La primera noche de “Lago de los cisnes” tuvo como protagonistas a Isabella Boylston y al brasileño Daniel Camargo. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

“Lago de los cisnes” es, sin duda, uno de los clásicos a los que siempre se vuelve. Un acabado de la vida y sus contradicciones. Un ballet conmovedor que despierta todos los sentidos y se inserta en el alma.

La versión de Kevin McKenzie -sobre la de Marius Petipa y Lev Ivanov de 1895, estrenada en San Petersburgo- de este clásico en dos actos y dos escenas, que el American Ballet Theatre (ABT) trajo al Opera House del Kennedy Center de Washington DC desde el 21 al 25 de febrero, reúne todos los elementos necesarios para ser una de esas piezas insoslayables de la compañía. Un cuerpo de baile sólido y entusiasta, solistas impecables y comprometidos con cada rol, y protagonistas de alto nivel y sensibilidad integran esta ecuación cuyo resultado es una obra de gran intensidad y belleza.

Si bien hay una diversidad de versiones de este clásico, la de McKenzie, cuyo estreno mundial fue en el Metropolitan Opera House en 2000 con Susan Jaffe y José Manuel Carreño, narra en su prólogo la forma en que Odette fue capturada por el malvado hechicero von Rothbart quien, en su intento por obtener el amor de la princesa, la embruja y la convierte en un cisne que queda atrapado en sus dominios. La función de apertura, protagonizada por Isabella Boylston como Odette/Odile, y por el brasileño Daniel Camargo como Sigfrido, tuvo momentos intensos, que indudablemente se refuerzan con una bella coreografía y la música incomparable de Piotr Illych Tchaikowsky.

Boylston y Camargo hicieron un muy buen trabajo, con momentos conmovedores y de alto nivel técnico. No obstante, la profunda emoción que genera el pas de deux del acto blanco estuvo ausente. También estuvo ausente ese refinamiento y perfección en el suave braceo del cisne de Boylston.

Camargo interpretó un tibio Sigfrido, ajustado a las exigencias técnicas de una coreografía compleja. Preciso, a tempo, cuidado, pero sin emoción. Aún en el final del Acto III, cuando descubre la trampa de von Rothbart con el propósito de proteger el hechizo y mantener cautiva a Odette. Allí estaba en juego romper el maleficio a través del amor verdadero. No parecía lo mismo para este Sigfrido encarnado por Camargo.

Un excelente trabajo del cuerpo de baile en el acto blanco donde los cisnes, en la penumbra del lago, salen durante la noche bajo la luz de la luna.

El tercer acto situado en el palacio, durante el gran baile destinado a que Sigfrido encuentre a la princesa para casarse, incluye danzas folclóricas tradicionales como zardas, mazurcas, danzas napolitanas y españolas. Allí aparece von Rothbart, desdoblado aquí en un atractivo y maquiavélico personaje y encarnado por Jose Sebastian, un bailarín con fuerte personalidad y atractiva presencia. Con aire dramático y amenazador llega al palacio para quebrar el pacto de amor entre Sigfrido y Odette. Sebastian realizó una excelente variación y mostró su calidad como bailarín de la compañía.

La clave de este acto es el famoso pas de deux del Cisne Negro, encarnado por Odile, esta suerte de Alter Ego de Odette. Una coreografía que pone a prueba a cualquier bailarina tanto en la destreza técnica como en la interpretación. Boylston cubrió esas expectativas, si bien faltó algo de trabajo actoral sobre un personaje que difiere enormemente de Odette.

El hechizo de Herman Cornejo

El sábado matiné en el Opera House del Kennedy Center los roles principales estuvieron cubiertos por Herman Cornejo y Skylar Brant. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

El sábado matiné, tuvo como protagonistas de este “Lago…” a Herman Cornejo y a Skylar Brant. Una función cargada de emoción en la que ambos bailarines lograron un ensamble perfecto: técnica excelente, comprensión particular del drama de los personajes, emoción, sensibilidad y talento. Algo poco frecuente de encontrar.

Cornejo parece dibujar la música en el aire. Sus giros, sus saltos, silenciosos y perfectos, hablan de un bailarín con cualidades especiales. Excelente como partenaire, junto a Brant lograron un pas de deux conmovedor en el acto blanco. Brant con un port de bras magnífico, sutiles movimientos de cabeza, no hizo otra cosa más que asemejarse a un cisne en busca de su libertad a través del amor verdadero.

