Viengsay Valdés y Marcelo Gomes, en una escena de la reposición de “Carmen”, de Alberto Alonso. Foto: PanchitoGL.

Intensos negros nubarrones no apocaron las voluntades de los organizadores, ni siquiera intensificaron la incertidumbre general de una “quasi” imposible celebración o aplazamiento de la edición 28 del Festival Internacional de Ballet de La Habana Alicia Alonso, como estaba previsto para el 28 de octubre, (coincidente perpetuo con la fecha de fundación del BNC en 1948), que duraría hasta el 10 de noviembre.

Sin embargo, la tenacidad contribuyó a vigorizar los empeños de los ejecutantes de este ambicioso, diverso, inclusivo e inmersivo programa de eventos, que utilizó tres salas teatrales y otras instalaciones de la capital del país, en horarios dobles algunos días. Tampoco opacó la realización de eventos colaterales: conferencias, exposiciones o presentaciones de libros.

Observemos, sin entrar en detalles, las incidencias naturales como antesala al evento anual cultural: dos huracanes azotaron, en breves intervalos, los extremos de la mayor de las Antillas. Primero las provincias orientales y luego las provincias del extremo occidental. El país se recuperaba apenas de las afectaciones sufridas por un fallo crítico en el Sistema Electroenergético Nacional, que dejó a casi toda la isla en un “black out” general durante varios días. Mas la resiliencia acometida por las máximas autoridades, junto con la pasión por la danza demostrada por sus hacedores y los fieles balletómanos superaron los avatares climatológicos. Por tanto, el Festival llegó a buen puerto, con inusitada brillantez y a teatro lleno en la mayoría de las funciones ofrecidas.

Veamos, con ayuda de los datos aportados por la Oficina del Historiador del BNC y el Servicio de prensa, cómo se comportó esta edición en curso. La variada oferta coreográfica incluyó 76 títulos de la mayor diversidad estilística. Entre ellos seis estrenos absolutos y 34 estrenos en Cuba, creados por 61 coreutas provenientes de 15 países. Se ofreció un total de 20 funciones: en el Teatro Nacional de Cuba, nueve en la Sala Avellaneda con capacidad para no menos de tres mil espectadores; cinco en la sala menor Covarrubias con aforo de 800 localidades y en decimonónico coliseo Martí seis, con butacas para poco menos del millar.

Esta vez las compañías visitantes fueron dos latinoamericanas: la Anajun Veatem ensamble de danzas judías mexicanas y el Incolballet de Colombia.

Además, disfrutamos las entregas destacadas de 35 estrellas solistas de prestigiosas compañías -dos vibrantes “Muerte del cisne”, de Fokine; dos duetos de “Espartaco”; varias versiones del conocido pas de deux, adagio del Segundo acto de “Lago de los cisnes”, de “Paquita”, de “Don Quijote”; de ballets de Balanchine; de Grigorovich, entre otros-, aplaudimos tres rusas y tres de Alemania; así como representantes de primer rango de Les Grands Ballets Canadiens; de Francia el Ballet de Bordeaux y la Compañía Angeljn Preljocaj; de Venzuela del Ballet del Teatro Teresa Carreño y el mexicano Ballet de Monterrey; el Joven Ballet de Puerto Rico; también del Birmingham Royal Ballet o del Queensland Ballet de Australia, entre otras.

Por supuesto, se incluyó la participación de los principales grupos cubanos invitados por el BNC como anfitrión: Danza Contemporánea de Cuba, el Ballet de Camaguey, el Conjunto Folklórico Nacional, el Ballet de Laura Alonso, Acosta Danza, Lizt Alfonso Dance Cuba, Ortolado, Malpaso y Micompañía.

La música, en esta ocasión, alcanzó niveles notorios con las ejecuciones de los instrumentistas en escena como soporte medular, con partituras de grandes exigencias técnicas.

Como ejemplos destacados mencionaría el pianismo de excelencia por los maestros Marcos Madrigal y Aldo López Gavilán, el talento evidente de la joven Daniela Rivero y las magistrales interpretaciones de la flautista Niuka González Núñez junto a la bailarina Kaenia Ovsyanick. Y sería imperdonable no destacar las participaciones de Nicolay Schugaev tanto con su vibrante ejecución del cello como en su desempeño en el foso como director de la Orquesta Sinfónica del Gran Teatro Alicia Alonso para acompañar las cinco representaciones por el BNC de su conocida versión Alonso de “Lago de los cisnes”, con una responsabilidad agravada por las alternancias de elencos en cada función. Bravo, Maestro.

Además, considero mención aparte, el mérito de Norge Cedeño al elegir la música del joven Pepe Gavilondo para su “Ritual Garden”. Como dato curioso señalaría el hecho de invitar al venezolano Daniel Gil, otro joven ascendente en la dirección orquestal, para acometer por primera vez la tímbrica partitura de Rodión Schedrin, según Bizet, para la reposición del ya icónico ballet “Carmen” de Alberto Alonso, interpretado en la gala de clausura por Viengsay Valdés y el invitado brasileño Marcelo Gomes en los roles protagonistas junto a solistas y cuerpo de baile del BNC.

Momentos trascendentes

La bailarina mexicana Elisa Carrillo, presentó “Tué”, de Marco Goecke; “Kazimir´s colors”, de Mauro Bigonzetti y “Multiplicidad”, de Nacho Duato. Foto: PanchitoGL.

Con el riesgo de pasar por alto algunas presencias de altos quilates creativos, estéticos y con entregas de notable virtuosismo técnico, tanto en lo académico como en lo contemporáneo, señalaré lo de mayor impacto, a mi sano juicio. Es necesario considerar los desniveles en la maduración de sus estatus de estrellas, tanto los foráneos como los locales, así como aquellos jóvenes bailarines cubanos que desarrollan sus carreras en el exterior y que mostraron su deseo de volver a brindar su arte en los escenarios donde debutaron.

Hemos apreciado, evidentemente, las interpretaciones de los artistas de la danza consagrados por su quehacer riguroso, con una hoja de ruta pletórica de lauros. Las menciones podrían encabezarlas Marcelo Gomes, Joaquín de Luz, Elisa Carrillo, Semyon Chudin, Daniil Simkin, y una constelación de bailarines del archipiélago cubano, tales como la propia Valdés, Dani Hernández, Grettel Morejón, Anette Delgado, Ernesto Díaz, Yankiel Vázquez, y los talentos ascendentes como Anyelo Montero, Gabriela Druyet, Alianed Moreno o Luis Fernández. (Los cinco “Lagos…” bailados y gratificados con aplausos en pie, sirvieron de vitrina para desvelar los talentos formados por la escuela cubana de ballet que han decidido probarse en su país, ante el éxodo de otros egresados). La presencia y entrega del bailarín portugués Antonio Casalinho, laureado en cuanto concurso ha podido participar, mostró que es un fruto de la “escuela cubana de ballet”, egresado de una Academia de su natal Lérida que imparte la metodología del maestro cubano Fernando Alonso. Dos bailarines con firme desarrollo artístico, en los primeros rangos de las agrupaciones foráneas donde fijaron su futuro, fueron Patricio Revé y Esnel Ramos.

Con positiva sorpresa, este observador regular por décadas de las producciones en la isla, ha apreciado la respuesta favorable del público muy aficionado a la danza académica con respecto a las entregas de obras contemporáneas, algunas con discursos provocadores en sus dramaturgias como es el caso de títulos por Susana Pous, Osnel Delgado, Norge Cedeño o los foráneos de Uwe Scholz, Peter Quanz, Juliano Nunes, José Carlos Martínez, Cathy Marston, Elisa Carrillo, Patricia Donn, Kaenia Ovsyanick o el propio de Luz.

Elena Vostrotina y Brandon Lawrence (Ballet de Zúrich) en Festival Internacional de Ballet de La Habana 2024. Foto: PanchitoGL.

Estrenos y Reposiciones

Como momentos cimeros entre las obras clasificadas como estrenos se me ocurre situar la pieza “Faun(E)” del inglés David Dawson, “Mondo” de Susana Pous de origen española; “Multiplicidad” del ibérico Nacho Duato; “Ara” de Osnel Delgado; “Ritual Garden” del tándem Norge Cedeño-Gavilondo. Memorable resultó el homenaje al gran bailarín argentino Julio Bocca como preámbulo a la serie de “Lagos…” y la reposición del balle “Carmen” de Alberto Alonso, con Viengsay Valdés y Marcelo Gomes. A su vez, el estreno de “Gitanerías”, para la gala de clausura, con su coreógrafo e intérprete Joaquín de Luz y Valdés, sobre música cubana ejecutada en vivo por dos pianistas notables: Marcos Madrigal y Aldo López Gavilán.

