La compañía de Martha Graham en ‘Diversion of Angels’. Foto: Melissa Sherwood.

La reputada Martha Graham Dance Company recaló en el Teatro Arriaga de Bilbao dentro de la extensa gira de tres años para conmemorar los cien años de su fundación por la icónica Martha Graham, siendo la compañía de danza más antigua de los Estados Unidos. Sobre la base de poner a dialogar piezas históricas de la pionera de la ‘modern dance’ y obras de coreógrafos contemporáneos, la compañía neoyorquina ofreció un programa de dos horas de duración, precedido de una breve alocución de la directora artística, Janet Eilber, para ayudar a contextualizar correctamente cada una de las propuestas.

Arrancó la velada con “Diversion of Angels” (1948), obra en la que Martha Graham abordaba el amor en tres facetas o momentos de la vida de una mujer: el amor juvenil, ataviado de amarillo, el amor apasionado, de rojo, y el amor sereno y espiritual, de blanco, Además de la precisa elección de la paleta de colores, la geometría espacial es determinante en la pieza. El dibujo coreográfico es milimétrico a la hora de imaginar diagonales del coro de ángeles que arropan a esas tres parejas. Mientras que la pareja de amarillo, interpretada por Meagan King y Zachary Jeppsen-Toy, es impetuosa en sus movimientos, la de rojo, corporeizada por Xin Ying y Lloyd Knight, se mueve de manera más sensual, aunque el pilar que sustenta la obra es la pareja de blanco, en la piel de Leslie Andrea Williams y Ethan Palma, con una mayor presencia escénica y cuyos movimientos están más suspendidos, como si indicaran el asentamiento de la madurez.

Martha Graham creó el solo ‘”Immediate Tragedy”, impactada por la Guerra Civil española. Foto: Melissa Sherwood.

Más curiosa es la historia de la segunda obra de la noche, “Immediate Tragedy” (1937), un solo sobre la determinación y resiliencia creado por Martha Graham bajo el impacto de la Guerra Civil española y dedicado a las mujeres de España. Nunca se filmó y se consideraba perdido hasta que hace unos pocos años un hombre llevó a la compañía una serie de treinta fotos tomados por su padre desde la primera fila de una actuación de Graham. Uniendo el material de archivo y las fotografías, Janet Eilber reinterpretó cómo podía haber sido originariamente la pieza. El resultado es un solo de gran intensidad emocional.

Si hubiera existido el concepto de empoderamiento femenino en la época que Martha Graham creó la pieza, esa mujer solitaria, interpretada por Anne Souder, que cae y se levanta continuamente y subraya su determinación a través del gesto rotundo, sería un buen ejemplo de ello. Y, cómo no, el elemento cromático también subraya el dramatismo por la elección de los colores expresionistas por antonomasia: rojo, blanco y negro. En cierta manera, “Immediate Tragedy” y la mítica “Deep Song”, ambas del mismo año y temática, podrían funcionar como un díptico.  Mientras que la primera trataba sobre la perseverancia, la segunda era un lamento. Al parecer, inicialmente, se interpretaban como una suite con un interludio musical entre ambas.

En el programa ofrecido en Bilbao, la conjunción de “Diversion of Angels” e “Immediate Tragedy” mostró dos caras diferentes de Graham como creadora. La pieza inicial es abstracta y formal, en contraposición con la segunda obra, más visceral y vehemente.

Jamar Roberts es el coreógrafo de “We the People”. Foto: Isabella Pagano.

En cuanto a la parte del programa de coreógrafos actuales, “We the People” (2024), del estadounidense Jamar Roberts, es una obra de encargo para un programa en el que Eilber buscaba homenajear el legado americano. Por eso, la música con aire country, firmada por Rhiannon Giddens, crea la atmósfera adecuada en la que el coreógrafo de Miami construye una pieza sobre la creencia de que la unión del pueblo puede conseguir cambios. Estructurada a través de cuatro secciones prologadas por breves fragmentos en silencio, el todo que construyen esas piezas de puzzle busca ofrecer el sabor de lo genuinamente americano, con guiños a la obra “Rodeo” (1942), de Agnes de Mille, gran amiga de Graham.