Fue en el tercer acto donde se lanzó con fouettes dobles que hicieron bramar a la platea. Allí su Odile fue la encarnación del mal, dispuesta a engañar a ese Sigfrido casi inocente y consternado. Cornejo y Brant, volvieron a deslumbrar en un acto en el que sí se advirtieron las diferencias entre ambos cisnes que, de alguna forma, representan la lucha entre las fuerzas del bien y del mal. Una función memorable que permitió observar el talento de varios solistas y cuerpo de baile.

Jake Roxander, como Benno, el amigo del príncipe se destacó con su actuación, con su personalidad entusiasta y su ajustada técnica. Su personaje fue sencillamente brillante al igual que el von Rothbart que compuso Andrii Ishchuk, cuya precisión en los saltos y en su variación fue impecable, al tiempo que puso un toque de humor displicente y malvado.

Una trama sumamente atrapante, elementos mágicos poderosos, dilemas morales y psicológicos, un gran despliegue escenográfico, danza pura, y belleza absoluta componen este “Lago de los cisnes” del American Ballet Theater.

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Anette Delgado y Dani Hernández protagonizaron “Cascanueces” en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso. Foto gentileza BNC.

El Ballet Nacional de Cuba, el orgullo indisputable de la Mayor de las Antillas, estrena nueva directora general desde el primer día del año 2020 y así da inicio una nueva era, cuando el nombramiento oficial de la primera bailarina Viengsay Valdés fue proclamado -antes de comenzar la representación de “Cascanueces”-, por el ministro cubano de cultura AlpidioAlonso, en el escenario de la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso. La respuesta jubilatoria del auditorio no fue de sorpresa, sino de aprobación y reconocimiento. una confirmación de los aficionados al ballet ante la acertada elección artística y política.

Esta re-creación de Alicia Alonso del magistral clásico “Cascanueces”, planteada en dos actos y tres escenas, fue estrenada en noviembre de 1998, durante las celebraciones del aniversario 50 de la mayor compañía de ballet de la isla en el XVI Festival internacional de ballet de La Habana.

En aquel entonces hicimos referencia a las múltiples versiones existentes (más de 50), de este icónico título de los grandes clásicos decimonónicos del repertorio, el cual cuenta con un libreto de Marius Petipa y coreografia asumida “in extremis” por Lev Ivánov (mano derecha del maestro francés, quien se declaró “enfermo” poco antes del estreno fijado por el Mariinski). Petipa partió, para su guión, de una traducción francesa de Alexndre Dumas, cometiendo la “traición” (traduttore tradittore) de convertir a los enigmáticos y terroríficos personajes concebidos por el alemán E.T.A. Hoffmann (en su cuento de 1819, “El cascanueces y el rey de los ratones), en inofensivos muñecos, en simpáticos ratoncitos, dulces y copos de nieve, sin olvidar la inclusión de hadas y caballeros, al uso en los exitosos ballets “fairy” de esas épocas, tanto en Francia como en Rusia.

La primera versión conocida en occidente data de 1934, llegada de la mano del maitre de ballet ruso Nicolás Sergéyev, debido al valioso rescate de sus cuadernos conteniendo las anotaciones a partir de la definitiva puesta en escena por Ivánov. Desde 1900, ha “sufrido” al cabo de un centenar de años revisiones que van desde las más convencionales hasta las más contemporáneas, pasando por otras que acentuaron los aspectos psicodramáticos de la trama narrativa hoffmaniana. Es indudable que la coreografía de este ballet sigue siendo un reto para los coreógrafos del siglo XXI.

El Ballet Nacional de Cuba empieza el 2020 con un cuerpo de baile juvenil interpretando personajes clave de este clásico del ballet. Foto gentileza BNC.

Para comentar sobre las bondades de la versión de Alicia Alonso en este ballet, me permito reproducir un pertinente párrafo que nos ofrece el abundante y lujoso programa de mano, correspondiente a este ciclo repositor, de varias semanas (diciembre-enero). La Alonso fue una intérprete brillante de los grandes pas de deux de este título: el de la Reina de las nieves y el Hada Garapiñada, que bailó por ves primera en 1945, en tanto que estrella del Ballet Theatre y, ulteriormente, los bailó en la versión de Alexandra Fedórova con el Ballet Ruso de Montecarlo, en 1957 (la bailarina cubana confesó que era “esencialmente” idéntico al de Sergéyev).

