El Ballet Estable del Teatro Colón repuso “Tema y variaciones”, de George Balanchine, a 70 años de su estreno, con Camila Bocca y Maximiliano Iglesias en los roles principales. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

“Noche clásica y contemporánea” ofrece dos programas y el primero se estrenó el 15 de octubre con coreografías de Clark Tippet, Nacho Duato y George Balanchine. Los bailarines del Ballet Estable del Teatro Colón, dirigidos por Paloma Herrera, pudieron demostrar su fortaleza técnica, virtuosismo y despliegue de estilos. El director musical de la orquesta fue el invitado Javier Logioia Orbe. Además de las obras de Tippet y Balanchine en el segundo programa (20, 21 y 24 de octubre) subirán a escena “Adagietto”, de Oscar Araiz con música de Gustav Mahler y el pas de deux del segundo acto de “Lago de los cisnes”, de Mario Galizzi, basado en la versión de Marius Petipa y Lev Ivanov.

La función abrió con “Concierto para violín n° 1” de Clark Tippet con reposición coreográfica de David Richardson, discípulo de Tippet, obra bailada antes de su presentación en el primer coliseo, en una gira por el interior del país. La música es de Max Bruch; el violinista, Freddie Varela Montero. La pieza está pensada para cuatro parejas de primeros bailarines: el coreógrafo trabaja con cada primera bailarina y su relación con el divismo. El hombro del varón es el otro gran protagonista. El coreógrafo investiga y experimenta las posibles variaciones hasta agotarlas entre el cuerpo de un hombre, una bailarina y el hombro como elemento de apoyo. El cuerpo de baile, conformado por ocho parejas -no son un adorno de los primeros bailarines-, cada una tiene variaciones de gran trabajo técnico. El diseño de vestuario es de Dain Marcus y la iluminación de Rubén Conde.

La pareja de Georgina Giovannoni y Edgardo Trabalón fue la primera en aparecer: la llamada pareja turquesa porque la bailarina tenía un tutú estilo francés de color turquesa. Giovannoni se lució por su muy buen eje y gracia. En seguida fue el turno de Natalia Pelayo y Maximiliano Iglesias como la pareja roja. Iglesias demostró su solvencia técnica en los jeté manèges y los brisé en arrière. El cuerpo de baile: los varones se desplegaron con gracia eterna junto a sus parejas al unísono del violín. De repente, hizo su aparición la pareja azul, Nadia Muzyca y Alejandro Parente que despertaron con su canto hecho cuerpos como pareja enamorada. Muzyca se destacó por sus fluidos pas de bourrée en arrière y su grand développé à la seconde. Al final salieron a escena Karina Olmedo y Juan Pablo Ledo como la pareja rosa: la primera bailarina brilló por su fuerza de espíritu y elegancia que transcendía el escenario con su sonrisa imperante y su excelente técnica, que remató con un temps de flèche a gran altura. Ledo, por su parte, subrayó sus jetés en l’air en tournant saliendo airoso. Las parejas bailaron junto a otras ocho parejas.

Duato y su marca registrada

“Por vos muero”,de Nacho Duato, con música de Jordi Savall y textos de Garcilaso de la Vega relatados por el actor y cantante Miguel Bosé. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

“Por vos muero” de Nacho Duato fue la segunda obra presentada. La música es de Jordi Savall y se escucha un audio con Miguel Bosé como relator de los textos poéticos de Garcilaso de la Vega. La intención de Duato, bien lograda, fue la de homenajear el papel preponderante que tenía la danza como forma de expresión del pueblo en los siglos XV y XVI. El vestuario es del propio Duato e Ismael Aznar.

Risas, cantos, máscaras, interrelaciones alegres y complaciente entre los bailarines se destacan. Los encuentros entre los bailarines que bailan en media punta son sutiles con movimientos que se mueven eternos. Los torsos aparecen en un primer momento semi desnudos y se desplazan como si fuera una cámara lenta. Luego la alegría comienza al son de una música barroca que presenta una puesta en escena en la gama de los verdes y azules. La obra que fue montada para seis parejas estuvo bailada por Candela Rodríguez Echenique, Magdalena Cortés, Emilia Peredo Aguirre, Iara Fassi, Manuela Rodríguez Echenique, Clara Sisti Ripoll, Jiva Velázquez, Facundo Luqui, Anotnio Luppi, Alejo Cano Maldonado, Emiliano Falcone y Edgardo Trabalón.

