Skylar Brandt (Tita) y Herman Cornejo (Pedro) en la obra de Christopher Wheeldon “Como agua para chocolate”. Foto: Emma Zordan. Gentileza: ABT

Mujeres que tejen, quizás, las intrincadas tramas de la vida. Mujeres que observan como testigos silenciosos. Mujeres que acompañan los destinos de una casa sumergida en tristezas y resentimiento, en opresión y en deseos ahogados.

Christopher Wheeldon abre la primera escena de “Como agua para chocolate” con estas mujeres solas sometidas a una madre que oculta su furia y sus postergaciones. El coreógrafo, con una gran sensibilidad narrativa, logra captar la esencia de esas mujeres que describe la autora mexicana Laura Esquivel en su novela del mismo nombre. Una suerte de semejanza a “La casa de Bernarda Alba” pintada por Federico García Lorca en las primeras décadas del siglo XX al igual que la temporalidad en la que se sitúa esta obra fantástica, desbordante, donde explotan los sentidos hasta romper los límites imaginables.

En su temporada en el Metropolitan Opera House, el American Ballet Theatre (ABT) presentó en Nueva York esta obra que ya había tenido su estreno mundial en 2023 en Costa Mesa, California, y que debutó a nivel mundial con el Royal Ballet en 2022. Wheeldon se animó al tremendo desafío de competir con la película estrenada en 1992 que dejó una huella indeleble en la memoria. Más allá de las diferencias entre el cine y el ballet, esta propuesta encuentra momentos de gran belleza y logra distanciarse de la película con vuelo propio.

Catherine Hurlin interpreta a Gertrudis en la pieza de Christopher Wheeldon en el Met de Nueva York. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Wheeldon desgrana con solvencia una trama en la que transitan varias generaciones, e incorpora magníficos elementos sobrenaturales de manera efectiva y convincente. Va creando la narrativa con fluidez y gran capacidad de síntesis. Con un lenguaje que se funde entre la danza-teatro y el ballet, describe las complejas situaciones por los que transita el argumento de esta novela. A eso se suma el aporte adicional de la partitura de Joby Talbot, que incorpora instrumentos tradicionales del folclore mexicano y a su vez, recoge ciertos elementos y efectos sonoros utilizados con frecuencia en la música de películas, y alcanza a crear climas sugerentes. Pero quizás lo más impactante de esta puesta en escena descanse en la magnífica escenografía de Bob Crowley, quien también recreó un vestuario adecuado para describir a los personajes y sus personalidades.

Pero por sobre todo, “Como agua para chocolate” propone un elenco impecable. Skylar Brandt y Herman Cornejo, como Tita y Pedro, reviven esos personajes cuyo amor y apasionamiento trascienden los límites puramente humanos. Brandt, hizo un estupendo y delicado trabajo actoral, y su interpretación logró mostrar la maduración de Tita a través del paso de los años. Cornejo, por su parte, un bailarín con una técnica impecable, compuso un Pedro intenso y, una vez más, se mostró como un magnífico partenaire, cuidadoso y atento. Ambos construyeron una adorable pareja protagónica.

Christine Shevchenko interpretó a la autoritaria, intransigente y violenta Mamá Elena con solvencia y convicción. Excelente su caracterización y su expresividad. Catherine Hurlin (Gertrudis) también hizo un magnífico trabajo, lanzó su sensualidad y su potencia en el primer acto cuando la comida de Tita despertó sus más profundos deseos, y en el segundo acto, ya convertida en revolucionaria.

Conmovedora y refinada Luciana Paris como Nacha, una pieza clave en la vida de Tita, tuvo un solo sublime en el primer acto, el cual mostró, a flor de piel, a esta estupenda bailarina cuya técnica y delicadeza le permiten transitar por todos los géneros y personajes. La ovación del final dio muestra del impacto de su actuación.

Mamá Elena, interpretada por Christine Shevchenko en “Como agua para chocolate”. Foto: Marty Sohl. gentileza ABT.

Chloe Misseldine, como Rosaura, encontró la frialdad justa para caracterizar a esta mujer cargada de represiones, sumisa y resentida. Casi secundario, pero igualmente importante, el rol de Thomas Forster como el Dr. John Brown que, en esta trama intrincada y compleja, adquiere mayor presencia en el desenlace. Wheeldon, con intuición narrativa, logró transitar con acierto esta novela compleja donde lo sobrenatural y lo terrenal se encuentran de manera constante. Sin embargo, cuando se trató de los protagonistas, sus pas de deux no alcanzaron a transmitir la verdadera esencia de la danza, ni esa pasión contenida de los amantes secretos, y se perdieron en poses, a veces, vacías.

Mientras, el cuerpo de baile solo acompaña algunas secuencias grupales como la boda de Rosaura y Pedro, la llegada de los revolucionarios y escenas callejeras. Cada elemento incorporado en esta puesta donde se mezclan imágenes audiovisuales y efectos lumínicos, tiene un simbolismo especial. Tal como ocurre en las escenas en las que las marionetas -mujeres que tejen- adquieren diferentes alturas, se acercan y se alejan de los personajes. O quizás, cuando las mujeres de blanco con las caras pintadas como calaveras en el Día de los muertos, se dan vuelta y sus vestidos son negros.

“Como agua para chocolate” propone un expedición al mundo de las emociones y las contradicciones humanas. Su puesta en escena es impactante y contundente para narrar esta inolvidable historia de amor y sufrimiento, cuya magia reside en la verdad oculta y en esa explosión de los sentidos y el deseo.

Celebrando los 25

Herman Cornejo en el saludo final de la función del 19 de julio. Foto: Emma Zordan. gentileza ABT.

El 19 de julio fue el día elegido para celebrar los 25 años con el ABT de Herman Cornejo. Antes de empezar la función, un cortometraje sobre el bailarín, testimonios de sus colegas y sus propias reflexiones marcaron el comienzo de una noche memorable.

El bailarín argentino, que se incorporó al ABT en 1998, se llevó el primer premio en el Octavo Concurso Internacional de Moscú cuando tenía 16 años, y fue el ganador más joven en la historia del concurso. Un año después se incorporó al ABT Studio Company como aprendiz, y en 1999 fue elegido para el papel del Ídolo de Bronce en la producción de “La Bayadera” de Natalia Makarova en Japón. Poco después, en 2000, fue ascendido a solista y en 2003 se convirtió en primer bailarín de la compañía. Después llegaron más reconocimientos: premio Bessie en 2013 y el Prix Benois de la Danse en 2014, entre otros.