Tras un descanso, el segundo acto estuvo protagonizado por “CAVE” (2022), del coreógrafo israelí Hofesh Shechter. A través de él, posiblemente se quiera resaltar la importancia que tuvo Martha Graham en la introducción de la danza moderna en Israel, ya que, en 1964, fue fundadora de la Batsheva Dance Company -junto a la baronesa Batsheva de Rothschild- y primera directora de la formación. Ohad Naharin, Itzik Galili o el propio Hofesh Shechter son buenos ejemplos del fenómeno Batsheva. Deudor de todo lo que supone la Batsheva y, en especial, la conocida técnica Gaga de Naharin, Shechter se caracteriza por un estilo terrenal, rotundo y plagado de trepidante acción. Y “CAVE” respondió a todas las claves de su línea creativa. Una gran y enérgica fiesta sobre música tecno para provocar la catarsis colectiva.

La compañía que creó Martha Graham, definida como la ‘Picasso de la danza’, alcanza su centenario con la mirada puesta en el futuro, representado a través de la nueva hornada de creadores como Jamar Roberts y Hofesh Shechter, y, sobre todo, sin olvidar la importancia del legado que gestiona. El espectador tiene la sensación de iniciar el recorrido en un museo viviente que desemboca en plena actualidad. En cierta manera, se percibe que los bailarines adoptan una actitud de distante respeto frente a las obras de Graham, mientras que sienten como un lenguaje más natural las piezas de los coreógrafos coetáneos. El interesante ejercicio de contraponer historia y actualidad gustó al numeroso público del Teatro Arriaga de Bilbao, como así lo manifestó en una cálida salva de aplausos.

“CAVE” de Hofesh Shechter es un enérgico fin de fiesta con música tecno. Foto: Chris Jones.

Durante más de 70 años María Fux se dedicó a demostrar que la danza es para todos. Foto: Argentina.gob.ar.

“¿Se puede bailar la vida? Sí, se puede”, dijo una y mil veces María Fux, esa mujer que, más que humana, parecía descender del Olimpo. “Mientras puedas moverte, mientras puedas gatear, solo necesitas un estímulo. Yo proporciono ese estímulo. Esperan que se lo dé, y yo se lo doy”.

Estar cerca de María Fux era sentir esa energía que el cuerpo necesitaba para moverse. Su voz, su entusiasmo, su generosidad y su ternura, hacían el resto. Esa magnífica mujer, que durante más de 70 años hizo bailar a los ciegos, a los sordos, a quienes no podían caminar, a los desahuciados, el 31 de julio, a los 101 años, volvió a ocupar su sitio en el Olimpo, y desde allí, sigue bailando.

Creadora de la danzaterapia, maestra de maestros, nacida en 1922, hizo una brillante carrera en los años 40 y 50, fue primera bailarina de la ópera del Teatro Cólon de Buenos Aires, y la segunda bailarina no clásica después de Isadora Duncan en pisar los escenarios de Moscú en 1955.

Sus abuelos maternos llegaron a la Argentina en 1915 escapando de la persecución a los judíos de Odessa, Ucrania. Desde los cinco años María se apasionó por la danza, descubrió a Isadora Duncan (1877-1927), y comenzó su búsqueda hasta que, en 1953, obtuvo una beca para estudiar en Nueva York con Martha Graham. Desde ese momento, su vida dio un vuelco radical.

En un ascensor, cuando la joven María, ávida por beberse la danza del mundo, con un inglés entrecortado y balbuceante le suplicó a la gran Graham que viera su danza. Pasó una noche atormentada tratando de armar algo que pudiera sorprender a este coloso de la danza moderna.

Al día siguiente, con sus discos de vinilo bajo el brazo, llegó al estudio. Solo tenía media hora. Y comenzó a bailar. Después de una hora, su repertorio se había terminado, se sentó en el suelo con el corazón palpitante esperando el veredicto. “Eres una artista, no busques maestros fuera de ti. No tengas miedo de hacer danzas teatrales, eres actriz. Vuelve a la Argentina y no esperes nada de maestros. Tu maestro es la vida”, le dijo Graham.

María Fux, autora de una diversidad de libros dedicados a la danzaterapia.

Al regresar, intentó ayudar a una niña sordomuda, y allí comenzó una historia que saltó de la aldea para llegar al infinito. Surgió así la danzaterapia para niños, adultos y personas con discapacidad.

Hoy, su escuela de formación con el método María Fux tiene filiales en Europa y en Brasil. Publicó nueve libros, entre ellos, “El color es movimiento”, “Danza, experiencia de vida” y “Danzaterapia, fragmentos de vida”. En su estudio-escuela se capacitan fisioterapeutas, terapeutas ocupacionales, fonoaudiólogos, médicos, profesores de danza y de gimnasia, psicoterapeutas, psicólogos, docentes. Todos fueron acercándose a esta mujer que pudo transformar la vida en movimiento.