Infaltable Balanchine

La velada finalizó con “Tema y variaciones” de George Balanchine a 70 años de su estreno, con una espléndida Camila Bocca y Maximiliano Iglesias como bailarines principales. El objetivo de Balanchine era el de evocar la época dorada de los grandes ballets del siglo XIX en Rusia, la música elegida seguiría siendo la de Tchaikovski (Suite n° 3 para Orquesta in G mayor, Op. 55) pero en contraposición a las obras de Petipa, no habría una historia que contar, sino que ¡lo que primaría sería la técnica! Ni el argumento, ni el vestuario, ni la escenografía debían distraer la atención.
Bocca compuso unos brillantes pirouettes y fouettés en perfecto eje que junto a su partenaire se lució en sus fluidos developpés en croix. Iglesias se destacó por su gracia y sus tours en l´air en altura y precisión.

Balanchine quería así concentrar y guiar la energía visual del público en sus variaciones de gran brillo. La técnica era la diva. La obra fue creada para Alicia Alonso e Igor Youskevitch como primeros bailarines del Ballet Theater en 1947 (luego American Ballet Theatre): Alonso comentó en una entrevista que Balanchine comenzó a agregar variaciones, mismo durante el montaje, cada vez más demandantes; por ejemplo se marcaba una variación en cuatro compases pero había que bailarlo en cinco.

Una competencia comenzó entre los primeros bailarines y Balanchine. Alonso y Youskevitch trabajaron duro, ellos nunca dijeron que no a ninguna variación propuesta. La bailarina más tarde relató cómo sus amigas, primeras bailarinas que nailaron esta pieza después, como María Tallchief, le reclamaron a Alonso diciendo: “Pero, Alicia, ¿cómo permitiste que pusiera esto o aquello, ¿cómo vamos a hacer nosotras?, y yo les respondía: Bueno querida, eso lo puso Balanchine, eso es idea de él”. Balanchine quería llegar a los límites de Alonso y Youskevitch. Al final, el primer bailarín le expresó a Balanchine sonriente: “¡Gracias por matarme!” De esto resultó que la presente pieza que se vuelve a presentar en el Teatro Colón fuera la más difícil del repertorio balanchineano, y la de mayor virtuosismo técnico.

Natalia Magnicaballi y Michael Cook (ctro.) y el Suzanne Farrell Ballet en “Gounod Symphony”, de George Balanchine, en el Kennedy Center. Foto: Paul Kolnik. GentilezaJFKC.

Una de las grandes virtudes de Suzanne Farrell como directora de su propia compañía, Suzanne Farrell Ballet, es haber recuperado piezas desconocidas u olvidadas en la historia del valle del siglo XX. Obras creadas especialmente por George Balanchine que se han convertido en esas joyas poco frecuentadas. Farrell ha logrado concretar, con esfuerzos, esa misión secreta y obligatoria que tiene todo artista de las artes escénicas, un arte tan fugaz que solo queda guardado en la retina y en el corazón. Si bien es cierto que hoy la tecnología se convierte en un aliado interesante, pero quizá, incapaz de transmitir emociones vívidas.

En su temporada anual en el Kennedy Center, y tras haber anunciado que el próximo año será el último de esta compañía que celebra sus 15 años, Farrell, volvió a mostrar lo valioso de su trabajo. Ese trabajo casi testimonial y arqueológico, que logra poner cada pieza en su lugar. Y casi como una paradoja, este año, aunque con reservas, la compañía se vio más compacta que nunca, a pesar de no ser un ensamble permanente. Más admirable aun es la labor de Farrell, al tratar de montar en pocas semanas, y con un grupo creado ad-hoc, lo que en otras compañías lleva meses.

En este programa, Farrell optó por una de esas entrañables obras de la dupla Balanchine-Stravinsky, “Danses Concertantes”, cuya premier en 1944 tuvo a Alexandra Danilova y a Frederic Franklin como pareja central. Dos “super stars” de la época. La pieza, cargada de efervescencia, con una coreografía estructurada casi matemáticamente por el genio indiscutible de Balanchine, propone una atractiva dinámica entre los bailarines. Una puesta fresca, cuidada, en la que cuerpo de baile y solistas mostraron calidad, más allá de ciertos fallos que no hacen demasiada mella en el resultado final.

