Malpaso estrenó una versión posmoderna de “Cascanueces” con coreografía del bailarín y director artístico Osnel Delgado. Foto gentileza Malpaso.

Malpaso, la juvenil compañía de danza contemporánea, se presentó, entre el 4 y el 6 de febrero, en la gran sala del Teatro Nacional de Cuba (su sede habitual ha sido el decimonónico Teatro Martí), con un aforo de tres mil ahora reducido al 50% ante las medidas sanitarias obligadas por la pandemia de la Covid 19. En esta ocasión se lanzó al reto de estrenar una rompedora versión minimalista y posmoderna del archiconocido ballet del gran repertorio, “Cascanueces”. Siempre con la música original de P. I. Tchaikovsky en un meritorio arreglo “digest” de la joven violinista y compositora cubana Jenny Peña, y con coreografía del bailarín y director artístico Osnel Delgado.

En la primera parte del programa, una obra ya paradigmática de la danza contemporánea de los finales del siglo XX, “Tabula Rasa”, del coreógrafo y bailarín israelita Ohad Naharin. Se sumó una intrigante miniatura coreográfica del inmenso coreógrafo sueco Mats Ek, “Woman with water”, como ingreso al repertorio activo del conjunto. Como pieza de apertura el solo masculino “Nana para un insomnio”, creado para Osnel Delgado, con coreografía de la bailarina-fundadora de la agrupación Daile Carrazana, sobre el poderoso soporte musical del malogrado compositor catalán Jordi Sabatés, con dedicatoria in menoriam de esta temporada.

Un equipo, conducido por Fernando Sáez, diseña con cuidadosa estrategia los títulos elegidos para cada temporada y giras internacionales, para evitar arduas elaboraciones intelectuales que permean o cargan las obras que deciden poner a consideración de los numerosos seguidores de este grupo. Es una pauta que siguen otros conjuntos igualmente asociados al Joyce Theatre de Nueva York.

Heriberto Meneses en “Nana para un insomnio”, de la bailarina-fundadora de la agrupación Daile Carrazana. Foto: Ivo Baelli. Gentileza Malpaso.

Por supuesto que, de este festín de danza, el plato fuerte a descubrir y degustar es la mencionada versión de “Cascanueces”. Una obra para 10 bailarines de ambos sexos en un acto, con duración de algo más de 40 minutos, en la cual Delgado no se aparta del tema central de la historia familiar, pero elude la narración lineal y se concentra en las definiciones de cada personaje en sus interacciones con los otros en la supuesta fiesta navideña, sin recurrir a la simbología tradicional. La música es ejecutada sobre la escena por una orquesta de cámara ad hoc, conducida con pericia por el maestro Pedro Ortiz. Los diseños de luces y de vestuario son una baza de triunfos debidos a su creador, Guido Gali (asociado al equipo de producción desde sus inicios).

Empero, como se dice en buen cubano: el pollo del arroz con pollo es la coreografía, la cual exhibe una amplia variedad en su vocabulario de pasos, así como unas ingeniosas articulaciones con un desenfadado atletismo posmoderno en las dinámicas corporales, sin miedo a utilizar contaminaciones provenientes de la técnica del ballet, en los port de bras, los sautés, los portées, los tours, los coup de tete y otros. Esta amalgama tiene una coherente estética en la ejecución de los excelentes bailarines del elenco. Por otra parte, la dramaturgia no quedó descuidada. Esta obra fue merecedora con justicia del premio Villanueva 2021, que otorga anualmente un exigente jurado del círculo de la crítica de las Artes Escénicas de la UNEAC (Unión nacional de escritores y artistas de Cuba).

El solo creado por Carrazana para Osnel Delgado (luego compartido por el apolíneo Heriberto Meneses), contó con un “grand concert” piano en escena ejecutado sensiblemente por Carolina Baños. La coreógrafa explota “in extremis” el virtuosismo técnico del notable intérprete que, además, logra comunicar matices interpretativos donde demuestra su madurez artística.

Dos coreógrafos foráneos invitados –gracias al patrocinio de importantes instituciones internacionales–, completaron el cartel con sus creaciones bien avaladas por el público y la crítica europea: “Woman of the Water”, un dúo concebido por el sueco Mats Ek para su excelsa esposa-bailarina-actriz Ana Laguna (aquí su asistente), montado para dos parejas del conjunto, Dunia Acosta con Delgado y Daile Carrazana con Meneses. El hecho de presentarse en este vasto espacio y con la lejanía del público por interposición del gran foso de orquesta, la entrega del drama -encapsulado en 15 minutos- resultó epidérmica.

Por otra parte, la obra coral de Naharin, “Tabula Rasa”, desde su estreno mundial europeo, ha derramado ríos de tinta, más para bien que para mal. Ha sido muy apreciada por las sutilezas refinadas en los planteamientos filosóficos que se empeña en comunicar, danza mediante, apoyado por un grandioso soporte musical minimalista del muy mediático compositor letón Arvo Part, pleno de sutilezas con acentos cósmicos. La producción escénica ha sido muy cuidada e inteligente: luces diseñadas por el propio Naharin y un vestuario pertinente de Eri Nakamura. Una muy agradecida reposición, ovacionada cada noche, que adoleció (como pasó con las otras piezas) del devorador espacio escénico de la Sala Avellaneda.

Una miniatura coreográfica de Mats Ek, “Woman with water”, interpretada por Osnel Delgado y Dunia Acosta, ingresó al repertorio de Malpaso. Foto: Ivo Baelli. Gentileza Malpaso.