Según publicó en la revista Cuba en el Ballet (1999), el crítico y pedagogo Ismael Albelo Oti, la filosofía de la Alonso apela a un recurso moderno en la re-creación de los clásicos tradicionales, préstamo de ese gran clásico de la modernidad que fue Igor Stravinski: “la verdadera tradición es aquella que actúa como una fuerza viva que anima e informa el presente, y no la que llega a nosotros como testimonio de un pasado cumplido”.

En el libro “Diálogos con la danza”, la propia Alonso ha expresado: “Cada época produce formas artísticas peculiares, que responden a un modo de vida y a un momento determinado en la evolución del lenguaje artístico (…) determinado por el desarrollo histórico de la técnica y los modos expresivos. Cuando surge un creador verdadero, el ballet se enriquece; cada aportación artística genuina sobrevive a su autor y se proyecta al futuro, integrada a esa gran tradición”. Por ende, el “Cascanueces” de la Alonso desea, a toda costa, preservar la tradición, esa que Ivánov aprendió de Petipa (sic).

Aquí se restituye la magistral escena de los copos de nieve y su brillante pas de deux (actualmente no aparecen en las producciones más representadas). Los pasajes dominados por las pantomimas fueron aligerados, al remplazarlos con bailables de todo el cuerpo de baile y de los solistas. Por consiguiente, Alicia Alonso “pretende dar su visión estética del clasicismo ruso, dentro de los moldes conservadores y los respetados cánones de la escuela cubana de ballet”, apunta Albelo Oti.

Las nuevas directivas, acusan una sabia ejecutoria en el dominio artístico-técnico, si tenemos en cuenta el porcentaje mayoritariamente juvenil del cuerpo de baile actual de la compañía (edad promedio de 22 años), los cuales estrenan personajes claves de la narración. Valdés, quien posee sobrada experiencia con este título del repertorio, se ha rodeado de un equipo con reconocida veteranía para aportar sus saberes. Mas no bastó este esfuerzo local y decidió invitar al virtuoso bailarín argentino Julio Bocca (ex primera figura del ABT y exdirector de compañías suramericanas de ballet), para colaborar en la revisión de los ensayos del cuerpo de baile y en los ajustes estilísticos para la ejecución correcta de los fundamentales grands pas de deux con los primeros bailarines alternantes y los solistas, para clarificar los matices definitorios de los perfiles dramatúrgicos.

En general, la producción mostró una sensible mejoría en el diseño de luces, particularmente en las escenas del primer acto, como es el caso la escena de los copos de nieve que contó con la disciplinada participación de la escolanía del GTH, colocada a ambos lados de la escena de la Sala García Lorca. El vestuario del italiano Fiorato ha sido desempolvado en gran parte, recobrando lucimiento. En cambio, de la escenografía no podemos decir lo mismo. Sigue evidente su deterioro en el segundo acto, tampoco la iluminación pudo enmascararlo.

La Orquesta sinfónica del GTHAA, desde el foso, bajo la batuta del maestro Yhovani Duarte, su director titular, se desempeñó encomiásticamente en la entrega de esta esplendorosa y difícil partitura de Tchaikovski, una de las últimas que escribió para ballet. Las ejecuciones no olvidaron su papel de acompañante de bailarines en movimiento con especificidades dramáticas, sin embargo, algunas desafinaciones pasajeras fueron sutilmente presentes. Conocemos de la existencia de recién graduados juveniles como integrantes de los atriles del conjunto, que acometían por vez primera estas partituras.

Y en el cierre final del telón, estallaron las ovaciones en pie por varios minutos. Esto permitió observar que otra impronta de la Alonso, tiene su continuidad “ad honorem” de la nueva directora general: la primera bailarina Viengsay Valdés, que no bailó en esta temporada de “Cascanueces”, salió a saludar junto con el elenco que se desempeñó la última noche, segura del importante legado que debe defender en adelante.

En esta ocasión, se destacaron a lo largo del ciclo, los primeros bailarines Anette Delgado, Grettel Morejón, Dani Hernández y Rafael Quenedit; los bailarines principales Ginett Moncho, Chanell Cabrera y Yankiel Vázquez; entre los primeros solistas Daniela Gómez, Katherine Ochoa, Chavela Riera y Diego Tápanes, así como dos bisoños promisorios en Diana Menéndez y Alejandro Olivera, tanto por su desempeño técnico-estilístico como por el histrionismo revelado en sus respectivos roles. Haciendo un aparte, para hacer justicia, al señalar el trabajo integral escénico del primer bailarín de carácter Ernesto Díaz, interpretando con notable presencia y evidentes matices su desdoblamiento como el invitado Drosselmeyer.