La ejecutoría, en la realización de esta edición 28 del FIBH AA, de la bailarina y directora general del BNC, Viengsay Valdés, puede ser calificada de titánica -difícil llegar a la plenitud con las condiciones actuales difíciles del país-, y con un equipo de colaboradores dirigido por Heriberto Cabezas, veterano en estas lides. Y no olvido las participaciones -con notables prestaciones-, de Valdés, en cuatro títulos exigentes, con diversos estilos y temáticas. No por dejar los agradecimientos al final, menos merecidos al trabajo ingente y concienzudo de los maestros de danza y profesores, y los “coaches”, bajo la coordinación de la maestra Svetlana Ballester, y los valiosos aportes artísticos por parte de afamadas personalidades tales como Maina Gielgud, Azari Plisétski, José Manuel Careño, Johan Kobborg o Victor Gilí.

]]> https://www.danzahoy.com/home/2024/12/contra-viento-y-marea-y-a-toda-vela/feed/ 0 https://www.danzahoy.com/home/2024/02/rompiendo-barreras/ https://www.danzahoy.com/home/2024/02/rompiendo-barreras/#comments Mon, 12 Feb 2024 17:58:04 +0000 mgueler http://www.danzahoy.com/home/?p=15764

Malpaso presentó “Vértigo”, de la coreógrafa española Susana Pous en el Teatro Martí. Foto: Julio Larramendi. Gentileza Teatro Martí.

Este primer maridaje de la danza y el jazz -en todas sus modalidades-, aconteció en la Habana en enero durante la celebración del macro Festival internacional jazz-Plaza, en su trigésima novena edición. Un hito para los apasionados aficionados del género jazzístico de la Mayor de las Antillas y de muchos, más allá de sus fronteras.

El público consumidor habitual de este tipo de convocatorias musicales pluridisciplinarias fue testigo de tres impactantes entregas creativas generadas por talentosos coreógrafos con formación en la danza contemporánea, a partir del crisol que le aporta la joven compañía Malpaso y, por otra parte, el Ballet Nacional de Cuba, con una brillante veteranía de 75 años. Las producciones contaron, afortunadamente, con el soporte musical en vivo ejecutado por el conjunto instrumental Cubadentro, beneficiado con dos pianistas de excelencia, Alejandro Falcón y el neoyorkino de origen cubano Arturo O’Farrill, con la participación del virtuoso saxofonista estadounidense Ted Nash.

Mientras que, en el estreno absoluto por el BNC, el protagonista musical fue el electrizante tecladista y compositor Roberto Fonseca, director artístico del evento internacional (activas 12 sedes, con 184 espectáculos en la capital y 74 en Santiago de Cuba, con participación de invitados de 17 países de tres continentes, de China por primera vez).

Estas mencionadas agrupaciones de danza de renombre defendieron con brío y emotividad los honores de inaugurar el evento. Malpaso en el elegante y acogedor Teatro Martí, y el BNC en la gran sala modernista Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, con sus directores artísticos respectivos en escena: Osnel Delgado y Viengsay Valdés, para beneplácito de las multitudinarias audiencias.

Malpaso regaló tres piezas de su catálogo, entre ellas “A dancing Island”, de Osnel Delgado, como estreno en Cuba, pues su premier mundial -siempre con música en vivo- fue en Filadelfia el pasado año. Luego se presentó en la sede neoyorkina de la compañía, el Joyce Theater, al cual están asociados hace varios años.

Igualmente, tuvimos ahora la oportunidad de apreciar “Vértigo”, la más reciente creación de la exbailarina española Susana Pous, afincada en Cuba hace varias décadas. Agradecemos la reposición revisitada de la miniatura coreográfica de la bailarina y directora Daile Carrazana, “Nana para un insomnio”, estrenada con éxito de la crítica especializada hace dos años, sobre música instrumental original de Jordi Sabatés, con arreglos de temas del gran músico cubano Bola de Nieve (Ignacio Villa), ejecutada en vivo al piano por O’Farrill. Es un solo para Osnel Delgado, que nos entregó una estupenda demostración de virtuosismo técnico e interpretativo, para situarlo entre los mejores de su generación,

Estreno de “A Dancing Island”

Viengsay Valdés y Anyelo Montero en “Love Fear Loss”, de Ricardo Amarante. Foto Frank Dominguez. Gentileza BNC.

Como ha desvelado recientemente a la prensa Delgado, por once años líder de Malpaso, “A Dancing Island” proviene “de una verdad de pueblo, de un barrio, de una tonada o tumbao”, es “cada vez más importante tomar de las raíces, beber de esa agua”.

Y no es menos cierto que lo mostrado en escena por los atléticos bailarines de ambos sexos con un desenfado de autenticidad sincera que confirma su aseveración: “La danza no es más que una recreación simbólica de la vida, y cada baile es una estilización de cómo nos movemos de manera ordinaria”. El coreógrafo realiza pues un repaso de su herencia transcultural al pasar de la rumba al chachachá, al mambo, al son, la conga, al bolero o la salsa, en un flujo y reflujo; acentuada por elementos provenientes de las vivencias de los propios intérpretes.

También ha sido necesario conocer como influyó en las improvisaciones iniciales la visita a las obras del más eminente artista plástico nacional, Wifredo Lam, que atesora el Museo Nacional de Bellas Artes. En esta creación ha sido fundamental la participación del afamado pianista de jazz y compositor Arturo O’Farrill, que contribuyó en la integración del proyecto al pianista Alejandro Falcón y Cubadentro. La música, esta vez, fue creada exclusivamente para “A Dancing Island”, donde escuchamos una amalgama de géneros cubanos bailables y con raíces afros, fusionados con el jazz y la improvisación. Según O’Farrill, esta oportunidad “era un motivo para salir de las zonas de confort y ser un músico un poco más completo”.

La dirección artística tuvo el buen tino de elegir para abrir el espectáculo con la pieza “Vértigo”, de la coreógrafa española afincada en la isla hace décadas, Susana Pous, con formación primera en la danza académica. Su discurso coreográfico minimalista nos hace penetrar en las zonas más íntimas de la “poética del vivir”, emocionantes sus intérpretes mixtos. Con el apoyo de un ingenioso empleo de las iluminaciones con sus correspondientes artefactos escénicos aéreos manipulados por los bailarines, con austero vestuario monocromático que contribuye a la atmósfera dramática sugerente por el soporte musical del compositor Boris Kovac. El público demoró unos segundos antes de estallar en un largo aplauso cerrado.

El 28 de enero (coincidente con el natalicio José Martí) concluyó esta edición del macro festival anual de jazz, con el habitual concierto que ofrece el pianista y director artístico del evento Roberto Fonseca, y esta vez con la participación especial del Ballet Nacional de Cuba. Con esta invitación, el Festival Jazz Plaza aprovecha la ocasión para rendir homenaje la compañía por sus 75 años de fundación (por Alicia, Fernando y Alberto Alonso en 1948).

Por tal motivo se produjo el estreno absoluto de la obra “Apparatus”, -diez minutos intensos para 21 bailarines mixtos de la sección más joven del conjunto-, creada por el bailarín y coreógrafo de Acosta Danza, Raúl Reinoso. Se confiesa el coreógrafo como un creador del movimiento a partir de la música. La danza, después, según creaba el icónico Balanchine. En este caso se ha inspirado en una elogiada pieza de jazz de Fonseca, “Contradanza del espíritu” (el autor y su ensemble los interpretan en escena), para crear este “ballet” coral donde lúdicamente deconstruye las poses y gestualidades de los grandes clásicos decimonónicos empleando diagonales y círculos, con retadoras cargadas de chicas en tutú ruso. Y llega hasta sorprendernos con un guiño a la inclusividad de los géneros: un joven bailarín sale de la fila y se coloca un tutú, para ejecutar una deslumbrante variación y coda. Finalmente, hace un fugaz mutis.

Igualmente, Fonseca acompañó al piano el pas de deux que cerró la gala, “Love, Fear, Loss”, un homenaje a Edith Piaff por el coreógrafo brasileño Ricardo Amarante con música de Charles Dumont. Este tercer tema de la pieza se benefició con una vibrante interpretación de la primera bailarina y directora general del BNC, Viengsay Valdés, acompañada con eficacia y atletismo por el juvenil solista principal Anyelo Montero. Varios minutos duraron los saludos de cortina con ovaciones en pie por más de tres mil espectadores.

