“Fordlandia” subió a escena en la Kulturens Hus, en la capital de la provincia de Norrbotten. Foto: Leszek Januszewski. Gentileza Goldenlac Productions.

Situada al norte de Suecia y con apenas 75.000 habitantes, la pequeña localidad de Luleå acogió la vigésimo primera representación de “Fordlandia”, obra con la que se estrenaron en las labores de producción Lucía Lacarra y Matthew Golding y cuya première fue en Dortmund precisamente dos años antes. Si utópica era Fordlandia, la ciudad que imaginó Henry Ford (1863-1947) en medio del Amazonas, no menos utópico (e inesperado) era imaginar que, por los azares del destino, terminaría yo asistiendo a la actuación en la Kulturens Hus de Luleå.

Cartel anunciador de la actuación en Luleå. Foto: Iratxe de Arantzibia.

Tres vuelos y doce horas para recorrer los 3.600 kilómetros de distancia entre la capital guipuzcoana y la capital de Norrbotten, me convirtieron en testigo privilegiada de la primera actuación de Lucía Lacarra en suelo sueco y sobre todo, de cómo entendía el público de una pequeña población del país nórdico la utopía imaginada por la bailarina vasca y Matthew Golding.

Habría que retrotraerse hasta marzo de 2020 cuando la situación real del confinamiento, debido a la pandemia, les regaló a ambos un precioso tiempo para idear un espectáculo onírico, con la intención de plasmar ese distanciamiento que ellos estaban viviendo como pareja artística y en la vida real: ella pasó ese encierro vital en su localidad natal, Zumaia, y él en Ámsterdam. Así surgió “Fordlandia”, un espectáculo multidisciplinar que aúna danza, música y arte visual.

Huyendo de una narrativa lineal, la obra aborda el tema de las diferentes maneras de separación forzosa en una relación, aun así con amor. “Fordlandia” se compone de seis piezas de danza de corte neoclásico, cuyas transiciones se realizan mediante diversos cortos cinematográficos rodados por el artista visual Altin Kaftira en impresionantes escenarios naturales como el flysch de Zumaia –donde se rodaron escenas de “Juego de tronos”- o un bosque cercano a la localidad holandesa de Bergen Aan Zee, además del sobrecogedor inicio en un teatro vacío en Dortmund.

En el plano coreográfico, cinco de las seis piezas danzadas en escena se crearon para la ocasión. Para ello, Lacarra y Golding invitaron a los coreógrafos Anna Hop, Yuri Possokhov y Juanjo Arqués. Sobre música de su compatriota Chopin, la polaca Anna Hop ideó las dos piezas iniciales “Stillness” y “Close”, que ahondan en el vacío y la distancia. Quien fuera su compañero y partenaire en su etapa en el San Francisco Ballet, el ucraniano Yuri Possokhov, creó para la vasca y su pareja un conmovedor paso a dos sobre la triste historia de amor entre un soldado y una joven a quienes una tormenta de nieve les impide cumplir con su objetivo de desposarse. Basado en un cuento de Alexander Pushkin, “Snow Storm”, sobre la música de Georgy Sviridov, entremezcla proyecciones y danza en escena.

El coreógrafo español Juanjo Arqués es el responsable de la pieza de la cual toma nombre el espectáculo: “Fordlandia”. Como se ha mencionado anteriormente, el título hace referencia a la ciudad fundada en Brasil por el empresario Henry Ford en los años 30 del pasado siglo, con la intención de producir suficiente caucho para la Ford y evitar los monopolios imperantes. A duras penas pervivió una década esta utopía que chocó contra un hongo que arruinó la planificación de Ford y, en la actualidad, Fordlandia es una ciudad fantasma abandonada en medio del Amazonas. La segunda pieza de Arqués es “Pile of Dust” y al igual que en la anterior, el coreógrafo contó con música de Jóhann Jóhannsson.

