Viengsay Valdés y Marcelo Gomes, en una escena de la reposición de “Carmen”, de Alberto Alonso. Foto: PanchitoGL.

Intensos negros nubarrones no apocaron las voluntades de los organizadores, ni siquiera intensificaron la incertidumbre general de una “quasi” imposible celebración o aplazamiento de la edición 28 del Festival Internacional de Ballet de La Habana Alicia Alonso, como estaba previsto para el 28 de octubre, (coincidente perpetuo con la fecha de fundación del BNC en 1948), que duraría hasta el 10 de noviembre.

Sin embargo, la tenacidad contribuyó a vigorizar los empeños de los ejecutantes de este ambicioso, diverso, inclusivo e inmersivo programa de eventos, que utilizó tres salas teatrales y otras instalaciones de la capital del país, en horarios dobles algunos días. Tampoco opacó la realización de eventos colaterales: conferencias, exposiciones o presentaciones de libros.

Observemos, sin entrar en detalles, las incidencias naturales como antesala al evento anual cultural: dos huracanes azotaron, en breves intervalos, los extremos de la mayor de las Antillas. Primero las provincias orientales y luego las provincias del extremo occidental. El país se recuperaba apenas de las afectaciones sufridas por un fallo crítico en el Sistema Electroenergético Nacional, que dejó a casi toda la isla en un “black out” general durante varios días. Mas la resiliencia acometida por las máximas autoridades, junto con la pasión por la danza demostrada por sus hacedores y los fieles balletómanos superaron los avatares climatológicos. Por tanto, el Festival llegó a buen puerto, con inusitada brillantez y a teatro lleno en la mayoría de las funciones ofrecidas.

Veamos, con ayuda de los datos aportados por la Oficina del Historiador del BNC y el Servicio de prensa, cómo se comportó esta edición en curso. La variada oferta coreográfica incluyó 76 títulos de la mayor diversidad estilística. Entre ellos seis estrenos absolutos y 34 estrenos en Cuba, creados por 61 coreutas provenientes de 15 países. Se ofreció un total de 20 funciones: en el Teatro Nacional de Cuba, nueve en la Sala Avellaneda con capacidad para no menos de tres mil espectadores; cinco en la sala menor Covarrubias con aforo de 800 localidades y en decimonónico coliseo Martí seis, con butacas para poco menos del millar.

Esta vez las compañías visitantes fueron dos latinoamericanas: la Anajun Veatem ensamble de danzas judías mexicanas y el Incolballet de Colombia.

Además, disfrutamos las entregas destacadas de 35 estrellas solistas de prestigiosas compañías -dos vibrantes “Muerte del cisne”, de Fokine; dos duetos de “Espartaco”; varias versiones del conocido pas de deux, adagio del Segundo acto de “Lago de los cisnes”, de “Paquita”, de “Don Quijote”; de ballets de Balanchine; de Grigorovich, entre otros-, aplaudimos tres rusas y tres de Alemania; así como representantes de primer rango de Les Grands Ballets Canadiens; de Francia el Ballet de Bordeaux y la Compañía Angeljn Preljocaj; de Venzuela del Ballet del Teatro Teresa Carreño y el mexicano Ballet de Monterrey; el Joven Ballet de Puerto Rico; también del Birmingham Royal Ballet o del Queensland Ballet de Australia, entre otras.

Por supuesto, se incluyó la participación de los principales grupos cubanos invitados por el BNC como anfitrión: Danza Contemporánea de Cuba, el Ballet de Camaguey, el Conjunto Folklórico Nacional, el Ballet de Laura Alonso, Acosta Danza, Lizt Alfonso Dance Cuba, Ortolado, Malpaso y Micompañía.

La música, en esta ocasión, alcanzó niveles notorios con las ejecuciones de los instrumentistas en escena como soporte medular, con partituras de grandes exigencias técnicas.

Como ejemplos destacados mencionaría el pianismo de excelencia por los maestros Marcos Madrigal y Aldo López Gavilán, el talento evidente de la joven Daniela Rivero y las magistrales interpretaciones de la flautista Niuka González Núñez junto a la bailarina Kaenia Ovsyanick. Y sería imperdonable no destacar las participaciones de Nicolay Schugaev tanto con su vibrante ejecución del cello como en su desempeño en el foso como director de la Orquesta Sinfónica del Gran Teatro Alicia Alonso para acompañar las cinco representaciones por el BNC de su conocida versión Alonso de “Lago de los cisnes”, con una responsabilidad agravada por las alternancias de elencos en cada función. Bravo, Maestro.

Además, considero mención aparte, el mérito de Norge Cedeño al elegir la música del joven Pepe Gavilondo para su “Ritual Garden”. Como dato curioso señalaría el hecho de invitar al venezolano Daniel Gil, otro joven ascendente en la dirección orquestal, para acometer por primera vez la tímbrica partitura de Rodión Schedrin, según Bizet, para la reposición del ya icónico ballet “Carmen” de Alberto Alonso, interpretado en la gala de clausura por Viengsay Valdés y el invitado brasileño Marcelo Gomes en los roles protagonistas junto a solistas y cuerpo de baile del BNC.

Momentos trascendentes

La bailarina mexicana Elisa Carrillo, presentó “Tué”, de Marco Goecke; “Kazimir´s colors”, de Mauro Bigonzetti y “Multiplicidad”, de Nacho Duato. Foto: PanchitoGL.

Con el riesgo de pasar por alto algunas presencias de altos quilates creativos, estéticos y con entregas de notable virtuosismo técnico, tanto en lo académico como en lo contemporáneo, señalaré lo de mayor impacto, a mi sano juicio. Es necesario considerar los desniveles en la maduración de sus estatus de estrellas, tanto los foráneos como los locales, así como aquellos jóvenes bailarines cubanos que desarrollan sus carreras en el exterior y que mostraron su deseo de volver a brindar su arte en los escenarios donde debutaron.

