Marianela Núñez, del Royal Ballet de Londres y Dani Hernández (BNC) en “Don Quijote”, versión de Alicia Alonso. Foto: Maykel Espinosa. Gentileza BNC.

El Ballet Nacional de Cuba, patrimonio cultural de la Nación, tradicionalmente programa en fiestas navideñas el ballet “Cascanueces” (coincidente con otras grandes compañías foráneas), pero en esta ocasión decidió reponer su producción integral de “Don Quijote”. Su justificación para tal cambio sería la afortunada posibilidad de que una estrella del ballet mundial como es la argentina Marianela Núñez aceptara ajustar su apretada agenda con el Royal Ballet, y viajara hasta la Mayor de las Antillas para cumplir una añorada desiderata: bailar como Kitri junto los bailarines cubanos (sic).

Así sucedió. Y pudimos admirarla en dos magistrales entregas, siempre acompañada de manera notable, como su Basilio, por el primer bailarín cubano Patricio Revé -laureado en 2018 por la crítica local-, incorporado como “principal dancer” del Royal Ballet para la temporada 2026-2027, según el anuncio de su director Kevin Ohare.

Un poco de historia

Antes de tratar de exponer aquí mis criterios sobre lo bailado, creo necesario ofrecer algunas referencias históricas de esta versión integral del “Don Q” del BNC, y para ello -con mis agradecimientos-, me auxiliaré con los valiosos textos elaborados preciosamente por el editor e investigador Ahmed Piñeiro, para el lujoso programa de mano gratuito, de muy limitada tirada para la gran Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba.

Como es tal vez conocido por muchos, la novela homónima de Miguel de Cervantes pasó a la danza con el título de “Las bodas de Camacho” (perteneciendo su narrativa a los capítulos XXI y XXII de dicha novela), que inspiraron al coreógrafo y bailarín marsellés Marius Petipa y al compositor Ludwig Mikus. En 1869 se produce el estreno de la primera versión en cuatro actos y ocho escenas en el teatro Bolshoi de Moscú. Y como dato interesante; Petipa acostumbraba a revisar (o revisitar) varias veces sus realizaciones, y de una de ellas, el ruso Alexander Gorsky reconstruyó la obra en1900, cuyo resultado se ha tomado como fuente original para los montajes que han llegado hasta nuestros días, con las variantes resultantes de la mayor o menor fidelidad de los repositores.

El ballet “Don Quijote” fue admirado por primera vez por los habaneros, de manera integral, el 21 de agosto de 1987 (si bien mucho antes se conoció el grand pas de deux o algunos fragmentos con bailables), mediante un montaje colectivo en el que intervinieron maestros y ensayadores del BNC bajo la égida de la bailarina y “maitre” Laura Alonso (entonces jefa del Departamento de Docencia en la compañía), sobre la base de Petipa y Gorsky, con pinceladas provenientes de otras versiones al uso. Igualmente, el Ballet de Camaguey incorporó la versión completa en 2003, con coreografía del bailarín Iván Monreal Alonso y, en 2013, se realizó otra versión debida al coreógrafo cubano residente en Alemania Gonzalo Galguera. Otras versiones contemporáneas desfilaron por los escenarios de la isla, con mayor o menor éxito pasando al cajón del olvido.

En julio de 1988, en el hoy Gran Teatro de La Habana “Alicia Alonso”, con libreto, diseños escenográficos y vestuario acreditados a Salvador Fernández, el BNC estrenó su versión integral actual del “Don Q”, con una coreografía desarrollada a partir de Petipa-Gorsky por las primeras bailarinas Marta García, María Elena Llorente y maestra Karemia Morena (quién partió al extranjero y luego, desde 1997, después de ejecutar algunas variantes en los bailables del cuerpo de baile, su nombre fue eliminado de los créditos).

El BNC convocó a Marianela Núñez y Patricio Revé, los artistas invitados a encarnar a Kitri y Basilio. Foto: Maykel Espinosa. Gentileza BNC.

Protagonistas de excelencia

Marianela Núñez y Patricio Revé, los artistas invitados a encarnar a Kitri y Basilio, no más instalados en un lujoso hotel vecino a la sede del BNC, se entregaron en cuerpo y alma a su entrenamiento, y a familiarizarse con la puesta en escena de esta versión quijotesca del BNC. Muchas horas dedicaron a incorporar las instrucciones de los maestros ensayadores para vincularse con las acciones dramáticas y sus personajes, así como la relación y ajustes necesarios con el maestro Yhovani Duarte, responsable del soporte musical con una partitura adecuada a las coreografías ya fijadas para el elenco cubano. Encomiable fue el resultado de tal esfuerzo en tan poco tiempo para enfrentarse a un público conocedor y exigente, y una orquesta actualmente constituida por una mayoría de jóvenes recién graduados en sus instrumentos, y estrenarse con una difícil partitura para ballet con orquestaciones sobre variados aires de danzas españolas tradicionales.

La Sala Avellaneda del TNC, con un aforo de unas tres mil localidades, se mantuvo a teatro lleno en todas las nueve funciones ofrecidas por el BNC de este título de los grandes clásicos del favor de los amantes de la danza académica, que agradeció con una respuesta continuada de ovaciones en ocasiones. y al final en pie durante varios minutos el vibrante espectáculo brindado por solistas y cuerpo de baile. Sin embargo, no todo fue de excelencia en los bailables, con las seguidillas, las jotas o los pasodobles, algo menos precisos en su gestualidad. En cambio, los personajes importantes en las pantomimas encarnados por notables bailarines de carácter, como el Quijote de Dani Hernández, el tabernero Lorenzo de Ernesto Díaz o el Sancho Panza de Dairon Darias.

Ahora nos detendremos a señalar las sobresalientes calificaciones de los protagonistas, tanto por la magistral ejecución técnica por la limpieza en cada paso, tanto en solos como en los pasos a dos, así como la cuidadosa demostración del dominio escénico sin histrionismo al extremo. De la Kitri argentina, modélica figura de la escuela inglesa, fueron ejemplares el legato de sus evoluciones en los giros y los grand jetés con sus distinguidos port des bras al acentuar las líneas melódicas del soporte musical (algunas disonancias emergieron del foso), así como el poderío demostrado en el trabajo con las puntas, sin descuidar el “en dehors” en los momentos de gran virtuosismo. Su gran clase sin duda la coloca entre las más brillantes bailarinas del momento.

Estamos seguros de que Patricio Revé, con una formación consolidada sobre la base de la escuela cubana de ballet, fue la mejor elección para este Basilio como partenaire atlético y elegante de Marianela Núñez, con el cual consiguió la confianza necesaria para la correcta terminación de sus retadoras cargadas, el maridaje de las dos escuelas académicas resultó excepcional, por la complicidad emergente en sus pas de deux. Un solo reproche de poca monta para Revé: su expresividad dramática es una asignatura pendiente.

La entrega artística de estos portentosos bailarines fue vibrante, como fueron también evidentes las ovaciones prolongadas al cierre de cortinas. La audiencia en pie no se detenía al exclamar vivas a “Nela, Nela”.