El broche de oro de “Fordlandia” viene de la mano del paso a dos de “After The Rain” (2005), creación del coreógrafo inglés Christopher Wheeldon para el New York City Ballet, sobre la música de Arvo Pärt. Aunque la obra se compone de dos partes, es habitual que el paso a dos se realice de manera independiente y en su día, fue creado para los bailarines principales del NYCB Wendy Whelan y Jack Soto, como «una carta de amor, un poema para ambos artistas», según confesión de Wheeldon.

Conociendo la reacción del público vasco ante el espectáculo, me intrigaba saber cómo reaccionarían los espectadores congregados en la Kulturens Hus de Luleå. Viendo el entorno natural donde se sitúa la ciudad sueca, se intuía que podrían quedar cautivados por las proyecciones ambientadas en privilegiados espacios naturales. Atento desde el inicio de la función, el público ni pestañeó y guardó un silencio sepulcral durante los setenta minutos de duración de “Fordlandia”. A la hora de los aplausos, se entregaron en una cálida ovación de tres minutos, que prosiguió con numerosas felicitaciones de espectadores que se acercaron a la mesa donde cenamos con Lucía Lacarra, Matthew Golding y su equipo, convidados por los responsables de la Kulturens Hus de Luleå, que se encuentra inmersa en la celebración de su decimoquinto aniversario.

La pandemia motivó a Lucía Lacarra y a Matthew Golding para crear un espectáculo onírico, con la intención de plasmar el distanciamiento que estaban viviendo. Foto: Leszek Januszewski. Gentileza Goldenlac Productions.

Lucía Lacarra y Matthew Golding producen y protagonizan “In The Still of The Night”. Foto: Leszek Januszewski. Gentileza Goldenlac Productions.

El confinamiento domiciliario del año pasado regaló un valioso tiempo a Lucía Lacarra para hacer un alto en el frenético ritmo de su carrera de treinta años sobre los escenarios y poder plantearse un reto adicional. De esta manera, la bailarina vasca y su actual partenaire, el también primer bailarín Matthew Golding, dieron un paso más al iniciarse en la senda de la producción de sus propios espectáculos. Así surgió “Fordlandia” (2020), una obra onírica con la intención de plasmar ese distanciamiento que estaban viviendo como pareja artística y en la vida real: ella pasó el encierro en su localidad natal, Zumaia, y él en Ámsterdam. Otra de las claves residió en la feliz conjunción de coreografías de nueva creación –a excepción del pas de deux de “After The Rain” de Christopher Wheeldon-, música y arte visual. El espectáculo despuntó desde su estreno en Dortmund en septiembre del año pasado y supuso el impulso necesario para que Lacarra y Golding decidieran continuar por ese camino.

Con la intención de repetir la fórmula que tan buenos réditos les había dado, ambos artistas asumieron una mayor responsabilidad en su segunda producción, “In The Still of The Night”, cuyo título procede del conocido tema que el grupo The Five Satins grabó en 1956. En esta ocasión, el bailarín canadiense firma también la coreografía, toda vez que se responsabiliza del concepto, puesta en escena y dirección cinematográfica de los sucesivos vídeos que trufan la propuesta de sesenta minutos de duración. En ese ámbito de decisiones propias de la producción, la elección del título de la obra da una seria pista acerca de dónde va a estar situada la pieza, corroborada por gran parte de la banda sonora -The Righteous Brothers, Ben E. King & The Drifters, The Ronettes-. Según estos indicios, la trama se desarrollaría en una carretera indeterminada de América en la década de los 50-60, por donde circula un Mustang descapotable con una pareja de enamorados, que decide hacer un alto en el camino. Tumbado en su cama, la constante pesadilla de un enigmático suceso tortura al protagonista a quien se le aparece la imagen espectral de su amada, quien porta una fotografía o algo similar en sus manos.

“In The Still of The Night” se basa en el título del tema que el grupo The Five Satins grabó en 1956. Foto: Leszek Januszewski. Gentileza Goldenlac Productions.