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Danza Contemporánea de Cuba presentó “Consagración” pocos días antes de la fecha de la primera audición de la pieza de Stravinski con coreografía de Vaslav Nijinski, hace 150 años. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza DCC.

Una nueva temporada de Danza Contemporánea de Cuba (DCC), la compañía alma mater del género en la isla, en la Sala García-Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso tuvo esta vez el gran incentivo de un “intrigante” estreno absoluto de “Consagración”: una coreografía con el soporte musical de la celebérrima partitura de Igor Stravinski, Rito de primavera. Se trata de una versión particular o idiosincrática de una dupla formada por los jóvenes creadores franceses Jonathan Pranlas-Descours y Christophe Béranger, fundadores de la agrupación Sine Qua Non Art.

En la génesis de la realización de este proyecto artístico entre Cuba y Francia, está el fuerte apoyo de varias instituciones culturales de ambas naciones, teniendo en cuenta los notorios aniversarios que confluyen durante este año, tales como la tercera edición del Mes de la Cultura Francesa (instituido por el entonces presidente galo Francois Hollande); el aniversario 180 del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso (donde se estrena la pieza); los 90 años del estreno del ballet “La Rebambaramba” (1928) del compositor Amadeo Roldán con textos del novelista Alejo Carpentier, así como las celebraciones  por los 50 años del debut en Cuba del Ballet del Siglo XX, con la presentación habanera del “Rito de primavera” de Maurice Béjart; y como dato curioso del reforzamiento de los nexos cubano-franceses, recordaré que el debut internacional de DCC (como se la conoce hoy) fue en el Festival de Teatro de las Naciones de París (1961), y una de las coreografías presentadas fue precisamente “La Rebambaramba” cuya creación, como señalara el propio Carpentier en su paradigmático libro “La música en Cuba”, tiene muchos nexos con la admiración del cubano –nacido en París- Roldán  por la música de Stravinski y su innegable influencia “en la vanguardia musical cubana de los años veinte y treinta” de la pasada centuria.

Danza Contemporánea de Cuba rescata en “Consagración” las peculiaridades estéticas del contexto cubano. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza DCC.

En los orígenes de “Consagración” está presente la obra de Alejo Carpentier, Premio Cervantes de las Letras, como autor de la elogiada novela “La consagración de la primavera”, con la que se consagra como “el más grande cronista de la cultura francesa en Cuba y de la cultura cubana en Francia” (después del 1960 hasta su deceso, se desempeñó como diplomático en la embajada cubana en París). El título de su novela, según ha confesado públicamente, fue un homenaje dedicado a la tan admirada partitura homónima de Stavinski.

Esta versión de Béranger y Pranlas-Descours tiene otros dos antecedentes que no llegaron a cuajar, por diferentes motivos, o fatalidades humanas. En 2004, junto al coreógrafo cubano Iván Tenorio (fallecido en años recientes), DCC quería crear una “Consagración de la primavera”, a partir de la visión carpenteriana, en el año del centenario del novelista (por “oscuras razones no fue posible”, según Brooks Gremps, en el programa de mano); y a inicios de 2005, la ex bailarina y ballet mistress  Menia Martínez (residente en Bruselas) llegó al DCC con el sueño de Béjart no realizado de montar su obra con el conjunto cubano, empero otra vez se frustró el empeño por el deceso del francés en 2007.

En vísperas del aniversario 60 de DCC, (primeramente Danza Moderna), en 2019, esta “Consagración” se estrenó pocos días antes del 29 de mayo, fecha de la primera audición de la pieza de Stravinski con coreografía de Vaslav Nijinski, hace 150 años, “Cuando fue aplaudida y abucheada, hasta la turbamulta, en el Teatro de los Campos Elíseos”, en la avenida Montaigne de París.

La escritura coreográfica que nos entregan ahora los creadores galos no está inspirada en la novela de Carpentier, según ellos han expresado ante los medios. Lo que han tratado es de apresar escénicamente las intenciones de la bailarina rusa Vera afincada en la isla, personaje protagonista de dicha novela, quien pretendía “llevar a la escena la fuerza, la armonía y el espíritu del cubano cuando danza”.

Gran reto afrontaron los coreógrafos de esta singular versión, al buscar -por supuesto- una distintiva autenticidad y originalidad en la concepción general de su proyecto, cuando existen más de una decena de versiones coreográficas sobre esta música, tales como las iniciáticas de Nijinski, Léonide Massine, Lester Horton, Miloss, las más recientes: de Richard Alston, Tetley, pasando por Kenneth MacMillan, John Neumeier, Hans Van Manen, así como las más representadas de Pina Bausch, Mats Ek o Angelin Preljocaj (sin olvidar la mencionada de Béjart). Este cronista ha podido, con fortuna, testimoniar algunas de ellas en vivo o en filmaciones o vídeos.

Mis consideraciones al respecto de esta “revisitación” de la partitura stravinskiana (ejecutada con acierto en vivo por la Orquesta sinfónica del GTH AA, dirigidas por su titular Giovanni Duarte y su asistente César E. Ramos), al conectarla con las peculiaridades etno-estéticas del contexto cubano, en sus raíces africanas, ofrece un resultado exento de folclorismos a ultranza, sin menoscabo de las intenciones primigenias. Sin duda, a ello ha sido fundamental la contribución humana, antes que todo, la excelente formación técnica y proyección física de los miembros del cuerpo de baile mixto elegido, con un ajustado atletismo ritualista, matizado con la sensualidad al linde del erotismo de la sección femenina. En la ejecución precisa de las evoluciones, observamos un austero uso del contact y elegantes pasos de saltos y poses provenientes del “clásico”.

