de Monte-Carlo), puso un punto de humor, gracias a la conjunción de Olga Smirnova y Semyon Chudin (Bolshoi Ballet).

Continuando con el intenso y extenso homenaje al septuagenario coreógrafo John Neumeier, que lleva cuatro décadas al frente del Ballet de Hamburgo, se presentó un dúo de “Otelo”, interpretado con vehemencia por los bailarines de su compañía Anna Laudere y Carsten Jung. El mayor contraste de la noche procedió de los dos extractos de piezas del fallecido Maurice Béjart. Su “Romeo y Julieta”, en la piel de Katerina Shalkina y Julien Favreau (Béjart Ballet de Lausanne), sonó con un swing diferente gracias a la música de Duke Ellington. La primera parte finalizó con los aclamados por el público Silvia Azzoni y Alexandre Riabko (Ballet de Hamburgo), con un extracto del “Hamlet” de Neumeier.

Otro “Romeo y Julieta” muy contemporáneo y diferente inició el segundo acto. En esta ocasión, en versión del francés de origen albanés Angelin Preljoçaj, cuyos bailarines Virginie Caussin y Redi Shtylla corporeizaron de nuevo a los desdichados enamorados. Y nuevamente sonó Duke Ellington, eta vez, para un dúo de “Hamlet”, salido de la imaginación de Béjart e interpretado por la pareja Shalkina-Favreau. El trabajo de John Neumeier recuperó presencia en escena con un dúo de “As you like it”, también interpretado por el tándem Azzoni-Riabko. El coreógrafo Lar Lubovitch firmó el segundo “Otelo” de la noche, ofrecido por Victoria Jaiani y Fabrice Calmels (The Joffrey Ballet, Chicago). Con esa actitud de revisar clásicos de forma poco ortodoxa, Mats Ek creó su propia lectura de “Juliet and Romeo”, de la que se ofreció un pequeño dúo por Mariko Kida y Anthony Lomuljo (Real Ballet de Suecia). El espectáculo finalizó con una pequeña suite o fragmento de una extensión superior a un paso a dos, de “La fierecilla domada” del creador galo Maillot, interpretada con solvencia por ocho bailarines del Bolshoi Ballet.

La gala de laureados con el Benois de la Danse resultó más amena que el espectáculo del día anterior, pese a que cuatro versiones de “Romeo y Julieta” pueden crear saturación de enamoramiento adolescente. Aún y todo, se echó de menos la aportación coreográfica de John Cranko, tanto en “Romeo y Julieta” como en “La fierecilla domada”. También contribuyó al éxito que la duración fue un poco inferior y que la combinación de piezas en el programa resultó más acertada, amén de un público más efusivo que la víspera en cuanto a aplauso. Con los Benois de la Danse –‘Óscar’ del ballet- en la vitrina de sus respectivos ganadores y con dos mega espectáculos en cuanto a su duración, el Teatro Bolshoi de Moscú piensa ya en los festejos de celebración del 90 cumpleaños del legendario Yuri Grigorovich. No obstante, no hay que perder de vista la próxima edición del Festival Internacional de Ballet Benois de la Danse, que celebrará sus bodas de plata, y, a buen seguro, que volverá a ofrecer espectáculo de ballet en su nivel más excelso y extenso. Ser una de las reconocidas cunas del ballet, a fuerza obliga.

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Suzanne Farrell Ballet, en el Kennedy Center, presentó “Walpurgisnacht Bellet”, de George Balanchines. Foto: Rosalie-OConnor. Gentileza JFKC.

A un día de la noche de brujas, Suzanne Farrell Ballet abrió su temporada en el Ópera House del Kennedy Center de Washington DC. El programa estuvo integrado por tres obras de George Balanchine, “Walpurgisnacht Ballet”, “A Midsummer Night’s Dream” y “Esmeraldas”, y la escena de amor de “Romeo y Julieta”, de Maurice Béjart. Las cuatro, fundidas en “Balanchine, Béjart, and the Bard”, llevaron a escena piezas históricas de la danza del siglo XX.