Hemos apreciado, evidentemente, las interpretaciones de los artistas de la danza consagrados por su quehacer riguroso, con una hoja de ruta pletórica de lauros. Las menciones podrían encabezarlas Marcelo Gomes, Joaquín de Luz, Elisa Carrillo, Semyon Chudin, Daniil Simkin, y una constelación de bailarines del archipiélago cubano, tales como la propia Valdés, Dani Hernández, Grettel Morejón, Anette Delgado, Ernesto Díaz, Yankiel Vázquez, y los talentos ascendentes como Anyelo Montero, Gabriela Druyet, Alianed Moreno o Luis Fernández. (Los cinco “Lagos…” bailados y gratificados con aplausos en pie, sirvieron de vitrina para desvelar los talentos formados por la escuela cubana de ballet que han decidido probarse en su país, ante el éxodo de otros egresados). La presencia y entrega del bailarín portugués Antonio Casalinho, laureado en cuanto concurso ha podido participar, mostró que es un fruto de la “escuela cubana de ballet”, egresado de una Academia de su natal Lérida que imparte la metodología del maestro cubano Fernando Alonso. Dos bailarines con firme desarrollo artístico, en los primeros rangos de las agrupaciones foráneas donde fijaron su futuro, fueron Patricio Revé y Esnel Ramos.

Con positiva sorpresa, este observador regular por décadas de las producciones en la isla, ha apreciado la respuesta favorable del público muy aficionado a la danza académica con respecto a las entregas de obras contemporáneas, algunas con discursos provocadores en sus dramaturgias como es el caso de títulos por Susana Pous, Osnel Delgado, Norge Cedeño o los foráneos de Uwe Scholz, Peter Quanz, Juliano Nunes, José Carlos Martínez, Cathy Marston, Elisa Carrillo, Patricia Donn, Kaenia Ovsyanick o el propio de Luz.

Elena Vostrotina y Brandon Lawrence (Ballet de Zúrich) en Festival Internacional de Ballet de La Habana 2024. Foto: PanchitoGL.

Estrenos y Reposiciones

Como momentos cimeros entre las obras clasificadas como estrenos se me ocurre situar la pieza “Faun(E)” del inglés David Dawson, “Mondo” de Susana Pous de origen española; “Multiplicidad” del ibérico Nacho Duato; “Ara” de Osnel Delgado; “Ritual Garden” del tándem Norge Cedeño-Gavilondo. Memorable resultó el homenaje al gran bailarín argentino Julio Bocca como preámbulo a la serie de “Lagos…” y la reposición del balle “Carmen” de Alberto Alonso, con Viengsay Valdés y Marcelo Gomes. A su vez, el estreno de “Gitanerías”, para la gala de clausura, con su coreógrafo e intérprete Joaquín de Luz y Valdés, sobre música cubana ejecutada en vivo por dos pianistas notables: Marcos Madrigal y Aldo López Gavilán.

La ejecutoría, en la realización de esta edición 28 del FIBH AA, de la bailarina y directora general del BNC, Viengsay Valdés, puede ser calificada de titánica -difícil llegar a la plenitud con las condiciones actuales difíciles del país-, y con un equipo de colaboradores dirigido por Heriberto Cabezas, veterano en estas lides. Y no olvido las participaciones -con notables prestaciones-, de Valdés, en cuatro títulos exigentes, con diversos estilos y temáticas. No por dejar los agradecimientos al final, menos merecidos al trabajo ingente y concienzudo de los maestros de danza y profesores, y los “coaches”, bajo la coordinación de la maestra Svetlana Ballester, y los valiosos aportes artísticos por parte de afamadas personalidades tales como Maina Gielgud, Azari Plisétski, José Manuel Careño, Johan Kobborg o Victor Gilí.

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The Washington Ballet subió al escenario del Sidney Harman Hall “The Outset”, con coreografía de Marcelo Gomes. Foto: Theo Kossenas, Media4artists. Gentileza TWB.

Una apuesta que valió la pena, que abrió un horizonte diferente y atractivo y permitió seguir descubriendo el lenguaje de las nuevas generaciones de coreógrafos. Los que empiezan a ocupar un lugar en este primer cuarto de siglo. The Washington Ballet (TWB) presentó en el Sidney Harman Hall desde el 14 al 18 de marzo, su penúltimo programa de la temporada, “Three World Premieres”. Su directora, Julie Kent, tuvo el acierto y la sensibilidad para reunir trabajos de Gemma Bond, Marcelo Gomes y Clifton Brown, nuevos coreógrafos que mostraron largamente su talento como bailarines de primer nivel en reconocidas compañías.

Tres estrenos mundiales, y realizaciones interesantes, bellas, dinámicas y diferentes unas de otras, que refuerzan el lucimiento de los bailarines, aún en las secuencias de conjunto. Si hay algo que tienen en común estas obras es que parecen piezas para un concierto de cámara: íntimas, brillantes, reflexivas.

Brown en “Menagerie” y Gomes en “The Outset”, optaron por incorporar música en vivo. La primera tuvo como intérpretes a Suzanne Orban en violonchelo, y a Marta Bradley en contrabajo, en “Dúo para contrabajo y cello” de Gioachino Rossini. La segunda, reunió a Sally McLain y a Mayumi Pawel en violines, a Jennifer Ries en viola y a Orban en violonchelo, para interpretar magníficamente el “Cuarteto para cuerdas No. 12 en Fa Mayor, Op. 90 ‘American’”, de Anonin Dvorak.

Clifton Brown realizó para The Washington Ballet “Menagerie”, obra que explora las conductas y las relaciones humanas. Foto: Theo Kossenas, Media4artists. Gentileza TWB.

En “Menagerie”, el ex bailarín de Alvin Ailey American Dance Theatre intenta hacer una exploración sobre las conductas y las relaciones humanas, con guiños de humor, movimientos poco convencionales, y una sutil y delicada interacción con el público y entre los mismos bailarines. Más allá de cierta vaguedad en la estructura coreográfica, Brown compone una pieza en la que los gestos y la danza se van entrelazando armoniosamente y de manera atractiva.

“Myriad”, la segunda obra de este programa, pone su foco en lo femenino. Seis mujeres y un bailarín, Brooklyn Mack, se “deslizan” por sonatas y canciones de Henry Purcell. Por momentos, surge la pregunta sobre el rol de ese bailarín entre tantas bailarinas, su interrelación con ellas y sus vínculos. Bond realza a sus bailarinas con solos en los que cada una de ellas mezcla, con sutileza, la fuerza de la interpretación y el nivel técnico. Sarah Steele, Kateryna Derechyna, Francesca Dugarte -expresiva e intensa-, Stephanie Sorota, Venus Villa -fresca y delicada-, y Brittany Stone -ligera y sutil-, componen cuadros interesantes, si bien la estructura de cada uno de ellos se debilita por momentos. Pero el resultado, es una obra bella, diáfana y translúcida.

Brooklyn Mack y Maki Onuki, en “Myriad”, de Gemma Bond con música de Henry Purcell. Foto: Theo Kossenas, Media4artists. Gentileza TWB.