Al terminar la función, una ovación de aplausos y de estupor resonó en la sala del Met. Los espectadores de cada uno de los rincones del teatro de pie celebraron a este magnifico bailarín. Sus compañeros, cargados de emoción también ovacionaban a Cornejo. Sin embargo, el bailarín, con una generosidad conmovedora, dejó sola a Skylar Brandt para que el público reconociera su magnífico trabajo. Pero quizás lo más emocionante de esa noche fue su abrazo y su reconocimiento a Luciana Paris, su amiga, su compañera de escenarios, su compañera en el ABT. Cornejo también la dejó sola, fue hacia atrás, mientras disfrutaba esa ovación que recibía la bailarina argentina.

Lágrimas, abrazos, flores, y por sobre todo, una enorme emoción ante un público que se resistía a abandonar el teatro y sacaba fotos en un intento de plasmar un momento irrepetible.

En el bosque de las Willis, el cuerpo de baile del ABT y Devon Teuscher (ctro.) en el rol de Mirtha en el Kennedy Center. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

“Giselle” es una de las obras clave de la historia del ballet, emblemática, y un desafío técnico y de interpretación. Cada bailarín pone su impronta personal, y quizás en ese punto se pueda distinguir esa sutil barrera que separa a los grandes bailarines de los verdaderos artistas.

A su vez, la pieza presenta una trama intrincada, con connotaciones psicológicas que ponen en juego los valores morales, la pasión y la entrega, deviene en un debate emocional entre el perdón, la justicia y el amor en todas sus aristas.

La versión que subió a escena el American Ballet Theatre (ABT) en su breve temporada -del 11 al 16 de febrero- en el Kennedy Center de Washington DC, con puesta en escena del director de la compañía, Kevin McKenzie, permite un desarrollo especial de sus personajes tanto principales como secundarios. Pero básicamente, abre una puerta para que los intérpretes se internen en lo más profundo de esos seres que, como Albrecht y Giselle crecen a través de la historia.

La noche del estreno de “Giselle” por el American Ballet Theatre tuvo como protagonista a la bailarina principal Hee Seo como Giselle. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Estrenada en 1841 en la Ópera de París, “Giselle” es un ballet en dos actos con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli, y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy. Basado en la obra “De l’Allemagne” (1835) de Heinrich Heine, la obra introduce a las Willis, esos personajes sobrenaturales que representan el espíritu de las doncellas que fueron traicionadas antes de su boda y murieron inmersas en la locura y la desolación.

El ABT presentó por primera vez este ballet en 1940 en el Center Theatre de Nueva York. Una segunda producción en 1946 en el Brodway Theatre, puso a Alicia Alonso en la cima de la danza de Nueva York. Finalmente, la compañía tuvo su sexta producción en 1987, estrenada en Los Ángeles con Marianna Tcherkassky como Giselle y McKenzie como Albretch.

La historia se centra en tres personajes fundamentales: Giselle la campesina enamorada de Albretch, un noble que pretende ser campesino para conquistar su amor; Hilarion, el joven aldeano que, despechado por el rechazo de Giselle, descubre el engaño de Albretch y provoca que la joven enloquezca y muera.

La noche del estreno tuvo en los protagónicos a Hee Seo como Giselle y Cory Stearns, como Albretch. Ambos impecables en la técnica y en la precisión. Hilarion, encarado en la noche del estreno en Washington por Roman Zhurbin se mostró como un bailarín sólido y expresivo. Al igual que Andrii Ishchuck, que cubrió el mismo rol en la noche del 13 de febrero en la que los protagonistas fueron Herman Cornejo y la solista Skylar Brandt. Ambos en una interpretación conmovedora e intensa.

En el primer acto, Seo y Stearns, hacen una pareja agradable, con un impecable despliegue técnico, y en el segundo, el acto blanco, cuando Albrecht, arrepentido, llega hasta la tumba de Giselle y juega con el espíritu de la doncella muerta, ambos muestran una gran solvencia. No obstante, la intensidad de la comunicación entre ambos bailarines estuvo ausente.

Una composición diferente, con otra óptica, fue la encarada por Cornejo para su Albrecht. Mientras Stearns parece acercarse a Giselle solo como una diversión y con sus gestos asegura a Mathilde, su prometida, que fue solo una locura, Cornejo no puede ocultar su enamoramiento hacia Giselle.

Luciana Paris mostró su calidad como bailarina en el Pas de Paisan del primer acto en la primera noche, y como Moyna el 13 de febrero. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

El cuerpo de baile de la compañía, atractivo y dinámico en el primer acto, fue sublime y bello en el acto blanco, donde las Willis, en arabesque, se desplazan, en ese bosque hechizado en el que los hombres que osan entrar en él mueren atrapados por las Willis vengativas. Devon Teuscher y Christine Shevchenko (el 11 y el 13 respectivamente), como Mirtha, hicieron un excelente trabajo, al igual que Katherine Williams y Luciana Paris (Moyna) y Stephanie Williams y Cassandra Trenary (Zulma). Paris también volvió a mostrar su calidad como bailarina y su habitual vitalidad en el primer acto (el 11 de febrero) cuando junto a Gabe Stoine Shayer interpretó el Pas de Paisan.

Brandt, quien reemplazó a Misty Coopeland debido a una lesión, conformó una dupla entrañable con Cornejo en el primer acto el 13 de febrero. Frescos, jóvenes, enamorados, ambos bailan juntos con enorme soltura. Partenaire impecable, Cornejo puso especial cuidado en la joven bailarina con potencial para estos roles. Brandt se sumergió en el acto de la locura, clave en este primer acto, con intensidad y fuerza expresiva.

Cornejo, en una interpretación memorable, deja fluir la danza con precisión, cuidado, perfección y gozo. En el acto blanco, Brandt y Cornejo transitaron con sutileza impecable el pas de deux y cada una de las escenas en el reino de las Willis.

Ver a Cornejo en escena confirma, una vez más, que los verdaderos artistas, los que dejan huella, los que son capaces de despertar las emociones más profundas de iniciados y neófitos, son pocos. Y Cornejo es uno de ellos.

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En la noche de la premiere, el 27 de enero, Isabella Boylston y Joseph Gorak fueron los protagonistas de “La bella durmiente” de Alexei Ratmansky en el Kennedy Center de DC. Foto: MIRA. Gentileza JFKC

El miércoles 27 Washington fue un caos después de la tormenta de nieve que azotó la ciudad un par de días atrás, y paralizó actividades y tránsito. Y en medio de ese pandemónium: el estreno de “La bella durmiente” de Alexei Ratmansky en el Opera House del Kennedy Center. Muchos, llegaron después del primer intervalo para formar parte de esta nueva producción del American Ballet Theatre, dirigido por Kevin McKenzie.