Farrell ha logrado llevar adelante, con esfuerzo, un proyecto que ya lleva 15 años. Rescatar las obras maestras del repertorio de Balanchine, y reponer algunas de las piezas de Jerome Robbins y de Maurice Béjart no es tarea fácil. Especialmente cuando no existe un presupuesto que permita mantener a una compañía trabajando a tiempo completo, puliendo detalles de estilo, y forjando una conciencia grupal compacta. Y esa carencia se advierte en la escena.

Heather Ogden y Kirk Henning de Suzanne Farrell Ballet, en “A Midsummer Night’s Dream”, de Balanchine. Foto. Rosalie-OConnor. Gentileza JFKC.

“Walpurgisnacht Ballet”, obra para 25 bailarines, fue originalmente creada para la ópera “Fausto”, de Goethe, con música de Charles Gounod. Su estreno mundial fue en 1980 en una función para la School of American Ballet. La troupe liderada actualmente por Farrell mostró cierta inmadurez y poca sutileza para abordar esta obra, aunque siempre es absolutamente valorable el esfuerzo que significa montar una coreografía grupal con bailarines que no trabajan juntos durante el año.

El pas de deux de “A Midsummer Night’s Dream”, que desde 2010 forma parte del repertorio de la compañía liderada por Farrell, encontró en sus intérpretes Heather Ogden y Kirk Henning, un prolijo recorrido por las sinuosidades de esta coreografía que data de 1962. Inspirada en la obra homónima de Shakespeare, ambos bailarines lograron momentos interesantes con un buen trabajo de Hennings como partenaire. La sublime partitura de Mendelssohn (Sinfonía No. 9) hizo el resto.

Bella e intensa fue la escena del balcón de “Romeo y Julieta” de Maurice Bejart dibujada con sutiliza por Natalia Magnicaballi y Michael Cook. Una pareja en la que la comunicación entre ambos bailarines adquiere profundidad, dramatismo y pasión. Las extensiones de Magnicaballi, sus delicados brazos y su fuerza dramática se ensamblan con Cook de una manera especial. Y la propuesta de Bejárt requiere de bailarines-actores que encuentren en la danza la poesía. Algo que Cook y Magnicaballi delinearon con profundidad en esta maravillosa pieza.

“Romeo y Julieta” de Maurice Bejart, interpretada por Natalia Magnicaballi y Michael Cook. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

“Esmeraldas”, una de esas obras maestras de Balanchine que integran la trilogía de “Jewels” (Joyas) se convirtió en una interesante propuesta para el final. Farrell tejió con refinamiento de estilo tanto al cuerpo de baile como a los solistas. Si bien aún quedan ciertas sutilezas por pulir, especialmente en los brazos de las bailarinas del cuerpo de baile. En la noche del estreno Ogden y Henning, y Magnicaballi y Cook cubrieron los roles solistas con un alto nivel de danza y crearon esa mágica atmósfera de “Esmeraldas”.

La excelente interpretación de la Opera House orchestra bajo la batuta de Scott Speck aportó un punto importante a “Balanchine, Béjart, and the Bard”.

Natalia Magnicaballi y Michael Cook (Ctro.), y Melanie Riffe, de The Suzanne Farrell Ballet, en “Esmeraldas”. Foto gentileza JFKC.

Con cerca de 70 obras en su repertorio, The Suzanne Farrell Ballet, dirigido por una de las grandes musas de George Balanchine, Suzanne Farrell, lanza su ciclo de ballet en el Opera House del Kennedy Center  de Washington DC desde el 30 de octubre al 1 de noviembre. El programa, que abre oficialmente la temporada de ballet de este centro clave en la cultura de la capital del país, incluye dos estrenos de la compañía, y dos homenajes a William Shakespeare, al cumplirse 400 años de su muerte.