Marcelo Gomes, que hace menos de un año dejó su lugar de primer bailarín en el American Ballet Theatre, se internó en la complejidad de una pieza narrativa. Los personajes de “The Outset” traen, antojadizamente, reminiscencias de Antony Tudor y su exploración psicológica de los personajes. Aquí, el protagonista se debate entre una vida cerrada y convencional y su propia libertad de crecer y explorar el mundo. Desde lo abstracto, Gomes logra describir con claridad la vida provinciana y sus conflictos, crea una trama sencilla, estructurada, y al mismo tiempo dibuja estereotipos con un gran refinamiento. Bellos dúos, con un sólido trabajo en los pas de deux, y acertados despliegues grupales.

“The Outset”, tuvo como protagonista a Brittany Stone (Penny), una bailarina delicada, con bellos brazos, etérea, que interpreta magníficamente a la muchacha del pueblo que no se anima a romper las convenciones. Como contraparte, Gian Carlo Perez, se debate entre el amor por Penny y el desafío de dejar todo a cambio de un futuro diferente. Perez, es un bailarín sólido, intenso, con una fuerte impronta teatral, que logra componer personajes creíbles y conmovedores, tan conmovedores como esta obra que apunta al corazón e induce a la introspección.

Marcelo Gomes y Ashley Shaw, en “The Red Shoes”, de Matthew Bourne, estreno en DC por la compañía New Adventures. Foto: Lawrence Ho. Gentileza JFKC.

Un mundo en el que la pasión y la obsesión se dan la mano. Un mundo en el que las decisiones marcan el destino. Un mundo donde la bajeza y la grandeza de la condición humana están a flor de piel. Matthew Bourne, uno de los coreógrafos y directores más reconocidos en las últimas décadas, llegó al Opera House del Kennedy Center –desde el 10 al 15 de octubre– con una pieza que tuvo su estreno mundial en diciembre de 2016, “The Red Shoes” (Las zapatillas rojas), y que se convierte en un claro caleidoscopio de la vida y sus contradicciones.

La obra, inspirada en la película británica de 1948, realizada por el equipo formado por Michael Powell y Emeric Pressburger, cuyas raíces se remontan al cuento del mismo nombre de Hans Christian Andersen, adquiere perfiles propios y un estilo narrativo diferente. Tal como lo hace habitualmente, Bourne cuenta su propia versión de la historia. A su manera, y sus códigos particulares. “The Red Shoes” no es una réplica del legendario film, tampoco lo es del cuento de Andersen. Es, simplemente, una nueva obra. No obstante, Bourne deja aparecer elementos insustituibles de la trama, los cuales marcan el perfil de un personaje atormentado que no logra resolver sus conflictos internos entre el amor, el arte, la tentación, la vanidad.

Ashley Shaw, en el rol de Victoria Page, la protagonista de “The Red Shoes”. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

En la noche de apertura, una de las principales figuras del mundo de la danza actual, primer bailarín del American Ballet Theatre (ABT), Marcelo Gomes, asumió uno de los protagónicos masculinos. Esta vez, se convirtió en el joven compositor Julian Craster. El bailarín, se unió en esta gira a New Adventures, la compañía de Bourne, y como siempre, puso su toque particular y único. Gomes es uno de esos bailarines excepcionales que todo lo que baila lo convierte en magia. Y esta vez, volvió a cumplirse el conjuro.

Sus pas de deux -bellos e intensos desde el punto de vista coreográfico- junto a Ashley Shaw, en el rol de Victoria Page, son absolutamente sublimes. Quizás, lo más logrado de esta puesta magnificente, con un gran despliegue escenográfico creado por Lez Brotherston, trucos lumínicos interesantes de Paule Constable, y planos y contra-planos que marcan la realidad y la ficción como una sucesión de imágenes oníricas.

El coreógrafo británico hace que sus bailarines se conviertan en verdaderos actores de la trama, y de esta forma, combinan una excelente técnica, tanto clásica como contemporánea, y un trabajo de interpretación sólido, consistente, para el que no necesitan las palabras. De esta forma, la puesta se convierte en algo vivo, mágico y cautivante, mientras se escapan guiños de humor e ironía.

Victoria Page, la protagonista, se debate entre la danza y su amor por el músico Julian Craster (Gomes). Forzada a esta disyuntiva por el obsesivo coreógrafo Boris Lermontov (interesante trabajo de San Archer), enamorado de la bailarina que él mismo convirtió en estrella de su compañía. Alrededor de este trío gira la narrativa de este “cuento de hadas” contemporáneo, que apunta a una especulación más psicológica que naif.

Las escenas de conjunto, arrolladoras e intensas, también forman parte de ese lenguaje particular de Bourne, en el que la coreografía desafía a los bailarines, con una diversidad de movimientos simultáneos y paralelos, en los que cada uno cumple un rol diferente. El vestuario, también de Brotherston, es llamativo y audaz.

En esta puesta Bourne no solo muestra los costados oscuros del mundo del ballet como una metáfora de la vida, sino que propone una reflexión sobre el arte y el compromiso del artista. Quizás, su propio compromiso y el de sus bailarines. Quizás el de Victoria Page, que en su escena final prefiere la muerte a la claudicación.

El coreógrafo Boris Lermontov (San Archer) en un pas de deux con Victoria Page (Ashley Shaw), en “The Red Shoes”, en el Kennedy Center de DC. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Marcelo Gomes interpretará a Julian Craster en la producción de “The Red Shoes” de Matthew Bourne en el Kennedy Center. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Un conde, un príncipe, un villano, un hechicero, un joven enamorado capaz de morir de amor y por amor… Marcelo Gomes hace historia en el mundo del ballet. El bailarín que formó parte de la transición entre dos siglos en los que la danza fue cambiando sus perfiles. Aún siendo un niño, allá en Manaos, la capital del estado de Amazonas, en el Norte de Brasil, donde nació, la danza comenzó a formar parte de su vida. Su destino: Río de Janeiro. Luego, el mundo. A los 18 años, en 1997, después de ganar el Prix de Lausanne, ingresó al American Ballet Theatre (ABT) como miembro del cuerpo de baile, y en cinco años pasó de solista a principal. En la compañía, fue uno de los grandes partenaires de Paloma Herrera y de Julie Kent. Se llevó el Benois de la Danse en 2008, y desde hace un par de años se lanzó al desafío de ser coreógrafo.