Declarada Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, recibió la Mención de Honor Senador Domingo Faustino Sarmiento, el Diploma de la Unesco por su labor docente, el reconocimiento de la ONU por su trayectoria, la Medalla del Bicentenario y los premios Gratia Artis, Fondo Nacional de las Artes y el Rosa de Plata del Senado de la Nación. Pero por sobre todo, siempre estuvo rodeada del amor de sus discípulos, los que hoy siguen sus pasos.

Cuando cumplió 100 años, desde la ventana de su departamento, la bailarina podía escuchar las voces de sus alumnos que, desde afuera, la celebraban con un cartel que decía: “María te queremos”. Y este 31 de julio, en su cuenta de Instagram @estudiomariafux se podía leer: “Ella, que dejó una huella imborrable en nuestras vidas y en la vida de tantas personas en Argentina y el mundo. Ella nos enseñó que la danza es vida, y así la recordaremos siempre”.

Seguramente hoy, desde el Olimpo, María Fux sigue bailando con los dioses y repitiendo, como solía hacerlo en la Tierra: “No se queden sentados mirando cómo el tiempo pasa. ¡Muévanse!”.

Honrar la vida de María Fux

El domingo 6 de agosto a las 11.30 am se realizará un encuentro para dar el último adiós danzando en la pérgola del Rosedal.

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“Revelations”, el clásico de Alvin Ailey de 1960, quedó como cierre de los tres programas en el Kennedy Center de Washington D.C. Foto: Gert Krautbauer. Gentileza JFKC.

En marzo de 1958, Alvin Ailey presentó por primera vez su grupo de danza en Nueva York. La troup llevaba su nombre, Alvin Ailey American Dance Theater (AAADT), y ya empezaba a formar parte de aquella generación histórica que forjó la danza moderna en los Estados Unidos. Aquel hombre nacido en Rogers, Texas, trasplantado a Nueva York, donde estudió y se formó con Martha Graham, Charles Weidman, Doris Humphrey y Hanya Holm, sabía que la danza tenía una función social y estética. Y se lanzó con ferocidad a la conquista de ese mundo negado por las persecuciones raciales de aquellos años, y rompió con prejuicios y crueles segregaciones.

Ailey murió en 1989, y aún después de su muerte, bajo la batuta de una de sus más cercanas colaboradoras y bailarinas, Judith Jamison, la compañía siguió su curso incontenible. Sesenta años después, dirigida desde hace ocho años por Robert Battle, es una de las más reconocidas del mundo.

Desde el 5 al 10 de febrero, y como todos los años, la AAADT llegó al Kennedy Center de Washington, DC, para cumplir su rito. Esta vez, con tres programas diferentes. Uno en particular, dedicado a su fundador, “Timeless Ailey”. En él desfilaron fragmentos de once obras creadas por Alvin Ailey en diferentes épocas. Un lujo que permite valorizar aún más el aporte del coreógrafo al lenguaje de la danza. Solidez en la estructura, movimientos sutiles y refinados que resaltan la calidad de los bailarines, teatralidad, exigencia de interpretación, compromiso social, intensidad y belleza, y por sobre todo, claridad en el mensaje coreográfico. Todos esos elementos se reúnen en este “Timeless Ailey” que recupera el placer de ver la danza en estado puro con movimientos y propuestas estéticas que no pierden vigencia y que apuntan a las emociones más profundas, más íntimas.

La AAADT estrenó “Lazarus”, obra que lleva el sello de Rennie Harris, narra una historia simbólica estructurada en dos actos. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Como celebración de este aniversario, la AAADT presentó en la noche de apertura tres nuevas obras, “Lazarus”, de Rennie Harris, “Kairos”, de Wayne Mcgregor, y “The Call”, de Ronald R. Brown. Y la infaltable “Revelations”, no sólo convertida en un clásico, sino en una obra maestra de la danza contemporánea donde se conjugan belleza suprema, contenido social, y la historia personal del coreógrafo contada desde un lenguaje poético incomparable.