Viengsay Valdes (ctro.) en su primer saludo como directora general del Ballet Nacional de Cuba junto a los intérpretes de “Cascanueces” en versión de Alicia Alonso. Foto gentileza BNC.

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The Royal Ballet realizó seis funciones de su flamante recreación de “El lago de los cisnes”, en El Tearro Real de Madrid. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Veinte años han transcurrido desde la última visita de The Royal Ballet de Londres al Teatro Real de Madrid y, para el retorno, la casa británica apostó por su último y reciente éxito: la nueva versión del coreógrafo Liam Scarlett sobre el original de la entente Marius Petipa-Lev Ivanov, “El lago de los cisnes” (1895). El coliseo madrileño acogió seis funciones del clásico convertido en todo un icono sinónimo de ballet, gracias a las que la formación presentó un amplio abanico de elencos protagonistas, destacando las representaciones inaugural y de clausura, a cargo de la argentina Marianela Núñez y del ruso Vadim Muntagirov.

The Royal Ballet consiguió agotar las entradas de todas las veladas y, sobre todo, convirtió su espléndida apuesta en todo un evento cultural imprescindible en el verano madrileño. Versiones sobre “El lago de los cisnes” del tándem Petipa-Ivanov ha habido, hay y habrá muchas a lo largo de la historia de la danza, pues es un reto para cualquier coreógrafo intentar ofrecer su punto de vista sobre una de las obras referenciales del gran repertorio clásico. El director del Royal Ballet, Kevin O’Hare deseaba contar con una producción del clásico para la actual generación de la casa británica con la cual renovar la versión de Anthony Dowell (1987), que llevaba treinta años en el repertorio del Royal Ballet. Por ello, encargó al coreógrafo en alza Liam Scarlett su propia lectura, estrenada con éxito el pasado mes de mayo. El creador inglés clarifica el perfil de algunos personajes de la trama e intenta humanizar al malvado Von Rothbart, y mantiene la estructura tradicional de la obra, con sus cuatro actos, siendo su especial aportación una reelaboración del último, menos gótico y más narrativo.

Marianela Núñez y Vadim Muntagirov, bailarines de The Royal Ballet, fueron los protagonistas de la primera y última noche de “El Lago de los cisnes”. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real

Otra de las innovaciones consiste en situar el primer y tercer acto, en la época victoriana, a finales del siglo XIX. Firmada por John Macfarlane, la impecable producción de vestuario y escenografía transporta al espectador a la corte inglesa decimonónica y, cómo no, al celebérrimo lago en que transcurren los bellísimos actos de ballet blanco. Además, la impronta británica se acentúa con el mantenimiento de la compleja danza napolitana de sir Frederick Ashton, en el tercer acto. Debido a ese especial acento británico, las actuaciones en Madrid suponían, también, una gran prueba de fuego para la obra, al tratarse de las primeras funciones en el extranjero que permitían comprobar la reacción del público foráneo ante esta propuesta, trufada con muchos guiños hacia la cultura británica.

Los papeles protagónicos fueron interpretados en la noche de estreno por la nueva pareja talismán de la compañía británica: Marianela Núñez y Vadim Muntagirov. La argentina está viviendo un momento dulce de su carrera, que se percibe en el aplomo con el que aborda el rol dual de Odette/Odile: profundidad de sentimiento con sus ondulantes aleteos de brazos como Cisne Blanco, frente a seguridad, magnetismo y fuerte técnica en el Cisne Negro. Apodado ‘Vadream’, “porque es un sueño bailar con él”, el ruso es la viva estampa del danseur noble: excelente partenaire, magníficas líneas y límpida técnica, gracias a la que flota en cada salto.

Siempre es de agradecer la música en directo, en este caso, con la inmortal partitura de Tchaikovsky de la mano de Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la batuta de Koen Kessels, gracias a lo que el espectáculo adquirió más empaque. Por encima de una producción impecable hasta el más mínimo detalle, para todo balletómano, disfrutar de un espectáculo de una de las compañías más relevantes del mundo es una ocasión única de puro deleite. En este caso, el completo compromiso por sacar adelante la versión óptima del espectáculo de cada miembro de la casa británica -desde el bailarín de Cuerpo de Baile hasta la estrella- explica el porqué del prestigio del Royal Ballet. Ocho minutos de aplausos con el público del Teatro Real de Madrid en pie sirvieron para certificar el éxito del afamada compañía con “El lago de los cisnes” más británico de los últimos tiempos.