Malpaso subió a escena “La última canción”, un estreno de la coreógrafa Daile Carrazana. Foto gentileza Malpaso.

La compañía cubana de danza Malpaso, después de un largo período ausente de los escenarios de la mayor de las Antillas, debido a diversos compromisos en ciudades europeas y estadounidenses, retorna a su habitual sede habanera, el hermosamente remozado decimonónico Teatro Martí (seriamente afectado el pasado año por la explosión accidental de los depósitos de gas de un vecino hotel de lujo).

Este coliseo capitalino los acoge, esta vez, con un conjunto ampliado numéricamente, con jóvenes bailarines de ambos sexos, junto con un cuerpo de baile formado con las técnicas contemporáneas avanzadas dispuesto a ofrecernos una reclamada reposición y dos estrenos absolutos.

Malpaso, es una “ong” cultural sin ánimo de lucro fundada en diciembre de 2012 por el joven teatrista y productor Fernando Sáez, junto con los bailarines y coreógrafos Daile Carrazana y Osnel Delgado. En sus orígenes, consiguieron el generoso coauspicio de la Fundación Luwig de Cuba (sede matriz en Alemania), sin duda fundamental para su actual andadura internacional.

Por su experiencia en cuanto a la colaboración con la danza contemporánea, Malpaso se define como “una compañía de repertorio la cual, como parte esencial de su misión, promueve el trabajo de los coreógrafos cubanos emergentes”.

Otro principio básico, apuntan los directores artísticos de la agrupación, es la colaboración con prestigiosos artistas músicos (con Chico OFarrill), coreógrafos, o diseñadores de luces y vestuario. Este conjunto cubano está asociado, en el presente, al Joyce Theatre Productions de NYC.

Sobre las obras y los coreógrafos en cartel

En la primera parte: “Vals Indomable” (en reposición) es una creación de Azure Barton (Canadá/USA). Barton nació en Alberta, luego marchó a estudiar a la Escuela nacional de ballet de Toronto, donde recibió su formación profesional. Hasta la fecha ha colaborado con prestigiosas compañías tales como el Bolshoi Ballet, el ABT, el Houston Ballet, la Martha Graham Dance Co., el Netherlands Dans Theatre, BBaños, benefiada con grand piano Steinway en escena.

La joven Asherie es una b-girl, coreógrafa y bailarina. Afincada en NYC y laureada con el Premio Bessie 2016, por sus logros innovadores en danza”, ha recibido igualmente reconocimientos por sus trabajos, así como dos becas de estudios. El pasado año recibió el Premio del Proyecto Nacional de Danza para apoyar el desarrollo y puesta en escena de su nueva obra, “Odeon”, por parte de la Universidad de Wisconsin-Milwaukee obtuvo una maestría en Bellas Artes, donde investigó acerca de las raíces de la danza vernácula de jazz en los bailes callejeros y de clubes contemporáneos.

Actualmente, imparte cursos como docente de danza en varias universidades norteamericanas, y enseña en el Broadway Dance Centre. Asherie es miembro co-fundadora del colectivo femenino de la “house dance” (MAWU) siempre vinculada con la comunidad de danza “underground”.  Para esta obra y la precedente los diseños de luces y vestuario fueron por el imaginativo Guido Gali.

Como cierre del programa vino una gratificante pieza de la coreógrafa y directora artística Daile Carrazana como estreno absoluto, donde tuvo como soporte musical conocidas obras popularizadas por María Teresa Vera y Lorenzo Hierrezuelo y del catalán Jorge Sabatés, servidas por Carolina Baños al piano.

Aquí las luces fueron aseguradas por Gali, empero los diseños del colorido vestuario se debieron a Rachel Forbes. Carrazana nos regaló el plato fuerte de la noche. La pieza posee una intensidad holística que contribuye a enfatizar la característica identitaria del discurso coreográfico. En su desarrollo nada lineal y el eclecticismo de formas y estilos logra una sostenida coherencia en este trabajo coral intenso, conformado por los bisoños miembros del conjunto.

Las miniaturas coreográficas precedente, dejaron patente la vitalidad y atletismo distintivos de Malpaso, con promisorios futuros proyectos, aunque sentimos la ausencia de las impactantes entregas de su estelar bailarín Osnel Delgado.

RM.

]]> https://www.danzahoy.com/home/2023/10/con-nuevos-aires/feed/ 0 https://www.danzahoy.com/home/2022/10/disfruta-comparte-y-sigue-sonando/ https://www.danzahoy.com/home/2022/10/disfruta-comparte-y-sigue-sonando/#comments Fri, 07 Oct 2022 23:37:36 +0000 mgueler http://www.danzahoy.com/home/?p=15148

“The Turntable”, una nueva obra de Osnel Delgado realizada para el Smuin Contemporary Ballet, dirigido por Celia Fushille. Foto gentileza Toba Singer.

La publicación de este artículo es una gentileza de culturevulture.net, cuya versión en inglés se puede encontrar en el siguiente enlace:
https://culturevulture.net/features/interview-with-osnel-delgado/

Smuin Contemporary Ballet está llevando Dance Series 1 a escenarios alrededor del Área de la Bahía de San Francisco, California. El programa cuenta con tres obras: “Take Five”, de Rex Wheeler, “Requiem for a Rose”, de Annabelle López Ochoa, y “The Turntable”, del coreógrafo cubano y codirector artístico de la compañía de danza Malpaso de La Habana Cuba, Osnel Delgado. Entrevista a Osnel Delgado por correo electrónico el 25 de septiembre de 2022.

Toba Singer: ¿Por qué el tocadiscos (“The Turntable”) en este momento?

Osnel Delgado: Algo de historia… Diez años atrás conocí a Celia (Fushille) en la Habana, en ese entonces trabajaba con mi padre tras haber dejado Danza Contemporánea de Cuba. Surgió la idea de que en algún momento yo conociera a Smuin y trabajara con sus bailarines. Uno conoce a tanta gente a través de los años que yo ni siquiera la recordaba cuando reapareció en la sala de conferencia del Teatro Joyce de NY donde Malpaso estaba haciendo su temporada en una de las tantas giras por los Estados Unidos. Ella no había olvidado su sueño y se propuso que de una vez me diera un salto a San Francisco. En 2019 los visité, y en 2020 empezaba el proceso que se interrumpió por la pandemia. Dos años después, todo el antiguo material y las conversaciones dieron forma a esta obra. Algo hecho en especial para la compañía y no sólo en la manera en la que yo trabajo sino también en la forma que los veo y lo que creo que necesitan para seguir creciendo. ”Turntable” es una obra en la que todos deben mirarse, en la que el espectador es parte como observador pero nosotros no bailamos para ellos, bailamos para nosotros mismos. Un personaje central y varias historia se entremezclan en el vórtice de la vida, de una canción a otra, se pierden y se encuentran.

TS:  Ya que es (literalmente) central en la pieza, ¿por qué lo usas tan selectivamente?

OD: Fue bien interesante trabajar con esta estructura circular, y no me refiero sólo al centro sino a la obra en sí, no hay frentes, solo puntos de entrada y salida. Como efecto es algo muy poderoso pero no podía ser abordado todo el tiempo, tratar de matizar para no aburrir, y aunque lo considero el motor impulsor de todo, bueno, a veces hay que salir de él para encontrarle sentido a las cosas. Como en la vida real, no todo se encuentra en nosotros mismos, ni en un sólo lugar…

TS: En los segmentos de palabra hablada y en la música, el tema de la espera de un amante adquiere una urgencia cada vez mayor, empezando al inicio de la pieza con una súplica para volver, y se vuelve más acentuado e insistente hasta que escuchamos “Si no vuelves, me muero”, donde el movimiento implora desgarradoramente. ¿Esa letra/historia impulsó la coreografía o es que los pasos inspiraron la palabra hablada?

OD: Siempre me gustó la canción, estaba dentro de la selección de músicas que decidí usar para confeccionar la pieza. Las reflexiones las escribí durante la pandemia. Nunca pensé usarlas, pero bueno, mis maestros dicen que todo sirve, grabarlas y utilizarlas creo que fue acertado pero todo un reto. Me costó acostumbrarme a escuchar mi propia voz, pero al final tomó forma dentro del proceso. Las cosas hay que tramarlas si no se traman a sí mismas. Texto, movimiento y canción hacen una combinación interesante que nunca había explorado antes y me ayudó a darle voz a la ausencia del otro, algo por lo que clama, no solo el personaje central. Todos necesitamos el afecto y la compañía de alguien.