“Lazarus”, que lleva el sello de Harris cuyo estilo, basado en el hip-hop, narra una historia simbólica en dos actos, que reconstruye el periplo de un hombre negro en la década de  los años 60 y 70 en los Estados Unidos. La pieza esboza la visión de Alvin Ailey en relación al sufrimiento y la marginación. Esta resurrección de la que habla el título de la obra en cierta forma se refiere a la figura de Ailey, pero al mismo tiempo propone una visión filosófica desde la cultura del hip-hop sobre la experiencia de ser y vivir como un afroamericano en los Estados Unidos, y la carga política y social que esto representa.

Casi como una costumbre “Revelations”, este clásico de Ailey de 1960, con música de “negro spiritual” quedó como cierre de los tres programas. Un rito, una costumbre, un legado, un mandato casi divino que reafirma la omnipresente figura del coreógrafo. Como una recapitulación de su niñez en Texas, como una narrativa personal y universal al mismo tiempo, Ailey fusiona realidad y abstracción de una manera majestuosa. Esta sucesión de imágenes y escenas, de secuencias, de colores, de historias sugeridas quedan grabadas en la retina y en el alma.

Malpaso estrenó en Cuba “Tabula rasa”, una de las tres primeras obras del coreógrafo Ohad Naharin, creada en 1986. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

La más joven compañía de danza contemporánea del archipiélago cubano, Malpaso -fundada hace solamente un lustro en la capital cubana por tres osados, testarudos e indomables  jóvenes lugareños-, sigue mostrando en cada representación la solvencia de las potencialidades físicas y técnicas de sus bailarines, empero están renuentes a menoscabar sus “estándares coreográficos”, que han sido los objetivos fundacionales de esta agrupación.

Para sustentar este objetivo confesado de la constante “renovación”, preferimos citar una nota en el programa de mano firmada por Fernando Sáez, director general y co-fundador de Malpaso, donde expresa: “no es (por tanto) obra del azar, de la pereza o el descuido, que el programa que presentamos (ahora en el habanero teatro Martí) incluya junto a las obras de coreógrafos célebres (o consagrados), las de (bailarines) debutantes en el oficio”.

La primera parte nos permitió valorar, “Ser”, una miniatura (10 min) firmada por la solista Beatriz García Díaz, escrita para dos parejas mixtas sobre la sugestiva música de Ezio Bossio (compositor mediático  en Europa), apoyado por inteligentes diseños de luces y vestuario de la propia coreógrafa y danzante de la pieza. De su coreografía reprochamos la ausencia aparente de un asidero conceptual que justifique las articulaciones atléticas, con la consiguiente disminución comunicacional con el auditorio. Esto será superado con la madurez de su talento.

Después de una breve pausa, subió a escena la creación de la coreógrafa canadiense Aszure Barton, “Vals Indomable” (27 min). Nos presentó una obra coral para diez bailarines mixtos co-comisionada por Dancecleveland y la Cleveland Foundation, producida merced al mecenazgo de la New England Foundation for the Arts´ National Dance Project y el apoyo de otras instituciones con sede en los Estados Unidos. Malpaso es una compañía asociada al Joyce Theatre Productions.
Aszure Barton, asistida por Jonathan Emanuel Alsberry, elaboró una pieza atrayente y dinámica donde hecha mano de la técnica del contact y de unos pocos elementos de ballet, para así aprovechar las posibilidades rítmicas y tímbricas que le proporcionan las diversas músicas elegidas  de compositores  tales como Alexander Balanescu, Michael Nyman y Nils Frahm, así como la producción escénica de Nicole Pearce, en las luces, y de Fritz Masten en los figurines. La solvencia ejecutoria de los danzantes quedó probada con creces, particularmente en las intervenciones de Daile Carrazana, Osnel Delgado y Fernando Benet.

Solo para bailarín, “El piso a cuestas”, de Abel Rojo, protagonizado por Osnel Delgado, director artístico de Malpaso. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

Tras otra breve pausa, las cortinas abrieron para mostrar bambalinas negras y por iluminación, una luz cenital al centro (según diseño de Guido Gali) donde podemos distinguir a medias un atlético bailarín todo de negro sobre una losa blanca: Abel Rojo, el solista y coreógrafo del solo “El Piso a Cuestas” (10 min intensos e hipnóticos). Sobre ese piso desmontable se desarrollan las acciones de este carismático bailarín de especial proyección escénica. Su desempeño se vio mermado, según pudimos conocer, por una lesión muscular en el ensayo precedente, no obstante, las ovaciones no se hicieron esperar al final. Señalemos que un elemento a su favor fue su elección de Les Gymnopédies, de Erik Satie, como soporte musical, aunque la originalidad de la pieza de Rojo está por verse.