La narración de “In The Still of The Night” se apoya en dos tipos de recursos: de una parte, la historia de cómo se conoce la pareja, se enamora y el viaje en coche, a través de diversos vídeos; y de otra, los pasos a dos interpretados en escena por Lacarra y Golding, y ahí es donde se despliega toda la magia del ballet. La diferencia entre una buena bailarina y una bailarina única radica en una interpretación capaz de conmover al espectador en su butaca, y en ese campo, la maestría de Lacarra es tan superlativa que se ha visto reconocida con los galardones más prestigiosos del mundo de la danza como el Premio Nijinsky, el Benois de la Danse o el reconocimiento como ‘Bailarina de la Década’.

En esta ocasión, la artista vasca opaca a su partenaire en unos pas de deux destinados a sacar brillo a la excelencia de sus cualidades. Los brazos de Golding responden solícitos a la necesidad de volar de Lacarra, en unos ‘portés’ de acrobacias a veces casi imposibles. Pero más allá de esa técnica impecable e incluso de la trama en sí misma, lo que convierte en único un espectáculo de Lucía Lacarra es su capacidad de emocionar al público y no sólo por el hecho de que “In The Still of The Night” sea un lacrimógeno drama. El pasado domingo, la “première” española de la obra en el Teatro Arriaga de Bilbao reunió a un numeroso público que extasiado con la propuesta, respondió con cinco minutos de aplausos. A todas luces, los protagonistas han hallado la fórmula magistral del éxito y todo apunta a que después de la ciudad utópica que soñó Henry Ford (“Fordlandia”) y de la conmovedora tragedia ambientada en los años 60 (“In The Still of The Night”), el dúo Lacarra-Golding tiene más cuerda que ‘Unchained Melody’ de los Righteous Brothers.

Lucía Lacarra y Matthew Golding forman pareja artística desde 2019. Foto: Leszek Januszewski. Gentileza Goldenlac Productions.

La Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana “Alicia Alonso” acogió en agosto una constelación de 12 estrellas del ballet mundial. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

En una noche, y por vez primera, el escenario de la prestigiosa Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana “Alicia Alonso” acoge tal constelación de 12 estrellas del ballet mundial –los festivales internacionales de ballet constituyen un referente obligado en esta urbe –, al tiempo que comparten con el público cubano un derroche de virtuosismo técnico y estilístico.

Fui uno de los pocos afortunados asistentes a la gala ofrecida el 20 de agosto, y pude constatar la demostración excepcional del buen hacer que justificaba con creces el apellido “Royalty”  de este espectáculo. Presenciamos la interpretaciones de aquellos bailarines y bailarinas a incluir en lo que pudiéramos llamar “la realeza del ballet” en el siglo XXI.

El programa presentado fue concebido en dos “actos”, por el primer bailarín (de origen cubano) en el Cincinatti Ballet, Rodrigo Almarales, igualmente director artístico y promotor principal del evento, en conjunto con su partenaire Christoher Lingner (del Improvedance), y el ballet master Christopher Stowell. Además de las tres piezas contemporáneas –una de ellas estreno mundial –, hizo desfilar los más emblemáticos “caballos de batalla” del gran repertorio clásico y romántico, habituales en las grandes galas internacionales.

Como preámbulo a lo que pudiera acontecer durante el vigésimo quinto Festival internacional de ballet de La Habana, siempre bajo la égida de la eximia Alicia Alonso, desde el 28 de octubre al 6 de septiembre próximos, los fanáticos insulares del ballet disfrutaron (las resonantes respuestas lo atestiguan), gozaron de las brillantes ejecuciones de esta docena de estrellas provenientes de los primeros rangos de importantes conjuntos de Rusia, Gran Bretaña, Ucrania, Canadá, Japón o los Estados Unidos de Norteamérica, poseedores de múltiples preseas doradas en sus currículos.