Una dupla ovacionada, Marianela Núñez y Patricio Revé, en la sala Avellaneda del TNC. Foto: Maykel Espinosa. Gentileza BNC.

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El Centro Prodanza de Cuba, capitaneado por Laura Alonso, subió a escena “Giselle”, en la versión de su directora. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

El ballet “Giselle”, obra paradigmática de la danza en el período romántico del arte, ostenta una trascendencia capital en la historia del ballet cubano y, por extensión, en toda la cultura de la Mayor de las Antillas. Con esta pieza decimonónica y la versión coreográfica de la eximia prima bailarina Alicia Alonso y “su excepcional intérprete y repositora”, la marca Cuba adquiere una calificación de excelencia, por primera vez, en el parnaso internacional de la danza.

Estoy obligado a reiterar aquí algunos elementos históricos (en su mayoría de dominio público), como el caso de la anécdota de cómo Alonso sustituyó a la titular del rol en el entonces Ballet Theatre, Alicia Markova, por indisposición repentina, en la temporada de noviembre de 1943, lo que dio nacimiento a uno de los grandes mitos del arte coreográfico del siglo XX: Alonso-“Giselle”.

Esta producción adquiere un valor adicional, en cuanto a la veracidad de la versión realizada titánicamente por la experimentada maestra y antigua solista del BNC, Laura Alonso, heredera carnal de dos pilares de este arte: Alicia y Fernando Alonso, y heredera intelectual de las versiones reeditadas por su progenitora, hasta lograr una de las versiones más coherentes en el aspecto dramático teatral. Fue significativo que la propia Alonso fuera invitada a situar su “Giselle” en el repertorio del Ballet de la Ópera de París. En sus anales, “Giselle” o “Les Willis” (su título original), fue estrenada en el Teatro de la Academia Real de la Música (edificio destruido por un incendio) el 28 de junio de 1841. Este fue reemplazado por el actual Palais Garnier. La célebre Carlota Grisi fue entonces Giselle, con 89 representaciones.

Sin caer en el didactismo, pudiera sintetizar el argumento para enriquecer los conocimientos historicistas de los nuevos espectadores. El tema fantástico de “Giselle” proviene de la imaginación popular. Una antigua leyenda germánica relataba cómo las Willis eran los espíritus de las muchachas muertas antes de sus bodas, y emergían de sus tumbas para bailar a la luz de la luna. Unos seres fantasmales y aéreos que eran para los hombres tan peligrosos como irresistibles. A su permanencia contribuyó el poeta francés Théophile Gautier, al descubrir la leyenda de las Willis en la edición francesa del libro “Espíritus elementales” (1837) del poeta alemán Heinrich Heine. Con la contribución del libretista Jules Henri Vernoy, encontraron la fórmula exitosa de la ópera: engaño, locura y muerte. La música de Adolphe Adam, compositor de éxito en esa época, fue fundamental para hacer creíble la historia. Jules Perrot, excelente bailarín y amante de Grisi, concibió la coreografía con la contribución creativa de Jean Coralli, quien participó en escena como Hilarión, el rival de Albrecht. Perrot, varios años como maître de ballet en San Petersburgo, traspasó a su alumno y sucesor, Marius Petipa, sus saberes con respecto a “su obra maestra”. Desde entonces, el marsellés montó, revisó y readaptó la obra en numerosas ocasiones. La muy aplaudida variación de “Giselle”, en el primer acto, es de su autoría en 1887, con música de Ricardo Drigo.

Las juveniles bailarinas de los últimos años de la Escuela Nacional de Ballet integraron las filas en el ballet blanco. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

Es precisamente en la versión de Petipa que “Giselle” desembarca en Occidente, por medio de los ya célebres Ballets Russes de Serge Diaghilev. (El acucioso investigador y productor del mejor programa de televisión dedicado a la danza, Ahmed Piñeiro, nos desvela un dato fundamental: “la definitiva reposición que realizó Nicholas Sergeiev”, con “un gran cuidado filológico”, en 1924 para la Ópera de París, donde debutó en el titular la excelsa Olga Spessitseva. Es conocido que Sergeiev partió a Occidente llevando en su equipaje todos los carnets y apuntes de Petipa sobre sus creaciones, como consecuencia de la Revolución Bolchevique de octubre de 1917).

Puesta en escena en la versión de Laura Alonso

Laura Alonso encarna a Berthe, la madre de Giselle en esta puesta en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

La experimentada maestra de ballet y directora del Centro Prodanza de Cuba, Laura Alonso, ha diseñado su propia versión “Giselle”, a partir del evidente legado transmitido por sus padres y maestros formadores, Alicia y Fernando Alonso, incorporado a partir de años en la participación artística activa y profesional de los procesos creativos en el Ballet Nacional de Cuba, del cual fue miembro como solista principal y “coach”. La “grand ballet mistress” -como la califican las notas al programa de mano de su compañía-, y Premio Nacional de Danza 2021, ha expresado recientemente que “se trata de una producción renovada, que respeta y honra la coreografía de Alicia Alonso, a la que se le han añadido ciertos matices y ajustes sutiles en su construcción dramática visual”. La coherencia dramática lograda por AA, tan laureada y elogiada por la crítica internacional, está evidentemente aquí y ahora. Los momentos histriónicos de las pantomimas, que lo requieren en el primer acto, fueron enfatizados por la propia repositora, que personalmente subió a escena para encarnar el rol de Berthe, madre de Giselle (como vimos en una de las tres representaciones programadas). Observamos los matices definitorios del porqué de cada acción dramática, propios de la formación primera de Alonso en las escuelas coreográficas ruso-soviéticas, donde fue becaria en la pasada centuria.

Para ejecutar los diseños del ballet blanco, la ballet mistress se vio obligada a importar las juveniles bailarinas de los últimos años de la Escuela Nacional de Ballet. Muchos ensayos consiguieron una digna entrega: las diagonales en arabescos del segundo acto fueron ovacionadas. También muy aplaudidas las variaciones de Myrtha, reina de las wilis, en cada función. Una digna entrega del icónico ballet blanco. Igualmente, para el vestuario, atrezzos y telones, hubo que recurrir a los almacenes de antiguas producciones, así como a generosas donaciones de academias foráneas. En resumen, podríamos calificarlo de una hazaña teatral con resultados plausibles.

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Coreógrafos y bailarines que participan en la gala de los cien años de los elencos estables del Teatro Colón. Foto gentileza BNC.

La cita es esta noche a las 20:00 horas, en la sala mayor del Teatro Colón. Una celebración que honra la jerarquía de este teatro fundado en 1908. Ahora, los elencos estables, el Ballet, el Coro y la Orquesta celebran sus 100 años con una gala que convoca bailarines argentinos destacados en el exterior y figuras internacionales. La función, única, contará también con la participación de la Orquesta Estable y el Coro Estable del Teatro, con la dirección musical de Manuel Coves y Beatrice Venezi. Entradas agotadas para un programa mixto que incluye clásicos y contemporáneos.