Actor indiscutible, Gomes llega a DC, esta vez, con New Adventures para protagonizar “The Red Shoes” en el Opera House del Kennedy Center de DC desde el 10 al 15 de octubre. Esta producción del británico Matthew Bourne fue estrenada en 2016, y se basa en el célebre film del mismo nombre creado por Michael Powell y Emeric Pressburger de 1948, sobre el cuento de Hans Christian Andersen. Los protagonistas de aquella película memorable fueron Moira Shearer, Anton Walbrook, Marius Gorin, Robert Helpman, Leónide Massine y Lurdmila Tchérina, entre otros.
Sin embargo, esta no es la primera vez que Gomes es bailarín invitado de la compañía dirigida y fundada por Bourne. Antes, pasó por “Carmen” y “Lago de los cisnes”. Ahora, luego de cinco shows con “The Red Shoes” en Los Ángeles, se prepara para una larga gira con esta obra.

Marcelo Gomes y Julie Kent en “Manon”, producción del ABT. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT. Archivo Danzahoy.

Danzahoy: ¿Cómo surgió esta posibilidad de trabajar con Bourne en este ballet?
Marcelo Gomes: Trabajé con Matthew (Bourne) en dos producciones anteriores, y esta vez me llamó para hacer “The Red Shoes”. Es un maravilloso director y un coreógrafo talentoso. Me siento feliz de formar parte de esta obra y de cubrir un rol que es diferente a los que hago habitualmente. Trabajar con él me permite explorar aun más en mi trabajo de actuación, y eso es un desafío importante porque lo que él pide de los artistas es contar una historia, no hacer piruetas. Aquí hago cosas que nunca hice antes, como por ejemplo, tocar el piano.

D: ¿Cuáles son los puntos de esta historia que le llaman más la atención?
MG: Es una pieza intrigante que habla sobre la historia de una bailarina que trata de encontrar un camino para su vida, que intenta descubrir hacia dónde va su carrera. Y es necesario que uno se haga esa pregunta porque ese dilema constante forma parte de la vida de un artista. Todos nos cuestionamos y nos planteamos lo mismo en todo momento de nuestra carrera.

D: ¿Dónde se establecen las diferencias entre el film protagonizado por Moira Shearer y esta creación de Bourne de 2016?
MG: Matthew es increíble, su imaginación y su creatividad hacen que sea un “master” del teatro. Esta producción se parece bastante al film, con algunos cambios y otra perspectiva. No solo es hermosa sino que es muy desafiante tanto para el artista como para la audiencia porque hace un juego de ida y vuelta entre la realidad y la ficción. Al espectador le permite pensar y comparar entre el mundo real y lo que cada uno haría en circunstancias similares. Y de alguna manera, esta producción deja a cada uno con interrogantes por resolver.

D: Como artista y como persona, ¿qué es lo que más rescata de ambas producciones?
MG: Prefiero verla en vivo. Vi el video, pero no pude percibir las emociones. En la producción de Matthew se hace mucho énfasis en la actuación. Cuando vi la obra por primera vez me movilizó mucho. Es trágica, y la protagonista no puede resolver su conflicto. Está inspirada en la película, pero Matthew hizo mucha investigación sobre el ballet y la creación de un ballet, y explora mucho sobre ese tema. Si bien se asemeja bastante a la línea argumental de la película, hay algunas diferencias. Por ejemplo, el ballet master es casi un gigoló.

D: ¿Cómo compatibiliza entre el ABT y esta gira con New Adventures?
MG: Después de estar 20 años con ABT y de trabajar con distintos coreógrafos, esta oportunidad es una bendición para mí. Esta será la primera temporada de otoño en la que no bailaré con la compañía porque estaré en tour con New Adventures. Esta experiencia, sin duda, me hace mirar mis roles tradicionales de otra forma, desde otra perspectiva, y me permite crecer como artista. Kevin McKenzie, el director del ABT, me da permiso para hacer esto porque forma parte de la formación del bailarín.

D: ¿Y cuáles son sus perspectivas como coreógrafo?
MG: Estoy haciendo un nuevo ballet para el Sarazotta Ballet y para el próximo año, estrenaré con el Washington Ballet. Desde luego, crear nuevas coreografías me entusiasma. Me gusta estar del otro lado y ser quien inspira a otros bailarines.

El Nashville Ballet llevó al Kennedy Center “Concerto”, de Paul Vasterling, estrenada en 2014, en Nashville. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

Después de cuatro años de ausencia, Ballet Across America volvió al Opera House del Kennedy Center, esta vez, con una propuesta que apuesta a la diversidad de géneros y contenidos. La curaduría de este proyecto estuvo a cargo de Justin Peck, coreógrafo y bailarín del New York City Ballet (NYCB), y de Misty Copeland, principal del American Ballet Theatre (ABT). Ambos optaron por una selección ecléctica en la que se funde lo clásico y lo contemporáneo.

Y tal como ocurrió en ediciones anteriores esta muestra, que reúne compañías de distintas partes del país, duró una semana, desde el 17 al 23 de abril. El programa formó parte de “A Centennial Celebration of John F. Kennedy”, que realiza el Kennedy Center durante 2017 como homenaje a los cien años del nacimiento del ex Presidente de los Estados Unidos. La propuesta estética Ballet Across America permite advertir la diversidad de caminos que conducen a los bailarines a expresar su propia libertad creativa.

Después de una noche de apertura en la que participaron invitados especiales y hubo dos estrenos mundiales: uno de ellos un cortometraje de Ezra Hurwitz y un nuevo ballet, “Garden of Dreams”, de Jeremy McQueen.

“Madiba”, de Jeremy McQueen, por The Black Iris Project, es un homenaje a Nelson Mandela. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

En la función del 19 de abril, curada por Copeland, subieron a escena tres compañías que hicieron su debut en el Kennedy Center, el Nashville Ballet, dirigido por Paul Vasterling; Complexions Contemporary Ballet, con dirección de Dwight Rhoden y Desmond Richarson, y The Black Iris Project, conducido por Jeremy McQueen.

“Now More Than Ever”, el corto dirigido por Ezra Hurwitz, protagonizado por Stella Abrera, Isabella Boylston, Marcelo Gomes, Calvin Royal III y James Whiteside abrió el programa. Realización bella y poética filmada en diferentes lugares del Kennedy Center, con música de Aaron Roche. Una exploración del movimiento a través de distintos espacios no convencionales donde los bailarines van explorando posibilidades y dinámicas.