Sin duda, en la construcción logran conectar los movimientos con las impresionantes sonoridades tímbricas, los ritmos complejos, los atonales acordes  de la partitura del autor ruso, con el evidente objetivo de “evocar los juegos primitivos de la Rusia pagana”.

“Consagración”, de los coreógrafos Jonathan Pranlas-Descours y Christophe Béranger, está presente la obra de Alejo Carpentier, Premio Cervantes de las Letras. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza DCC.

Esta puesta en escena minimalista se enriquece con los aportes creativos de los diseñadores de luces (protagonistas en cada instante dramático) y de los figurines (los propios coreógrafos con colaboración del cubano Vladimir Cuenca): todos en maillots negros con los rostros cubiertos con un largo velo grisáceo, que cumple su cometido al extender las gestualidades en algunos diseños circulares. Al final, una espléndida chica solista, como la elegida, se arranca el velo mostrándonos su verdadero rostro, acto seguido el resto de los miembros de este “ritual” repiten ese gesto: no más sacrificios solitarios de una fémina, es un signo final de rebeldía colectiva en pro de la equidad como metáfora poética lograda. En este punto, el “black out” total, luego el estallido de los aplausos cerrados como prueba de aceptación.

En esta temporada, siempre dirigidos por Miguel Iglesias, quien recibió el pasado mes de abril el Premio Nacional de Danza, se bailó otras obras del repertorio activo de DCC; como “El Cristal” y “Coil”, de Julio César Iglesias, que alternaron con la pieza coral de George Céspedes “Matria Etnocentra”.

Mariko Kida, como Julieta y Anthony Lomuljo, en el rol de Romeo en la versión de Mats EK, por Royal Swedish Ballet. Foto: Gert Weigelt. Gentileza JFKC.

La tragedia de William Shakespeare sobre los jóvenes amantes de Verona escrita cuando casi terminaba el siglo XVI, ha dejado su huella a través de los años y se ha convertido en un símbolo indiscutible del amor. El coreógrafo sueco Mats Ek se ha sumergido en este drama con una visión contemporánea y más mundana de una historia que aún hoy, conmueve.

“Juliet and Romeo”, es la versión de “Romeo y Julieta” que Ek trajo al Opera House del Kennedy Center de DC desde el 1 al 4 de junio a través de los bailarines del Royal Swedish Ballet. Un título tomado del nombre original de uno de los escritos que sirvieron de base al dramaturgo inglés para escribir este clásico de los clásicos.

Creada en 2013, la obra tuvo su premiere en Washington para conmemorar los 400 años de la muerte de Shakespeare, mano maestra de dramas y comedias universales e imprescindibles. Los protagonistas, ya no son aquellos adolescentes renacentistas, son jóvenes de hoy que se relacionan de manera diferente y se enfrentan a los adultos y al mundo con actitudes, también diferentes.

El Royal Swedish presentó en Washington la versión de “Juliet and Romeo” con escenografía de Magdalena Åberg. Foto: Gert Weigelt. Gentileza JFKC.

La música de Piotr I. Tchaikovsky es otro de los elementos que distingue a esta puesta en la que las escenas se definen a través de inmensos paneles movidos por los mismos bailarines, y que cumplen múltiples funciones. Ek rompe con estereotipos para contar y desarrollar una trama que está enquistada en la memoria y en el alma de los conocedores del ballet, y lo hace con un lenguaje y una estética que lo distingue. Su narración muestra la opresión, la alegría, la frescura de la juventud, y descubre a su vez los aspectos más oscuros de los seres humanos.

Interesante y sutil la escenografía y el vestuario de Magdalena Åberg, que se ensamblan con los códigos coreográficos y los perfiles de los personajes. La acción tiene lugar en un ambiente urbano, sórdido, con escasa luminosidad. Y los personajes también están embebidos en ese clima que rescata el amor como camino para desarticular las reglas, la violencia y los prejuicios. Y así como los Capuletos aparecen convertidos en una suerte de patrulla de control del orden, montados en Segways (vehículo de transporte urbano, ligero, eléctrico, de dos ruedas, controlado en forma digital), los Montescos adquieren características más flexibles, sin que eso disipe el enfrentamiento.

La Julieta de Ek, interpretada con intensidad por Mariko Kida, desafía a sus padres y se niega a casarse con Paris, con decisión y hasta cierta violencia. En cambio la imagen de Romeo, Anthony Lomuljo, se refleja más relajada ante las circunstancias. Ambos, magníficos bailarines.

La evolución de la protagonista femenina se manifiesta desde el comienzo, cuando, vestida de amarillo, como una pequeña muñeca, juega con su nodriza, la incomparable Ana Laguna, cuya expresividad y fuerza se convierte en un polo importante en esta historia. Ella es testigo de momentos claves en la vida de estos dos jóvenes. Estupenda siempre, precisa, directa en su forma, Laguna tiene brillo propio.

Jerome Marchand como Mercutio cobra una importante presencia en esta pieza en la que su personaje, con un toque punk y agresivo, hace un atractivo tándem con Jokuto Kodam, en el rol de Benvolio. Los dos, con disímiles características físicas y altura, componen un juego de opuestos que, de alguna manera, conduce parte de esta trama cuya mirada apunta a la inevitable violencia de un mundo oscuro en el que ni siquiera puede sobrevivir el amor con toda su diafanidad.

Lauren Cuthbertson y Edward Watson, de The Royal Ballet, ofrecieron un fragmento de “Romeo y Julieta” de Kenneth MacMillan. Foto: Jack Devant. Gentileza Jack Devant.