Una puesta espectacular, magnificente, con un despliegue exuberante de lujo y oropeles que sitúa la pieza en el siglo XIV. La opulencia de la escenografía y del vestuario se traduce en pesados decorados, sedas, brocados, lamé, plumas, inmensos e incómodos sombreros y pelucas estilo Luis XV, producto de la realización de Richard Hudson, ganador de un premio Tony por la escenografía y vestuario en “The Lion King”. Basada en los decorados creados para la puesta de 1921 de Leon Bakst para Ballets Russes, la producción está despojada del clásico tutú, que cambió su aspecto en una suerte de falda tipo campana armada por varias capas de tela, pesada, pero bonita. El cuerpo de baile, ataviado con zapatos de tacón y colorido vestuario, en algunas secuencias.

La brillante iluminación de James F. Ingalls colabora en esta puesta pomposa en la que la gestualidad cumple un rol importante en la narración de la historia. Ratmansky se apoyó en las notaciones posteriores al estreno de 1890 en San Petersburgo, con música de Piotr I. Tchaikovsky, y recuperó esos elementos originales de la danza y la puesta. Muy pocas puntas, excepto en las variaciones de las hadas, las de las piedras preciosas y en las danzas de los protagonistas.

El príncipe Désiré, en el segundo acto, sólo se limita a hacer gestos y a servir de partenaire de Aurora en la escena de la aparición, y en el tercero, despliega una gran batería de complejos saltos. En ningún momento, durante el segundo acto, el rol masculino tiene alguna secuencia en la que el bailarín pueda lucirse en destreza y calidad.

La maléfica Carabosse cobra protagonismo especial en el primer acto de “La bella durmiente” en la producción del ABT: Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

En la noche del estreno, Isabella Boylston y Joseph Gorak fueron los protagonistas, mientras Marcelo Gomes, la malvada Carabosse. Quizás, una elección desafortunada para una noche de estreno, ya que quizás hubieran hecho falta bailarines con mayor presencia escénica para los roles principales. Gorak, fue un desangelado príncipe Desiré, y a Boylston, aún le falta un largo camino para hacer sentir su presencia en un rol principal y mostrar fluidez en su danza.

Durante la función del sábado 30 por la noche, Sarah Lane y Herman Cornejo se convirtieron en Aurora y Desiré, mientras que Nancy Raffa fue Carabosse, y Devon Teuscher, el Hada de las Lilas. Lane, si bien tiene cierto encanto y frescura, y es sólida como bailarina, aún le quedan por trabajar sus equilibrios (algo notorio en el famoso Adagio de la Rosa del primer acto), y ciertos aspectos actorales. Por fortuna estaba Cornejo como partenaire, un bailarín extraordinario que, aún en un costado del escenario y sin bailar, hace notar su presencia escénica. Brillante y perfecto en la variación del tercer acto, en la Boda. Con su magnífico estilo, sus saltos precisos y silenciosos como un terciopelo, Cornejo, al igual que Gomes, son casi una “especie” de bailarines que están en extinción. Ellos tienen esa conjunción que permite ver a un verdadero artista en el escenario, con una perfección que también ha caído en desuso.

De las bailarinas solistas que interpretaron a las hadas que llegan con sus regalos al bautismo de la recién nacida Aurora, Luciana Paris (el hada de la flor de trigo, o de la prosperidad), mostró esa refinada calidad como bailarina, y al mismo tiempo su maravilloso encanto y su intensidad en la interpretación. Para esta bailarina no hay papeles chicos o grandes. Tal como ocurrió en las funciones del 27 y 30 de enero, donde también se convirtió en una Condesa extremadamente comprometida con su personaje a la hora de intentar seducir al príncipe Desiré en el Acto II.

En la función del penúltimo día del mes, Stella Abrera y James Whiteside, estuvieron espléndidos en las variaciones de Pájaro Azul. Y Elina Miettinen hizo una encantadora y seductora gata blanca. El cuerpo de baile, aunque desparejo en algunas líneas, hizo un excelente trabajo. Y la puesta en sí, no dejó de deslumbrar. Pero habría que preguntarse hasta qué punto, logró conmover.

La gala de apertura del ABT llevará a escena la reposición de un clásico de Twyla Tharp, “The Brahms-Haydn Variations”. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Con la circular que el American Ballet Theatre (ABT) acaba de enviar  a la prensa sobre la temporada otoñal que ofrecerá en el Koch Theatre del Lincoln Center de Nueva York, se descorre la cortina de un nuevo ciclo. Desde el 21 de octubre hasta el 1 de noviembre, la compañía arremeterá con una troupe renovada. Aunque posiblemente se noten las ausencias de las tres principales que se retiraron en el verano, Julie Kent, Xiomara Reyes y Paloma Herrera.

La presencia de obras de afamados coreógrafos actuales y de algunos que ya forman parte de la historia de la danza y que han dejado su valioso  legado, forman parte de una programación compuesta por una diversidad de estilos. Muchas de las piezas que llegan al Koch son de “colección”, y tienen un valor incalculable

A esto se suman las promociones anunciadas al finalizar la temporada de verano, que abren un nuevo abanico de solistas y bailarines principales. Aunque el director de la compañía, Kevin McKenzie, también optó por conservar a algunas de las estrellas. Ese es el caso de Marcelo Gomes, partenaire como pocos, que ahora también está fijando su interés en la coreografía.

“Aftereffects”, con música de Peter I. Tchaikovsky, es una de las creaciones de Gomes incluida en la programación. Tampoco faltará en esta temporada otra de las estrellas del ABT, el argentino Herman Cornejo, que también está incursionando en la coreografía.

La argentina Luciana Paris, solista del ABT, en “Company B” de Paul Taylor. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

La gala de apertura llevará a escena la reposición de un clásico de Twyla Tharp, “The Brahms-Haydn Variations”, que tendrá como protagonista a Sarah Lane, Daniil Simkin, Gillian Murphy y Cornejo. Y también marca el debut en esta obra de Isabella Boylston, Alban Lendorf, Maria Kochetkova, James Whiteside, Christine Shevchenko y Joseph Gorak. Misty Copeland, Sterling Baca, Luciana Paris, Arron Scott, Stephanie Williams, Blaine Hoven, April Giangeruso, Calvin Royal III, Skylar Brandt y Craig Salstein interpretarán por primera vez la pieza de Tharp el 24 de octubre.

En la primera noche también suben a escena, de Frederick Ashton, “Monotones I and II”, con música de Erik Satie, y un estreno de Mark Morris, con música de Johann Nepomuk Hummel.