El  Nashville Ballet, trajo una obra de su director, estrenada en 2014, en Nashville, sobre el “Concierto para piano y orquesta” de Ben Folds, interpretada por el pianista Joel Ayau y la Kennedy Center Opera House Orchestra, bajo la batuta de Nathan Fifield. La partitura, comisionada por el Nashville Ballet, la Nashville Symphony y la Minnesota Orchestra, lleva el sello indiscutible de Vasterling. Líneas de extrema perfección permiten descubrir una troupe de excelentes bailarines, de sólida y refinada técnica.

“Star Dust”, una coreografía de Dwight Rhoden sobre canciones de David Bowie, interpretada por Complexions Contemporary Ballet. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

Esta obra, en la que los bailarines se comportan como instrumentos de una orquesta, capaces de jugar entre la solemnidad y la frescura, apunta a un concepto minimalista, donde los intérpretes, despojados, se sumergen en la belleza de la danza pura. Con estructuras claras, concisas, y dinámicas diferentes, Vasterling despliega las notas de este “Concerto” con delicadeza y especial sentido estético. Atractivo y simple, el vestuario, también de Vasterling, se funde con la iluminación de Scott Leather, que va marcando cada uno de los tres movimientos de esta obra en la que los solos y los dúos se entrelazan con impactantes escenas de conjunto.

The Black Iris Project, llegó con “Madiba”, de McQueen, un ballet de acción que narra de manera sintética y concisa la vida del líder sudafricano Nelson Mandela, con partitura de Carman Moore. Protagonizado Andile Ndlovu como Mandela, Daphne M. Lee en el rol de Winnie Mandela, y Alex Aquilino como el carcelero, la obra apela a ciertos cliché narrativos para contar la historia desde un punto de vista coreográfico quizás, demasiado antiguo. Excelentes bailarines, de mucha fuerza expresiva, colaboran a enaltecer la obra.

Para el cierre del primer programa Complexions Contemporary Ballet, subió a escena “Star Dust”, una coreografía de Dwight Rhoden sobre canciones de David Bowie. La producción, con una estética casi punk se convierte en una suerte de desfile de bailarines diversos, bien entrenados, que se sumergen en una sucesión de movimientos, escenas y secuencias semejantes a las de un cabaret contemporáneo, pero no pasa de la estética. No obstante, sirvió para un final explosivo.

Ver segundo programa con curado por Justin Peck. Hacer clic aquí.

El ABT abre el ciclo de primavera en el Metropolitan Opera House de Nueva York hasta el 2 de julio. Foto: Gene Schiavone. (Misty Copeland en “Pájaro de fuego”. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

La nueva temporada del American Ballet Theatre (ABT), dirigido por Kevin McKenzie comienza oficialmente el lunes 16 con la gala de apertura en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Si bien las funciones comenzaron el lunes 9 de mayo con “Silvia”, de Frederick Ashton. Las funciones se extenderán hasta el 2 de julio, y se anticipa el estreno mundial de una nueva obra de Alexei Ratmansky, coreógrafo en residencia del ABT.

A las 6:30 pm está previsto el comienzo de esta función extraordinaria de este ciclo número 76 del ensamble fundado por la legendaria Lucia Chase. La gala presentará fragmentos de las obras que se verán a lo largo de las ocho semanas previstas para esta primavera. Luego se realizará la tradicional cena-baile a la que asistirán benefactores, bailarines y figuras reconocidas del medio en el Promenade del David H. Koch Theater, Lincoln Center.

La primera dama Michelle Obama será presidenta honoraria, distinción que compartirá con Pamela Ford, Mary Elizabeth Snow, Sutton Stracke y Caryn Zucker. También asistirán los primeros bailarines Herman Cornejo, Marcelo Gomes, Gillian Murphy, Veronika Part, Hee Seo, Daniil Simkin, Cory Stearns y James Whiteside, y las bailarinas principales recién ascendidas, Stella Abrera, Isabella Boylston y Misty Copeland.

El programa de la función está integrado por fragmentos del Acto II de “La bella durmiente”, y de la nueva obra de Ratmansky, ” Serenade after Plato’s Symposium”; escenas de obras de Frederick Ashton, “Sylvia” y “La Fille mal gardée”. A las que se suma la versión completa de “Pájaro de fuego”, que estará a cargo de Misty Coopelan, obra con la que la bailarina, por su interpretación, captó la atención de la prensa especializada y del público.

Alessandra Ferri, que regresa como invitada al ABT, luego de su retiro hace casi 10 años, interpretará el solo “Pie Jesu”, del “Requiem”, de Kenneth MacMillan con música de Gabriel Fauré, cantada por la soprano Ying Fang.

El resto de la semana continúa con dos programas exclusivos de Ratmansky: Shostakovich Triloy, integrado por “Symphony #9″, “Chamber Symphony” y “Piano Concerto #1″, y Ratmansky Tripple Bill, en el que se verá el estreno mundial de “Serenade after Plato’s Symposium”, “Seven Sonatas” y “Firebird” (Pájaro de fuego). Y en la última semana de mayo, “La Fille…” será protagonista.

Información sobre la temporada:

www.abt.org.
http://twitter.com/ABTBallet
http://facebook.com/AmericanBalletTheatre

En la noche de la premiere, el 27 de enero, Isabella Boylston y Joseph Gorak fueron los protagonistas de “La bella durmiente” de Alexei Ratmansky en el Kennedy Center de DC. Foto: MIRA. Gentileza JFKC

El miércoles 27 Washington fue un caos después de la tormenta de nieve que azotó la ciudad un par de días atrás, y paralizó actividades y tránsito. Y en medio de ese pandemónium: el estreno de “La bella durmiente” de Alexei Ratmansky en el Opera House del Kennedy Center. Muchos, llegaron después del primer intervalo para formar parte de esta nueva producción del American Ballet Theatre, dirigido por Kevin McKenzie.

Una puesta espectacular, magnificente, con un despliegue exuberante de lujo y oropeles que sitúa la pieza en el siglo XIV. La opulencia de la escenografía y del vestuario se traduce en pesados decorados, sedas, brocados, lamé, plumas, inmensos e incómodos sombreros y pelucas estilo Luis XV, producto de la realización de Richard Hudson, ganador de un premio Tony por la escenografía y vestuario en “The Lion King”. Basada en los decorados creados para la puesta de 1921 de Leon Bakst para Ballets Russes, la producción está despojada del clásico tutú, que cambió su aspecto en una suerte de falda tipo campana armada por varias capas de tela, pesada, pero bonita. El cuerpo de baile, ataviado con zapatos de tacón y colorido vestuario, en algunas secuencias.