En la primera parte, se realizará un desfile con alumnos de la carrera de danza del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón y luego, una serie de pas de deux y escenas de los grandes clásicos. Así desfilarán fragmentos de “Paquita”, “La Sylphide”, “Gopak”, “El lago de los cisnes”, “Tchaikovsky Pas de Deux”, “Diamonds”, “El adagio de la rosa”, “Carmen” y “Carmina Burana”. La segunda parte está reservada en gran parte a creaciones contemporáneas como “Chacona”, “Romance del Diablo”, “From Earth”, “After the Rain”, mientras que el cierre será con “Don Quijote”.

Herman Cornejo, del ABT y Tiler Peck, del NYCB, presentan “Tchaikovski pas de deux” (1960) de George Balanchine. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT. Archivo Danzahoy.

Entre los artistas argentinos invitados figuran Marianela Núñez (The Royal Ballet), María Celeste Losa (Teatro alla Scala), Herman Cornejo (American Ballet Theatre), Ludmila Pagliero (Opéra National de Paris) y Sergio Neglia (Neglia Ballet Artists), entre otros. También se presentarán Nicola Del Freo (Teatro alla Scala), Tiler Peck (New York City Ballet) y Viengsay Valdés (Ballet Nacional de Cuba).

Valdés, directora general del Ballet Nacional de Cuba, interpretará escenas de “Carmen”, con coreografía de Alberto Alonso, junto al argentino Emmanuel Vázquez, primer bailarín del Ballet Municipal de Santiago de Chile.

Viengsay Valdés, directora del Ballet Nacional de Cuba, interpretará un fragmento de “Carmen”, de Alberto Alonso. Foto: Nancy Reyes. Gentileza BNC.

El programa incluye además la participación de Daniel Proietto (Know Nation), María Eva Prediger (Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín) y Rodrigo Colomba (Ballet Folklórico Nacional), junto con los integrantes del Ballet Estable del Teatro Colón.

Desde su fundación oficial en 1925, el Ballet Estable se consolidó como un eje central en la vida artística del Colón. Su primer director fue el coreógrafo ruso Adolph Bolm, y por su historia pasaron figuras como Michel Fokine, Bronislava Nijinska, George Balanchine, Leonide Massine, William Dollar, Anthony Tudor, Jack Carter, Rudolf Nureyev, Pierre Lacotte y Natalia Makarova.

La cubana Alicia Alonso montó su versión de Giselle en 1958, y entre 2001 y 2004, Martha García asumió la dirección de la compañía y creó el ballet “Lady Caroline”.

El Teatro, a su vez publicó el libro “Cien años de los Elencos Estables del Teatro Colón”, una edición conmemorativa que reúne la historia del Ballet, el Coro y la Orquesta, y es un homenaje a las generaciones de artistas que construyeron el legado artístico de la institución.

Programa

PARTE I

Marianela Núñez, del Royal Ballet de Londres, bailará “Cenicienta” en la version de Mario Galizi. Foto. Carlos Villamayor. Gentileza TC.

Desfile
Alumnos de la Carrera de Danza del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.
Música: Mijaíl Glinka, Polonesa del Acto II de Una vida por el zar.
Dirección musical: Beatrice Venezi

Paquita
Mazurca
Cuerpo de baile masculino del Ballet Estable
Coreografía: Luis Ortigoza según Marius Petipa (2010)
Música: Édouard Deldevez y Ludwig Minkus
Dirección musical: Beatrice Venezi
Arreglos musicales: Albena Dobreva
Diseño de iluminación: Rubén Conde

Gopak
Intérprete: Ciro Tamayo
Coreografía: Ciro Tamayo según Rostislav Zakharov
Música: Vasili Soloviov-Sedoi
Dirección musical: Beatrice Venezi
Vestuario: Irma Motta y Rosario Acuña

La Sylphide (1836)
Acto II. Pas de deux
Intérpretes: Wilma Giglio y Facundo Luqui
Coreografía: August Bournonville
Música: Herman Severin Løvenskiold
Dirección musical: Manuel Coves

El lago de los cisnes (1877)
Fragmentos del Acto II
Pas de deux: Luana Brunetti Mattion y Federico Fernández
Coreografía: Mario Galizzi
Música: Piotr I. Chaikovski
Dirección musical: Manuel Coves
Producción del Teatro Colón

Chaikovski pas de deux (1960)
Intérpretes: Tiler Peck y Herman Cornejo
Coreografía: George Balanchine
Música: Piotr I. Chaikovski
Dirección musical: Manuel Coves
Vestuario: Barbara Karinska
Diseño de iluminación: Ronald Bates

Carmen (1967)
Fragmentos
Intérpretes: Viengsay Valdés y Emmanuel Vázquez
Coreografía: Alberto Alonso
Música: Rodion Shchedrin sobre Carmen de Georges Bizet
Diseño de escenografía y vestuario: Salvador Fernández
Dirección musical: Manuel Coves

Jewels: Diamonds (1967)
Dúo: María Celeste Losa y Nicola Del Freo
Coreografía: George Balanchine
Música: Piotr I. Chaikovski
Dirección musical: Beatrice Venezi
Vestuario: Barbara Karinska
Diseño de iluminación: Ronald Bates

La bella durmiente (1890)
Entrada de Aurora y Adagio de la rosa
Aurora: Marianela Núñez. Reina: Silvia Bazilis. Rey: Raúl Candal.
Príncipes: Vagram Ambartsoumian, Edgardo Trabalón, Alejandro Parente, Jorge Amarante y Julián Galván
Coreografía: Mario Galizzi
Música: Piotr I. Chaikovski
Dirección musical: Beatrice Venezi
Vestuario de reyes y príncipes: Gino Bogani
Producción del Teatro Colón

Carmina Burana (1998)
Fortuna Imperatrix Mundi
Cuerpo del baile y solistas del Ballet Estable. Coro Estable.
Coreografía: Mauricio Wainrot
Música: Carl Orff (1895-1982)
Dirección musical: Beatrice Venezi
Asistente coreográfico: Alexis Mirenda
Producción del Teatro Colón

PARTE II

Romance del diablo (2001)
Intérpretes: María Eva Prediger y Rodrigo Colomba
Coreografía: Ana María Stekelman
Música: Ástor Piazzolla
Dirección musical: Beatrice Venezi
Músico invitado: Pablo Mainetti, bandoneón
Maestra repositora: Cecilia Figaredo

Chacona (2010)
Fragmento
Cuerpo de baile del Ballet Estable
Coreografía: Goyo Montero
Música: Johann S. Bach
Maestros repositores: Carlos Lázaro y François Petit
Diseño de iluminación: Goyo Montero y Nicolás Fischtel
Diseño de vestuario: Verena Hemmerlein y Goyo Montero
Supervisión general: Carlos Iturrioz
Grabación interpretada por Miguel de Olaso (guitarra), Rafael Marrero (violín) y Fernanda Morello (piano)