George Balanchine, con su “Valse Fantasie”, estará representado en esta temporada. A la lista de trabajos sobresalientes que componen la corta programación, un infaltable: “Espectro de la Rosa”, de Michel Fokine, con música de Carl Maria von Weber.

No obstante, hay más clásicos, y Alexei Ratmansky aparece entre estos con “Piano Concerto #1”, una coreografía sobre  el  Concierto de Piano No. 1 de Dmtri Shostakovitch.  Y entre los contemporáneos, se destaca  por derecho propio, Paul Taylor, con la simpática y entretenida obra “Company B”, que lleva el acompañamiento del trio de las Hermanas Andrews, quienes fueron famosas durante los años de la segunda guerra mundial.
Una pieza antibélica por excelencia, “La mesa verde”, del incuestionable director y coreógrafo alemán, Kurt Jooss, vuelve a la escena. Ganadora de grandes aplausos y buenas críticas, en el momento en que fue estrenada, 1932, su argumento hizo clara referencia a la complicada situación de la desigualdad entre los países de Europa, que no lograban ponerse de acuerdo, mientras los Nazis comenzaban a cobrar cierto protagonismo.

En 1933, la obra se presentó por primera vez en Nueva York. En 1940, Jooss llevó “La mesa verde” a La Habana, bajo contrato con Pro-Arte Musical; luego, volvió a los Estados Unidos en 1967 a través del Joffrey Ballet. Y en la temporada 2005, pasó a integrar el repertorio del ABT. En el rol principal, La Muerte, que en su estreno mundial fue interpretado por el mismo Jooss, en el teatro Koch aparecerá Gomes.

Las entradas ya están a la venta y muchos de los balletómanos ocuparon los primeros puestos en la fila frente a la taquilla.

Informes
www.abt.org.
212-496-0600

El ABT anunció cambios y ascensos en sus filas, y promociones de Solistas y Principales. Foto: Rosalie O’Connor. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Al finalizar la temporada primavera-verano de 2015, Kevin McKenzie, director artístico del American Ballet Theater (ABT) anunció varias promociones que sucederán a partir de septiembre de este mismo año.

Después de 25 años con el ABT, Julie Kent se despidió de la compañía el 20 de junio en el Met. Foto: Marty Sohl. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Dos privilegiadas subieron un escalón para convertirse en Principales, e igualmente, hubo varios nuevos Solistas. Las Principales son Stella Abrera, y Misty Copeland. Otros dos nombres se incorporan a la compañía como principales, Maria Kochetkova, que acaba de dejar el San Francisco Ballet, y Alban Lendorf, hasta ahora, Principal del Royal Danish Ballet.

Y entre los Solistas,  además de Skylar Brandt, Thomas Forster, Arron Scott y Cassandra Trenary, el nombre de Luciana Paris brilla por lo que siempre muestra en el escenario, que la hace  merecedora de la promoción, y que a esta altura de su carrera, ya deberían haberla ascendido a principal hace varios años. No por antigüedad sino por méritos propios y por tesón de trabajo.

Luciana Paris, ascendida a Solista del ABT, brilla por lo que siempre muestra en el escenario. Foto: Lucas Chilczuk. Gentileza Luciana Paris.

Copeland ha sabido aprovechar muy bien su futuro estrellato apareciendo constantemente en la televisión, en medios gráficos y en la radio. Una campaña publicitaria que comenzó el año pasado, casi al final de la temporada del ABT en el Metropolitan Opera House, con el lanzamiento de su autobiografía, “Life in Motion” (Ver Danzahoy ) y su aparición en varios medios de prensa. Momento que sirvió también para que Copeland reciba varios premios y distinciones por su trayectoria y su esfuerzo por vencer la adversidad de una vida azarosa.

Se ve muy bien que tiene una-un agente que sabe qué puerta tocar, pues no solamente estuvo en  las  noticias de última hora anunciando su ascenso, sino también en programas como “The View” dirigido por Whoopie Goldberg. Allí le echó mano a la muy usada y peligrosa carta racial, que no necesita comentario ni entra en discusión.

A los 36 años, Misty Copeland, asumirá roles de Principal en el ABT a partir de la temporada 2015-2016. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Copeland ha llegado a la categoría de Principal a los 36 años, una edad en la que ya muchas bailarinas empiezan a pensar en el retiro. Y poco es el tiempo que le queda para ser considerada “estrella”. Algo diferente a lo que ella ha conseguido.

Por lo contrario, Abrera no ha buscado publicidad sino que parece se ha quedado tranquila,  esperando poder gozar de su nueva posición cuando comience la corta temporada del próximo otoño. Si bien es cierto que hace largo tiempo que la bailarina viene esperando este ascenso.

Por ese tema viene a la mente una bailarina Rusa, Veronica Part, de alta estatura y bastante peso que sorprendió a todos los que les interesa el ballet cuando la hicieron Principal. Muy pocos bailarines del elenco podían cargarla, pero hay que recordar un dicho que explica lo siguiente: “Suerte te de  Dios porque  el saber nada te vale”. Part tuvo un magnífico padrino en Sergei Ratmansky, coreógrafo y artista en residencia del ABT, y ruso como ella.

Las que se fueron

Este final de temporada marcó también el retiro de tres bailarinas Principales que hicieron época en la compañía y colaboraron para darle el brillo y el prestigio internacional que hasta hoy tiene. Dos de ellas fueron “casi” obligadas a colgar las zapatillas: la cubana Xiomara Reyes y Julie Kent. Paloma Herrera ya había anunciado su retiro al cumplir sus 20 años con el ABT. Y si bien no le dejaron escoger la obra para su despedida, la bailarina optó por una función de “Giselle”, en la matiné.

Paloma Herrera anunció su retiro en 2014 y se despidió del Met y del ABT el 27 de mayo de 2015. Foto: Gene Schiavonne. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

“Yo no soy un ballet, yo no soy una función. Yo soy toda una carrera -manifestó en una entrevista-. Por eso dije: ¿no hay otra opción? Pues tengo que cerrar con ‘Giselle’”. Es una ética, es una forma de vida”. Y también remarcó durante varias entrevistas: “Si yo no doy el ejemplo, ¿quién lo va a dar? Uno hace una carrera así por lo verdadero que uno quiere, no por el glamur, por la fiesta, por estar en los medios o por querer ser famoso. Yo amo lo que hago y es lo único que me importó siempre. Así me voy a ir”.

La bailarina argentina fue la primera latina en llegar a ser principal a los 19 años. Y en aquel momento, no hubo un campaña publicitaria, ni agente de prensa que la llevara a todos los canales de televisión, ya que por entonces los latinos eran minoría y también tenían un espacio relegado.