El Suzanne Farrell Ballet en “Danses Concertantes”, de George Balanchine. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

La segunda obra que subió a escena en la noche del viernes 21 fue ”Gounod Symphony”, una obra “perdida” en el repertorio, estrenada en 1958 por Maria Tallchief y Jacques d’Amboise del New York City Ballet. Esta es la primera vez que Farrell presenta esta joya indiscutible del repertorio Balanchine. Bella composición coreográfica que reúne 32 bailarines en escena, con un cuerpo de baile integrado por 20 bailarinas y 10 bailarines, y una pareja central.

Natalia Magnicaballi y Michael Cook cubrieron los roles principales y lograron descubrir esas sutilezas que hacen que una pareja se convierta en estelar. Casi etérea, casi terrenal, Magnicaballi, dueña de una técnica pura, delicados brazos y sólidas piernas, marcó un punto de inflexión importante en esta obra. Cook, excelente partenaire y exquisito bailarín, logra ensamblarse magníficamente con Magnicaballi. Ambos se convierten, indiscutiblemente, en el centro absoluto de la pieza.

Y para el final, Farrell reservó “Stars and Stripes”, un ballet en cinco actos con atractivo vestuario de Barbara Karinska, que en el momento de su astreno en 1958, tuvo como protagonistas a Allegra Kent, Robert Barnett, Melissa Hayden, Jacques d’Amboise y Diana Adams. Una obra que exalta el espíritu americano y deja que los bailarines muestren su histrionismo y una atractiva dinámica.

Quizás los vientos cambien para 2017, y Farrell logre encontrar la herramienta justa para sostener esta joya que ha creado con devoción, y con el compromiso de recuperar las obras escondidas del repertorio de Balanchine.

Frederic Franklin y Alexandra Danilova en “Le Beau Danube”, de Leonide Massine con Ballet Russe de Monte Carlo. Foto: Archivo. Gentileza Ballet Russes Film.

Eterno, como esos ojos brillantes llenos de vida, exultantes de entusiasmo. Y esa sonrisa que solo él, Frederic Franklin, logró dibujar en cada momento. Aclamado, venerado, admirado por varias generaciones de espectadores y de bailarines, había nacido en Liverpool, Inglaterra, el 13 de junio de 1914. “Freddie”, tal como lo llamaban en el mundo de la danza, murió el 4 de mayo en Nueva York de una neumonía que le quitó la sonrisa. Tenía 98 años y marcó hitos en la historia de la danza del siglo XX.

Un emblema indiscutible de Ballet Russe de Monte Carlo, comenzó su carrera de bailarín en 1931 en el Casino de París con Josephine Baker. Cofundó el Slavenska-Franklin Ballet, y fue el fundador y director del Ballet Nacional de Washington DC.  Trabajó con el American Ballet Theatre, el Chicago Ballet y el Ballet de Cincinnati donde lo nombraron director emérito.

Junto a Alexandra Danilova creó una de las legendarias e inolvidables parejas de ballet del siglo XX. También bailó con Alicia Markova, Irina Baronova, Moira Shearer, Rosella Hightower, Maria Tallchief, Tamara Toumanova y Alicia Alonso. En 2004, fue nombrado Comendador de la Orden del Imperio Británico. Y hasta hace poco continuaba trabajando con la misma alegría y entusiasmo que en sus comienzos.

“Vi un joven bailarín, Frederic Franklin, y pensé que tenía un gran potencial –dijo el legendario George Zorich en sus memorias–. Y al día siguiente le comenté a los Massines, y así fue como Frederic entró a formar parte de Ballet Russe de Montecarlo”.

Cada año, con el American Ballet Theater, Franklin hacía su aparición como personaje de carácter en la temporada del Metropolitan Opera House. Su versión de “Coppelia”, se repuso en 2011 para celebrar los 20 años con la danza de Paloma Herrera, mientras continuaba trabajando con el Chicago Ballet y el Cincinnati Ballet.

Desde 1938 a 1952, fue primer bailarín de Ballet Russe de Monte Carlo donde bailó más de 45 roles principales, y fue Ballet Master en 1944. Con esta compañía cubrió los roles de Baron en “Gaite Parisienne”,en “La Sonnambula”,y el Champion Roper en “Rodeo”. Con el Slavenska-Franklin Ballet, interpretó el rol de Stanley en “Un tranvía llamado deseo”.
Trabajó con los grandes coreógrafos de la historia: Michel Fokine, Leonide Massine, Bronislava Nijinska, Frederick Ashton, George Balanchine, Agnes de Mille, Ruth Page y Valerie Bettis.