The Royal Ballet subió a escena una renovada puesta de Liam Scarlett de “El lago de los cisnes”, la cual reemplaza la de 1987 de Anthony Dowell. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real

The Washington Ballet, dirigido por Julie Kent, se presenta en el Warner Theater hasta el 24 de diciembre. Foto: Theo Kossenas. Gentileza TWB.

A fines de noviembre, justo en la semana de Acción de Gracias, Lara Asch debutó como uno de los ratoncitos de “Cascanueces”, con el Kansas City Ballet en el Kennedy Center de Washington DC, y en otras funciones, también fue uno delos polichinelas escapados de la gran falda de Mother Ginger. Casi una semana después, Sofía Bentolila, en Lansdowne Resort, Leesburg, Virginia, hizo su primer “Cascanueces”, con el Ravel Dance Studio.

Lara y Sofía, compañeras de cuarto grado en la Escuela Argentina de Washington, durante varios meses dividieron su tiempo entre la danza, algo que las apasiona; la escuela “americana”, como suelen llamarla, y el aprendizaje del español durante cuatro horas los sábados por la mañana. Para las dos, al igual que para muchos otros niños que año tras año participan de esta obra tradicional de la Navidad, es una experiencia especial, y hasta inolvidable. Y quizás sea la semilla para una elección de vida en el mundo del arte.

Sofía Bentolila, en Lansdowne Resort, Leesburg, Virginia, hizo su primer “Cascanueces”, con el Ravel Dance Studio. Foto gentileza familia Bentolila.

Más de cien producciones invaden cada año los teatros más famosos y los más recónditos de los Estados Unidos. Las propuestas, que varían en estilos, formas y estéticas, no solo se limitan a contar una mágica historia para toda la familia, sino que también se convierten en un fenómeno singular que combina estrategias de marketing, calidad artística y participación comunitaria.

Noviembre es, por excelencia, el mes de lanzamiento en los Estados Unidos, y las funciones continúan hasta el 31 de diciembre, como ocurre, entre otros, con el New York City Ballet en el David H. Koch Theater en Nueva York. Algunas compañías hacen un par de funciones y otras, como el American Ballet Theatre, salen de gira.

Uno de los clásicos infaltables y, quizás, el más simbólico de la Capital del país, es el “Cascanueces” del Washington Ballet (TWB), con coreografía de su antiguo director, Septime Webre. Esta puesta narra la trama de Clara y el príncipe Cascanueces a partir de personajes de la historia fundacional de los Estados Unidos y elementos simbólicos de la lucha por la independencia. TWB hizo sus primeras presentaciones este año el 25 y 26 de noviembre en el Town Hall Education, Arts and Recreation Campus (THEARC), en el sudeste del Distrito de Columbia, para luego pasar, desde el 30 de noviembre al 24 de diciembre al Warner Theatre de DC, un lugar ya tradicional para la compañía dirigida por Julie Kent.

La producción tiene un promedio de 350 bailarines y niños reclutados de las tres sucursales de la Washington Ballet School de Maryland, el Distrito de Columbia y Virginia. Y así como hay producciones netamente locales, hay otras itinerantes que reclutan niños de las escuelas de ballet del área. Lara, comenzó a hacer ballet porque muchas de sus amigas tomaban clases, y cuando llegó la convocatoria para formar parte del elenco del Kansas City Ballet en el Kennedy Center, quedó seleccionada. “Lo que más me gusta de ‘Cascanueces’ –dijo–, es que es difícil pero divertido a la vez”. Su primer debut en este clásico fue años atrás en el Warner Theater. Y aseguró que lo que más le gustaría, es personificar a Clara. “Los ensayos eran todos los fines de semana –relató la niña–, comenzaron en septiembre, pero al principio eran muy cortos, y cuando se acercaba la fecha del primer show, eran de ocho horas”.

En muchos casos, las recaudaciones totales, entre entradas y mercadotecnia, alcanzan a cubrir el 25 por ciento del presupuesto anual de una compañía de ballet. Y en los Estados Unidos, se ha convertido en furor desde hace más de 50 años.