El cuarto centenario del fallecimiento de William Shakespeare (1564-1616) fue el eje temático escogido por el Festival Internacional de Ballet Benois de la Danse, para la gala que reunió a galardonados en diferentes ediciones. Cómo han visto los ojos de diferentes coreógrafos a lo largo de la historia del ballet las obras de “El Bardo de Avon” es un buen punto de partida para un espectáculo más comedido en su duración que el día anterior. En apenas tres horas, desfilaron por el escenario del Teatro Bolshoi de Moscú, cuatro versiones coreográficas de “Romeo y Julieta”, dos de “La fierecilla domada”, “Otelo” y “Hamlet”, y una de “Macbeth”, “La tempestad” y “As you like it”.

Honrando la memoria de Leonid Lavrovsky (1905–1967), autor de la primera versión coreográfica de “Romeo y Julieta” sobre la partitura de Sergei Prokofiev (estrenada en Brno, en 1938 y en el Teatro Kirov de la entonces Leningrado, en 1940), Anastasia Soboleva y Victor Lebedev (Ballet del Teatro Mikhaikovsky) abrieron la gala con los enamorados de Verona. En contraposición, “La tempestad” de Mauricio Wainrot agitó la escena, gracias a Sol Rourich y Rubén Rodríguez (Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, Argentina). La ambición y la traición de “Macbeth” vinieron de la mano de Yulia Stepanova y Denis Rodkin (Bolshoi Ballet), en una intensa interpretación de la creación de Vladimir Vasiliev. Para aligerar la densidad de tragedias, “La fierecilla domada”, en versión de Jean-Christophe Maillot (Les Ballets de Monte-Carlo), puso un punto de humor, gracias a la conjunción de Olga Smirnova y Semyon Chudin (Bolshoi Ballet).

Continuando con el intenso y extenso homenaje al septuagenario coreógrafo John Neumeier, que lleva cuatro décadas al frente del Ballet de Hamburgo, se presentó un dúo de “Otelo”, interpretado con vehemencia por los bailarines de su compañía Anna Laudere y Carsten Jung. El mayor contraste de la noche procedió de los dos extractos de piezas del fallecido Maurice Béjart. Su “Romeo y Julieta”, en la piel de Katerina Shalkina y Julien Favreau (Béjart Ballet de Lausanne), sonó con un swing diferente gracias a la música de Duke Ellington. La primera parte finalizó con los aclamados por el público Silvia Azzoni y Alexandre Riabko (Ballet de Hamburgo), con un extracto del “Hamlet” de Neumeier.

Otro “Romeo y Julieta” muy contemporáneo y diferente inició el segundo acto. En esta ocasión, en versión del francés de origen albanés Angelin Preljoçaj, cuyos bailarines Virginie Caussin y Redi Shtylla corporeizaron de nuevo a los desdichados enamorados. Y nuevamente sonó Duke Ellington, eta vez, para un dúo de “Hamlet”, salido de la imaginación de Béjart e interpretado por la pareja Shalkina-Favreau. El trabajo de John Neumeier recuperó presencia en escena con un dúo de “As you like it”, también interpretado por el tándem Azzoni-Riabko. El coreógrafo Lar Lubovitch firmó el segundo “Otelo” de la noche, ofrecido por Victoria Jaiani y Fabrice Calmels (The Joffrey Ballet, Chicago). Con esa actitud de revisar clásicos de forma poco ortodoxa, Mats Ek creó su propia lectura de “Juliet and Romeo”, de la que se ofreció un pequeño dúo por Mariko Kida y Anthony Lomuljo (Real Ballet de Suecia). El espectáculo finalizó con una pequeña suite o fragmento de una extensión superior a un paso a dos, de “La fierecilla domada” del creador galo Maillot, interpretada con solvencia por ocho bailarines del Bolshoi Ballet.

La gala de laureados con el Benois de la Danse resultó más amena que el espectáculo del día anterior, pese a que cuatro versiones de “Romeo y Julieta” pueden crear saturación de enamoramiento adolescente. Aún y todo, se echó de menos la aportación coreográfica de John Cranko, tanto en “Romeo y Julieta” como en “La fierecilla domada”. También contribuyó al éxito que la duración fue un poco inferior y que la combinación de piezas en el programa resultó más acertada, amén de un público más efusivo que la víspera en cuanto a aplauso. Con los Benois de la Danse –‘Óscar’ del ballet- en la vitrina de sus respectivos ganadores y con dos mega espectáculos en cuanto a su duración, el Teatro Bolshoi de Moscú piensa ya en los festejos de celebración del 90 cumpleaños del legendario Yuri Grigorovich. No obstante, no hay que perder de vista la próxima edición del Festival Internacional de Ballet Benois de la Danse, que celebrará sus bodas de plata, y, a buen seguro, que volverá a ofrecer espectáculo de ballet en su nivel más excelso y extenso. Ser una de las reconocidas cunas del ballet, a fuerza obliga.

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“Juliet and Romeo”, con coreografía de Mats Ek, creada para celebrar el 240 aniversario del Royal Swedish Ballet . Foto: Gert-Weigelt. Gentileza JFKC.

Después de 15 años, el Royal Swedish Ballet (RSB) llega nuevamente al John F. Kennedy Center for the Performing Arts con una nueva versión de “Romeo y Julieta”. Una producción del coreógrafo Mats Ek, que retoma la tragedia de William Shakespeare con un toque contemporáneo y con su título invertido: “Juliet and Romeo”. La obra, ganadora del premio Olivier a la mejor producción de danza 2015, se presentará en el Opera House desde el 1 al 4 de junio.