Finalmente, luego de un prolongado intermedio, llegó el plato fuerte de esta temporada: el estreno en Cuba de “Tabula rasa” (1986), del afamado coreógrafo israelita Ohad Naharin (residente director de Batsheva Dance Company y creador de un nuevo método de improvisación denominado GAGA con vocabulario propio), nacido en 1952 en el seno de una familia de artistas con formación musical, que comenzó en la danza con 22 años cumplidos . “Tabula…”, una de sus tres primeras creaciones, fue la pieza elegida en común acuerdo por los codirectores Malpaso y el creador, teniendo en cuenta varios aspectos logísticos y estéticos, para ser interpretada por diez de los más solventes danzantes de la joven agrupación.

Para lograr esto, viajaron previamente a La Habana dos de sus asistentes: Matan David y Bret Easterling, que se entregaron día y noche al montaje de la obra, hasta la llegada de Naharin, quien trabajó intensas jornadas con todo el equipo para revisar, pulir  y precisar matices y detalles actualizados en los movimientos requeridos para conseguir  claridad en las complejas imbricaciones de sus bien estructurados 27 minutos de duración, apoyados por una perturbadora música de Arvo Part.
La entrega artística del cuerpo de baile mixto -implicado a fondo en la profunda dramaturgia de “Tabula rasa” -,  logró apresar  y comunicar  su intensa carga dramática: angustias, desesperanza, dolor espiritual y físico. Son algunos de los elementos referenciales y autobiográficos en la vida del autor que transpira la pieza en su discurso coreográfico: un accidente óseo que detuvo su carrera de bailarín clásico (estudió primero con Martha Graham y luego en la School of American Ballet) o la trágica muerte en 2001 de su primera esposa y asistente. El éxito quedó sellado con largas ovaciones en pie.

Igualmente, esta obra fue posible gracias al director ejecutivo del Joyce Theatre Foundation; Jerome L. Green Foundation en honor a Karen Brooks Hopkins, así como el apoyo de Susan Dickler y Sig  Van Raan.

Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan celebra sus 40 años con “Rice”, pieza creada en 2013. Foto gentileza JFKC.

Sólo dos funciones, el 12 y 13 de febrero, en el Opera House del Kennedy Center for the Performing Arts de Washinton DC. De la mano de su director y fundador, Hwai-min Lin, Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan presenta “Rice”, pieza creada en 2013 con un claro sentido ecológico. Este año, la troupe celebra sus 40 años con una obra que propone un paralelo entre el ciclo de cultivo del arroz, con el proceso evolutivo de la vida del hombre. Una historia que muestra la devastación de la Tierra.

“Rice” se inspiró en una pequeña granja en el pueblo de Chihshang, ubicado en el East Rift Valley en Taiwan, en el cual los granjeros buscan métodos ecológicos para el cultivo, como un camino alternativo a la contaminación por fertilizantes químicos. Como resultado de esos esfuerzos, el valle recuperó su tierra y su gloria. Conocida como la tierra del emperador del arroz, Chihshang libró su batalla medio ambiental.

Hwai-min Lin fue creando espacios semejantes al valle, a través de imágenes que fueron rescatando durante dos años elementos del programa de recuperación. De esta forma combinan los movimientos en escena, y los reflejos de las nubes en el agua, el arroz moviéndose en el viento, y el fuego arrasando los campos.

Canciones del folclore en Hakka -el dialecto chino más antiguo que aún existe- y arias de ópera occidentales, conforman esta obra que habla de la muerte y del renacimiento después de la destrucción.

La última vez que Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan se presentó en el Kennedy Center fue en 2010 con una de las obras que se ha convertido en su “marca registrada”, “Moon Water”. La compañía realiza  cada año actuaciones para las personas bajos recursos económicos con un promedio de entre 50.000 y 60.000 espectadores.

Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan mezcla elementos de la mitología asiática, folclore y estéticas modernas. El entrenamiento de los bailarines incluye disciplinas con un fuerte acento en la concentración mental como tai chi, chi kung, artes marciales, la meditación y la caligrafía china. La formación también se apoya en elementos de la ópera china, el ballet y el lenguaje contemporáneo. A su vez, los bailarines trabajan sobre danzas cortesanas de Japón, Corea y Camboya.