Dese su creación en 2001, The Suzanne Farrell Ballet, que tiene su sede en el Kennedy Center, mantiene su objetivo inicial de perpetuar el legado de Balanchine y su obra, como también el de rescatar obras clave del repertorio de Maurice Béjart. En 2007, la compañía comenzó con el proyecto Balanchine Preservation Initiative, cuyo propósito es llevar a escena las obras poco conocidas del coreógrafo.

De esta forma, la troupe capitaneada por Farrell presentará en estas próximas funciones el espectáculo “Balanchine, Béjart, and the Bard”, en el que confluyen diferentes estilos y propuestas.

“Walpurgisnacht Ballet”, obra, creada para 25 bailarines con coreografía de Balanchine fue originalmente parte de la ópera “Fausto”, de Goethe, con música de Charles Gounod. Como ballet, tuvo su estreno mundial en 1980 en una función para la School of American Ballet, con la interpretación de Farrell y Adam Lüders como pareja principales.

“Curiosamente he descubierto recientemente que estoy relacionada con Goethe por el lado de mi madre –comentó Farrell–. Con ese aura de embrujo, este ballet es una gran adquisición para nuestra temporada de otoño, y mucho más porque cae justo para el fin de semana de Halloween. Cuando estrenamos esta obra, Balanchine pensó que era solo una pieza de ocasión para esa gala, pero el público se quedó encantado y rápidamente se sumó al repertorio del City Ballet. Y siempre estuve buscando la oportunidad de incluirla en el repertorio de mi compañía.”

El pas de deux de “A Midsummer Night’s Dream”, otro clásico de Balanchine de 1962, está inspirado en un clásico de Shakespeare. Farrell bailó esta obra con el New York City Ballet, y desde 2010 forma parte del programa que la compañía presenta en esta temporada. Según aseguró Mr. B, su aproximación a esta obra estuvo inspirada, en gran parte por la música de Mendelssohn (Sinfonía No. 9), compuesta en 1826.

La escena de amor de “Romeo y Julieta”, de Maurice Béjart, con música de Héctor Berlioz es la cuarta obra que subirá a escena en esta temporada. Farrell interpretó el rol de Julieta en esta producción que se estrenó en 1966, poco tiempo después de haber ingresado al Ballet del Siglo XX, dirigido por Béjart. Otro de los homenajes a Shakespeare, que Ferrell integró a su compañía en 2007 durante el Shakespeare in Washington Festival.
Uno de los grandes clásicos de Balanchine, “Esmeraldas”, la pieza que abre la trilogía de “Jewels”, con música de Gabriel Fauré, es una puesta para 17 bailarines. La obra es una evocación de la Francia del confort, los perfumes, la costura y la elegancia.

“Cada una de las tres secciones de ‘Jewels’, determina un estilo específico de caminar –apuntó Farrell–. ‘Esmeraldas’ tiene una forma de caminar baja, como si fuera debajo del agua, y sin peso. Después de su estreno, Mr. B agregó otro pas de deux para la primera bailarina y un pas de sept al final, con lo cual las principales vuelven a estar juntas para reiterar el motivo de la caminata y deslumbrar con el espíritu de la obra.”

La compañía, presentó varios fragmentos de las obras de su repertorio en el Millennium Stage durante las primeras semanas de octubre, y una clase magistral a cargo de una de las bailarinas principales de la troupe como parte de las serie Kennedy Center’s Explore the Arts. El 7 de noviembre Farrell dictará una clase magistral para adultos en el ciclo Exploring Ballet with Suzanne Farrell, inspirada en el programa para jóvenes que la ex bailarina dirige durante el verano.

La carrera de Maya Plisétskaya empezó cuando bailó por primera vez “La muerte del cisne”, obra con la que se despidió de los escenarios cuando ya tenía cerca de 70 años. Foto archivo Danzahoy.