…and Carolyn (2008)
Intérpretes: Ludmila Pagliero y Daniel Proietto
Coreografía: Alan Lucien Øyen
Música: Thomas Newman para American Beauty

From Earth (2014)
Intérpretes: Sergio Neglia y Emily Bromberg
Coreografía: Viktor Plotnikov
Música: Wolfgang Mozart, Concierto para piano n.º 23 en la mayor, K. 488
Dirección musical: Beatrice Venezi
Piano: Iván Rutkauskas
Diseño de iluminación: Dyan Burlingame
Diseño de vestuario: Viktor Plotnikov

Partita
ESTRENO MUNDIAL
Coreografía: Oscar Araiz
Música: Lukas Foss. Phorion (Variación sobre el Preludio de la Partita en mi mayor para violín solo, BWV 1006 de J. S. Bach)
Diseño de iluminación: Oscar Araiz
Asistente: Yamil Ostrovsky
Diseño de vestuario: Martina Nosetto

After the rain (2005)
Dúo: Natalia Pelayo y Matías Santos
Coreografía: Christopher Wheeldon
Música: Arvo Pärt. Spiegel im Spiegel
Violín: Freddy Varela Montero
Piano: Iván Rutkauskas
Maestro repositor: Jason Fowler
Diseño de vestuario: Holly Hynes
Diseño de iluminación: Mark Stanley

Video conmemorativo del primer centenario del Ballet Estable del Teatro Colón

Don Quijote (2014)
Fragmentos
Seguidilla: David Gómez, Emiliano Falcone, Sebastián Bustos, Juan Luis Fernández, Lautaro Bisognio, Luciano García, Yosmer Carreño, Martín Vedia, Yoshino Horita, Txaro Manen, Caterina Stutz, Sofía Di Núbila, Stephanie Kessel, Laura Domingo, Magdalena Cortés y Sofía Ramela. Toreros: Alan Pereyra, Antonio Leborans, Gerardo Wyss, David Juárez, Paulo Marcilio, Fernando González, Francisco Rojas y Franco Noriega. Acompañantes: Analía Sosa Guerrero, Marisol López Prieto, Florencia Albareti, Iara Fassi, Constanza Colombo, Cecilia Lucero, Oana Hutusoru y Rocío Prina. Grand Pas: Luisina Rodríguez, Julieta Urmenyi, Selena Briso, Mora Capasso, Elena Duarte y Romina G. Vázquez. Amigas: Victoria Wolf y Beatriz Boos. Torero: Lucas Matzkin. Mercedes: Milagros Niveyro. Gitano: Valentín Batista. Gitana: Maricel De Mitri. Kitri: Ayelén Sánchez, Camila Bocca y Rocío Agüero. Basilio: Juan Pablo Ledo y Jiva Velázquez

Coreografía: Silvia Bazilis y Raúl Candal
Música: Ludwig Minkus
Dirección musical: Manuel Coves
Maestra repositora:  Lorena Fernández Sáez
Diseño de escenografía y vestuario: Hugo Millán
Diseño de iluminación: Pablo Pulido
Producción de escenografía y vestuario: Ballet Nacional Sodre (Uruguay)

El Ballet Estable del Teatro Colón presenta “Don Quijote”, uno de los clásicos del repertorio académico. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza TC.

Un ballet que marca un hito en la carrera de cualquier bailarín. Una prueba de bravura, técnica y destreza que se funde con la historia de amor entre Kitri, la hija del tabernero, y Basilio, un joven barbero con poco porvenir. Y en el medio, Don Quijote, un personaje entrañable de la literatura universal. Todo esto confluye para una celebración de la historia y de la tradición de los Cuerpos Estables del Teatro que, este año cumplen un siglo.

El Ballet Estable del Teatro Colón comienza una nueva etapa con la dirección artística de Julio Bocca, un bailarín que ha quedado en la memoria tanto de los argentinos como del público internacional. La decisión de presentar “Don Quijote”, uno de los clásicos del repertorio académico, marca también un punto de inflexión.

Con coreografía de dos bailarines que hicieron historia en la compañía, Silvia Basilis y Raúl Candal, esta versión se estrenó por primera vez en el Ballet Nacional del SODRE de Montevideo, por entonces, dirigido por Bocca. Basada en la original de Marius Petipa (1869), revisada por Maximo Gorsky en 1900, “Don Quijote” llegó en 1980 al Ballet Estable del Teatro Colón, a través del coreógrafo yugoslavo Zarko Prebil. Esta puesta incorpora, a su vez, la “Variación de las copas”, creada por el inolvidable Mikhail Baryshnikov.

“Don Quijote”, obra basada en un capítulo del segundo libro de Miguel de Cervantes, “El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha”, es una suerte de comedia en la que el humor y la picardía son protagonistas.

La música original de Ludwig Minkus, interpretada por la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, bajo la dirección musical de Manuel Coves, mantuvo el espíritu de esta obra y se ajustó con precisión a la coreografía. La escenografía y el vestuario de Hugo Millán, son elementos de contraste interesantes, especialmente, el diseño escenográfico que, más allá de los trazos contemporáneos y minimalistas, se ajusta con perfección al entorno.

Entre los bailarines invitados para los roles de Kitri y Basilio figuran Celeste Losa y Nicola Di Freo (funciones del 30 de julio y 2 de agosto), y Marianela Nuñez junto con Patricio Revé, el 31 de julio y el 3 de agosto.

El viernes 25, un día después del estreno, los protagonistas fueron Camila Bocca como Kitri y Jiva Vélazquez en el rol de Basilio. Ambos, precisos en sus variaciones, fluidos y cuidados, no han logrado aún la fusión necesaria como partenaires que requiere este ballet. Si bien hubo momentos de ajustada técnica, tanto en el primero como en el segundo acto. Pero fue en el tercero, donde Bocca se lanzó con magnífica precisión en sus 32 fouettes, sin salir de su eje y con la gracia natural de una Kitri feliz por el triunfo del amor.El cuerpo de baile mostró un sólido trabajo, especialmente en la coordinación de las escenas grupales, tanto en las danzas de carácter como en el acto blanco de las Dríadas. El jefe los gitanos, en el segundo acto, Luciano García, hace un despliegue de energía impecable en sus saltos y pirouettes. Acompañado de Maricel De Mitri, intensa y estupenda en su rol de gitana. Los dos ponen un interesante toque de sensualidad a sus personajes.

Stephanie Kessel, en su Cupido, mostró a una bailarina digna de tenerse en cuenta. Delicada, con bellos brazos y musicalidad. Milagros Niveyro, como la reina de las Dríadas fue precisa y sirvió como un complemento interesante para esta Kitri convertida en la Dulcinea de los sueños de Don Quijote.

En la escena de la taberna, Velázquez tuvo un buen desempeño en la Variación de las copas, coreografía de Baryshnikov. Un solo que requiere de un bailarín de enorme solidez técnica para atravesar las exigencias de virtuosismo de esta coreografía.