Herrera formó parte de la generación de José Manuel Carreño y Ángel Corella, a los que se sumaron luego Xiomara Reyes, Marcelo Gomes, Herman Cornejo, Carmen Corella, Erica Cornejo, la uruguaya María Riccetto y Luciana Paris. Todos ellos compartieron escena con otros grandes como Ethan Stiefel, Vladimir Malahkov, Nina Ananiashvili, Alessandra Ferri. Y el ABT era “la Meca” de muchos bailarines del mundo.

Una de las favoritas del público, Xiomara Reyes, dejó el ABT, el 27 de mayo. Junto a Herman Cornejo en “Don Quijote”. Foto: MIRA. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

El mismo día de la despedida de Herrera, y con el mismo ballet, “Giselle”, Reyes dejó el ABT por la noche. Con dolor y resignación.

Una mano muy fuerte dio el empujón final también a Kent, que aunque tenía la edad como para retirarse, y ya estaba pensando en cuándo sería el momento, aun lo que bailaba lo hacía con extrema gracia y seguridad. Respecto a Reyes, aun le faltaban unos años para decir adiós a un público que la adoraba.

Pero citando otro dicho: “así son las cosas y basta”. Ya el tiempo lo dirá qué pasará con este barco al que la directora ejecutiva, y capitana, Rachel Moore, acaba de abandonar para convertirse en la CEO del The Music Center de Los Ángeles, California. Un cambio que podría resultar oportuno para ella, y de dudoso beneficio para el ABT que ahora tendrá que navegar con menos tripulantes y muy pocos avezados.

BalletNow, con la curaduría del italiano Roberto Bolle y del argentino Herman Cornejo, reúne reconocidos bailarines internacionales. Foto: (izq.) Roberto Bolle, por Luciano Romano. (der.) Herman Cornejo, por Lucas Chilczuk.

Un nuevo capítulo en la programación de danza de The Music Center de Los Ángeles, centro reconocido por sus ciclos de ballet y danza contemporánea. Esta vez, Europa y América latina se funden en un abanico de estilos y tendencias con los mejores de cada continente. Con el estreno mundial del ciclo BalletNow™, que se realizará desde el viernes 10 al domingo 12 de julio, el ballet tendrá una cita memorable.

Por primera vez, y con la curaduría de dos grandes de la danza internacional, el italiano Roberto Bolle y el argentino Herman Cornejo, ambos primeros bailarines del American Ballet Theatre, BalletNow™, propone una gran diversidad de obras. Bolle y Cornejo han formado un ensamble internacional con 18 de los mejores bailarines de 12 países, en tres presentaciones diferentes que se realizarán por primera vez en The Music Center y en el sur de California.

El 10 de julio, en el Dorothy Chandler Pavilion de The Music Center se presentarán artistas europeos seleccionados por Bolle, mientras que en la segunda noche, lo hará el grupo latinoamericano, con curaduría de Cornejo. Para la tercera función final del 12 de julio, está preparado un show que reúne a la mayoría de los bailarines de las presentaciones anteriores.

The Music Center co-produce el programa europeo y el tercer programa junto a Arts Producer Plus LLC (Richard Kielar, director) y Artedanza s.r.l. (Emanuela Bolle,directoral). Y el latinoamericano,es una producción exclusiva de Arts Producer Plus LLC.

BalletNow es una combinación de clásicos, solos y pas de deux, las más renovadas propuestas contemporáneas, estrenos mundiales y estrenos especiales para la Costa Oeste. El programa propuesto por Bolle será una mezcla de obras clásicas, neoclásicas y contemporáneas. Y él mismo estrenará en Los Ángeles “Prototype”, con coreografía de Massimiliano Volpini y música de Piero Salvatori, que incluye efectos digitales de Xchanges Visual effects. Bolle, Étoile del Teatro alla Scala de Milán, también bailará “Passage” -estreno en los Estados Unidos-, con coreografía de Marco Pelle, y música y video de Fabrizio Ferri. ”Passage” fue presentado por primera vez en el Festival de Cine de Venecia en Italia en 2014.

Cornejo, por su parte, ideó un programa con fuerte toque latino, incluida la presentación “Tango y Yo”, que también será estreno en la Costa Oeste, cuya premier la hizo el Ballet Hispanico en New York en 2010. El bailarín argentino su vez estrenará otra coreografía propia, “Fuga y Misterio”, con música de Astor Piazzolla.

El programa se completará con una serie de pas de deux y variaciones de la versión de Cornejo de “Don Quixote Suite”. El colombiano Carlos Molina creó su versión del pas de deux de “Carmen”, que será uno de los estrenos mundiales, y también presentará el estreno de su versión del pas de deux de “Spartacus”.

Paloma Herrera, que acaba de retirarse del American Ballet Theatre, hará también su despedida en la Costa Oeste el sábado 11 de julio. En esta oportunidad bailará junto al argentino Juan Pablo Ledo el pas de deux de “Verano Porteño”, obra que pertenece a “Cuatro Estaciones de Buenos Aires”, con coreografía de Mauricio Wainrot, y en la segunda parte, el pas de deux “Nuestros Valses”, de Vicente Nebrada.

BalletNow: bailarines

Estrellas de Europa
Roberto Bolle, Étoile Teatro alla Scala de Milan y principal del American Ballet Theatre. (de Italia)
Petra Conti, principal del Boston Ballet, Boston (de Italia)
Marlon Dino, principal del Bayerisches Staatsballett de Munich (de Albania)
Maria Eichwald, bailarín invitado, y ex principal del Suttgart Ballet de Alemania (from Kazakhstan)
Maria Kochetkova, principal del San Francisco Ballet (de Rusia)
Lucia Lacarra, principal del Bayerisches Staatsballett de Munich (de España)
Marijn Rademaker, principal del Dutch National Ballet de Amsterdam (de Holanda)
Henry Sidford, San Francisco Ballet (de los Estados Unidos)
Dinu Tamazlacaru, principal del Staatsballett Berlin (de Moldavia)

Estrella latinas

Herman Cornejo, principal del American Ballet Theatre. (de Argentina)
Paulo Arrais, principal del Boston Ballet (de Brazil)
Mary Carmen Catoya, artista invitada, ex principal del Miami City Ballet. (de Venezuela)
Erica Cornejo, principal del Boston Ballet (de Argentina)
Paloma Herrera, principal del American Ballet Theatre. (de Argentina)
Juan Pablo Ledo, principal del Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires (de Argentina)
Carlos Molina, artista invitado, ex principal del Boston Ballet. (de Colombia)
Luciana Paris, solista del American Ballet Theatre (de Argentina)
Kleber Rebello, principal del Miami City Ballet (de Brasil)
Viengsay Valdes, principal del Ballet Nacional de Cuba (de Cuba)

Hacer clic aquí para ver el programa completo.