Osnel Delgado ha trabajado con coreógrafos como Mats Ek, Rafael Bonachela, Kenneth Kvarnström, Ja Linkens e Itzik Galili, entre otros. Foto gentileza Toba Singer.

TS: ¿Qué temas coreográficos, de vida o deseos ocupan tus pensamientos que no hubo tiempo de continuar?

OD: Muchos, todos. Las cosas que quiero decir son diferentes e infinitas. Me interesan las vivencias y experiencias humanas, las historias, pero lo que más me gusta es conectar con gente diferente, construir un material a través del cual puedan expresar quiénes son y de dónde vienen. Al final no es tan importante lo que yo quiero sino lo que somos capaces de construir todos como parte de una experiencia colectiva, que es la manera en la que puedo definir mi proceso. Siempre cambia y siempre es este momento.

TS: ¿Qué has aprendido en el proceso de colaboración con otros coreógrafos, otras compañías y qué has aportado a sus vidas creativas?

OD: Mucho, e incluso puedo decir que tengo algo de cada uno de ellos. He aprendido de todos con los que he trabajado, soy el resultado de todas esas colaboraciones y también, de mis profesores y de mis compañeros. Pero luego hay que encontrar algo que decir más allá de todo eso, encontrar nuevas motivaciones. Para mí los más importantes son aquellos con los que convivo día a día, son mi fuente de inspiración y en quienes baso mis propias historias, de quienes aprendo más de lo que puedo entregar.

TS:  Este es el décimo aniversario de Malpaso. En alguna manera, es solo un número, pero en otras, es una década resonante de vivir su nombre como una compañía en rebelión contra una proscripción, una advertencia de que estabas comenzando con el pie izquierdo. ¿Qué quiere decirle ahora tu propio ser, como coreógrafo que ha absorbido tanta experiencia de esa década, a ese joven que recién comenzaba hace diez años?

OD: Es muy interesante poner las cosas en esa perspectiva. Estaría tentado de aconsejarlo sobre un par de cosas, pero de nuevo, cada uno debe cometer sus propios errores y aprender de ellos. Malpaso es lo contrario de lo que debe ser la danza, pero debes comprometerte para encontrar tu camino. Esa es la filosofía de nuestro grupo, así como las colaboraciones entre varios artistas para ayudar al crecimiento y desarrollo de cada uno de los integrantes. Sólo le diría que recuerde que, aunque la carrera se afronta individualmente, nada se consigue sin ayuda. Disfruta, comparte y sigue soñando.

Sobre la autora:
Toba Singer, autora de “Fernando Alonso, the Father of Cuban Ballet” (University Press of Florida 2013), y “First Position: a Century of Ballet Artists” (Praeger 2007), escribe para revistas y sitios web de danza internacionales, y se ha desempeñado como asesora del Museo de Performance y Diseño de San Francisco. Fue la autora representante de University Press of Florida en la Feria Internacional del Libro de Miami de 2013. “Fernando Alonso, el padre del ballet cubano” fue nominado para el premio Bryce de la Asociación de Estudiantes Latinoamericanos, el premio de la Torre Research and Dance Scholars y el Commonwealth Club California Book Award.

Malpaso estrenó una versión posmoderna de “Cascanueces” con coreografía del bailarín y director artístico Osnel Delgado. Foto gentileza Malpaso.

Malpaso, la juvenil compañía de danza contemporánea, se presentó, entre el 4 y el 6 de febrero, en la gran sala del Teatro Nacional de Cuba (su sede habitual ha sido el decimonónico Teatro Martí), con un aforo de tres mil ahora reducido al 50% ante las medidas sanitarias obligadas por la pandemia de la Covid 19. En esta ocasión se lanzó al reto de estrenar una rompedora versión minimalista y posmoderna del archiconocido ballet del gran repertorio, “Cascanueces”. Siempre con la música original de P. I. Tchaikovsky en un meritorio arreglo “digest” de la joven violinista y compositora cubana Jenny Peña, y con coreografía del bailarín y director artístico Osnel Delgado.

En la primera parte del programa, una obra ya paradigmática de la danza contemporánea de los finales del siglo XX, “Tabula Rasa”, del coreógrafo y bailarín israelita Ohad Naharin. Se sumó una intrigante miniatura coreográfica del inmenso coreógrafo sueco Mats Ek, “Woman with water”, como ingreso al repertorio activo del conjunto. Como pieza de apertura el solo masculino “Nana para un insomnio”, creado para Osnel Delgado, con coreografía de la bailarina-fundadora de la agrupación Daile Carrazana, sobre el poderoso soporte musical del malogrado compositor catalán Jordi Sabatés, con dedicatoria in menoriam de esta temporada.

Un equipo, conducido por Fernando Sáez, diseña con cuidadosa estrategia los títulos elegidos para cada temporada y giras internacionales, para evitar arduas elaboraciones intelectuales que permean o cargan las obras que deciden poner a consideración de los numerosos seguidores de este grupo. Es una pauta que siguen otros conjuntos igualmente asociados al Joyce Theatre de Nueva York.

Heriberto Meneses en “Nana para un insomnio”, de la bailarina-fundadora de la agrupación Daile Carrazana. Foto: Ivo Baelli. Gentileza Malpaso.

Por supuesto que, de este festín de danza, el plato fuerte a descubrir y degustar es la mencionada versión de “Cascanueces”. Una obra para 10 bailarines de ambos sexos en un acto, con duración de algo más de 40 minutos, en la cual Delgado no se aparta del tema central de la historia familiar, pero elude la narración lineal y se concentra en las definiciones de cada personaje en sus interacciones con los otros en la supuesta fiesta navideña, sin recurrir a la simbología tradicional. La música es ejecutada sobre la escena por una orquesta de cámara ad hoc, conducida con pericia por el maestro Pedro Ortiz. Los diseños de luces y de vestuario son una baza de triunfos debidos a su creador, Guido Gali (asociado al equipo de producción desde sus inicios).

Empero, como se dice en buen cubano: el pollo del arroz con pollo es la coreografía, la cual exhibe una amplia variedad en su vocabulario de pasos, así como unas ingeniosas articulaciones con un desenfadado atletismo posmoderno en las dinámicas corporales, sin miedo a utilizar contaminaciones provenientes de la técnica del ballet, en los port de bras, los sautés, los portées, los tours, los coup de tete y otros. Esta amalgama tiene una coherente estética en la ejecución de los excelentes bailarines del elenco. Por otra parte, la dramaturgia no quedó descuidada. Esta obra fue merecedora con justicia del premio Villanueva 2021, que otorga anualmente un exigente jurado del círculo de la crítica de las Artes Escénicas de la UNEAC (Unión nacional de escritores y artistas de Cuba).

El solo creado por Carrazana para Osnel Delgado (luego compartido por el apolíneo Heriberto Meneses), contó con un “grand concert” piano en escena ejecutado sensiblemente por Carolina Baños. La coreógrafa explota “in extremis” el virtuosismo técnico del notable intérprete que, además, logra comunicar matices interpretativos donde demuestra su madurez artística.

Dos coreógrafos foráneos invitados –gracias al patrocinio de importantes instituciones internacionales–, completaron el cartel con sus creaciones bien avaladas por el público y la crítica europea: “Woman of the Water”, un dúo concebido por el sueco Mats Ek para su excelsa esposa-bailarina-actriz Ana Laguna (aquí su asistente), montado para dos parejas del conjunto, Dunia Acosta con Delgado y Daile Carrazana con Meneses. El hecho de presentarse en este vasto espacio y con la lejanía del público por interposición del gran foso de orquesta, la entrega del drama -encapsulado en 15 minutos- resultó epidérmica.

Por otra parte, la obra coral de Naharin, “Tabula Rasa”, desde su estreno mundial europeo, ha derramado ríos de tinta, más para bien que para mal. Ha sido muy apreciada por las sutilezas refinadas en los planteamientos filosóficos que se empeña en comunicar, danza mediante, apoyado por un grandioso soporte musical minimalista del muy mediático compositor letón Arvo Part, pleno de sutilezas con acentos cósmicos. La producción escénica ha sido muy cuidada e inteligente: luces diseñadas por el propio Naharin y un vestuario pertinente de Eri Nakamura. Una muy agradecida reposición, ovacionada cada noche, que adoleció (como pasó con las otras piezas) del devorador espacio escénico de la Sala Avellaneda.