Cuando todo se arregla, y finalmente triunfa el amor y el padre de Kitri accede al casamiento con Basilio, llega el esperado tercer acto. Un desborde de alegría y celebración que culmina en el grand pas final. Velázquez sale airoso en los clásicos grands jetés y en los giros, si bien todavía necesita incursionar más en este rol para mostrar solvencia en su interpretación y en su técnica. Bocca, excelente, precisa y vibrante da cierre a esta historia con final feliz, castañuelas y festejos.

Megan Fairchild con Robert La Fosse en la producción del NYCB con coreografía de George Balanchine y Alexandra Danilova. Foto: Erin Baiano. Gentileza JFKC.

El New York City Ballet (NYCB), como todos los años, volvió al escenario del Opera House del Kennedy Center, y esta vez, con un ballet del repertorio clásico, “Coppélia”. La función comenzó con una presentación del director artístico, Jonathan Stafford, y de la directora artística asociada, Wendy Whelan, quienes recordaron la llegada a los Estados Unidos de los coreógrafos George Balanchine y Alexandra Danilova en busca de “libertad artística” fuera de Rusia. Y luego, ambos directores agradecieron al público por apoyar a la compañía.

Del 25 al 30 de marzo, “Coppélia” trajo un toque de frescura que, sin duda, apuntó a un público más amplio y diverso. Balanchine y Danilova, son los responsables de esta versión de 1974 basada en la puesta en escena de Marius Petipa de 1884, que contó con música del compositor francés Léo Delibes.

Este ballet, en algunas ocasiones conocido como “La Fille aux Yeux d’Émai” (La joven de los ojos de esmalte), se presentó por primera vez en 1870 en el Théâtre Impérial de l’Opéra. La protagonista fue la joven Giuseppina Bozzacchi que cubrió el papel principal de Swanilda, y la bailarina Eugénie Fiocre interpretó a Frantz, su enamorado. Coreografiado originalmente por Arthur Saint-Léon con música de Delibes y libreto de Charles-Louis-Étienne Nuitter, la trama tuvo como referente el cuento corto “Der Sandmann” (El hombre de arena) de E. T. A. Hoffmann.

En esta versión del NYCB, la puesta en escena tiene un toque naive, casi impresionista. Los bailarines del cuerpo de baile ponen todo su entusiasmo para dar vida a esta historia que hace referencia a la irrupción de los muñecos mecánicos del siglo XIX. Las escenas del primer acto, en el que los aldeanos se congregan en la plaza del pueblo en torno a la casa del Doctor Coppelius, incluyen una batería de danzas de estilo, con pasajes solistas y escenas grupales.

Megan Fairchild, como Swanilda, aportó todas las facetas que demanda el rol. Con estilo delicado y una enorme jovialidad, la bailarina transita por el personaje con naturalidad y energía. Sus juegos con Frantz, su enamorado, alcanzan un muy buen nivel de comicidad y le dan a la trama esa frescura necesaria.

Megan Fairchild, como Swanilda, y sus amigas, en el laboratorio del doctor Coppelius. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

KJ Takahashi, como Frantz, quizás necesita crecer y reafirmarse en su rol, en especial en su trabajo como partenaire. Por momentos ambos parecían desconectados uno del otro. Sus saltos y sus giros son precisos y sólidos, y su musicalidad es un elemento que enriquece su trabajo.

El segundo acto que transcurre en el taller del doctor Coppelius -escenificado y coreografiado por Danilova-, es una joya que recupera las características del ballet de acción, y pone al límite a la protagonista. Interpretación y calidad actoral, se funden con la técnica más exigente y refinada, al igual que el compromiso emocional de los personajes. Swanilda y sus amigas entran al laboratorio del doctor Coppelius y se encuentran con una colección de muñecos mecánicos que cobran vida. También descubren la naturaleza de esa muñeca que lee en la ventana y que parece real.

Danilova resuelve este acto con una delicada sutileza, y deja translucir el espíritu de la época. Una escena conmovedora, por momentos patética, intensa y resuelta con una magnífica genialidad. En el tercer acto, en cambio, se advierte el toque indiscutible de Balanchine, y el contraste de estilo queda al descubierto. Con un alto nivel técnico el cuerpo de baile, al igual que el grupo de niños de escuelas locales, y las bailarinas solistas, hacen que esta escena final se convierta en un encantador encuentro con la danza cuya culminación llega con el pas de deux final.

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La primera noche de “Lago de los cisnes” tuvo como protagonistas a Isabella Boylston y al brasileño Daniel Camargo. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

“Lago de los cisnes” es, sin duda, uno de los clásicos a los que siempre se vuelve. Un acabado de la vida y sus contradicciones. Un ballet conmovedor que despierta todos los sentidos y se inserta en el alma.

La versión de Kevin McKenzie -sobre la de Marius Petipa y Lev Ivanov de 1895, estrenada en San Petersburgo- de este clásico en dos actos y dos escenas, que el American Ballet Theatre (ABT) trajo al Opera House del Kennedy Center de Washington DC desde el 21 al 25 de febrero, reúne todos los elementos necesarios para ser una de esas piezas insoslayables de la compañía. Un cuerpo de baile sólido y entusiasta, solistas impecables y comprometidos con cada rol, y protagonistas de alto nivel y sensibilidad integran esta ecuación cuyo resultado es una obra de gran intensidad y belleza.

Si bien hay una diversidad de versiones de este clásico, la de McKenzie, cuyo estreno mundial fue en el Metropolitan Opera House en 2000 con Susan Jaffe y José Manuel Carreño, narra en su prólogo la forma en que Odette fue capturada por el malvado hechicero von Rothbart quien, en su intento por obtener el amor de la princesa, la embruja y la convierte en un cisne que queda atrapado en sus dominios. La función de apertura, protagonizada por Isabella Boylston como Odette/Odile, y por el brasileño Daniel Camargo como Sigfrido, tuvo momentos intensos, que indudablemente se refuerzan con una bella coreografía y la música incomparable de Piotr Illych Tchaikowsky.

Boylston y Camargo hicieron un muy buen trabajo, con momentos conmovedores y de alto nivel técnico. No obstante, la profunda emoción que genera el pas de deux del acto blanco estuvo ausente. También estuvo ausente ese refinamiento y perfección en el suave braceo del cisne de Boylston.

Camargo interpretó un tibio Sigfrido, ajustado a las exigencias técnicas de una coreografía compleja. Preciso, a tempo, cuidado, pero sin emoción. Aún en el final del Acto III, cuando descubre la trampa de von Rothbart con el propósito de proteger el hechizo y mantener cautiva a Odette. Allí estaba en juego romper el maleficio a través del amor verdadero. No parecía lo mismo para este Sigfrido encarnado por Camargo.

Un excelente trabajo del cuerpo de baile en el acto blanco donde los cisnes, en la penumbra del lago, salen durante la noche bajo la luz de la luna.