La brillante iluminación de James F. Ingalls colabora en esta puesta pomposa en la que la gestualidad cumple un rol importante en la narración de la historia. Ratmansky se apoyó en las notaciones posteriores al estreno de 1890 en San Petersburgo, con música de Piotr I. Tchaikovsky, y recuperó esos elementos originales de la danza y la puesta. Muy pocas puntas, excepto en las variaciones de las hadas, las de las piedras preciosas y en las danzas de los protagonistas.

El príncipe Désiré, en el segundo acto, sólo se limita a hacer gestos y a servir de partenaire de Aurora en la escena de la aparición, y en el tercero, despliega una gran batería de complejos saltos. En ningún momento, durante el segundo acto, el rol masculino tiene alguna secuencia en la que el bailarín pueda lucirse en destreza y calidad.

La maléfica Carabosse cobra protagonismo especial en el primer acto de “La bella durmiente” en la producción del ABT: Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

En la noche del estreno, Isabella Boylston y Joseph Gorak fueron los protagonistas, mientras Marcelo Gomes, la malvada Carabosse. Quizás, una elección desafortunada para una noche de estreno, ya que quizás hubieran hecho falta bailarines con mayor presencia escénica para los roles principales. Gorak, fue un desangelado príncipe Desiré, y a Boylston, aún le falta un largo camino para hacer sentir su presencia en un rol principal y mostrar fluidez en su danza.

Durante la función del sábado 30 por la noche, Sarah Lane y Herman Cornejo se convirtieron en Aurora y Desiré, mientras que Nancy Raffa fue Carabosse, y Devon Teuscher, el Hada de las Lilas. Lane, si bien tiene cierto encanto y frescura, y es sólida como bailarina, aún le quedan por trabajar sus equilibrios (algo notorio en el famoso Adagio de la Rosa del primer acto), y ciertos aspectos actorales. Por fortuna estaba Cornejo como partenaire, un bailarín extraordinario que, aún en un costado del escenario y sin bailar, hace notar su presencia escénica. Brillante y perfecto en la variación del tercer acto, en la Boda. Con su magnífico estilo, sus saltos precisos y silenciosos como un terciopelo, Cornejo, al igual que Gomes, son casi una “especie” de bailarines que están en extinción. Ellos tienen esa conjunción que permite ver a un verdadero artista en el escenario, con una perfección que también ha caído en desuso.

De las bailarinas solistas que interpretaron a las hadas que llegan con sus regalos al bautismo de la recién nacida Aurora, Luciana Paris (el hada de la flor de trigo, o de la prosperidad), mostró esa refinada calidad como bailarina, y al mismo tiempo su maravilloso encanto y su intensidad en la interpretación. Para esta bailarina no hay papeles chicos o grandes. Tal como ocurrió en las funciones del 27 y 30 de enero, donde también se convirtió en una Condesa extremadamente comprometida con su personaje a la hora de intentar seducir al príncipe Desiré en el Acto II.

En la función del penúltimo día del mes, Stella Abrera y James Whiteside, estuvieron espléndidos en las variaciones de Pájaro Azul. Y Elina Miettinen hizo una encantadora y seductora gata blanca. El cuerpo de baile, aunque desparejo en algunas líneas, hizo un excelente trabajo. Y la puesta en sí, no dejó de deslumbrar. Pero habría que preguntarse hasta qué punto, logró conmover.

El ABT anunció cambios y ascensos en sus filas, y promociones de Solistas y Principales. Foto: Rosalie O’Connor. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Al finalizar la temporada primavera-verano de 2015, Kevin McKenzie, director artístico del American Ballet Theater (ABT) anunció varias promociones que sucederán a partir de septiembre de este mismo año.

Después de 25 años con el ABT, Julie Kent se despidió de la compañía el 20 de junio en el Met. Foto: Marty Sohl. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Dos privilegiadas subieron un escalón para convertirse en Principales, e igualmente, hubo varios nuevos Solistas. Las Principales son Stella Abrera, y Misty Copeland. Otros dos nombres se incorporan a la compañía como principales, Maria Kochetkova, que acaba de dejar el San Francisco Ballet, y Alban Lendorf, hasta ahora, Principal del Royal Danish Ballet.

Y entre los Solistas,  además de Skylar Brandt, Thomas Forster, Arron Scott y Cassandra Trenary, el nombre de Luciana Paris brilla por lo que siempre muestra en el escenario, que la hace  merecedora de la promoción, y que a esta altura de su carrera, ya deberían haberla ascendido a principal hace varios años. No por antigüedad sino por méritos propios y por tesón de trabajo.

Luciana Paris, ascendida a Solista del ABT, brilla por lo que siempre muestra en el escenario. Foto: Lucas Chilczuk. Gentileza Luciana Paris.

Copeland ha sabido aprovechar muy bien su futuro estrellato apareciendo constantemente en la televisión, en medios gráficos y en la radio. Una campaña publicitaria que comenzó el año pasado, casi al final de la temporada del ABT en el Metropolitan Opera House, con el lanzamiento de su autobiografía, “Life in Motion” (Ver Danzahoy ) y su aparición en varios medios de prensa. Momento que sirvió también para que Copeland reciba varios premios y distinciones por su trayectoria y su esfuerzo por vencer la adversidad de una vida azarosa.

Se ve muy bien que tiene una-un agente que sabe qué puerta tocar, pues no solamente estuvo en  las  noticias de última hora anunciando su ascenso, sino también en programas como “The View” dirigido por Whoopie Goldberg. Allí le echó mano a la muy usada y peligrosa carta racial, que no necesita comentario ni entra en discusión.

A los 36 años, Misty Copeland, asumirá roles de Principal en el ABT a partir de la temporada 2015-2016. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Copeland ha llegado a la categoría de Principal a los 36 años, una edad en la que ya muchas bailarinas empiezan a pensar en el retiro. Y poco es el tiempo que le queda para ser considerada “estrella”. Algo diferente a lo que ella ha conseguido.

Por lo contrario, Abrera no ha buscado publicidad sino que parece se ha quedado tranquila,  esperando poder gozar de su nueva posición cuando comience la corta temporada del próximo otoño. Si bien es cierto que hace largo tiempo que la bailarina viene esperando este ascenso.

Por ese tema viene a la mente una bailarina Rusa, Veronica Part, de alta estatura y bastante peso que sorprendió a todos los que les interesa el ballet cuando la hicieron Principal. Muy pocos bailarines del elenco podían cargarla, pero hay que recordar un dicho que explica lo siguiente: “Suerte te de  Dios porque  el saber nada te vale”. Part tuvo un magnífico padrino en Sergei Ratmansky, coreógrafo y artista en residencia del ABT, y ruso como ella.