El 2 de mayo, en Munich, Alemania, falló su corazón y o hubo ninguna alternativa para salvarla. Maya Plisétskaya, una de las más grandes bailarinas del siglo XX, marcó su adiós a los 89 años.

Maya Plisétskaya empezó a bailar a los 3 años en la Escuela de Danza de Moscú. Su padre, Mijaíl Plisetski, judío, fue ejecutado por orden de Stalin en 1938, y su madre, la actriz Rachel Messerer, también judía, fue deportada junto con su hermano al gulag. Plisétskaya logró destacarse en la escuela del Teatro Bolshói, bajo la influencia de sus tíos Asaf y Sulamith Messerer, por entonces bailarines de esa compañía controlada por el régimen soviético.

Maya Plisétskaya en “Carmen Suite”, obra que Alberto Alonso hizo para ella. Foto archivo Danzahoy.

En 1943 la bailarina pasó a integrar las filas del Bolshoi y a los 18 años se convirtió en primera bailarina. Su carrera profesional empezó cuando bailó por primera vez “La muerte del cisne”, obra con la que se despidió de los escenarios cuando ya tenía cerca de 70 años.

Después de un largo período en el que no pudo salir del país por restricciones políticas, comenzó a hacer giras internacionales durante las que visitó países como Estados Unidos, Francia, Reino Unido, Italia (donde fue directora del Ballet de la Ópera de Roma), Argentina, y en España, donde dirigió la Compañía Nacional de Danza.

Nacida el 20 de noviembre de 1925 en Moscú, Plisetskaya desafió el tiempo y las costumbres de la época, escandalizó al régimen soviético con interpretaciones osadas y se apasionó con coreografías modernas como “Carmen Suite”, que Alberto Alonso hizo para ella. Incorporó obras de Maurice Béjart y de Roland Petit.

Entre los roles más reconocidos figuran el de Odette y Odile en “El lago de los cisnes”, que interpretó más de 800 veces; Kitri en “Don Quijote”, Carmen en “Carmen Suite” de Alonso, Anna Karénina, en la obra del mismo nombre en la cual fue intérprete, directora escénica y coreógrafa, y otras que se acumulan en una larga lista de memorables interpretaciones que han dejado huella en la historia del ballet.

La artista dirigió, entre 1987 y 1990, el Ballet del Teatro Lírico Nacional de España, tenía la medalla de oro de Bellas Artes y en 1993 obtuvo la nacionalidad española. Venerada y aclamada por el público y los bailarines de todo el mundo, recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2005, que se otorga a las personalidades más destacadas de la cultura y el arte.

Junto a su marido de toda la vida, el compositor Rodión Shchedrín, crearon un archivo documental sobre su trayectoria, un museo sobre la danza clásica y la composición musical; organizaron concursos de danza clásica, cursos, charlas y conferencias relacionadas con el ballet clásico y la composición.

Inolvidable por su intensidad como intérprete, con Plisétskaya se va una parte importante de la historia de la danza, y una cultura ética de esta profesión que ha perdido su razón de ser con el exitismo, la falta de trabajo y las acrobacias primando sobre la calidad.

Susana Zimmermann cumple 50 años con la danza y el Teatro Nacional Cervantes la agasaja. Foto gentileza TNC.

La bailarina, innovadora coreógrafa y docente Susana Zimmermann cumple 50 años con la danza y el Teatro Nacional Cervantes la agasajará el miércoles y el jueves próximos a las 20 horas en la Sala Trinidad Guevara.

Durante la primera reunión, el miércoles 22, se proyectará un cortometraje que revisita su trabajo, se recorrerá su extensa trayectoria y será entrevistada por el periodista Luis Mazas. El jueves, Susana Zimmermann estará acompañada por destacados testigos y partícipes de su carrera, bailarines, discípulos, músicos, amigos. Zimmermann, que es miembro del Consejo internacional de la Danza de la UNESCO, acaba de regresar de Europa adonde ha desarrollado, especialmente en Italia, una carrera brillante, y adonde siempre regresa invitada para dar conferencias, y seguir haciendo docencia.