El tercer acto situado en el palacio, durante el gran baile destinado a que Sigfrido encuentre a la princesa para casarse, incluye danzas folclóricas tradicionales como zardas, mazurcas, danzas napolitanas y españolas. Allí aparece von Rothbart, desdoblado aquí en un atractivo y maquiavélico personaje y encarnado por Jose Sebastian, un bailarín con fuerte personalidad y atractiva presencia. Con aire dramático y amenazador llega al palacio para quebrar el pacto de amor entre Sigfrido y Odette. Sebastian realizó una excelente variación y mostró su calidad como bailarín de la compañía.

La clave de este acto es el famoso pas de deux del Cisne Negro, encarnado por Odile, esta suerte de Alter Ego de Odette. Una coreografía que pone a prueba a cualquier bailarina tanto en la destreza técnica como en la interpretación. Boylston cubrió esas expectativas, si bien faltó algo de trabajo actoral sobre un personaje que difiere enormemente de Odette.

El hechizo de Herman Cornejo

El sábado matiné en el Opera House del Kennedy Center los roles principales estuvieron cubiertos por Herman Cornejo y Skylar Brant. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

El sábado matiné, tuvo como protagonistas de este “Lago…” a Herman Cornejo y a Skylar Brant. Una función cargada de emoción en la que ambos bailarines lograron un ensamble perfecto: técnica excelente, comprensión particular del drama de los personajes, emoción, sensibilidad y talento. Algo poco frecuente de encontrar.

Cornejo parece dibujar la música en el aire. Sus giros, sus saltos, silenciosos y perfectos, hablan de un bailarín con cualidades especiales. Excelente como partenaire, junto a Brant lograron un pas de deux conmovedor en el acto blanco. Brant con un port de bras magnífico, sutiles movimientos de cabeza, no hizo otra cosa más que asemejarse a un cisne en busca de su libertad a través del amor verdadero.

Fue en el tercer acto donde se lanzó con fouettes dobles que hicieron bramar a la platea. Allí su Odile fue la encarnación del mal, dispuesta a engañar a ese Sigfrido casi inocente y consternado. Cornejo y Brant, volvieron a deslumbrar en un acto en el que sí se advirtieron las diferencias entre ambos cisnes que, de alguna forma, representan la lucha entre las fuerzas del bien y del mal. Una función memorable que permitió observar el talento de varios solistas y cuerpo de baile.

Jake Roxander, como Benno, el amigo del príncipe se destacó con su actuación, con su personalidad entusiasta y su ajustada técnica. Su personaje fue sencillamente brillante al igual que el von Rothbart que compuso Andrii Ishchuk, cuya precisión en los saltos y en su variación fue impecable, al tiempo que puso un toque de humor displicente y malvado.

Una trama sumamente atrapante, elementos mágicos poderosos, dilemas morales y psicológicos, un gran despliegue escenográfico, danza pura, y belleza absoluta componen este “Lago de los cisnes” del American Ballet Theater.

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En el Auditorium de la Fundación Cultural, en Abu Dhabi, el Ballet Nacional de Cuba sube a escena “Carmen” con coreografía de Alberto Alonso. Foto gentileza BNC.

El Ballet Nacional de Cuba (BNC), bajo la dirección de Viengsay Valdés, se presentará, el 25 de noviembre, en el Auditorium de la Fundación Cultural, en Abu Dhabi, capital de los Emiratos Árabes Unidos.

El Departamento de Cultura y Turismo de Abu Dhabi ha creado un amplio calendario que incluye danza y música. Entre las propuestas más destacadas, el BNC interpretará dos clásicos de su repertorio.

El programa de esta función única comprenderá la Suite de “Don Quijote”, con dirección artístico-coreográfica de Alicia Alonso, coreografía de Marta García y María Elena Llorente sobre la original de Marius Petipa y la versión de Alexander Gorski, y música de Ludwig Minkus.

En los papeles protagonistas, actuarán Chavela Riera como Kitri; Yasiel Hodelín como Basilio; y Gabriela Druyet y Ányelo, como Mercedes y Espada, respectivamente.

En la segunda parte del programa, se presentará “Carmen”, coreografía de Alberto Alonso, con música de Georges Bizet, en arreglo de Rodión Schedrin, con Anette Delgado en el papel titular; Dani Hernández, como Don José; Dario Hernández como Escamillo, y Daniela Gómez y Ányelo Montero, en los roles del Destino y Zúñiga, respectivamente.

Basada en la célebre ópera de Bizet, “Carmen” cuenta la historia de una mujer que irradia rebeldía y libertad, una historia con un final mucho más complejo que una relación amorosa condenada.

La puesta en escena del Ballet Nacional de Cuba se centra en la intención de revelar las contradicciones esenciales entre la personalidad rebelde de Carmen y las fuerzas de su tiempo.

La gitana Carmen, una mujer hermosa y sensual, se ve envuelta en una pelea que la lleva a ser arrestada. Carmen conquista el corazón de Don José, un cabo del ejército que deja su trabajo y se une a su mundo. Pero Carmen se cansa rápidamente de la posesividad de Don José. Cuando ella se fija en el apuesto torero Escamillo, los celos de Don José estallan en violencia y el destino no tarda en definir el destino de los protagonistas.

La version de Alberto Alonso, que estrenó la inolvidable Maya Plisetskaya en abril de 1967 con el Ballet Bolshoi en Moscú, llegó en Agosto a La Habana y tuvo como protagonista a Alicia Alonso. No obstante, luego del exilio de Alberto Alonso en Estyados Unidos, la obra desapareció de las carteleras de la isla, y recién reapareció en el repertorio del Ballet Nacional de Cuba en la primavera del año 2000. Hoy forma parte del repertorio de la compañía y es uno de sus distintivos.

Isaac Hernández pisó tierra azteca para compartir los pormenores de su espectáculo “Despertares”. Fotos: Gabriela Jiménez Bernal.

Una cocina acondicionada con piso especial fue el cubil donde el bailarín Isaac Hernández vivió una transformación interna y profesional durante el confinamiento sanitario que se vivió en el mundo. Y es que esa experiencia de confrontamiento consigo mismo le permitió convertirse en un mejor intérprete, pero, sobre todo, en un mejor ser humano, confiesa el mexicano dibujando una gran sonrisa en su rostro.

El destacado bailarín pisó tierra azteca para compartir los pormenores de su espectáculo “Despertares”, el cual ha logrado reunir desde hace una década a algunos de los mejores intérpretes de las compañías de danza más prestigiadas del mundo. El tapatío se muestró entusiasmado por bailar nuevamente en su país y hacerlo en el escenario que le abrió las puertas desde 2012: el Auditorio Nacional, que lo recibirá a él y a sus colegas internacionales el sábado 6 de agosto.

“Me siento encantado, emocionado, incluso un tanto nervioso de estar aquí.  Todos hemos vivido momentos muy difíciles en los últimos años y ya es momento de reencontrarnos otra vez”, expresó el ganador del Benois de la Danse, el máximo galardón que se da a nivel internacional en el ballet y que le fue otorgado en 2018 en Moscú.

El legado del arte

Sumergido en una profunda reflexión sobre lo vivido durante la reciente pandemia, Hernández comparte lo que, en su opinión, aprendió sobre el valor de las artes: “En este tiempo me quedó más que claro la importancia de estar juntos y de compartir, pero también de los beneficios del arte, de ahí mi necesidad de darle continuidad a ‘Despertares’. Es valioso lo que nos da el arte, es lo que nos da esperanza”.