Las que se fueron

Este final de temporada marcó también el retiro de tres bailarinas Principales que hicieron época en la compañía y colaboraron para darle el brillo y el prestigio internacional que hasta hoy tiene. Dos de ellas fueron “casi” obligadas a colgar las zapatillas: la cubana Xiomara Reyes y Julie Kent. Paloma Herrera ya había anunciado su retiro al cumplir sus 20 años con el ABT. Y si bien no le dejaron escoger la obra para su despedida, la bailarina optó por una función de “Giselle”, en la matiné.

Paloma Herrera anunció su retiro en 2014 y se despidió del Met y del ABT el 27 de mayo de 2015. Foto: Gene Schiavonne. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

“Yo no soy un ballet, yo no soy una función. Yo soy toda una carrera -manifestó en una entrevista-. Por eso dije: ¿no hay otra opción? Pues tengo que cerrar con ‘Giselle’”. Es una ética, es una forma de vida”. Y también remarcó durante varias entrevistas: “Si yo no doy el ejemplo, ¿quién lo va a dar? Uno hace una carrera así por lo verdadero que uno quiere, no por el glamur, por la fiesta, por estar en los medios o por querer ser famoso. Yo amo lo que hago y es lo único que me importó siempre. Así me voy a ir”.

La bailarina argentina fue la primera latina en llegar a ser principal a los 19 años. Y en aquel momento, no hubo un campaña publicitaria, ni agente de prensa que la llevara a todos los canales de televisión, ya que por entonces los latinos eran minoría y también tenían un espacio relegado.

Herrera formó parte de la generación de José Manuel Carreño y Ángel Corella, a los que se sumaron luego Xiomara Reyes, Marcelo Gomes, Herman Cornejo, Carmen Corella, Erica Cornejo, la uruguaya María Riccetto y Luciana Paris. Todos ellos compartieron escena con otros grandes como Ethan Stiefel, Vladimir Malahkov, Nina Ananiashvili, Alessandra Ferri. Y el ABT era “la Meca” de muchos bailarines del mundo.

Una de las favoritas del público, Xiomara Reyes, dejó el ABT, el 27 de mayo. Junto a Herman Cornejo en “Don Quijote”. Foto: MIRA. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

El mismo día de la despedida de Herrera, y con el mismo ballet, “Giselle”, Reyes dejó el ABT por la noche. Con dolor y resignación.

Una mano muy fuerte dio el empujón final también a Kent, que aunque tenía la edad como para retirarse, y ya estaba pensando en cuándo sería el momento, aun lo que bailaba lo hacía con extrema gracia y seguridad. Respecto a Reyes, aun le faltaban unos años para decir adiós a un público que la adoraba.

Pero citando otro dicho: “así son las cosas y basta”. Ya el tiempo lo dirá qué pasará con este barco al que la directora ejecutiva, y capitana, Rachel Moore, acaba de abandonar para convertirse en la CEO del The Music Center de Los Ángeles, California. Un cambio que podría resultar oportuno para ella, y de dudoso beneficio para el ABT que ahora tendrá que navegar con menos tripulantes y muy pocos avezados.

El último saludo de Julie Kent en el Met, el sábado 20 de junio durante su despedida del ABT. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

Julie Kent, una de las tres heroínas de las últimas dos décadas del American Ballet Theatre (ABT), el sábado 20 de junio dijo “adiós” a la compañía con la que bailó durante 29 años. Y también, al escenario del Metropolitan Opera House de Nueva York, sede de la temporada de primavera del ensamble dirigido por Kevin McKenzie.

Para su despedida Kent escogió una de las obras clave de su repertorio, “Romeo y Julieta”, de Kenneth MacMillan, estrenada por el Royal Ballet of London en 1965 y por el ABT en 1985. La bailarina, que fue la primera estadounidense en recibir el Benois de la Dance, eligió al italiano Roberto Bolle como su Romeo.

Semanas atrás, Bolle fue también partenaire de Paloma Herrera, otra de las grandes heroínas que se despidió este año del ABT, y de Aurelie Dupont, cuando se retiró del Ballet de la Opera de París. Un bailarín excepcional que logra combinar una técnica impecable con una asombrosa, contagiosa y conmovedora intensidad actoral, y cualidades superlativas como partenaire.

A teatro lleno, se alcanzaba a escuchar en la platea: “mi Julie”, “mi pequeña Julie”, “ella es maravillosa”, “la vamos a extrañar”… Y una emoción incontenible explotó en el primer acto -en su primera aparición en escena-, con un aplauso prolongado que no dejaba escuchar la música, y al final, durante más de 20 minutos.

Kent comenzó su preparación con Hortensia Fonseca en la Academy of the Maryland Youth Ballet. Asistió a la segunda temporada de verano del ABT y a la School of American Ballet antes de unirse al ABT como aprendiz en 1985. En 1987, estelarizó la película “Dancers” con Mikhail Baryshnikov. En 1990 fue promovida al rango de solista de la compañía y a principal en 1993. Toda una vida con el ABT.

Kent y Bolle supieron narrar esta maravillosa historia de amor y odio, pintada con la maestría de Shakespeare, y por la increíble sensibilidad de MacMillan. Encarnar a estos personajes simbólicos que han quedado en la memoria colectiva como ideales del amor es un reto permanente para cualquier bailarín, dado que implica un desafío técnico y al mismo tiempo, interpretativo.

MacMillan hace transitar al cuerpo de baile con elocuencia y propone escenas intensas marcadas por la melodía incomparable de Sergei Prokofiev. Pero es en los bellos los pas de deux donde los bailarines principales juegan entre la danza y el dilema de esos dos jóvenes, víctimas del odio y el resentimiento de las familias. Kent y Bolle, se internaron en estos entrañables y trágicos personajes con absoluta y delicada sutileza e intensidad.

El primer acto, en la plaza de Verona: el enfrentamiento de Montescos y Capuletos. Un conflicto que se plantea a través de las figuras de Romeo, Mercutio (un magnífico Herman Cornejo), Benvolio (Blaine Hoven) y Tibaldo (Patrick Ogle), sobrino de los Capuletos.

Mientras que Julieta -en la segunda escena del primer acto-, con la Nodriza (Susan Jones), muestra a Kent encantadora y fresca. La adolescente juega con una muñeca semejante a la que, al final de la función, llegó de manos de un espectador y la bailarina se la entregó a su pequeña hija Josephine.