No desconocemos cuán costoso, financieramente, resulta lograr esta operación cultural de envergadura global, sostenida por la actitud filantrópica de una variedad de patrocinadores, junto con los aportes sustanciales de la empresa de Cincinatti IMPROVE DANCE, y sus contrapartes locales: el Consejo nacional de las artes escénicas y el propio Gran Teatro de la Habana. Aquí se incluye los gastos que implica la transmisión en directo por la Internet a 16 países, así como la grabación total de la gala, para que sea vista en redifusión por la audiencia nacional mediante los canales de la TV-cubana en su emisión semanal, Bravo. También, teniendo en cuenta la exigua cantidad de privilegiados dentro del coliseo, con aforo para 1,400 personas, se instaló una gran pantalla en la calle aledaña para ser visible la presentación a unas 300 personas bajo un cálido y estrellado cielo caribeño. Horas antes, un público invitado pudo asistir al ensayo general, entre ellos los fotógrafos de los medios de prensa acreditados.

En general, la producción fue “quasi” perfecta, salvo algunos pequeños detalles reprochables, ciertos percances en la música grabada ya que no siempre era HD, y la idea de bajar y subir una pantalla plateada con la proyección de unas breves intervenciones-en inglés- de los artistas que bailaban sucesivamente. Tal vez, debió situarse antes de la apertura del telón de boca, y no rompía la continuidad dramatúrgica de la gala. Deseo reproducir algunos párrafos de Almaguer, quien salió de Cuba a los 10 años junto a sus padres bailarines del BNC, que sirven de prólogo al lujoso programa de mano. Otro detalle incidental que podría afectar una entrega impecable: la mayoría de las parejas bailaron “ad hoc”, por vez primera bailaban juntos en público (y un público conocedor), y cada uno se deba el caso, conocer una versión diferente en las variaciones de la misma pieza. En tan pocos ensayos juntos, esto fue meritoriamente un “tour de force”.

La gala

Misa Kuranaga sorprendió con una notable interpretación del célebre solo de Fokine/Saint-Saens, “La muerte del cisne”. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

El desfile de célebres figuras lo abrió “La sílfide”(pas de deux), Bournonville/Schneitzhoeffer, interpretado por Misa Kuranaga con Rodrigo Almarales, dentro del refinamiento dictado por el estilo danés; luego, el archiconocido “Cisne negro”, Petipa/Tchaikovski, cargado de las pirotecnias soberbias de Iana Salenko y de Matthew Golding; el “Bells Pas de deux”, de Yuri Possokhov/Rachmaninoff (suite 2 para piano),mezcla de poesía, dinámica y ternura de movimientos en María Kochetkova y Carlo Di Lanno.

Un instante de gran estilismo y musicalidad resultó el pas de deux del tercer acto de “La bella durmiente”, por Semyon Chudin y Jurgita Dronina. Repitieron, más tarde, con la misma exquisitez y pasión romántica (sin histrionismos desbordados) en el pas de deux del segundo acto de “Giselle” ,Coralli/Perrot/Adam; Les Bourgeois, Cauwenbergh/Jacquel Brel, un solo deslumbrante de saltos y giros por el estelar Daniil Simkin; y De Lanno regresó para interpretar el estreno del solo “Painting Greys”, primera coreografía del joven bailarín del San Francisco Ballet, Myles Thatcher; y para cerrar la primera parte, llegó el pas de trois de “El corsario”, Petipa/Delibes, ejecutado con virtuosismo por Adiarys Almeida (estrella internacional de origen cubano) junto a los excelentes Golding y Michael Gatti.

La segunda parte comenzó, en busca de un crescendo en la temperatura de la sala, con la acrobática ejecución del pas de deux de “Las llamas d París”, donde Salenko tuvo como pareja a un carismático y atlético partenaire en un ahora robusto Ivan Vassiliev (recordamos brillante técnica y su esbeltez clásica hace 10 años, durante su primera visita a Cuba con Ossipova, en un Festival de Ballet). Misa Kuranaga retornó a escena, esta vez nos sorprendió gratamente con una notable interpretación del célebre solo de Fokine/Saint-Saens, “La muerte del cisne”, cercana si mi memoria no miente, al modelo poético acuñado por la icónica Dudinskaya. Los cubanos Almeida y Almarales unieron sus afinidades escolásticas y su dinámica latina, en una coreografía de este último denominada “Chor.No.2″, sobre música electrónica del grup HIFANA. La euforia del auditorio llegó a su clímax al finalizar la demostración de virtuosismo desplegada por los intérpretes del pas de deux del tercer acto de “Don Quijote”, los jóvenes María Kochetkova y Daniil Simkin. Finalmente, bajó el telón y un delirio sonoro irrumpió el silencio, ante el saludo de toda la “realeza”, después de una faena de alto vuelo.