Luego de la función del 2 de junio, se realizará una charla con Ek dentro del ciclo Explore the Arts. Y paralelamente a estas funciones, también se está exhiben en el Embajada de Suecia, una muestra de fotografía de Lesley Leslir-Sprinks que lleva el título: “Mats Ek-A Dance Rebel on the Move of Fourty Years”. Esta retrospectiva permanecerá abierta hasta el 28 de agosto.

“Juliet and Romeo”, tiene entre sus protagonistas a la indiscutible bailarina zaragozana, Ana Laguna, esposa y musa del coreógrafo, hijo de la legendaria Birgit Cullberg, fundadora del Cullberg Ballet (1965), y hermano de Niklas, bailarín principal del RSB. Tiempo después, entre 1985 y 1993, y luego de haber sido bailarín de la compañía, Ek asumió la dirección del Cullberg y comenzó su trabajo creativo con nuevas versiones de los clásicos como “El lado de los cisnes” o “Giselle” (1982). También se animó con “La Consagración de la Primavera” (1984) y “Carmen” (1992), entre otras.

En 2013, en celebración del 240 aniversario de la compañía, el director artístico Johannes Öhman comisionó a Ek la creación de una nueva versión completa de la historia de los jóvenes amantes, destinada a 32 de los 68 integrantes del ensamble.

Con música de Piotr I. Tchaikovsky en lugar de la partitura de Sergei Prokofiev que habitualmente se usa en la mayoría de las versiones de “Romeo y Julieta”, Ek sitúa la historia de los jóvenes amantes en el siglo XXI en un entorno totalmente urbano. La selección de musical incluye fragmentos de la “Sinfonía Patética”, la “Sinfonía Manfredo”, el “Capricho Italiano” y el “Concierto para piano”, con arreglos der Anders Högstedt.

Si bien Shakespeare basó su obra, escrita a mediados de la década de 1590, en la tragedia de Romeo y de Julieta y trenzó una trama en la que el poder del amor y del odio, potencian el conflicto, Ek desarrolla esta pieza en una ciudad en crisis, en un entorno áspero, donde predominan los tonos grises y negros. “Juliet and Romeo” tiene escenografía y vestuario de Magdalena Åberg, e iluminación de Linus Fellbom.

El RSB, una de las compañías más antiguas del mundo, junto a las de París, Copenhague y San Petersburgo, fue fundada en 1773 por el rey Gustavo III. Al poco tiempo de su creación, alcanzó fama internacional casi simultáneamente con la transformación de Estocolmo, que por entonces se convertía en la capital europea del ballet. Hoy, explorado por artistas internacionalmente como Antony Tudor, Jiri Kylian y John Neumeier, el ensamble transita desde lo clásico a lo contemporáneo.

Funciones:
Royal Swedish Ballet
Juliet and Romeo de Mats Ek
Con Kennedy Center Opera House Orchestra
Del 1 al 4 de junio.
www.kennedy-center.org

Exposición fotográfica
Mats Ek-A Dance Rebel on the Move of Fourty Years”
Fotografía de Lesley Leslir-Sprinks
Abierta hasta el 28 de agosto
Sábados y domingos de 12 pm a 5 pm
House of Sweden
2900 K Street NW, Washington, DC
info@houseofsweden.com

Los bailarines de la CND Aitor Arrieta y Aurelia Bellet interpretan el pas de deux “Delibes suite”, con coreografía de José Carlos Martínez. Foto: Jesús Vallinas/ CND.

“No mandé mis naves a luchar contra los elementos”. Esta sentencia se atribuye al monarca español Felipe II (1527-1598), en alusión al desastre de la Armada Invencible (1588). Muchos eran los elementos contra los que tenía que combatir la Compañía Nacional de Danza (CND) en el estreno de su último programa en el Teatro Real de Madrid. De una parte y de forma coyuntural, el partido de fútbol de final de la Champions League que enfrentaba a dos equipos de la capital española–Real Madrid y Atlético de Madrid- por el trono europeo. Con un mayor calado, el problema del conflicto abierto entre el Instituto Nacional de Artes Escénicas y de la Música (INAEM) y el plantel de bailarines por la negativa del pago de horas extras, ante la postura del Ministerio de Hacienda contraria a hacer frente a estos emolumentos siempre que excedieran en 60 horas el cómputo anual.

Así las cosas y con el fantasma de una posible suspensión sobrevolando la función, el estreno tuvo lugar con la única salvedad de que su inicio se postergó media hora por cuestiones del convenio laboral. Profesionalidad y entrega fueron las características más destacables de todo el elenco que forma la CND, tanto bailarines como cuerpo técnico. Con la expectativa de cómo influiría el encuentro deportivo sobre el aforo, 1300 espectadores se reunieron para disfrutar de la nueva propuesta de la compañía comandada por José Carlos Martínez (Cartagena, 1969), ex étoile del Ballet de la Ópera de París y director de la CND desde 2011. Su plan maestro incluía el expreso mandato de abrir el abanico estilístico de la formación para que pudiera transitar por todos los colores que pueden abarcar la amalgama que va desde el clásico hasta el contemporáneo. En su tercera temporada al frente de la CND, puede decirse con propiedad que Martínez dirige de forma serena pero con paso firme esta travesía por el desierto.

Tres tiempos

El clasicismo se puso de manifiesto con “Allegro brillante” de George Balanchine. Fotografía: Javier del Real/ Teatro Real.