En 2011, fue incluido en el National Museum of Dance’s Mr. & Mrs. Cornelius Vanderbilt Whitney Hall of Fame. Y recibió los premios Capezio, Dance Magazine, y Laurence Olivier. Su “Cascanueces” se presentó en 1973 por segunda vez en el Houston Ballet.

Con su dinámica, son su alegría, el gran “Freddie”, dejó el escenario para convertirse en un ángel que sobrevuela la escena custodiando la danza y su pureza.

María Tallchief murió en Chicago a los 88 años. Foto de archivo en "Swan Lake".

Marcó historia en la danza de los Estados Unidos y también en el mundo. Una de las emblemáticas bailarinas del New York City Ballet (NYCB), Maria Tallchief, murió el jueves 11 de abril en Chicago, a los 88 años. Fue esposa y musa de George Balanchine, y la inspiradora de gran parte de sus obras.

Elizabeth Marie Tall Chief había nacido el 24 de enero de 1925 en Fairfax, Oklahoma. Hija de un indio Osage y de una descendiente de escoceses e irlandeses, creció en medio de dos culturas que empezaban a fusionarse. Junto a su hermana Marjorie fundaron el Chicago City Ballet en 1981.

Su vida, convertida en algo semejante a un cuento de hadas, desplegó el atractivo de los primeros tiempos de la danza en América del Norte, donde compartía protagonismo con grandes estrellas como Margot Fonteyn, Rudolph Nureyev y Erik Bruhm, y compositores de ballet como Igor Stravinsky y Nicolas Nabokov.

A los 12 años tomó clases con Bronislava Nijinska, David Lichine y Pierre Vladimiroff en Los Ángeles. Comenzó profesionalmente a los 17 años en Ballets Russes de Montecarlo en 1942, y se convirtió en una de las principales solistas de la troupe. Allí conoció a Mr. B, quien en poco tiempo le propuso matrimonio. Se casaron en 1946 y se divorciaron en 1950, aunque siguieron trabajando juntos hasta 1962.

Cuando Balanchine le propuso matrimonio le dijo: “Podemos casarnos y trabajar juntos. Y si dura al menos por unos pocos años, está bien. Y si no, está bien igual”, cuenta la bailarina en sus memorias.

Tallchief tuvo su momento de mayor reconocimiento luego del estreno de “El pájaro de fuego” de Stravinsky-Balanchine. El coreógrafo también creó para ella obras clave del repertorio del NYCB como “Lago de los Cisnes”, el hada de azúcar en “El Cascanueces”, y Eurídice en “Orfeo”, entre otras.

Tallchief en "Pajaro de fuego". El vestuario llegó a último momento, cuenta la bailarina en sus memorias. Foto Archivo Danzahoy.

En ella estaba el germen del perfil de la bailarina ideal para Balanchine por sus proporciones, su técnica depurada, su rapidez y brío, y su virtuosismo. En 1952 bailó una versión de “La muerte del cisne”, que inmortalizó Ana Pavolva, para un filme en Hollywood: “The million dollar mermaid”. Uno de sus hits fue el pas de deux “El cisne negro” y entre sus partenaires más famosos tuvo a Eric Bruhn, André Eglevsky y Peter Van Dyk.

A los 18 años, apareció en “Chopin Concerto” de Nijinska y el crítico John Martin escribió en “The New York Times” que “allí estaba seguro el material de una ballerina’”.

En 1947 viajó a Francia con Balanchine para presentarse en la Ópera de París, donde deslumbró con su técnica y su porte. En 1953, el presidente Eisenhower la declaró “Mujer del Año”. Ese mismo año bailó “El lago de los cisnes” en el Teatro alla Scala de Milán y también en el Real Ballet Danés de Copenhague. Regresó a los Ballets Russes de Montecarlo en 1954 y también se presentó con el American Ballet Theratre. En 1965 se retiró oficialmente de la escena en la Ópera de Hamburgo.

En 2005 publicó sus memorias. Hechos cruciales de la historia de la danza en los Estados Unidos aparecen en “Maria Tallchief. America’s Prima Ballerina” como una intensa sucesión de anecdótas que permiten conocer cada espacio y cada emoción de esta talentosa y magnífica bailarina del mundo.