El por qué de este show

Por Rodrigo Almarales, primer bailarín. Director artístico y general.

Mis más lejanos recuerdos de infancia están asociados a este teatro; cuando niño venía para ver bailar a mis padres. Esa fue la semilla en mi destino, cuyo proceso recorrió varios lugares hasta hacerme bailarín profesional.

Cuba y La Habana han sido lugares de referencia para la danza y el ballet mundiales y este teatro un templo sagrado para el arte. Esta pequeña isla ha entrado en el consenso universal del ballet.
He trabajado con figuras de alto rango en el ballet. He disfrutado al compartir la escena con ellos y al ver el deleite de los públicos en varios continentes.

¿Por qué no tributar a uno de mis más dulces recuerdos este placer de acoger en Cuba, a importantes artistas de la danza hoy en el mundo y que ellos reciban el aplauso de un público amable y conocido? (…) Estoy seguro de que el espectáculo y el amor que hemos puesto en él, hará felices a todos los espectadores; servirá para hacernos mejores personas y nos comprometerá más con la amistad que la danza puede hacer por los pueblos.

Natalia Osipova, en la producción de The Royal Ballet de “El lago de los cisnes”, con coreografía de Frederick Ashton, desde el Royal Opera House del Covent Garden. Foto: Royal Opera House / ArenaPAL.

El ballet más famoso del mundo, “El lago de los cisnes”, llegará a los cines de toda España a través de Versión Digital el martes 17 de marzo, en una producción de Anthony Dowell para la Royal Opera House, interpretado por el London Royal Ballet. La indiscutible obra de la conjunción entre Marius Petipa, Lev Ivanov y Piotr I. Tchaikovsky, es una combinación de amor trágico y coreografías que marcaron un hito en la historia del ballet clásico.

En esta oportunidad, “El lago…”, estará protagonizado por la bailarina principal Natalia Osipova como Odette y Odile, y por el canadiense Matthew Golding como el príncipe Sigfrido. Con una coreografía que muestra un despliegue de cisnes con espectaculares tutús blancos, la producción y los diseños son de Yolanda Sonnabend. Allí se combinan el estilo decadente de la Rusia imperial con una fantasía de glamour gótico y oscuro en la corte.

Ross McGibbon, antiguo miembro de The Royal Ballet, dirige esta producción que se verá en directo en los cines de España (Ver información abajo), que incluirá también escenas exclusivas del backstage y entrevistas con el reparto y equipo técnico.

Esta versión cinematográfica basada en el original de Marius Petipa y Lev Ivanov, que incluye coreografía adicional Frederick Ashton y David Bintley, es un ballet en cuatro actos cuya duración es de tres horas con dos descansos. La música está interpretada por la Orchestra of the Royal Opera House, dirigida por Boris Gruzin.

“El lago…” que fue encargado por el Teatro Bolshói en 1875 y se estrenó en 1877.  Es el primer ballet de la trilogía de Tchaikovky en asociación con Petipa. Y si bien la coreografía original se la encargaron a Julius Reisinger, la primera producción estuvo destinada al fracaso. El libreto, se supone que se basó en el cuento alemán “Der geraubte Schleier” (El velo robado) de Johann Karl August Musäus.

Sin embargo, el 15 de enero de 1895 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo la obra logró su primer gran éxito con una nueva coreografía a cargo de Petipa-Ivanov. El estreno tuvo a Pierina Legnani como Odette/Odile, y Pavel Gerdt como el príncipe Sigfrido, Alexei Bulgakov como Rothbart y Alexander Oblakov como Benno.