Estudió con los maestros argentinos Mercedes Quintana y RenateSchottelius, Juan Carlos Gené, Alberto Ure, entre otros, y adquirió experiencia coreográfica con también grandes maestros de la talla de KurtJoos, Mary Wigman, Dore Hoyer, Harold Kreutzberg en Alemania, y con Maurice Bejart en Bélgica.

Susana Zimmermann estará acompañada por destacados testigos y partícipes de su carrera, bailarines, discípulos, músicos, amigos. Foto gentileza TNC.

Entre 1962 y 1968 integró la “Asociación Amigos de la Danza” en el Teatro Municipal General San Martín, en calidad de bailarina y coreógrafa. Entre 1965 y 1968 creó y dirigió, conjuntamente con Oscar Araiz y Ana Labat, el “Ballet de Hoy” que realizó espectáculos en todo el país. Compuso cerca de 70 creaciones coreográficas y espectáculos de ballet, teatro, danza, ópera y televisión en distintos países del mundo.
Entre 1967 y 1970 dirigió el “Laboratorio de Danza” en el Instituto Torcuato Di Tella, iniciando una labor de vanguardia y experimentación con trascendentes espectáculos.

Entre 1971 y 1975 incursionó en diversas experiencias con pintura, escultura y cine, abriéndose a un nuevo campo multidisciplinario: danza abierta. Desde 1976 trabajó con continuidad en Europa como coreógrafa y maestra de bailarines, actores y cantantes líricos. Participó como coreógrafa invitada en diversos festivales internacionales en Italia: Festival de Bolzano, Festival de Otoño de Como, Festival de Trulli, Festival Internacional de Danza de Florencia.

Crea obras para Teatro Comunale de Florencia, el Teatro de la Villa Dei Leoni, en la Riviera del Brenta, para el Carnaval de Venezia, y otros. Creadora de una metodología propia para la formación de intérpretes de la danza, el teatro y la ópera, publicó el libro “El Laboratorio de Danza y Movimiento Creativo” en 1983. Editorial Lumen-Humanitas.

Realizó una intensa labor docente en cursos para profesionales en en instituciones de gran prestigio de la Argentina y de diversos países.
Entre 1984 y 1990 fue asesora de danza de la Secretaría de Cultura de la Nación, teniendo a su cargo la responsabilidad del Área Danza, el ciclo “Martes de Danza” en el Teatro Nacional Cervantes y otros ámbitos; creó y dirigió el “Ballet de Cámara Argentino”.

Fue gestora y co-autora del proyecto de ley de Ballet Nacional, actuando como coordinadora artística y docente del mismo.Ha recibido numerosos y muy prestigiosos premios, becas invitaciones de instituciones artísticas y culturales de Alemania, Austria, Bélgica, Brasil, España, Francia, Grecia, Israel, Italia, Países Bajos, República Checa, Suecia, Suiza, Unión Soviética, Uruguay.

Tiene un repertorio de obras de diversas características con danza, ballet, coro de movimiento y teatro – danza, en la integración de diferentes líneas de trabajo. La crítica especializada ha expresado que es una coreógrafa original, creadora de un estilo propio. Sus proyectos están integrados con elementos histórico – culturales. Maneja masas orquestales, en el sentido griego del término, enlazado con el expresionismo alemán; en tanto esculpe cuerpos en el espacio, está cerca de disciplinas plásticas de vanguardia.

Como el contenido le es particularmente esencial, su interés es el teatro total, donde la danza formaba parte de un ritual y era sacra; retomar esa línea recreándola con los medios contemporáneos de composición y poner en escena un mundo que conmueva nuestras raíces. Sus obras se agrupan en “Serie de exploraciones” (espectáculos de investigación) y “Serie de los Cantos” (espectáculos con temática y texto poético).

Los dos días de homenaje a Susana Zimmermann serán de acceso gratuito para el público.