Una miniatura coreográfica de Mats Ek, “Woman with water”, interpretada por Osnel Delgado y Dunia Acosta, ingresó al repertorio de Malpaso. Foto: Ivo Baelli. Gentileza Malpaso.

]]> https://www.danzahoy.com/home/2022/02/un-festin-de-danza-con-un-plato-fuerte/feed/ 0 https://www.danzahoy.com/home/2018/11/danza-y-musica-honran-a-stravinsky/ https://www.danzahoy.com/home/2018/11/danza-y-musica-honran-a-stravinsky/#comments Sun, 25 Nov 2018 20:05:17 +0000 mgueler http://www.danzahoy.com/home/?p=13324

“Historia del soldado” de Igor Stravinsky se presentó en la apertura del Festival Bienal Mozart-Habana, organizado por el Liceo Mozartiano. Foto: Kike Smith. Gentileza CUBARTE.

Los conciertos inaugurales de dos festivales internacionales de música: Mozart-Habana y Habana Clásica, utilizaron importantes obras de la danza del siglo XX, con música del ruso Igor Stravinsky como pórticos de lujo para sus sucesivas programaciones diarias en varias salas de la capital cubana. Contó con la participación de talentosos artistas locales y afamados intérpretes extranjeros en el género de la música de cámara.

El Festival Bienal Mozart-Habana está organizado por la oficina habanera del Liceo Mozartiano, con el patrocinio de su homólogo austriaco en Salzburgo y el auspicio fiel de varias instituciones locales y foráneas, entre ellas la Oficina del Historiador de la Ciudad, la Universidad de las Artes (ISA), el Ministerio cubano de Cultura y la New World Symphony, entre otros. Sus curadores eligieron para su concierto inaugural una obra en las antípodas de Mozart: nada menos que “Historia del Soldado” del ruso Igor Stravinsky, en una versión adaptada al reducido escenario del decimonónico Teatro Martí, con puesta en escena concebida por el director teatral Raúl Martín y la directora orquestal cubano-holandesa Libia Hernández, que dirige una pequeña orquesta de cámara compuesta de ocho músicos cubanos y extranjeros (violín, contrabajo, clarinete, fagot, trompeta, trombón y percusión (donde interviene el holandés Lodewyk Johannes Bles) y el narrador a cargo del destacado actor cubano Freddy Maragoto.

Este conjunto fue un vital soporte para una pareja de bailarines, Tahis Suárez y Norge Cedeño, ambo de fuste, carismática presencia, formados en la danza contemporánea. Cedeño es responsable igualmente de la original y creativa escritura coreográfica, donde la improvisación se atiene a la traducción fiel de los textos franceses, para esta afortunada ocasión.

“Historia de un soldado” tuvo su estreno cubano por el Ballet Nacional de Cuba durante las presentaciones en un festival de ballet de La Habana, hace la friolera de dos décadas aproximadamente, en un montaje poco menos que azaroso realizado por Olivier Patey, entonces solista del Ballet de L´Opéra de Paris; tal una reconstrucción vinculada al texto del poeta suizo C. F. Ramuz e inspirada en la coreografía original de 1918, debida a Ludmila Pitoev. La primera represenación en América tuvo lugar en el Jolson Theatre en 1928. Existe en DVD otra versión más reciente creada por el célebe coreógrafo Jirí Kilyan.

Esta composición dodecafónica está escrita para ocho instrumentos, un narrador y bailarines. Todos instalados sobre la escena, empero los bailarines deben desempeñarse en un área central separada. Para ello, es necesario contar con la pericia de un diseñador de luces, considerado un artista de las artes visuales.
La historia de esta pieza fue tomada de un cuento de hadas ruso, que narra cómo un soldado entrega al Diablo el violín que carga en su mochila que era para él un instrumento que “hablaba como su propio corazón”. El soldado regresa de una misión militar a su casa en una aldea en medio de un bosque, después de una larga caminata.

Existe también otro notable ballet, entre los muchos que se han creado con esta partitura, es del norteamericano Eliot Feld, quien abandonó el libreto original por uno nuevo, donde se enfoca en la iniciación sexual del joven soldado al ser manipulado por un proxeneta. Esta obra fue estrenada por el American Ballet Theatre en 1972, y luego, en 1976 fue revisada por Feld para el Shakespeare Festival Public Theatre de Nueva York. Allí se revela el tema de la corrupción con fuerte declaración antiguerrerista. El estilo de la danza fue estilizada al extremo sin devenir mimética.

La responsabilidad de la excelencia en la entrega de la música de Stravinsky en esta inquietante pieza del pasado siglo recayó en directora musical Libia Hernández, poseedora de una formación altamente calificada, quien actualmente, comparte su tiempo en Países Bajos, Estados Unidos y Cuba, como Asistente/Directora de la Sinfónica de Nueva Jersey y Directora/Coordinadora del Proyecto Holanda-Cuba, con la participación de la Fundación Mozarteum de Salzburgo; el Real Conservatorio de La Haya; la Academia Sinfónica Nuevo Mundo, de Miami, y la Universidad de las Artes de La Habana.

Festival Habana Clásica

El Festival habana clásica abrió con “La consagración de la primavera” en versión para piano a cuatro manos y solo del bailarín cubano Abel Rojo. Foto: Kike Smith. Gentileza CUBARTE.

En las Salas de Concierto del Centro Histórico de la Habana Vieja, desde el día 11 de noviembre, se han desarrollado las jornadas musicales internacionales Habana Clásica, bajo la dirección artística y musical del reconocido joven pianista cubano Marcos Madrigal, actualmente con residencia en Italia, quien es también su protagonista y dramaturgo, en eficiente coordinación con el Gabinete de Patrimonio Musical Esteban Salas (dependencia de la Oficina del Historiador de la Ciudad) bajo el liderazgo de la musicóloga Miriam Escudero. El maestro Madrigal ha resultado ser un real mecenas del arte, al convocar a amigos de talento afirmado hasta la Mayor isla de las Antillas, bajo el amparo de múltiples instituciones y personas amantes de la buena música.
Según Escudero, esta temporada de conciertos (más de dos semanas) se fundamenta en la excelencia del “performance”, en la habilidad de convocar y presentar música de alta factura, protagonizada por intérpretes de gran competencia.

Los curadores han tenido el buen tino de inaugurar el evento con la presentación de la primera coreografía integral cubana de la bailarina y coreógrafa Sandra Ramy sobre la “Consagración de la Primavera” de Igor Stravinsky, donde se escuchó por primera vez en Cuba su versión para piano a cuatro manos.

En el mismo programa, ocupó la primera parte del concierto en el mismo escenario del Teatro Martí (1885) el estreno en Cuba de los Tres Preludios Sinfónicos para el “Edipo Rey de Sófocles” del italiano Ildebrando Pizzetti (1880-1968, en una transcripción para piano a cuatro manos de Mario Pilati.
El equipo de producción de este espectáculo único estuvo conformado por artistas muy comprometidos, que demostraron fehacientemente su potencial de talento creativo. Entre ellos, Luis Ernesto Doñas, cineasta autor de laureados documentales, quien puso su impronta en la original puesta en escena, con el efecto dialógico (con el piano sobre la escena) y el especular, con los grandes espejos instalados con pericia por el escenógrafo y diseñador de luces Guido Gali. Y sin duda, la elección de Abel Rojo, bailarín de danza contemporánea (invitado del grupo MalPaso), robusto y carismático, dotado de habilidades para la improvisación y la comunicación sin apartarse de los tempos y los armónicos endiablados de la magistral partitura de Stravinsky, en este material coreográfico minimalista.

Para el final, no por menos importantes, dos protagonistas de excepción, intérpretes relevantes en el Grand concert piano Steinway de este hermoso coliseo habanero, quienes entregaron su poderosa ejecución, coherente y precisa de esta obra portentosa y polémica del siglo XX. Son ellos: el italiano Alessandro Stella y el cubano Madrigal.