Considera que el confinamiento ha sido uno de los grandes retos que han enfrentado las artes después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello, el tapatío está convencido que hoy más que nunca se deben mantener los proyectos culturales que contribuyan a la sociedad, en especial a los nuevos talentos: “Estar alejado de mi proyecto me hizo ver que las nuevas generaciones de bailarines pueden perder la ilusión de seguir. Por ello, considero que ‘Despertares’ contribuye a que se sientan motivados viendo a grandes bailarines del mundo”.

También está consciente de que la industria del espectáculo cambió con el mayor uso de la tecnología, obligando a los artistas a proponer nuevas formas de creación y llegar a públicos diversos: “Estamos generando una mente más consciente de lo que tenemos que hacer, y cómo generar una industria cultural más accesible para nuevos espectadores”.

Una etapa de transformaciones

Los 14 números que integrarán el programa estarán protagonizados por destacadas figuras del Ballet Bolshoi y el English National Ballet. Fotos: Gabriela Jiménez Bernal.

Hernández, al igual que el mundo, vivió un confinamiento que lo llevó a innumerables momentos de introspección. En lo personal, aseguró que le permitió una madurez personal y profesional: “Todos experimentamos un peso emocional durante el encierro. Por fortuna, yo tuve mi refugio en la danza. Puse un piso especial en la cocina de mi casa y ahí me refugié. Incluso puedo decir que mejoré en mi técnica y cuidé más mi cuerpo y mi mente. Me aferré a lo que el ballet me da para ser mejor persona. Sin lugar a duda el ballet ha sido un beneficio personal y lo entendí en plenitud. De hecho, cuando no entrenaba la pasaba muy mal. Así que me di mucha esperanza a través de mi baile”.

El tapatío considera que está en su mejor momento como intérprete. Recuerda que durante la formación de cualquier bailarín evidentemente hay mayor preocupación por la técnica. Pero conforme pasan los años se adquiere una libertad física y emocional: “Antes existía una cierta obligación a nuestra profesión, pero ahora hay libertad para elegir el repertorio que deseas interpretar. Como ya hay dominio de la técnica comienzas a disfrutar más tu profesión. Te vuelves un adicto al escenario y buscas conectar con éste de manera única y diferente”.

La transformación que ha vivido el bailarín coincide con su debut como padre de familia. Sobre esta etapa crucial en su vida compartió: “Ser padre me ha cambiado mucho. Veo las cosas más claras y he entendido que es un privilegio estar en el escenario”.

Sobre la responsabilidad que está adquiriendo con su primogénito, Hernández confesó que esta nueva experiencia lo ha hecho apasionarse más sobre el tema de la infancia, por eso tiene una gran inquietud: “Hay mucha incertidumbre en el mundo; sin embargo, mi hijo está rodeado de arte y cultura que inspira a vivir. Quiero que tenga acceso a las expresiones artísticas y que se sienta un apasionado por la vida”.

Noche de estrellas

El tapatío está convencido de que la función de “Despertares” llega en un momento simbólico, ya que la humanidad requiere de experiencias estéticas que resulten una caricia al corazón: “Llegar a mi país con este espectáculo tiene un significado especial. Retomar la normalidad y revivir momentos que nos permitan sentir al público. Será una noche llena de emociones, de conectar a nivel humano. Me alegra llegar a mi país con un proyecto que es parte de la vida cultural de México”.

“Despertares” 2022 reunirá a 30 artistas en escena bajo la dirección del bailarín mexicano, con la producción de Soul Arts Productions, casa productora dirigida por su hermana Emilia Hernández y de la cual ambos son cofundadores.

Los 14 números que integrarán el programa estarán protagonizados por figuras de destacadas agrupaciones como el Ballet Bolshoi y el English National Ballet. Los bailarines internacionales que llegarán al coloso de Reforma son Natalia Osipova, Tamara Rojo, James Streeter, Jurgita Dronina, Chey Jurado, Michaela DePrince, Gabriele Frola, Sae Eun Park, Maria Alexandrova y Vladislav Lantratov, Emily Suzuki, Jason Kittelberger, Brooklyn Mack, así como el propio Isaac y su hermano Esteban Hernández. Sobresale la participación del grupo Guetto Funk Collective y de la cantante Geo Meneses que estará acompañada por los músicos Los Macorinos.

El repertorio reunirá piezas de los coreógrafos más reconocidos en la escena dancística internacional, como George Balanchine, Marius Petipa, Vakhtang Chabukian, Akram Khan, William Forsythe, Jason Kittelberger, Joseph Mazilier, Aszure Barton, Annabelle Lopez Ochoa y Stephan Toss.

Un futuro prometedor

Hernández está consciente que su carrera como intérprete es efímera: “Como bailarines, nuestra vida profesional es corta. Aún me quedan unos seis años para seguir bailando. Física y artísticamente me siento en un gran momento”.

Una vez que llegue el momento de retirarse de los escenarios, le gustaría seguir incursionando en la actuación, como lo hizo recientemente en la pantalla chica. Asimismo, le gustaría tejer más lazos de colaboración con comunidades latinas.

A su vez, le gustaría construir una plataforma digital a través del cual pueda seguir impulsando la danza clásica, género que lo ha llevado al éxito internacional.

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Cuerpo de baile y Eun Won Lee y Gian Carlo Pérez (Ctr.), en “Lago de los cisnes” estrenada en el Eisenhower Theater del Kennedy Center. Foto: xmb Photography. Gentileza TWB.

Recuperar la danza después del devastador impacto de la pandemia de COVID-19 es una empresa titánica. Más aún si se trata de subir a escena una obra tan monumental y con tanta demanda como “Lago de los cisnes”. Pero The Washington Ballet (TWB) arremetió con ese desafío y lanzó sus primeras funciones, después de dos años de silencio, con este clásico que requiere de una disciplina férrea, una sutileza artística que casi trasciende lo terrenal, y una preparación técnica impecable.

Bajo la dirección, puesta en escena y coreografía de su directora, Julie Kent y de Victor Barbee, director artístico asociado, esta producción se caracteriza por un minucioso cuidado y prolijidad. Basados en la coreografía tradicional de Marius Petipa y Lev Ivanov de esta obra que recuperó el Teatro Mariinsky en 1895, Kent y Barbee pusieron un toque propio que dio como resultado una puesta de calidad.

La potente y majestuosa música de Piotr I. Tchaikovsky construye el resto: la magia, donde la luna se funde con la noche y el malvado hechicero von Rothbart mantiene encantada a Odette y al resto de las princesas para que se conviertan en cisne blancos durante el día y se transformen durante la noche.