La artista chilena Isabel Croxatto presentará una nueva versión de “La siesta de un fauno”, original de Vaslav Nijinsky. Foto gentileza Festival de coreógrafos.

Música, lenguajes y tradiciones diferentes se unirán en la misma compañía con el estreno mundial de las coreografías que dos grandes talentos, Isabel Croxatto y Demis Volpi, crearon para el Ballet de Santiago. El “Bolero” de Maurice Béjart, el estreno en Chile de la obra de John Neumeier –con un pas de deux de “Othello”–, la participación de Estrellas del Ballet de Stuttgart –Friedemann Vogel, Alicia Amatriain y Jason Reilly– y del Ballet Nacional Chileno (BANCH) serán otros de los hitos del Festival de coreógrafos que se realizará entre el miércoles 27 y el sábado 30 de agosto en el Teatro Municipal de Santiago.“Ésta es una noche de riesgos y de sorpresas. Es una jornada de estrenos mundiales, de primeras veces en Chile, del debut de Estrellas y también de favoritos del público. Es un festival que celebra la creatividad del quehacer coreográfico de diferentes latitudes y es, ante todo, un viaje por la versatilidad y riqueza de la danza contemporánea”. Así describe Marcia Haydée, directora artística del Ballet de Santiago, lo que acontecerá en este Festival.

Fue una obra absolutamente rupturista, que a principios del siglo XX abrió las fronteras del lenguaje coreográfico y puso en el tapete temas como el individualismo y la sexualidad. Este 2014, la destacada artista chilena Isabel Croxatto presentará una nueva y seductora versión de “La siesta de un fauno”, original de Vaslav Nijinsky, con música de Claude Debussy.

Asimismo, otro brillante coreógrafo, Demis Volpi –autor de la premiada “Spaceman”–, llegará con un innovador ballet contemporáneo que reflexiona en torno al significado del cabello. Será el Ballet de Santiago el encargado de estrenar mundialmente estas dos obras, propiciando así un encuentro entre las tradiciones coreografías de Chile y Europa.

Otras sorpresas completarán este inédito espectáculo: el estreno mundial del dúo “Ellphlox, espíritu del bosque”, de Eduardo Yedro. También se anuncia el debut de Alicia Amatriain y Jason Reilly –bailarines principales del Ballet de Stuttgart–, quienes presentarán un pas de deux de “Othello” del prolífico John Neumeier, cuya obra se presenta por primera vez en Chile. “Mono Lisa”, de Itzik Galili; el estreno en Chile de “Trazos” de Jaime Pinto, el regreso de “Bolero” de Béjart con música de Maurice Ravel –un favorito del público que será protagonizado por otro debutante, el gran bailarín de Stuttgart, Friedemann Vogel–, y de “Retrato de Yedro” integran este repertorio.

El coreógrafo francés Mathieu Guilhaumon también debutará en el Teatro Municipal de Santiago con “Añañucas” y extractos de “La hora azul”, obras que serán presentadas por la compañía que él dirige, el BANCH.

Ficha artística:

Trazos (estreno en Chile)
Música: Claude Debussy. Coreografía: Jaime Pinto
Intérpretes: Romina Contreras y Sebastián Vinet (Ballet de Santiago)

Creada para Romina Contreras y Sebastián Vinet –miembros del Ballet de Santiago–, esta coreografía traza la juventud de los cuerpos y la pureza interpretativa de ambos bailarines. Ella traza las notas del piano y él, las del cello de la Sonata n.° 1 en re menor para cello y violín de Claude Debussy.

Añañucas
Música: Antonio Vivaldi en la versión de Max Richter. Coreografía: Mathieu Guilhaumon
Intérpretes: Paola Moret y Valentín Keller (Ballet Nacional Chileno)

Con una versión que Max Richter hizo de Las cuatro estaciones de Vivaldi, esta obra (re)escribe la leyenda nortina de la Añañuca, que cuenta la historia de una muchacha que muere esperando a su amado, un minero que se pierde en la búsqueda de un tesoro perdido.