Construido a tres tiempos, el programa ofrecido en el Teatro Real se compuso de tres grandes bloques temáticos: clasicismo (“Allegro brillante” y “Delibes suite”), deconstrucción del lenguaje clásico (“In the middle, somewhat elevated”) y la contemporaneidad de corte teatral e irónico (“Casi-casa”). La noche comenzó con la obra endiabladamente complicada “Allegro brillante” (1956). Su autor, George Balanchine (1903-1983) la definió como “todo lo que sé de danza clásica condensado en trece minutos”, ¡y vaya trece minutos! Dentro de su repertorio de piezas plotless, es decir, sin argumento, un compendio de lo más complejo en cuanto a lenguaje clásico, en el que el elenco de la CND demostró corrección al máximo y en el que los atisbos de brillo procedieron del buen dominio técnico del Bailarín Principal Esteban Berlanga.

Fiel a la escuela francesa que forjó su carrera y éxitos, José Carlos Martínez firma la segunda propuesta de la noche, “Delibes suite” (2003), estrenada por Incidence Chorégraphique. Se trata de un pas de deux –interpretado por Yae Gee Park y Anthony Pina–, compuesto por el esquema tradicional de adagio, variaciones masculina y femenina y coda final. La pareja protagonista defendió con solvencia el dúo, aunque no llegaron a atisbar la exquisita elegancia predicable de la escuela francesa. La CND ha avanzado notablemente en el campo de lo clásico, pero aún queda camino por recorrer hasta llegar a la excelencia.

Esteban Berlanga y Aurelia Bellet en “In the middle, somewhat elevated”. Fotografía: Jesús Vallinas/ CND.

Una obra maestra indiscutible del último cuarto de siglo XX protagonizó el segundo acto de la velada. Como un guiño a su antigua casa, el director cartagenero seleccionó “In the middle, somewhat elevated” (1987), creada por William Forsythe (Nueva York, 1949) para el Ballet de la Ópera de París por encargo de Rudolf Nureyev, quien, a su vez, escogió a Martínez para que accediera a la prestigiosa compañía francesa en 1988. Partiendo del tradicional concepto de tema y variaciones, Forsythe redefinió los límites del lenguaje clásico mediante la deconstrucción del mismo. Con el cambio de alineación y con las transiciones verticales, genera una sensación de extrañeza en el espectador que, asombrado, vislumbra la técnica clásica pero presentada de una manera muy diferente.

El título –“In the middle, somewhat elevated”– hace referencia a una metáfora de qué supondría buscar dos cerezas de oro suspendidas en medio de la inmensidad de Ópera Garnier, sede histórica del Ballet de la Ópera de París. Incorporada al repertorio de la CND en 1992, esta pieza parece haber sido metabolizada a la perfección por el elenco actual, ya que resultó, sin ningún lugar a dudas, la obra de la noche, tanto en destreza técnica como en precisión y limpieza en la ejecución.

La guinda de la velada la puso la presentación en Madrid de “Casi-Casa” (2009) de Mats Ek (Malmö, 1945), tras su adición al repertorio de la CND, apenas unos pocos días antes en Sevilla, siendo la primera compañía europea que la estrena. Creada para Danza Contemporánea de Cuba, esta obra de corte social que sigue la estela de “Appartement” (2000) –cuya premiére realizó el Ballet de la Ópera de París y en la participó José Carlos Martínez con el solo del sofá– y “Fluke” (2002), se nutre de escenas de la vida cotidiana que se desarrollan en torno a una televisión, la cocina, la puerta, etcétera, e incluyen a una legión de aspiradores.

El elenco de la CND en “Casi-Casa” del coreógrafo sueco Mats Ek. Fotografía: Jesús Vallinas/ Compañía Nacional de Danza.

Sentido del humor y ternura a raudales es lo que irradia “Casi-Casa” con hilarantes escenas como la de la mujer que se olvida el bebé dentro del horno. En ese punto de la función, la CND había traspasado las 22.30 horas, momento en el que, según convenio laboral, finalizaba su trabajo y no tenían derecho a recibir remuneración económica. Sin embargo, fieles a su compromiso con el público asistente, por amor al arte, los bailarines de la formación continuaron sobre el escenario. Se percibe que disfrutaron en el montaje de “Casi-Casa” con Ek y Ana Laguna, lo que, en definitiva, se transmite al espectador, quien también se deleitó con una lección de cotidianeidad convertida en danza. Luchando contra todo tipo de elementos, José Carlos Martínez vuelve a demostrar su serenidad y sensatez para seguir al frente del timón de la CND.

El programa ofrecido en el Teatro Real de Madrid muestra ya los frutos de tres años desde el cambio tranquilo, como se apodó su acceso a la dirección artística del grupo. Queda trabajo por hacer, pero se va por buen camino y el público así lo entendió que frente a todo tipo de vicisitudes apoyó a la CND, a su director, a sus bailarines y a su equipo técnico y les brindó una calurosísima ovación. Con el aval del trabajo riguroso y bien hecho, la CND se prepara para conmemorar el 35º aniversario de su fundación.

La GöteborgOperans Danskompani, dirigida por Adolphe Binder, interpreta un programa mixto en el festival Nordic Cool 2013 del Kennedy Center. Foto: Ingmar Jernberg. Gentileza JFKC.

Esta temporada marca el debut de la GöteborgOperans Danskompani en el John F. Kennedy Center for the Performing Arts de Washington, DC dentro del festival Nordic Cool 2013 que se realiza desde el 19 de febrero hasta el 17 de marzo y que reúne danza, teatro, literatura cocina, cine, música y artes visuals de los países nórdicos.

La compañía sueca de danza contemporánea se presenta el 15 y 16 de marzo en el Eisenhower Theatre, como parte del proyecto Explore the Arts. Durante este ciclo la compañía también dará una clase magistral para nivel avanzado.