Hwai-min Lin fundó la compañía en 1973, cuando regresó de los Estados Unidos, e intentó romper con los preconceptos en los que estaba sumergida la danza en Taiwán. Un innovador de la danza, es uno de los artistas más reconocidos de este siglo en la línea de coreógrafos como Martha Graham, Merce Cunningham y Pina Bausch.

Recibió premio Samuel H. Scripps / American Dance Festival Award por su trayectoria artística. Y en su país, Taiwán, Lin Hwai-min fué reconocido y aclamado por la crítica. En los Estados obtuvo una Maestría en Bellas Artes en la Universidad de Iowa, y estudió danza moderna en Nueva York.
Lin Hwai-min  ha hecho doctorados honorarios de seis universidades en Taiwán y Hong Kong, recibió el Premio Nacional de Artes de Taiwan, el Premio Ramón Magsaysay, el Premio John D. Rockefeller, y el premio a la “Mejor Coreografía” en la Lyon Festival Bienal de Danza, entre otros. En 2005, la revista “TIME” lo eligió como uno de sus “héroes de Asia”.

Twyla Tharp celebra con “Yowzie”, sobre “Viper’s Drag”, una recopilación de jazz arreglada por Henry Butler y Steven Bernstein. Foto: Sharen-Bradford. Gentileza JFKC.

Dueña de un talento especial que cambió los cánones de la danza contemporánea, la coreógrafa estadounidense Twyla Tharp llega al Kennedy Center de DC desde el 11 al 14 de noviembre para celebrar en esta ciudad sus 50 años con la danza. Como despedida de un tour que recorrió varias ciudades del país, la troupe, emblema del avant-gard, presentará dos estrenos, “Preludes and Fugues” y “Yowzie” en el Eisenhower Theater.

Tharp, que recibió el Kennedy Honor en 2008, nació en Portland, Indiana, pero a los pocos años su familia se mudó a California. Comenzó a tomar clases de danza cuando tenía 4 años, y se fue adentrando en disciplinas como el ballet, el tap, el jazz y la danza moderna.

Multifacética e intensa, Tharp ha transitado estas cinco décadas a través del ballet, la televisión, los musicales de Broadway, varios films de Hollywood y compañías de danza contemporánea.

“Preludes and Fugues”, está basada en la partitura de J.S. Bach, “The Well-Tempered Clavier” volumen 1 & 2, y “Yowzie”, sobre “Viper’s Drag”, una recopilación de jazz arreglada por Henry Butler y Steven Bernstein. El vestuario es de Santo Loquasto, y la iluminación, de James Ingalls.

En este tour, cuatro de los bailarines de la troupe, Matthew Dibble, Rika Okamoto, John Selya y Ron Todorowski, tienen una larga historia con la coreógrafa a través de sus presentaciones en shows de Broadway como “Movin’ Out”, “The Times They Are A-Changin” y “Come Fly Away”.  Los cuatro también formaron parte de la compañía creada por Tharp en 1965. Mientras los nuevos que acompañan a la coreógrafa en esta gira son: Daniel Baker, Nicholas Coppula, Kaitlyn Gilliland, Ramona Kelley, Savannah Lowery, Eric Otto, Amy Ruggiero, Reed Tankersley y Eva Trapp.

Desde que se graduó en Barnard College en 1963, Tharp ha realizado más de 160 obras, 129 para danza, 12 para especiales de televisión, seis para películas de Hollywood, cuatro ballets de larga duración, cuatro shows de Broadway, y dos rutinas para patinaje.

Fue en Nueva York donde se formó con los bailarines de danza moderna como Martha Graham, Merce Cunningham, Alwin Nikolais y en la compañía de Taylor donde bailó (1963-1965) antes de formar su propio grupo.

Entre sus trabajos se destacan: “Deuce Coupe” (1973) para el Ballet Joffrey, con música de los Beach Boys, y “Push comes to Shove” (1976), para Mikhail Baryshnikov. En 1988 disolvió su compañía para convertirse en coreógrafa del American Ballet Theatre.

A lo largo de su carrera ha recibido numerosos premios incluido un Tony, dos Emmy, 19 doctorados honorarios, National Medal of the Arts en 2004; el premio Jerome Robbins en 2008, entre otros.

El presidente Barack Obama, Michel Obama, Carlos Santana, Shirley MacLaine,Herbie Hanckoc, Martina Arroyo y Billy Joel el domingo 8 durante la ceremonia de los Kennedy Honors. Foto: Margot Schulman.Gentileza JFKC.