Cuando Sofía tenía 4 años, sus padres la anotaron en ballet para ver si le interesaba, y no solo le gustó, sino que desde ese momento nunca dejó de ir a las clases, y a los 5 años empezó en el Ravel Dance Studio, “lugar que adora”, confirmó su mamá. “Lo que más me atrae de ‘Cascanueces’ es la música, en especial, la de la escena de la fiesta –comentó –. Y me gustaría mucho ser Clara”. Sofía debutó por primera vez en “Cascanueces” el 2 de diciembre de este año, y quedó fascinada. Y desde luego, toda la familia dio el “presente” en el teatro.

“Cascanueces”, es una de esas piezas donde se combinan varios elementos que la convierten en una especie de poción mágica: el cuento escrito por E. T. A. Hoffmann en 1819, “El cascanueces y el rey de los ratones”; la fantástica música escrita por Piotr I. Tchaikovsky, y la coreografía, con versiones diversas, basada en la original de dos de los grandes genios del ballet clásico, Marius Petipa y Lev Ivanov. No obstante, la primera versión en los Estados Unidos fue creada por Willam Christensen en 1944 para el San Francisco Ballet (SFB), compañía que había fundado con sus hermanos Lew y Harold en 1933. Esa misma versión subió hace un par de años al escenario del Kennedy Center de Washington DC, a través de Ballet West.

Lara Asch debutó en noviembre como polichinela en “Cascanueces”, con el Kansas City Ballet en el Kennedy Center de Washington DC. Foto gentileza familia Asch.

Christensen se inspiró en el relato del entonces joven George Balanchine y de Alexandra Danilova. Y el estreno fue precisamente en la Nochebuena de 1944. Cuando en 1951 Willam se radicó en Salt Lake City, en Utah, para fundar Ballet West en 1963, montó su “Cascanueces”, y desde entonces, lleva más de 60 temporadas con la compañía dirigida por Adam Sklute, ex bailarín y director asistente del Joffrey Ballet.

Valentina Kozlova Dance Conservatory, presentó el 2 de diciembre “Nutcracker Winter Suite”, protagonizada por los medallistas del Valentina Kozlova International Ballet Competition 2016, Nikita Boris y Justin Valentine, y los becarios de Vaganova Ballet Academy en San Petersburgo, Russia, como una forma de incentivar a las jóvenes generaciones.

Desde el norte hacia el sur y desde el este hacia el oeste del país, “Cascanueces”, estrenada en 1892 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, tiene la particularidad de convocar a los estudiantes de ballet, y de convertirlos en protagonistas. Los primeros que la hicieron: Antonietta Dell’Era, como el Hada de azúcar, Pavel Gerdt, como el príncipe Coqueluche, Stanislava Belinskaya como Clara, Sergei legat como el Príncipe Cascanueces y Timofey Stukolkin como Drosselmeyer.

Más allá del virtuosismo de los bailarines principales, la obra adquiere un carácter integrador con la presencia de los niños del área, sea cual sea la ciudad, quienes descubren el encanto particular de este ballet, y empiezan a formar parte del grupo de “futuros espectadores”.

El Ballet Estable del Teatro Colón repuso “Tema y variaciones”, de George Balanchine, a 70 años de su estreno, con Camila Bocca y Maximiliano Iglesias en los roles principales. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

“Noche clásica y contemporánea” ofrece dos programas y el primero se estrenó el 15 de octubre con coreografías de Clark Tippet, Nacho Duato y George Balanchine. Los bailarines del Ballet Estable del Teatro Colón, dirigidos por Paloma Herrera, pudieron demostrar su fortaleza técnica, virtuosismo y despliegue de estilos. El director musical de la orquesta fue el invitado Javier Logioia Orbe. Además de las obras de Tippet y Balanchine en el segundo programa (20, 21 y 24 de octubre) subirán a escena “Adagietto”, de Oscar Araiz con música de Gustav Mahler y el pas de deux del segundo acto de “Lago de los cisnes”, de Mario Galizzi, basado en la versión de Marius Petipa y Lev Ivanov.

La función abrió con “Concierto para violín n° 1” de Clark Tippet con reposición coreográfica de David Richardson, discípulo de Tippet, obra bailada antes de su presentación en el primer coliseo, en una gira por el interior del país. La música es de Max Bruch; el violinista, Freddie Varela Montero. La pieza está pensada para cuatro parejas de primeros bailarines: el coreógrafo trabaja con cada primera bailarina y su relación con el divismo. El hombro del varón es el otro gran protagonista. El coreógrafo investiga y experimenta las posibles variaciones hasta agotarlas entre el cuerpo de un hombre, una bailarina y el hombro como elemento de apoyo. El cuerpo de baile, conformado por ocho parejas -no son un adorno de los primeros bailarines-, cada una tiene variaciones de gran trabajo técnico. El diseño de vestuario es de Dain Marcus y la iluminación de Rubén Conde.