Después de haber pasado la transición de lo clásico a lo contemporáneo, la GöteborgOperans Danskompani actualmente está compuesta por 40 bailarines de 16 países, y es una de las agrupaciones más numerosas de la región nórdica que realiza tours a nivel nacional e internacional.

Tiene una larga historia en cuanto a los trabajos de colaboración con coreógrafos como Mats Ek, quien mantiene un nutrido repertorio con la compañía, así como también William Forsythe, Jirí Kylián, Ohad Naharin y el español Nacho Duato.

La “Giselle” de EK tuvo su estreno en 1999, y “La bella durmiente” fue uno de los últimos trabajos del coreógrafo sueco que la compañía incorporó a su repertorio, luego de su premier en 1996 con el Hamburg Ballet.

Dirigida por Adolphe Binder, la compañía tiene como tema principal de la temporada 2012-2013 es Homeland & Risk Zones (la patria y las zonas de riesgo).

“A través del uso de una combinación de diferentes perspectivas, nuestros coreógrafos invitados trabajan sobre temas como nuestra pertenencia, la identidad y la nostalgia por la patria o el lugar de origen –reafirmó Binder–. Es especialmente, sobre lo que nos tiene profundamente arraigados y en lo que confiamos. Y como contrapartida, el territorio desconocido, y las consecuencias de vivir en un mundo globalizado”.

En la primavera de 2013, la compañía celebra los cien años de “La consagración de la primavera”, de Igor Stravinsky con dos versiones diferentes de esta partitura: la de la coreógrafa canadiense, Marie Chouinard, y la de la inolvidable Pina Bausch, creada para el Tanztheater Wuppertal.

“La naturaleza inquisitiva del ser humano hace que intente descubrir y explorar –dijo Binder–, pero aquel que necesite descubrir nuevas tierras debe tener el coraje de perder la vista de la costa. Y una vez que la costa desaparece en el horizonte, qué pasa entonces con la necesidad de pertenencia, de echar raíces y de sentirse seguro…”

Entre los coreógrafos que se incorporan al repertorio de la compañía figuran la israelí Sharon Eyal, Guy Weizman, de Holanda; el belga Franck Chartier y el brasileño Fernando Melo. Muchos de los creadores de esta temporada llegaron a Suecia por primera vez a realizar sus trabajos con la compañía.

“Nuestra visión artística y nuestro trabajo –afirmó Binder– es asumir riesgos estéticos y físicos, al mismo tiempo que intentamos romper las barreras con el público. Pero también, romper los límites entre la danza y otras formas artísticas; entre la vida y el arte”.

Silvie Guillem interpreta a Mats Ek en el Holland dance Festival 2012. Foto: Lesley Leslie-Spinks. Gentileza HDF.

Dos días antes de la Gala, el festival ya había comenzado en varios teatros de la La Haya. En el Lucent Dans Theater, casa del NDT estuvo la francesa Sylvie Guillem. Con su programa “6.000 Millas” se hace solidaria con las víctimas del Tsunami en Japón hace casi un año. Cuando éste ocurrió ella estaba trabajando en Londres, a 6.000 millas de los sucesos, de ahí el título.

Este programa está compuesto por obras nuevas de Mats Ek y William Forsythe y una reposición de Jirí Kylián.

Forsythe creó por primera vez una pieza para Guillem, cuando ella tenía 18 años y bailaba en la Ópera de París, revolviendo el polvo de ésta, por aquella época, polvorienta institución. En 1989 deja París por el Royal Ballet de Londres, donde ella sigue levantando el polvo de otra polvorienta institución. Porque así es la Guillem. Si se hubiese quedado con su protector, Rudolf Nureyev, en París, quizás este programa no hubiera sido posible.

“Rearray”, de Forsythe, está formado por una serie de fragmentos, solos y duetos, separados por momentos de oscuridad y silencio. Los solos son ejecutados ya por ella ya por el bailarín Massimo Murru, y los duetos por ambos en un diálogo de movimientos y poses clásicas (faltan las puntas) entrelazados con los toque forsythianos, que forman su idiosincrasia y firma.

Para el programa “6.000 Millas” se pidió a Kylián su participación. Por causas imprevistas la creación se vio imposibilitada, de modo que Kylián les regaló su obra “27’52″, anteriormente creada para el NDT 2 ahora interpretada con gran sensibilidad por Natasa Novotna y Vaclav Kunes, ambos ex-bailarines del NDT.

Pero no hay bien que por mal no venga, de modo que, al no actuar la súper estrella en esta especie de intermedio, se pudo preparar para la tercera obra : “Bye de Mats Ek”, un largo y exigente solo. No es que ella en realidad necesite este descanso, porque a sus 46 años parece no haber perdido ni un átomo de esa flexibilidad y gracia que la caracteriza.

Ahí está Guillem dueña y señora del escenario. Solamente una especie de puerta, pantalla o espejo ayuda a interpretar, si es que hiciera falta, algunos momentos ¿de su vida? Un perrito, un hombre, otras personas ¿familiares, amigos…? ¿por qué Bye?

Aunque vestida de “maruja”,  parecería un ama de casa medio rebelde, que le da por bailar, saltar o patalear cabeza abajo y patas arriba. ¿Es esa la Sylvie que le hizo enfadar a Rudolf Nureyev por desobediente o entristecer a Kenneth McMillan por tozuda? Nadie como Ek podría poner en escena a esta Sylvie Guillem: la auténtica.

Danza Contemporánea de Cuba presentará en los Estados Unidos, "Casi Casa", de Mats Ek. Foto: Gentileza DCC.