La presentación de Marianela Núñez junto a James Whiteside en el Metropolitan Opera House de Nueva York, cerró la temporada del ABT: Foto: MIRA. Gentileza ABT.

Con música de Sergei Prokofiev y con la sutil y minuciosa coreografía de Frederick Ashton, basada en el cuento tradicional de Charles Perrault, “La Cenicienta”, cerró la temporada primavera-verano del American Ballet Theatre (ABT) en el Metropolitan Opera House. La compañía dirigida por Kevin McKenzie presentó la obra desde el 29 de junio al 4 de julio con distintos repartos.

Tres principales del ABT, Hee Seo, Gilliam Murphy y Stella Abrera (recién ascendida) compartieron protagónicos con la bailarina invitada del Royal Ballet of London, la argentina Marianela Núñez, cuya trayectoria es más conocida en Europa y Sudamérica que en los Estados Unidos. Como pez en el agua, Núñez retomó una obra que forma parte del repertorio de la compañía a la que pertenece y en el que ha incursionado en varias temporadas en el Coven Garden de Londres.

En esta versión tan especial Frederic Ashton, visionario en su época, utilizó un elemento simbólico importante: hombres interpretando el rol de las hermanas de Cenicienta. Esta puesta realizada en 1948, y estrenada por el Sadler’s Wells Ballet en el Coven Garden, tuvo como protagonistas a Moira Shearer y a Michael Sornes, y el mismo Ashton, junto con Robert Helpman, cubrió el papel de las hermanastras.

James Whiteside del ABT y Marianela Núñez del Royal Ballet of London en los protagónicos de “La cenicienta” de Frederick Ashton. Foto: MIRA. Gentileza ABT.

Para el ABT, Mikhail Baryshnikov montó su coreografía en 1983, y le siguieron otras dos producciones, la de Ben Stevenson (1996) y la de James Kudelka (2006). Esta puesta de Ashton comenzó a integrar el repertorio de la compañía en junio de 2014.

La presentación de Marianela Núñez en el rol de Cenicienta creó cierta expectativa, ya que fue la primera presentación con la compañía estadounidense. Junto a ella, James Whiteside, que fue quien estrenó esta versión para el ABT en 2014.

Núñez, dueña de una gran plasticidad y musicalidad, brilló en el segundo acto, en la escena del palacio, con sus magníficos giros, sus pirouettes y sus sólidas puntas. Pero a la impecable y sutil técnica se suma una encantadora personalidad que se ajusta al rol y la convierte en un personaje real. Su delicado trabajo actoral permite descubrir cada uno de sus estados de ánimo, especialmente en las escenas en las que debe defenderse de sus brutales hermanastras, o en las que se aferra a la protección de un padre debilitado y sometido a sus hijas adoptivas.

Ashton, con sus delicadas coreografías y ambientaciones, tiene una paleta mágica para pintar personajes y delinear situaciones. La armonía de los pasos que ha creado, son dibujados por Núñez y Whiteside con perfección y fortaleza.

El resto del reparto contó con Veronika Part como el hada madrina, prolija y discreta. Sarah Lane, cubrió el rol del hada de primavera; Stephanie Williams, el hada de verano; Luciana Paris, fue el hada de otoño, y el hada de invierno, April Giangeruso, miembro del cuerpo de baile. Las cuatro hadas, entre ellas Paris, recién ascendida a solista, después de un desempeño más que meritorio durante largas temporadas, hicieron un estupendo y delicado trabajo en cada una de las variaciones.

El Bufón que animó la fiesta del palacio, interpretado por Craig Salstein, hizo un excelente desempeño. Brillante en sus “split-jetés” y en su graciosa gestualidad.

Y un capítulo especial merecen Kenneth Easter y Thomas Forster que tejieron maravillas en la composición de las hermanastras. Ambos dejaron fluir sus cualidades de clowns y construyeron dos personajes magníficos, divertidos y atractivos. Imperdibles.

Ormsby Wilkins, al frente de la orquesta, logró hacer maravillas con la intrincada partitura de Prokofiev. Con maestría, hizo sonar la orquesta con brillantez y precisión.

El alto nivel de danza de la última noche de la temporada y el magnífico vestuario de David Walker, se amalgamaron con una bella escenografía, creada por Brad Fields, en la que cada escena adquiere personalidad propia.

Herman Cornejo y Sarah Lane protagonistas de la nueva producción del ABT de “La bella durmiente” de Alexei Ratmansky. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

George Balanchine cuenta en su  libro “New Complete Stories of the Great  Ballets”, la forma en que tanto el escritor como quien crea los pasos de una obra coreográfica realizan su trabajo. El gran maestro estimaba que podían variarse la combinación de palabras o de los pasos usados al tratar de revivir una joya.

Este caso se aplica al nuevo trabajo de Alexei Ratmansky en su más reciente obra coreográfica; “La bella  durmiente”. Ratmansky,  como otros maestros, ha puesto sus manos en una joya que data de 1890. Original de Marius Petipa, con música del glorioso compositor Piotr I. Tchaikovsky, se presentó por primera vez en el Teatro  Mariinsky de San Petersburgo, y está basada en el cuento de Charles Perrault, “La Belle au bois dormant”.

Sobriedad y elegancia caracterizan a este nuevo ballet que Ratmansky creó para el American Ballet Theatre (ABT) en esta temporada, y que hizo su debut en Los Ángeles y en Washington, DC, antes de llegar al Metropolitan Opera House de Nueva York. Ratmansky conservó el título que le dio Petipa, y también la estructura de estricto clasicismo.

Un gran acierto ha conseguido Richard Hudson (escenógrafo y vestuarista) con sus pinturas, inspiradas en las de Leon Bakst. La escenografía, egregia y señorial, se caracterizó por bellos decorados, y magníficos telones que servían de nexo, en algunos casos, entre escena y escena. Todos los telones de boca dieron al enorme escenario del Met más profundidad y anchura. El vestuario, por su parte, obliga a insistir en la belleza.

La terminación de las fiestas de la boda de “La bella durmiente”, permitió al ABT mostrar el alto nivel de la compañía. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Buen gusto y elegancia, sin exageraciones, caracterizó la coreografía de este clásico que llega a este siglo XXI con gran pureza. El coreógrafo no necesitó excentricidades en las vueltas, ni en la elevación de las piernas en los arabesques para hacer una puesta deslumbrante. El elenco femenino que estrenó la obra en el siglo XIX, con Carlota Brianza y Pavel Gerdt en los papeles principales, pasaría sus apuros con las puntas y otros pasos de esta versión.