El Romeo de Bolle, cuyos saltos y giros precisos y seguros muestran su solidez como bailarín, adquiere un especial magnetismo y compone un personaje del que cualquier Julieta se enamoraría.

Pero más allá del trabajo de la pareja principal, en esta despedida de Kent, el Mercutio de Cornejo adquirió un protagonismo especial que despertó ovaciones en cada una de sus variaciones. Sus impecables saltos, su musicalidad, su técnica y su interpretación se convirtieron en algo memorable dentro de esta noche inolvidable.

El cuerpo de baile lució preciso en las danzas de palacio, con un vestuario bello, sobrio y atractivo creado por Nicholas Georgiadis, también responsable de la escenografía.

Luciana Paris, una bailarina con de amplio rango, se destacó especialmente en el trío de las prostitutas con un trabajo seductor y encantador, y con una descollante de energía que la distinguía de sus compañeras.

Kent y Bolle, en la crucial escena de El balcón lucieron impecables. Bolle, partenaire sólido e intérprete encantador, supo ensamblarse a Kent con apasionamiento y candor. Un encuentro en el que ambos mantuvieron perfección técnica y tocaron el corazón.

Roberto Bolle y Julie Kent del ABT en “Romeo y Julieta” de Kenneth MacMillan, en el Met de Nueva York. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

Con mayor dramatismo e igual desafío técnico, MacMillan recrea su pas de deux del dormitorio, en la última y primera noche que los jóvenes pasan juntos antes de que Romeo sea condenado al destierro, y antes también, de la tragedia final. Kent y Bolle, nuevamente, marcaron la intensidad de este momento. Al igual que en el pas de deux en la cripta de los Capuletos, donde Romeo, en su desesperación, baila con Julieta inerte.

Cuando cayó el telón, una ovación tronó en la sala y una lluvia de flores llego desde la platea y desde el escenario. Por allí comenzaron a desfilar uno a uno sus compañeros de ruta, mientras Kent dejaba aflorar su incontenible emoción.

Alessandra Ferri, Paloma Herrera, Irina Kolpakova, Natalia Makarova, Xiomara Reyes, y bailarinas solistas y del cuerpo de baile de la compañía subieron a escena para el último adiós. También lo hicieron sus antiguos partenaires, José Manuel Carreño, Ángel Corella, Marcelo Gomes, David Hallberg y Robert Hill, y su director, Kevin McKenzie. Casi al final, Victor Barbee, su esposo y director asistente de la compañía, y sus dos hijos, William y Josephine, a abrazaron a Julie Kent, contagiados por sus lágrimas. Antes de que se cerrara definitivamente el telón, Kent corrió hacia la platea y lanzó tres enormes besos como tratando de alcanzar a cada uno de los espectadores que esa noche la acompañaron en su despedida.

Al caer el telón, el teatro estalló en aplausos para honrar a Xiomara Reyes, y comenzaron a desfilar sus compañeros de la compañía y sus maestros. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

La conocida ballerina cubana Xiomara Reyes del American Ballet Theatre (ABT) deja antes de lo esperado su exitosa carrera en los Estados Unidos. Sin embargo, quizás no pasará mucho tiempo sin que aparezca de nuevo en otro escenario.

“Giselle”, ballet escogido para bajar el telón es excelente para Reyes por su apariencia juvenil y sencilla. El ABT tiene a este ballet en su repertorio desde 1946 cuando la gran Alicia Markova convirtió a “Giselle” en una verdadera joya por la intensidad en que se transformó la escena de la locura.

Reyes, que comenzó su carrera profesional en 1990, ingresó al ABT en 2001 y fue principal en 2003. En su Giselle, tuvo como partenaire en su despedida del 27 de mayo en el Metropolitan Opera House de Nueva York, a su casi permanente compañero de ruta, el argentino Herman Cornejo.

Su Giselle fue extraordinaria, brillante y dulce en el primer acto. Cornejo, por su parte, contribuyó a que este rol tuviera mayor impulso. Fue un partenaire magnífico. El bailarín, que ha sido partenaire de muchas bailarinas del conjunto, fue con Reyes con quien construyó una de las mejores parejas de baile a lo largo de estos años. Ambos hicieron clásicos inolvidables.

En esta “Giselle”, Reyes supo poner sus cualidades mejores, especialmente en los maravillosos pas de bourréee que parecía que no tocaba el suelo, y en la limpieza de los pasos que daban la sensación de que llegaría a las alturas.

En la escena de los campesinos del acto primero, una de las parejas se destacó especialmente, Sarah Lane y Joseph Gorak. Este último es poseedor de magníficas piernas y de excelente ejecución.

Herman Cornejo y Xiomara Reyes en “Giselle”, función de despedida del 27 de mayo en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

La música de Adolphe Adam sobre la que se basan los movimientos originales de Jean Coralli y Jules Perrolt, fue revisada por Marius Petipa y se estrenó en 1841 la Ópera de París. Esta versión del ABT, lleva puesta de su director, Kevin McKenzie.

Las Willis, veinte jóvenes que mueren sin realizar su sueño de amor, aparecen en la escena del segundo acto en el cementerio, y la igualdad de sus movimientos alcanzan la perfección y hacen de la escena un cuadro de belleza impresionante. Myrta, su reina, protagonizada por Stella Abrera, acompaña con solidez este magnífico cuadro. Hilarion, Patrick Ogle, cazador de la villa y también enamorado de Giselle, perece a manos de las vengativas Willis cuando va a la tumba de la campesina a solicitar su perdón.

Giselle también emerge de su tumba para salvar a su amado Albrecht, que ha llegado con un ramo de flores a solicitar su perdón por haberla engañado. El espíritu de la joven logra que Myrta lo perdone. Y pronto Albrecht queda solo en la escena con sus tristes recuerdos y su arrepentimiento final.

La emoción se percibía en los ojos húmedos de los espectadores. Y hubo aplausos y flores a granel cuando Reyes salió a saludar ante un público que no quería dejarla ir ni ahora ni nunca.

Al caer el telón, el teatro estalló en aplausos y comenzaron a desfilar sus compañeros de la compañía y sus maestros. Nina Ananiashvili, Ángel Corella, Marcelo Gomes, David Hallberg, Julie Kent, Irina Kolpakova, Gillian Murphy, el coreógrafo Alexei Ratmansky y McKenzie depositaron sus ramos de flores sobre el escenario. Y el cuerpo de baile llegó con una flor blanca para esta bailarina que, con su retiro y el de Herrera, parece empezar a cerrar el ciclo de los hispanos en el ABT.