La poética conceptual que sostiene esta producción ha sido expresada en el programa de mano por la maestra Ramy: “No recordamos otro estado anterior a nuestro nombre. No conocemos más que ese acto de perpetuo sacrificio y consagración, una y otra vez nos entregamos a la dictadura de los otros, madres, padre, hermanos, amigos, enemigos, fantasmas. Todas ilusiones, entregadas cada uno al mismo gesto repetitivo frente al mismo espejo”. Esto está visualizado en el perpetuum mobile del danzante Abel Rojo.

Como dato curioso, hay otra versión de esta pieza, estrenada en 1980 y creada por Paul Taylor con el soporte musical de esta misma transcripción del autor para piano a dos manos, que denominó “The Rehearsal” (Rite of Spring), con abandono del rito pagano ruso, donde compone un melodrama detectivesco hollywoodense que fue muy bien recibido por la crítica y la audiencia norteamericana.

Malpaso estrenó en Cuba “Tabula rasa”, una de las tres primeras obras del coreógrafo Ohad Naharin, creada en 1986. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

La más joven compañía de danza contemporánea del archipiélago cubano, Malpaso -fundada hace solamente un lustro en la capital cubana por tres osados, testarudos e indomables  jóvenes lugareños-, sigue mostrando en cada representación la solvencia de las potencialidades físicas y técnicas de sus bailarines, empero están renuentes a menoscabar sus “estándares coreográficos”, que han sido los objetivos fundacionales de esta agrupación.

Para sustentar este objetivo confesado de la constante “renovación”, preferimos citar una nota en el programa de mano firmada por Fernando Sáez, director general y co-fundador de Malpaso, donde expresa: “no es (por tanto) obra del azar, de la pereza o el descuido, que el programa que presentamos (ahora en el habanero teatro Martí) incluya junto a las obras de coreógrafos célebres (o consagrados), las de (bailarines) debutantes en el oficio”.

La primera parte nos permitió valorar, “Ser”, una miniatura (10 min) firmada por la solista Beatriz García Díaz, escrita para dos parejas mixtas sobre la sugestiva música de Ezio Bossio (compositor mediático  en Europa), apoyado por inteligentes diseños de luces y vestuario de la propia coreógrafa y danzante de la pieza. De su coreografía reprochamos la ausencia aparente de un asidero conceptual que justifique las articulaciones atléticas, con la consiguiente disminución comunicacional con el auditorio. Esto será superado con la madurez de su talento.

Después de una breve pausa, subió a escena la creación de la coreógrafa canadiense Aszure Barton, “Vals Indomable” (27 min). Nos presentó una obra coral para diez bailarines mixtos co-comisionada por Dancecleveland y la Cleveland Foundation, producida merced al mecenazgo de la New England Foundation for the Arts´ National Dance Project y el apoyo de otras instituciones con sede en los Estados Unidos. Malpaso es una compañía asociada al Joyce Theatre Productions.
Aszure Barton, asistida por Jonathan Emanuel Alsberry, elaboró una pieza atrayente y dinámica donde hecha mano de la técnica del contact y de unos pocos elementos de ballet, para así aprovechar las posibilidades rítmicas y tímbricas que le proporcionan las diversas músicas elegidas  de compositores  tales como Alexander Balanescu, Michael Nyman y Nils Frahm, así como la producción escénica de Nicole Pearce, en las luces, y de Fritz Masten en los figurines. La solvencia ejecutoria de los danzantes quedó probada con creces, particularmente en las intervenciones de Daile Carrazana, Osnel Delgado y Fernando Benet.

Solo para bailarín, “El piso a cuestas”, de Abel Rojo, protagonizado por Osnel Delgado, director artístico de Malpaso. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

Tras otra breve pausa, las cortinas abrieron para mostrar bambalinas negras y por iluminación, una luz cenital al centro (según diseño de Guido Gali) donde podemos distinguir a medias un atlético bailarín todo de negro sobre una losa blanca: Abel Rojo, el solista y coreógrafo del solo “El Piso a Cuestas” (10 min intensos e hipnóticos). Sobre ese piso desmontable se desarrollan las acciones de este carismático bailarín de especial proyección escénica. Su desempeño se vio mermado, según pudimos conocer, por una lesión muscular en el ensayo precedente, no obstante, las ovaciones no se hicieron esperar al final. Señalemos que un elemento a su favor fue su elección de Les Gymnopédies, de Erik Satie, como soporte musical, aunque la originalidad de la pieza de Rojo está por verse.

Finalmente, luego de un prolongado intermedio, llegó el plato fuerte de esta temporada: el estreno en Cuba de “Tabula rasa” (1986), del afamado coreógrafo israelita Ohad Naharin (residente director de Batsheva Dance Company y creador de un nuevo método de improvisación denominado GAGA con vocabulario propio), nacido en 1952 en el seno de una familia de artistas con formación musical, que comenzó en la danza con 22 años cumplidos . “Tabula…”, una de sus tres primeras creaciones, fue la pieza elegida en común acuerdo por los codirectores Malpaso y el creador, teniendo en cuenta varios aspectos logísticos y estéticos, para ser interpretada por diez de los más solventes danzantes de la joven agrupación.

Para lograr esto, viajaron previamente a La Habana dos de sus asistentes: Matan David y Bret Easterling, que se entregaron día y noche al montaje de la obra, hasta la llegada de Naharin, quien trabajó intensas jornadas con todo el equipo para revisar, pulir  y precisar matices y detalles actualizados en los movimientos requeridos para conseguir  claridad en las complejas imbricaciones de sus bien estructurados 27 minutos de duración, apoyados por una perturbadora música de Arvo Part.
La entrega artística del cuerpo de baile mixto -implicado a fondo en la profunda dramaturgia de “Tabula rasa” -,  logró apresar  y comunicar  su intensa carga dramática: angustias, desesperanza, dolor espiritual y físico. Son algunos de los elementos referenciales y autobiográficos en la vida del autor que transpira la pieza en su discurso coreográfico: un accidente óseo que detuvo su carrera de bailarín clásico (estudió primero con Martha Graham y luego en la School of American Ballet) o la trágica muerte en 2001 de su primera esposa y asistente. El éxito quedó sellado con largas ovaciones en pie.

Igualmente, esta obra fue posible gracias al director ejecutivo del Joyce Theatre Foundation; Jerome L. Green Foundation en honor a Karen Brooks Hopkins, así como el apoyo de Susan Dickler y Sig  Van Raan.

El Ballet Nacional de Cuba presenta desde el 29 de mayo al 3 de junio dos clásicos: “Don Quijote” y “Giselle”. Foto: Carlos Quezada. Gentileza JFKC.

La capital federal de Estados Unidos, Washington D.C., acogerá el más grande evento cultural cubano que se realiza en los Estados Unidos de América, y uno de los más grandes que se han realizado en el Kennedy center en los últimos 10 años. Estarán representando todos los sectores artísticos unos 400 participantes, que incluye los jóvenes talentos residentes en la isla y otros invitados especiales residentes en el exterior, donde han alcanzado reconocimientos de relevancia internacional.

En una concurrida conferencia de prensa presidida por Fernando Rojas, viceministro cubano de cultura, subrayó que esta muestra -conformada con un centenar de eventos- “es indicadora de la voluntad de mi país de tender puentes” de concordia y entendimiento entre los pueblos de ambos países”. “Puedo asegurar que los artistas cubanos, añadió, serán portadores de los valores (legítimos) de nuestra cultura y de los deseos de favorecer en un clima de paz los intercambios en este campo”.

Esta primera gala en el Kennedy Center, el día 8 de mayo, estará a cargo de la veterana diva del Buena Vista Social Club, Omara Portuondo, quien encabezará un espectáculo, al que se sumarán afamados cultivadores del jazz latino como los pianistas Rolando Luna, Aldo López-Gavilán y Jorge Luis Pacheco (Pachequito), el virtuoso del saxo Yosvany Terry, la cantante Aymée Nuviola, la banda danzonera Miguel Failde  y la celebrada Orquesta sinfónica juvenil de la Universidad de las Artes, auspiciada por el Lyceum Mozartiano de Salzburgo.

La Compañía Irene Rodríguez, el 15 de mayo lleva el flamenco cubano al Terrace Theater. Foto: Christopher Jones. Gentileza JFKC.

La danza, en varios de sus géneros, estará a cargo de diversos grupos contemporáneos y folklóricos, así como la danza académica para cerrar la intensa programación representada por el Ballet Nacional de Cuba, que viajará a la capital estadounidense para ofrecer varias funciones sucesivas de dos de sus aplaudidas producciones de los grandes clásicos: “Don Quijote” y “Giselle” (en la laureada versión de su eximia ballerina y directora Alicia Alonso). Esta será la tercera vez que la compañía de Alonso suba al escenario de la Ópera House: sus precedentes visitas ocurrieron en 1978 y el 2011.