Ellphlox, espíritu del bosque (estreno mundial)
Música: Arturo Márquez . Coreografía: Eduardo Yedro
Intérpretes: Maite Ramírez y Rodrigo Guzmán (Ballet de Santiago)

Dos seres sobrenaturales, guardianes y símbolos de la naturaleza, protagonizan este pas de deux musicalizado con el Danzón n.° 2 de Arturo Márquez, una pieza sensual, rítmica y contagiosa.

Mono Lisa (estreno en Chile)
Música: Thomas Hofs e Itzik Galili. Coreografía, escenografía e iluminación: Itzik Galili
Intérpretes: Alicia Amatriain y Jason Reilly (Ballet de Stuttgart)

Los sonidos de una máquina de escribir y un escenario prácticamente desnudo enmarcan a esta exigente coreografía que pone a prueba el virtuosismo de sus intérpretes.

La siesta de un Fauno (estreno mundial)
Música: Claude Debussy en una versión de Marcello Martínez . Concepto, coreografía y dirección: Isabel Croxatto
Intérpretes: Ballet de Santiago

Basada en la versión original de Nijinsky (1912), esta coreografía se plantea como una “puerta de entrada al laberinto de la modernidad y como un archivo y memoria de un cambio de paradigma en las artes”. Gira en torno a la figura del fauno y sus ninfas con diferentes dispositivos coreográficos: original-copia, codificación-decodificación, camuflaje, infiltración, activación-desactivación, control-descontrol.

La Hora Azul (extractos)
Música: Hildur Gudnadottir, Frédéric Chopin, Zoë Keating . Coreografía: Mathieu Guilhaumon
Intérpretes: Ballet Nacional Chileno.

Aquel momento en que ya no es de día, pero tampoco de noche es el espacio-tiempo que de esta obra. Con música de Hildur Gudnadottir, Frédéric Chopin y Zoë Keating, pequeñas historias aparecen y desaparecen a lo largo de La hora azul.

Retrato
Música: Patricio Meneses . Coreografía: Eduardo Yedro
Intérpretes: Natalia Berríos y José Manuel Ghiso (Ballet de Santiago)

El retrato de una mujer cobra vida y danza con su autor, un artista apasionado por la pintura y la belleza y enamorado de su propia creación.

Creación coreográfica (estreno mundial)
Música: Henryk Górecki . Coreografía: Demis Volpi
Intérpretes: Luis Ortigoza junto a otros artistas del Ballet de Santiago

El diseñador Thomas Lempertz quería trabajar en una propuesta en torno al cabello. Volpi acogió la idea y, a través del movimiento y el Cuarteto para cuerdas n.° 2 de Henryk Górecki, explora en esta obra los significados estéticos, expresivos, emocionales y culturales del pelo.

Pas de deux de Othello (estreno en Chile)
Música: Arvo Pärt . Coreografía, escenografía y vestuario: John Neumeier
Intérpretes: Alicia Amatriain y Jason Reilly (Ballet de Stuttgart)

Escena de amor entre Othello y Desdémona, en que el gran John Neumeier logra retratar la profundidad de los sentimientos de los enamorados con un mínimo de movimientos. Musicaliza este pas de deux la obra Spiegel im Spiegel (Espejo en un espejo), del compositor estonio Arvo Pärt. 

Bolero
Música: Maurice Ravel . Coreografía: Maurice Béjart
Intérpretes: Friedemann Vogel (Ballet de Stuttgart) junto al Ballet de Santiago

La música de Ravel y la coreografía de Béjart son una perfecta simbiosis en esta obra seductora, violenta, original y versátil, en que la tensión entre ritmo y melodía crece y crece con el aumento de la intensidad de la música y la repetición.

Más información: municipal.cl / facebook.com/teatromunicipal / @TeatroMunicipal