Estudió ballet y participó en anuncios publicitarios desde que era niña. La danza fue una de sus pasiones. Hasta que en 1950 se fue a Nueva York para comenzar su carrera como actriz de teatro y consiguió debutar en Broadway en 1953 en la obra “Me And Juliet”.  Pero su revelación fue con el protagónico en “The Pajama Game” (1954) sustituyendo a Carol Haney, que se había lesionado el tobillo.

Desde entonces, hasta hoy, Shirley MacLaine se convirtió en un modelo y un emblema dentro del mundo del teatro y del cine. El domingo 8 de diciembre, la actriz, bailarina y cantante recibió uno de los premios más importantes de los Estados Unidos, los Kennedy Honors, otorgados por la trayectoria a los artistas de diferentes disciplinas.

En la 36 edición de los Kennedy Honors formaron parte del quinteto el mexicano Carlos Santana, la soprano Martina Arroyo, hija de puertorriqueño y primera intérprete de ópera afroamericana; Billy Joel, uno de los más destacados representantes del rock y pop de este país, y en jazz, Herbie Hancock.

Las ceremonias de entrega del premio comenzaron el sábado 7 mediante la gala realizada en el Departamento de Estado, con el secretario de Estado John Kerry como anfitrión. El domingo por la tarde el presidente Barack Obama y la Primera Dama, recibieron en la Casa Blanca a los galardonados. Luego, en el Kennedy Center, después de una pasarela de celebridades por la alfombra roja montada en el Hall de los Estados, compartieron un show de más de dos horas en su honor en el palco presidencial del Opera House.

Otros popes de la danza como Mikhail Baryshnikov, Alvin Ailey, Suzanne Farrell, George Balanchine, Jerome Robbins, Martha Graham, Merce Cunningham, Paul Taylor, Jacques D’Amboise, Edward Villela, Judith Jamison, Twyla Tharp y Natalia Makarova, recibieron este reconocimiento en ediciones anteriores.

MacLaine saltó rápidamente del musical a Hollywood, y debutó en la película de Alfred Hitchcock, “Pero… ¿Quién mató a Harry?” (1955), una comedia negra en la que fue la protagonista femenina, acompañada de John Forsythe y Edmund Gwenn.

Afiche de la película “The Turning Point”, que tuvo once nominaciones para el Oscar.

Sin embargo, para el mundo de la danza, la actriz tuvo un film memorable “The Turning Point” (1977) o “Momento de decisión” (como se lo llamó en algunos países hispanos), una película que capta con profundidad el mundo del ballet clásico. Allí debutó en el cine Baryshnikov, nominado al Oscar como mejor actor de reparto, mientras MacLaine y Anne Bancroft, su contrafigura, fueron nominadas para el mismo premio como mejor actriz principal.

La película obtuvo once nominaciones a los Oscar en las categorías de mejor película, mejor director, mejor actor de reparto, mejor actriz principal, mejor actriz de reparto (Leslie Browne), mejor guion original, mejor dirección artística, mejor fotografía, mejor sonido y mejor montaje.

En 1954 MacLaine se casó con el productor Steve Parker, quien produjo dos films para ella, “Mi Dulce Geisha” (1962) de Jack Cardiff y “John Goldfarb, Please Come Home” (1965), comedia dirigida por J. Lee Thompson. Parker y MacLaine se divorciaron en 1982

Su sueño de la infancia era ser bailarina. Tomó clases de ballet y estaba tan obsesionada con la danza que su pesadilla recurrente durante la infancia era que perdía el bus hacia la clase.  Parte de su formación la hizo en la escuela del Washington Ballet, en DC, pero luego de un tiempo, advirtió que el ballet profesional no era para ella. No tenía el cuerpo adecuado, sus pies no eran suficientemente buenos (no tenía el empeine y el arco muy altos), y no quería privarse de la comida, según mencionó alguna vez.

MacLaine fue nominada cinco veces al Oscar como mejor actriz: en 1958 por “Como un torrente”, en 1960 por “El apartamento”, en 1963 por “Irma la dulce”, en 1977 por “The Turning Point”, y en 1983 por “La fuerza del cariño”, película con la que finalmente ganó.

En 2012 participó en la tercera temporada de la serie inglesa “Downton Abbey”, junto a Maggie Smith y Elizabeth McGovern.