Kent ha logrado uniformidad en los actos blancos en los que la sincronización en las filas de cisnes se ajusta de manera deslumbrante, más allá de la estrecha dimensión del escenario. El despliegue de cisnes entrando a escena como una sucesión interminable es absolutamente conmovedor. Y la magnífica coordinación del pas de quatre interpretado por Victoria Arrea, Jessy Dick, Lucy Nevin y Alexa Tores mostró el acertado trabajo tanto de los bailarines como de los preparadores.

Eun Won Lee como Odile y Gian Carlo Pérez en el rol del príncipe Sigfrido en el tercer acto de “Lago de los cisnes” de TWB. Foto: xmb Photography. Gentileza TWB.

El Eisenhower Theatre del Kennedy Center, por momentos, quedó apretado para una coreografía que, generalmente, se presenta en espacios más amplios. Pero nada de esto afectó el nivel de la danza, el compromiso de los bailarines y la belleza de una puesta en la que la escenografía y el vestuario, préstamo de Ballet West, formaron parte de un todo compacto y sin fisuras.

Eun Won Lee como Odette/Odile y Gian Carlo Pérez como el príncipe Sigfrido compusieron una buena dupla. Ambos bailarines poseen un alto nivel técnico. Pérez, desbordante de pasión, intenso y conmovedor, dejó ver su sólida formación en la escuela cubana de ballet. Con magníficos saltos, una línea majestuosa y una gran musicalidad, Pérez delineó un Sigfrido para recordar. Lee, por su parte, se destacó por sus extensiones, sus equilibrios y sus magníficos fouettés cuando debió encarar a Odile, el cisne negro del tercer acto.

Pero esta producción no sólo tuvo dos protagonistas. El cuerpo de baile, en cada uno de los cuatro actos de esta poética y apasionada historia supo contarla a través de un relato íntimo y conmovedor. Ashley Murphy-Wilson mostró su musicalidad y precisión en el pas de trois del primer acto junto con Ayano Kimura y Ariel Martínez. Por otra parte, los intérpretes de las danzas de carácter del tercer acto no sólo pusieron un toque vital y fresco, sino que también mostraron precisión y buena técnica.

A esta puesta se sumó un detalle primordial: la Orquesta de TWB en vivo, dirigida de manera excelente por Charles Barker.

Es cierto que la pandemia dejó sus marcas. Pero no caben dudas de que se trata de un “volver a empezar”.

Bailarinas de TWB en “Lago de los cisnes”, ballet que se presenta hasta el domingo en el Kennedy Center. Foto: xmb Photography. Gentileza TWB.

Bailarines de The Washington Ballet, Adelaide Clauss y Gian Carlo Perez protagonizan “Lago de los cisnes”. Fotos: ©ProcopioPhotography. Gentileza TWB.

“Presentar ‘Lago de los cisnes’, el icónico ballet que posiblemente sea la columna vertebral de este arte es un momento muy emocionante para The Washington Ballet (TWB) -dijo Julie Kent, directora de la compañía-. Esta producción es el siguiente paso, lógico, en la construcción del repertorio. Todos los ballets románticos que hemos presentado en los últimos años como “Giselle”, “Les Sylphides”, “La Bella Durmiente”, han preparado a nuestros bailarines para este preciso momento”.

El Washington Ballet estrenará la esperada puesta de “Lago de los cisnes”, del 9 al 13 de febrero en el Eisenhower Theater del John F. Kennedy Center for the Performing Arts de Washington DC. Una producción cuyo estreno en 2020 se postergó por el comienzo de la pandemia del Covid-19, cuyas restricciones aun siguen afectando el mundo de las artes escénicas.

Con puesta en escena y coreografía de Kent y Victor Barbee, director artístico asociado, la producción marca el regreso triunfal de la compañía al escenario del Kennedy Center. Con la poderosa partitura de Piotr I. Tchaikovsky, la trágica historia de amor de la etérea princesa cisne Odette y el príncipe Sigfrido promete magia, intriga, melancolía y suspenso.

Con coreografía original de Marius Petipa y Lev Ivanov, Kent y Barbee adaptaron este clásico, basándose en sus años de experiencia y en las notaciones de Vladimir Stepanov. Así como también, en una meticulosa investigación que contó con la asistencia de la becaria en residencia de TWB, Natalie Rouland. Completan esta puesta un vestuario y un diseño escénico especial, que cuenta con orquesta en vivo dirigida por el director Charles Barker.

La compañía dirigida por Julie Kent incorpora a su repertorio una nueva versión de “Lago de los cisnes”. Fotos: ©ProcopioPhotography. Gentileza TWB.

“Cuando nos encerramos hace dos años, ninguno de nosotros podía predecir lo que seguiría: la incertidumbre existencial, la pérdida de oportunidades, la pérdida de la unión que es la esencia de la actuación en vivo. Pero TWB se comprometió a seguir adelante, juntos y, a menudo, de manera innovadora. Ahora estamos al borde de marcar un hito artístico importante: nuestro propio ‘Lago de los cisnes’”, reflexionó la directora artística.

George Balanchine y Francis Mason en “101 Stories of the Great Ballets” describieron la trama desde un punto de vista sutil y particular. “La heroína de ‘Lago de los cisnes’ es una princesa de la noche; ella es toda magia, una criatura de la imaginación. Es la reina de los cisnes, un hermoso pájaro, excepto entre la medianoche y el amanecer, cuando el misterioso hechicero Von Rothbart le permite convertirse en una bella mujer. En el mundo del cielo y del agua se siente como en casa, pero en el mundo real, donde el romance es posible, parece estar irremediablemente perdida. El gran amor que llega a tener por un príncipe mundano está condenado desde el principio; ella no tiene control sobre su destino”.

La temporada 2022 de TWB continuará en la primavera con “Giselle” (del 28 de abril al 3 de mayo en el Warner Theatre) y NEXTsteps (del 22 al 26 de junio en el Sidney Harman Hall) con nuevas obras de los coreógrafos Brett Ishida, Mthuthuzeli November y Jessica Lang. A su vez, y fuera de escena, la compañía presentará Dance for All (del 21 de marzo al 8 de abril), una serie de eventos y experiencias gratuitos que se reslizarán en los ocho distritos de la ciudad.

Funciones:

The Washington Ballet presenta “Lago de los cisnes” en el Eisenhower Theater del Kennedy Center
Coreografía sobre la original de Marius Petipa y Lev Ivanov de Julie Kent y Victor Barbee
Música de Pyotr Ilyich Tchaikovsky
The Washington Ballet Orchestra, Charles Barker
Vestuario cortesía de Ballet West
Escenografía y vestuario: Peter Cazalet
Iluminación: Brad Fields

 Miércoles 9 de febrero a las 20 h.

Jueves 10 de febrero a las 20 h.

Viernes 11 de febrero a las 20 h.

Sábado 12 de febrero a las 14 h.

Sábado 12 de febrero a las 20 h.

Domingo 13 de febrero a las 14 h.

www.washingtonballet.org

Salud y Seguridad
Para todas las actuaciones, TWB ha instituido varias políticas de salud y seguridad de COVID-19, incluida la prueba de vacunación para todos los espectadores mayores de 12 años, así como el requisito universal de usar de mascarillas.