La pareja de Georgina Giovannoni y Edgardo Trabalón fue la primera en aparecer: la llamada pareja turquesa porque la bailarina tenía un tutú estilo francés de color turquesa. Giovannoni se lució por su muy buen eje y gracia. En seguida fue el turno de Natalia Pelayo y Maximiliano Iglesias como la pareja roja. Iglesias demostró su solvencia técnica en los jeté manèges y los brisé en arrière. El cuerpo de baile: los varones se desplegaron con gracia eterna junto a sus parejas al unísono del violín. De repente, hizo su aparición la pareja azul, Nadia Muzyca y Alejandro Parente que despertaron con su canto hecho cuerpos como pareja enamorada. Muzyca se destacó por sus fluidos pas de bourrée en arrière y su grand développé à la seconde. Al final salieron a escena Karina Olmedo y Juan Pablo Ledo como la pareja rosa: la primera bailarina brilló por su fuerza de espíritu y elegancia que transcendía el escenario con su sonrisa imperante y su excelente técnica, que remató con un temps de flèche a gran altura. Ledo, por su parte, subrayó sus jetés en l’air en tournant saliendo airoso. Las parejas bailaron junto a otras ocho parejas.

Duato y su marca registrada

“Por vos muero”,de Nacho Duato, con música de Jordi Savall y textos de Garcilaso de la Vega relatados por el actor y cantante Miguel Bosé. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

“Por vos muero” de Nacho Duato fue la segunda obra presentada. La música es de Jordi Savall y se escucha un audio con Miguel Bosé como relator de los textos poéticos de Garcilaso de la Vega. La intención de Duato, bien lograda, fue la de homenajear el papel preponderante que tenía la danza como forma de expresión del pueblo en los siglos XV y XVI. El vestuario es del propio Duato e Ismael Aznar.

Risas, cantos, máscaras, interrelaciones alegres y complaciente entre los bailarines se destacan. Los encuentros entre los bailarines que bailan en media punta son sutiles con movimientos que se mueven eternos. Los torsos aparecen en un primer momento semi desnudos y se desplazan como si fuera una cámara lenta. Luego la alegría comienza al son de una música barroca que presenta una puesta en escena en la gama de los verdes y azules. La obra que fue montada para seis parejas estuvo bailada por Candela Rodríguez Echenique, Magdalena Cortés, Emilia Peredo Aguirre, Iara Fassi, Manuela Rodríguez Echenique, Clara Sisti Ripoll, Jiva Velázquez, Facundo Luqui, Anotnio Luppi, Alejo Cano Maldonado, Emiliano Falcone y Edgardo Trabalón.

Infaltable Balanchine

La velada finalizó con “Tema y variaciones” de George Balanchine a 70 años de su estreno, con una espléndida Camila Bocca y Maximiliano Iglesias como bailarines principales. El objetivo de Balanchine era el de evocar la época dorada de los grandes ballets del siglo XIX en Rusia, la música elegida seguiría siendo la de Tchaikovski (Suite n° 3 para Orquesta in G mayor, Op. 55) pero en contraposición a las obras de Petipa, no habría una historia que contar, sino que ¡lo que primaría sería la técnica! Ni el argumento, ni el vestuario, ni la escenografía debían distraer la atención.
Bocca compuso unos brillantes pirouettes y fouettés en perfecto eje que junto a su partenaire se lució en sus fluidos developpés en croix. Iglesias se destacó por su gracia y sus tours en l´air en altura y precisión.

Balanchine quería así concentrar y guiar la energía visual del público en sus variaciones de gran brillo. La técnica era la diva. La obra fue creada para Alicia Alonso e Igor Youskevitch como primeros bailarines del Ballet Theater en 1947 (luego American Ballet Theatre): Alonso comentó en una entrevista que Balanchine comenzó a agregar variaciones, mismo durante el montaje, cada vez más demandantes; por ejemplo se marcaba una variación en cuatro compases pero había que bailarlo en cinco.