Sarah Lane tuvo a su cargo el rol de Aurora en la noche del jueves 10 de junio. Lane es menuda, no obstante puede dominar sus brazos con total facilidad y delicadeza. Por otra parte, puede girar sin exageraciones y con precisión.

El príncipe Desiree fue Herman Cornejo, un verdadero príncipe en la danza. Ya Cornejo ha sido reconocido por su elegancia, y por el dominio que puede tener en los roles que interpreta. Un bailarín preciso, con magníficos saltos y una delicadeza al caer pocas veces vista.

Un beso que el príncipe dio a la durmiente Aurora sirvió para despertarla del castigo que le impuso el hada mala, Carabosse.

La celebración de los esponsales en el acto final, dio oportunidad a infinidad de danzas diferentes. Entre las más importantes pueden incluirse las del pas de trois. Entre las hadas que llegan a entregar sus ofrendas y cualidades para la recién nacida, y que la protegen durante su tránsito de cien años dormida en el palacio, se destacaron el hada de plata, Luciana Paris, y el hada de Zafiro, Gemma Bond.

El famoso pas de deux del pájaro azul estuvo representado por  Gabe Stone Shayer, acompañado por Misty Coopeland.

La terminación de las fiestas de la boda dio la oportunidad a que Aurora y su Desiree también bailaran. Aquí la danza llegó a su máxima expresión por la excelente calidad de los intérpretes.
Ratmansky no cambio los pasos, sólo los trajo la era moderna, y dejó paso a la tecnología que después de más de un siglo desplazó a la artesanía.

La orquesta, bajo la batuta de David Lamarche recibió muy merecidos aplausos, también dirigidos al ABT completo y a Kevin McKenzie, su director artístico.

Una lluvia de flores, lágrimas, abrazos y reverencias para la despedida de Paloma herrera del ABT en el Met. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Cuando Paloma Herrera anunció el año pasado que 2015 sería su último año como bailarina, quedó un profundo silencio contenido. Y de alguna manera, dio paso a pensar que se estaba extinguiendo una generación de bailarines que hicieron honor a la profesión y a la cultura del trabajo, más allá del arte y de los dones naturales.

A teatro lleno, Herrera dejó su último suspiro en el escenario del Metropolitan Opera House de Nueva York el 27 de mayo, y se fue, quizás, en el mejor momento de su carrera. También cerró su última temporada con el American Ballet Theatre (ABT), compañía donde creció y se formó como profesional desde los 15 años.

La audiencia, vio la última “Giselle” de Paloma Herrera, junto al italiano Roberto Bolle. Una “Giselle” que quedará en la retina, en el corazón y debajo de la piel de cada uno de los espectadores.

Así como en 2007 Bolle acompañó en su despedida del Metropolitan a Alessandra Ferri, y como hace pocas semanas fue partenaire de Aurelie Dupont en su adiós al Ballet de la Opera de París, esta vez, fue el elegido de Herrera.

Paloma Herrera y Roberto Bolle, protagonistas de “Giselle”, en la función del 27 de mayo, matiné. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Y si la “Giselle” del año anterior con Cory Stearns fue memorable, la “Giselle” con Bolle fue, sencillamente, gloriosa. De esas funciones que se convierten en algo inolvidable, y donde las emociones, también son inolvidables. Una bella y sutil mezcla de arte, perfección técnica y talento.

En su Giselle, Herrera supo encontrar la frescura de una campesina enamorada, y la locura más desoladora cuando advirtió, a través de Hilarion, el engaño de su amado. Terrenal, y etérea al convertirse en espíritu, la bailarina se sumergió dentro de su alma y desde allí dejó surgir a su Giselle.

El Albrecht de Bolle jugó como un adolescente en la primera parte hasta tomar conciencia del drama de la muerte de su amada. Y en la segunda, magnífico partenaire y hombre desesperado por la pérdida, cargó su culpa hasta la tumba de Giselle. Herrera y Bolle parecían respirar juntos en cada movimiento, en cada pasaje del pas de deux del acto blanco. Si hubiera una palabra que superara a “perfección”, ésa sería la que más se adaptaría a una descripción verbal.

Las imágenes que ambos bailarines lograron juntos, se quedarán en la memoria para siempre. Y más aún, los intensos y conmovedores sollozos de Bolle al caer desolado sobre las flores blancas que había depositado ante la tumba de su amada.

Bolle es uno de esos intérpretes que posee el porte justo para este personaje. Es un actor intenso, y un bailarín con estilo, líneas admirables, y técnica es impecable. Particularmente en aquella tarde, hizo un despliegue técnico asombroso con su serie de seis entrechats, que difícilmente haya superado algún otro bailarín.

Herrera deslizó con sutileza su delicada musicalidad, su cuidadoso trabajo de puntas con esos maravillosos pies, así como su indeleble port de bras. Su escena de la locura logró una intensidad veraz y arrolladora. Y sus variaciones, tanto en el primer acto como en el segundo, despertaron ovaciones sostenidas. Tierna y enamorada, Herrera, mostró, una vez más su impecable técnica, cuidada, depurada al máximo. Sólida, y casi transparente, en el acto blanco marcó sus perfectos equilibrios.

Bolle parece ser el elegido por las grandes bailarinas al retirarse. Hace algunas semanas acompañó a Aurelie Dupond en su despedida del Ballet de la Opera de Paris, y en 2007, lo hizo en el Met con la inolvidable Alessandra Ferri. Bailarín impecable, limpio, con un porte atractivo y una madurez actoral importante para este tipo de roles.

Ambos se robaron la escena con su magnetismo y su impecable trabajo. De haber bailado más tiempo juntos, se hubieran convertido en una de las inolvidables parejas de la historia de la danza. Y si existiera la pareja perfecta, ésta lo sería.

La versión del ABT, con puesta en escena del director de la compañía, Kevin McKenzie, permite un desarrollo especial de sus personajes secundarios, que no siempre aparece en otras versiones. Sin embargo, en aquella tarde, la intensidad de los protagonistas obnubiló el resto de una puesta equilibrada y bella.

Hilarion, encarado en esta oportunidad por Thomas Forster, al igual que en la función de 2014 con Herrera-Stearn, combina con acierto la actuación sin exageraciones y su calidad como bailarín.