Además, la cartelera incluye una muestra de los clásicos del cine cubano, así como las recientes producciones cinematográficas laureadas en festivales internacionales del séptimo arte. Por si fuera poco, los diseñadores de moda y de vestuario teatral tendrán también su espacio, igualmente estarán presentes la típica gastronomía y coctelería cubana, las cuales podrán ser degustadas a partir de las elaboraciones in situ por los más destacados máster chefs de la Mayor de las Antillas.

Ocho salas teatrales y otros 22 espacios del Kennedy Center han sido puestos a la disposición de los cubanos para las presentaciones. La curadora del festival y vicepresidenta de Programación y Danza internacional de este complejo cultural, Alice Adams, declaró a “The Washington Post”: “Estados Unidos tiene en su ADN la música y las artes cubanas, y la posibilidad de verlo todo reunido aquí me fascina. La Isla es una exuberante mezcla de influencias –africana, europea, caribeña, de las dos Américas-, lo cual la convierte en una de las culturas más dinámicas del mundo”, apuntó.

Por su parte, el directivo cultural expresó que valoraba altamente el profesionalismo y la seriedad de las coordinaciones entre el Kennedy Center, las instituciones culturales cubanas involucradas en este magno evento y los artistas. “Debemos tener en cuenta las dificultades para los visados, pues la embajada de los Estados Unidos en La Habana tiene cerrado su consulado general. Todos los artistas han debido viajar a México para tramitar sus visados en la Sección consular de la embajada de Estados Unidos en la capital de la vecina nación”.
Los 70 miembros del Ballet Nacional de Cuba tuvieron que pasar cuatro días en la capital mexicana para retornar con su pasaporte visado. Igualmente dejó claro -en respuesta a un periodista-, que era una delegación ‘’de artistas’’, por lo tanto ‘’no era de carácter oficial’’, y por lo tanto, ningún alto funcionario gubernamental estaría al frente de ella, concluyó.

Igualmente, habrá funciones de la compañía MalPaso de danza contemporánea, y de flamenco por la agrupación dirigida por la destacada bailarina Irene Rodríguez.  Y como un acto de confraternidad: la archiconocida guajira Guantanamera, el19 de mayo, será cantada por una coral gigante integrada por aficionados norteamericanos de ambos sexos.

El 11 y 12 de mayo en el Eisenhower Theater la compañía de danza contemporánea MalPaso sube a escena tres obras de su repertorio. Foto: Bill Herbert. Gentileza JFKC.

“Incomitable Waltz” es el título de la pieza concebida por Aszure Barton para esta exitosa agrupación cubana. De solo 27 intensos minutos, fue realizada por ella en colaboración con los ocho bailarines que ejecutan con brillantez y pasión los encadenamientos de pasos que recrean las formas básicas del vals vienés, en su mayor parte con figuras predominantemente en la vertical, asistidos por su compatriota Jonathan E. Alsberry.

Es una pieza coral con hermosos movimientos líricos abstractos, que entrelazan una buena variedad de combinaciones genéricas, que alternan dúos, tríos o solos, hasta un final de todos, apoyados por un eficaz soporte musical aportado, que incluye fragmentos seleccionados a partir de obras de tres compositores: Alexandre Balonescu, Michael Nyman y Nils Frahm. Además, la puesta en escena fue concebida por diseñadores escénicos foráneos de reconocida experiencia, como Fritz Masten (vestuario, en los que predominan los amarillos, fucsia y bermellón), y en las luces Nicole E. Pearce (bombillas incandescentes colgantes sobre los danzantes). Esta obra ha sido posible merced al patrocinio del Proyecto de Danza de New England Foundation for the Arts.

Otras dos obras del repertorio completaron el primer programa, ambas concebidas por autores foráneos especialmente para este conjunto: “Bad Winter”, dúo de 13 minutos, del polifacético coreógrafo estadounidense Trey McIntyre, pensado sobre una intrigante y dinámica cinta musical interpretada por The Cinematic Orchestra & Arthur Tracey. Tanto los dúos como los solos fueron ejecutados con notable hondura emocional por Carla Araújo y Manuel Durán. El diseño de luces de Travis Richardson se mostró como un factor importante para el éxito de esta miniatura coreográfica.

Para el cierre de este programa, eligieron una coreografía del mediático afroamericano Ronald K. Brown, siempre interesado en validar las culturas ancestrales afro-norteamericanas, partiendo siempre de su formación en la danza contemporánea para luego elaborar una particular escritura coreográfica. En su pieza “Why You Follow” -de unos 24 minutos de duración-, Brown despliega con agudeza sus saberes de una manera diáfana en la manipulación de estos nueve dúctiles bailarines cubanos. Su inspirada creación tiene el eficiente soporte musical brindado por Open Hart “Looklit Africa” (Zap Mama); The Path “Yoruba Road” (Allenko Brotherhood); Commintment “En route to Motherland” (Godheaven and Juliano); Faithfully Forward “Kusase Mnandi”(Godheaven and Juliano).

Segunda vuelta

El coreógrafo Ronald K. Brown, presentó su obra “Why You Follow”, cuyo foco apunta a las culturas ancestrales afro-norteamericanas. Foto: Beatriz García. Gentileza Malpaso.

En el segundo programa, Malpaso ofreció la más reciente creación de Delgado: “Leones en las largas playas doradas”, una pieza de 60 minutos para toda una noche sin pausas, y como es regla, la escritura coreográfica de Delgado está desarrollada en colaboración con los bailarines. Esta producción fue originalmente comisionada por el Festival de Arte Luminato de Toronto, con patrocinio privado de Joan y Jerry Lozinski.

Una lograda puesta en escena minimalista, donde los altos niveles profesionales de la producción constituyen un valor fundamental para conseguir sus propósitos narrativos y de la dramaturgia. Entre ellos, el importante soporte musical con la partitura original y su dirección en vivo por el autor, el multipremiado (varios Grammy) Arturo O´Farrill; los diseños austeros y creativos del vestuario y de las luces por los afamados artistas Reid and Harriet y Al Crawford, respectivamente.

El amplio foso de orquesta de la Sala Lorca acomodó una formidable banda todos estrellas que incluyó instrumentistas excelentes, tales como Yasek Manzano (trompeta y fiscorno), Alejandro Falcón (piano), Michel Herrera (en los tres saxos), Héctor Quintana (guitarra clásica), entre otros jóvenes talentos de la percusión cubana.

En esta obra, Osnel Delgado se inspiró en la novela “El viejo y el mar” de  Ernest Hemingway, cuya acción se desarrolla en el ámbito de un pueblo pesquero, Cojímar, en las inmediaciones de la capital cubana, y cuya coreografía, la mayor parte del tiempo horizontal, está atenida a los principios de creación colectiva que definen a Malpaso. No se trata, aquí, de ilustrar la conocida novela, explica la nota al programa, sino de revisitar la anécdota en una aproximación metafórica a la mística y a sus temas fundamentales que atraviesan la poética de Hemingway: el triunfo de la voluntad, la defensa de la dignidad y el honor, la inutilidad de la victoria; y el espanto ante el carácter efímero.

El personaje protagonista, el viejo Santiago encarnado con pasión y carisma por Delgado, se afana en recrear los esencial con su coreografía y su estructura dramática que muestra la lucha de este veterano pescador “a solas en el mar inexorable con un pez enorme y esquivo”. Este mítico personaje está arropado todo el tiempo por nueve entregados y disciplinaos  bailarines de ambos sexos.
Malpaso es una compañía vinculada al Centro de Danza de la ciudad de La Habana y a la Fundación Luwig de Cuba, así como asociad al Joyce Theater Productions, una iniciativa del The Joyce Theater Foundation (NYC)  y el  Sunny Artist Management de Toronto, Canadá.

Danza Contemporánea de Cuba presentó la premiere de una obra de contenido político, “Heterodoxo”, de Annabel López-Ochoa. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

La danza contemporánea acapara las carteleras de la capital cubana estos dos primeros meses del año que comienza. Primeramente, una compañía norteamericana residente en Minnesota y, luego, dos compañías locales con sede en La Habana conquistaron el entusiasmo de un público heterogéneo, mayoritariamente juvenil, ávido de  novedosas propuestas. Los programas que se presentaron fueron acometidos con vigor, profesionalidad y pasión en cada uno de los variados títulos presentados. Ya sea por sus estilos coreográficos como por el discurso de los temas abordados en esta ocasión.