La Compañía Danza Contemporánea de Cuba (DCC), se presentará en distintas ciudades de los Estados unidos entre el 6 y el 27 de mayo. Dirigida actualmente por Miguel Iglesias, y en el aniversario de sus 50 años de trabajo, la agrupación lleva en su historia cerca de 260 estrenos, y mantiene un repertorio activo de más de 60 obras.

El programa que presentará en las ciudades de Norkfolk, Virginia, Boston, Filadelfia y Nueva York incluirá obras como “Súlkary”, con más de 30 años en el repertorio, y otras más jóvenes como “Demo-N/Crazy”, del catalán Rafael Bonachela; “Casi Casa”, de Mats Ek; “Horizonte”, del cubanoamericano Pedro Ruiz, y por “Mambo 3XXI”, de George Céspedes. Ésta es una de las obras más celebradas por la crítica internacional en los últimos años y con la que la compañía recibió la nominación a los premios Olivier 2011 en el Reino Unido.

DCC realizará además, un programa variado de intercambios a través de conferencias, visitas a instituciones educativas y culturales, clases magistrales, entre otros. Asimismo, con el Berklee College of Music de la ciudad de Boston dictará un taller internacional bajo el nombre de Música y Movimiento.

Este encuentro entre jóvenes bailarines y músicos será parte del II Encuentro entre estudiantes del Berklee College of Music y del Instituto Superior de Arte auspiciado por el Laboratorio Nacional de Música Electroacústica del Instituto Cubano de la Música con la colaboración de DCC, la Casa de las Américas y CUBADISCO, entre otros.

El Taller será conducido por el bailarín y coreógrafo alemán Andy Zondag y el profesor Neil Leonard del Berklee College of Music y permitirá comprender la función de la música para la danza contemporánea. El seminario se realizará el 11 y 12 de mayo.

La historia de esta compañía se remonta a un 25 de septiembre de 1959, cuando el maestro Ramiro Guerra, desde el recién creado Departamento de Danza Moderna del Teatro Nacional  de Cuba, lanzó una convocatoria a bailarines para formar una compañía. Cinco meses más tarde, en la Sala Covarrubias del Teatro Nacional de Cuba, en la entonces Plaza Cívica, se hizo la primera función con el grupo.

Con más de sesenta integrantes, procedentes en su mayoría de la Escuela Nacional de Arte, la compañía se diferencia de otras agrupaciones en tanto, formato, manera y resultado estético y centra su atención en el trabajo colectivo.

Agenda de presentaciones:

Norfolk, Virginia:

Sandler Center for the Performing Arts. El 5 y 6 de mayo.

New York: The Joyce Theater. Del 10 al 22 de mayo.

Filadelfia: Kimmel Center. El 24 y 25 de mayo.

Boston: Strand Theatre. El 26 de mayo.

Boston: José Mateo Ballet Theatre – The Sanctuary Theatre. El 27 de mayo.

Para conseguir esto, Ek echa mano de todas las técnicas o estilos que sean de utilidad, como del ballet, de la danza moderna, del contact, de la danza-teatro, del post-modern y el folklore (p.e., en la deslumbrante sección de las aspiradoras incluye exclamaciones groseras de los bailarines), sin menoscabo de su poder comunicativo y creativo.

Mats Ek, a partir de la artificialidad, logra crear un sentido de la vida cotidiana, y al establecer un intercambio entre el arte y la vida provoca el diálogo entre artistas y los avezados espectadores locales. Antes del estreno, el propio Ek confesó que se sintió muy estimulado al trabajar con esta agrupación, la cual muestra una particular contemporaneidad, al combinar la tradición cultural caribeña con los elementos de la danza moderna de los años 40, 50 y 60, con lo que hacen, en el presente, las vanguardias europeas.

Es evidente que el invitado sueco se vio beneficiado por la entrega de los once brillantes bailarines, en dos elencos alternantes, que fueron puestos a su disposición. Igualmente es necesario señalar la eficacia de los diseños de los figurines por Katrin Brannstrom y el diseño de luces de Eric Berglundm, realizados heroicamente por Pekka, en la Sala Lorca (¡cuántas limitaciones de recursos tuvo que vencer en el barroco coliseo capitalino!).

La pieza cubana de la noche, “Mambo 3XXI” (tercer milenio siglo XXI, desveló el propio autor), es la creación más riesgosa de George Céspedes hasta la fecha.

Desde el punto de vista del público, a juzgar por la cálida recepción conseguida, salió airoso, en fin con éxito, y eso se debe al virtuosismo de sus 22 bailarines, en un alto porcentaje.

No obstante, Céspedes fue desigual en el nivel de elaboración estructural y de vocabulario técnico a lo largo de la pieza de poco más de media hora. Es de justeza señalar que disfrutamos y aplaudimos momentos logrados –en parte debido a la elección inteligente de los soportes musicales–, en las secciones donde se imbrican los dúos, particularmente en los audaces intercambios con evidente diversidad sexual (homo, bi o heterosexual), que intentan reflejar las imágenes provocadas por el texto de amores y desamores de un muy popular bolero cantado por el inolvidable Benny Moré.

Este joven coreautor, sin embargo, no mostró un verdadero despunte hacia la madurez, en cuanto a los diseños espaciales escénicos con los conjuntos de cuerpo de baile, si bien hubo guiños “artificiosos y reiterados” que evocan las rutinas de los bailables en los “shows” televisivos, y como una “reconciliación” confesada con respecto a Dámaso Pérez Prado, creador del popular ritmo tradicional cubano.