No obstante, hubo otros bailarines que quisieron compartir esta última función de “Paloma”, como le gritaba, incansable, el público desde la platea. La argentina Luciana Paris, que a la noche hizo Moyna, en la función de despedida de Xiomara Reyes, fue Bathilde, la prometida de Albrecht que descubre, con indignación, la traición del conde con Giselle. Paris, además de ser una excelente bailarina –que merecería salir alguna vez de cuerpo de baile, ya que asume desde hace tiempo roles de solista–, también es una magnífica actriz. Y puso indignación y arrogancia a esta Bathilde, que generalmente, aparece desdibujada.

La indiscutible ballet mistress Susana Jones, también dio el presente en esta despedida como Berthe, la madre de Giselle. Al igual que Victor Barbee (Príncipe de Courland), director artístico asociado de la compañía y esposo de Julie Kent, otra de las tres grandes del ABT que se retira este año.

El cuerpo de baile hizo un bello acto  blanco, especialmente en la escena en que las Willis se desplazan al unísono, en arabesque penche. Skyliar Brandt, una joven y delicada bailarina, protagonizó un interesante pas de deux en el pas de paisanos. No así Arron Scott, su compañero, que marcó ciertas desprolijidades en los cierres.

Cuando terminó la función, el teatro se vino abajo en aplausos, flores que volaban desde la platea al escenario, pétalos que caían desde el techo, mientras cada una de las bailarinas del cuerpo de baile llevaba una flor blanca a los pies de Herrera. Uno a uno, sus compañeros, sus partenaires de muchos años, su preparadora, Irina Kolpakova, Natalia Makarova, y su entrañable compañero de ruta, Ángel Corella, actual director del Pennsylvania Ballet, depositaron un enorme ramo de flores a los pies de la bailarina que, a esa altura, no podía contener su emoción. Y para el final, su madre, con un ramo de rosas blancas.

Detrás de la escena

Hee Seo y Marcelo Gomes, del ABT, en el Koch del Lincoln Center de Nueva York. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

El comienzo no pudo ser más atractivo: un estreno y dos reposiciones modernas, con trazos de ballet clásico, — del cual son autores coreógrafos muy bien cotizados en el momento actual— , más un estreno mundial y ya con  eso no podía pedirse más.

La corta temporada del American Ballet Theater (ABT) en el amplio teatro Koch del Lincoln Center de Nueva York, para comenzar este programa, presentó una obra  original de Jiri Kylian, titulada “Sinfonietta· sobre música de Leos Janacek dividida en siete movimientos. La obra lleva un vasto coro de hombres y dos bailarinas; no obstante, son los bailarines los que se llevan la gloria al comenzar, lanzándose al tablado con extrema facilidad y elegancia, que mereció un fuerte aplauso.

En los movimientos que continuaron, aparecieron Julie Kent, próxima a retirarse, con magnifica sutileza, al bailar secundada por el varonil y elegante Marcelo Gomes, mientras prosiguieron en solos, el dinámico Daniil Simkin con la exquisita Luciana Paris —que ya merece tener una promoción—, y la pareja formada por Craig Salstein y Cassandra Trenary. A esto siguió un magnífico grupo en el que se destacaron James Whiteside, la exelente giradora Gillian Murphy, con Alexei Aboudine, José Sebastián y un pequeño grupo del cuerpo de baile que dieron a la obra un contexto muy especial  y relevante, sobre todo al sonido de las trompetas impuesto por su potente sonoridad.

La premier mundial de la pieza llamada “With a Chance or Rain” (Quizás haya lluvia) se debe al bailarín inglés Liam Scarlett, sobre música de Rachmaninoff, (diferentes Preludios y una Elegía) que tuvieron a su cargo cuatro parejas: Isabella Boylston con Cory Stears, Sarah Lane y Thomas Forster, Luciana Paris con Eric Tamm., y Stephanie Williams acompañada de Sterling Baca. Algunos con escasa ropa y otros con el vestuario regular de bailarines, que respondieron a la magnífica interpretación de Emily Wong al piano, con ardor y apasionamiento.

Poco se sabía del coreógrafo en estos lares, pero según notas del programa, se ha entrenado con excelentes profesores y coreógrafos. Ha recibido infinidad de premios, y ya, retirado de sus labores como bailarín desde 2012, ocupa la importante posición de Artista en Residencia del Real Ballet de Londres.

Fue importante denotar a los nuevos intérpretes, si bien no es de dudar con los cambios que ha sufrido la compañía, con el retiro de tres de sus mejores bailarinas principales — Paloma Herrera, Xiomara Reyes y Julie Kent— , no sea factor de duda que pronto, algunos de ellos, pasarán a principales, pues bien se lo merecen.

La noche terminó con “Fourteen Diversions”, de Wheeldon, otro de los nuevos y magníficos coreógrafos del momento actual. En esta pieza apareció en rol de importancia Misty Copeland, además de Joseph Gorak, Hee Seo, Marcelo Gomes, Stella Abrera, Thomaas Forster, DevonTeuscher. Calvin Royal III y un nutrido grupo del cuerpo de baile, en interesantes y muy buena interpretación sobre música de Benjamin Britten para mano izquierda, con la relevante maestría de Barbara Bilach al piano, y la orquesta bajo la batuta de Charkes Barker. Todo fue bello e interesante, como para no olvidarlo jamás.

Otro de los programas ofrecidos esa noche, comenzó con “Raymonda Divertissements”, en el cual, como pareja principal, se distinguieron por su excelente trabajo Hee Seo y James Whiteside.

“Bach Partita” de la muy moderna Twyla Tharp, que siguió, es un trabajo clásico a la vez que moderno, con una novedosa pareja principal, Misty Copeland y James Whiteside, y otra formada por la Gillian Murphy y el no menos excelente Marcelo Gomes.

El programa dio fin con una reliquia del pasado: “Gaité Parissienne”, sobre música de Offenbach y coreografí de Leonide Massine para el Ballet Russe de Montecarlo, hace ya varias décadas. Un ballet de mucho colorido para divertir. Los muchos personajes que incluyen tuvieron esa noche a Veronica Part como The Flower Girl (La Joven de las Flores). Part es una bailarina que le da a los roles que interpreta cierta calidad dramática muy acertada, sin caer en melodrama.

El simpático papel del Peruano estuvo a cargo del estupendo Herman Cornejo, muy simpático, como el rol y la obra requerían. Hubo un Can Can, por el excelente coro femenino que el ABT posee. La temporada resultó demasiado corta, de solamente dos semanas. Ahora los amantes de ese divino arte que es la danza clásica, tendrán que esperar ansiosamente a la primavera para ver al ABT en el Met del Lincoln Center.