La compañía Zenon Dance, fundada y dirigida desde 1983 por Linda E. Andrews en Minneapolis, Minesota, pudo presentarse en el rescatado teatro Martí, poseedor de una hermosa sala de estilo italiano decimonónico. Esta agrupación estadounidense cuenta con un variado repertorio.

La presentación surgió a raíz del éxito de la obra “Coming Home” (Volver a casa), del coreógrafo cubano Osnel Delgado en agosto de 2014 en Minnesota. La compañía, a su vez, aprovechó su estancia habanera para “profundizar la conexión artística y cultural” con Delgado y su compañía Malpaso, como también con el público cubano.

La pieza de Osnel Delgado fue la más relevante (y aplaudida) del programa presentado aquí. En este “proceso creativo” entre un creador cubano y bailarines foráneos que recién se conocían, en solo diez días, fue acertado utilizar el pretexto de “jugar a la pelota”, es decir el baseball. Juego que, si bien nació en los Estados Unidos llegó a enraizarse en la isla a mitad del siglo XIX. Sin embargo, no constituye el tema central de “Coming Home”. En este desafío personal de Delgado, las tradiciones están presentes en las articulaciones del fraseo coreográfico, de enorme exigencia física, a la pasar del lirismo y lo vertiginoso, con la intención de recrear metafóricamente las posturas arquetípicas en la práctica del  béisbol. Delgado utiliza un soporte musical elaborado por él mismo.

En este programa se destaca también el dúo “My Very Empty Mouth” (Mi boca muy vacía), con coreografía de Wynn Fricke en colaboración con los bailarines, sobre música original de David Lang. Fricke entrega una pieza de claras referencias erótico-lésbicas de gran fuerza dramática, no exenta de una hermosa sensualidad y dominio corporal. El diseño de luces de Mike Grogan, mostró las astucias necesarias para delinear, en la brevedad de la obra, las sugestiones de Fricke.

La última obra fue una coreografía grupal de Danny Buraczeki, de 1999, con el sugerente título bíblico de “La Rueda de Ezequiel” (Ezekiel´s Wheel),  donde deslumbró la solista Mary Ann Bradley por su interpretación dramática y ejecución precisa al recrear corporalmente la voz icónica del poeta James Baldwin. La pieza se basa en una grabación en off de su elegía “Another Country”, apoyada por la banda sonora de Peter Jones a partir de los “Baldwin Blues” de Philip Hamilton. A pesar de los esfuerzos, las debilidades técnicas del cuerpo de baile no lograron hacer trascender la imagen bíblica sugerida por el coreógrafo. El movimiento circular de lucha y la búsqueda de la tolerancia en el discurso de Baldwin no llegó en toda su elocuencia.

Zenon Dance, de MInnesota, Estados Unidos, llevó a Cuba “Coming Home” de Osnel Delgado. Froto: Buby. Gentileza Buby.

Compañía de danza Malpaso

Nuevamente, el teatro Martí acogió el siguiente fin de semana a la compañía Malpaso, fundada hace menos de un lustro por el bailarín y coreógrafo Osnel Delgado. La agrupación, de corta andadura, ya es reconocida allende los mares, a tenor de la buena repercusión en los medios de comunicación especializados, dentro y fuera del país. Está auspiciada por la filial cubana de la germana Fundación Ludwig, por la Embajada de Noruega en Cuba, y otras entidades afincadas en la isla.

De las tres obras programadas para esta la primera temporada del grupo en 2016, “Bad Winter” del coreógrafo invitado Trey McIntyre era la novedad. McIntyre se formó como bailarín en la Academia de Ballet de Houston, pero muy pronto, en 1989, se desempeñó como coreógrafo aprendiz en esta misma institución. Después, al integrarse de lleno a la coreografía, desde 1995 logró estrenar piezas en compañías profesionales importantes de los Estados Unidos, hasta que decidió fundar en 2005 el Trey McIntyre Project. Actualmente,  ha enfocado su carrera hacia la experimentación en las artes visuales como documentalista.

La producción del dúo llamado “Bad Winter” estuvo encargado a un equipo estadounidense de experiencia y dominio de las nuevas tecnologías, eligiendo como soporte musical eficaz creaciones del The Cinematic Orchestra Arthur Tracy. Lo cual contribuyó a otorgar la adecuada relevancia a una serie de reiterada gestualidad, y así potenciar la interpretación de los solistas, a pesar de la brevedad de la pieza en cuestión.

Ha sido muy gratificante para los numerosos aficionados como a los especialistas rencontrarse y disfrutar de “Ocaso”, uno de los primeros dúos creados por Osnel Delgado para su agrupación, donde se lo vio en todo su potencia como intérprete. Junto él, la juvenil Daite Carrazana, elegante y precisa, sin menoscabo de su fuerza expresiva en su baile. Como cierre del espectáculo, otra obra apreciada de Delgado (con la colaboración de sus bailarines), “24 horas y un perro”, con el estupendo soporte musical del laureado pianista y compositor Arturo O´Farrill junto a su ensamble jazzístico, con arreglos de conocidos ritmos cubanos. Esta obra, estructurada en siete momentos rítmicos, es el resultado de una colaboración y complicidad artística entre el coreógrafo y el músico.

Danza Contemporánea de Cuba

El director de DCC, George Céspedes, recuperó para el repertorio su creación “Matria Etnocentra”. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Después de poco más de tres años ausentes de su escenario habitual, la Sala García Lorca del Gran teatro de La Habana Alicia Alonso  -por los motivos conocidos de su restauración y renovación-, la compañía Danza Contemporánea de Cuba (DCC), siempre bajo la  exigente dirección general del ex bailarín Miguel Iglesias, retorna con un atractivo programa. En esta primera temporada presentaron dos estrenos mundiales y tres reposiciones. Así como también, una nueva hornada juvenil de bailarines recién egresados de la Escuela Nacional de Danza, que -con urgencia- cubren las plazas abandonadas por una docena de antiguos miembros.

La joven coreógrafa colombo-belga Annabel López-Ochoa (actualmente requerida por varias importantes compañías de las cuatro esquinas del planeta), estuvo invitada para el montaje de una nueva pieza, e invirtió parte de su tiempo en el rescate de su precedente título, “Reversible”, asistida por la cubana Yoerlis Brunet. Esta última trabajó, igualmente, junto al coreógrafo George Céspedes en la recuperación para el repertorio de dos de sus creaciones: “Identidad – 1″ y “Matria Etnocentra”. Ambas con diseños grupales articulados matemáticamente, los cuales trascienden los tópicos al uso de los avatares de género, los juegos entre rivales, o las concepciones acerca del sentido de pertenencia nacional.

“Heterodoxo” (estreno mundial), según su autora López-Ochoa, es una pieza motivada por los recientes ataques cometidos en París, el pasado diciembre, por los grupos islamistas radicales vinculados al ISIS, que están insertados en la sociedad civil francesa, u otras de Europa.

Sobre la escena iluminada, están en pose 16 bailarines solistas de ambos sexos uniformados con vestimenta militar de camuflaje, los cuales se agitan vertiginosamente, luego en cámara lenta o con pasos marciales, diseñados por Vladimir Cuenca. En apenas 27 minutos, la atmósfera creada mantiene en vilo al espectador, con una mezcla de emociones angustiosas e inquietantes en desarrollo, hasta su desenlace imprevisible. El eficaz soporte musical resultó de un collage que incluyó piezas corales en creole, cubanas, y temas de películas, entre otras. La respuesta del público fue positiva, mas con un evidente acento de desconcierto.

El segundo estreno anunciado, “Cenit” de Laura Domingo –egresada de la Escuela nacional de ballet y dotada de un real talento para la escritura poética-, logra convencer con su talento para la creación de este trío de sólo siete minutos. Los tres bailarines, un hombre y dos mujeres, desarrollan coherentemente su discurso cual un ménage á trois. Si bien la paleta de su vocabulario revela su formación clásica, no se muestra encorsetada, y consigue explayarse a la hora de comunicar sentimientos, pasiones íntimas en esta concentrada miniatura coreográfica cargada de virtuosismo. Un punto a su favor ha sido la elección de la pieza para guitarra “La catedral”, del desaparecido genio paraguayo Agustín Barrios “Mangoré”.