Una competencia comenzó entre los primeros bailarines y Balanchine. Alonso y Youskevitch trabajaron duro, ellos nunca dijeron que no a ninguna variación propuesta. La bailarina más tarde relató cómo sus amigas, primeras bailarinas que nailaron esta pieza después, como María Tallchief, le reclamaron a Alonso diciendo: “Pero, Alicia, ¿cómo permitiste que pusiera esto o aquello, ¿cómo vamos a hacer nosotras?, y yo les respondía: Bueno querida, eso lo puso Balanchine, eso es idea de él”. Balanchine quería llegar a los límites de Alonso y Youskevitch. Al final, el primer bailarín le expresó a Balanchine sonriente: “¡Gracias por matarme!” De esto resultó que la presente pieza que se vuelve a presentar en el Teatro Colón fuera la más difícil del repertorio balanchineano, y la de mayor virtuosismo técnico.

El Ballet Estable del Teatro Colón repone “Por vos muero”, un clásico del coreógrafo español Nacho Duato, con música de Jordi Savall y texto de Garcilaso de La Vega. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Teatro Colón.

Luego de una breve gira por el interior, con la dirección de Paloma Herrera, el Ballet Estable del Teatro Colón presentará, a partir del domingo 15 de octubre a las 17:00 horas, una propuesta que incluirá coreógrafos clásicos y contemporáneos. Se realizarán siete funciones con dos programas mixtos en los que se alternará un vocabulario clásico y nuevos modos de expresión de la danza escénica, y llevará como título, “Noche clásica y contemporánea”.

Javier Logioia Orbe, estará al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón, dirigirá las siete funciones que comenzarán el domingo y continuarán el martes 17, el miércoles 18, el jueves 19, el viernes 20, el sábado 21 y el martes 24 de octubre a las 20:00 horas.

En las funciones del 15, 18 y 19 de octubre el programa estará compuesto por “Concierto para violín Nᵒ 1”, con música de Max Bruch y coreografía de Clark Tippet, que también se verá en el segundo programa; “Por vos muero”, un clásico del coreógrafo español Nacho Duato, con música de Jordi Savall y texto de Garcilaso de La Vega; y “Tema y Variaciones”, una de las obras más famosas de George Balanchine, con música de Piotr Ilich Tchaikovski. La reposición coreográfica de esta obra estará a cargo de Ben Huys.

En las presentaciones del 17, 20, 21 y 24 de octubre se verá un programa compuesto por el “Concierto para violín Nᵒ 1”, con reposición coreográfica de David Richardson; el Pas de deux del Acto II de “El lago de los cisnes”, con música de Tchaikovski y coreografía de Mario Galizzi basada en los originales de Marius Petipa y Lev Ivanov, versión que hace más de 20 años forma parte del repertorio de la compañía. También subirá a escena “Adagietto”, una célebre obra de Oscar Araiz con música de Gustav Mahler, creado para el Ballet Contemporáneo de la Ciudad de Buenos Aires en 1971, estrenado también por el Royal Winnipeg de Canadá, el Ballet del SODRE, de Uruguay; el Ballet del Grand Theatre de Ginebra, de Suiza; el Ballet Nice Mediterranée, entre otros. Esta obra es hoy, uno de los clásicos del repertorio del Ballet Estable del Colón. La tercera obra de este segundo programa es “Tema y Variaciones”.

“Tema y Variaciones”, una de las obras más famosas de George Balanchine, con música de Piotr Ilich Tchaikovski. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza Teatro Colón.

Programa 

Domingo 15 de octubre, 17:00 horas; y miércoles 18 y jueves 19 de octubre, 20:00 horas.

“Concierto para violín no. 1”
Música: Max Bruch
Coreografía: Clark Tippet
Reposición coreográfica: David Richardson

“Por Vos Muero”
Música: Jordi Savall
Coreografía: Nacho Duato
Texto: Garcilaso de La Vega

“Tema y variaciones”
Música: Piotr Ilich Tchaikovski
Coreografía: George Balanchine
Reposición coreográfica: Ben Huys

Martes 17, viernes 20, sábado 21 y martes 24 de octubre, 20:00 horas.

“Concierto para violín no. 1”
Música: Max Bruch
Coreografía: Clark Tippet
Reposición coreográfica: David Richardson

Pas de deux (del segundo acto de “El lago de los cisnes”)
Música: Piotr Ilich Tchaikovski
Coreografía: Mario Galizzi (basada en los originales de Marius Petipa y Lev Ivanov)

“Adagietto”
Música: Gustav Mahler
Coreografía: Oscar Araiz

“Tema y variaciones”
Música: Piotr Ilich Tchaikovski
Coreografía: George Balanchine
Reposición coreográfica: Ben Huys

Principales Intérpretes

El Ballet Estable del Teatro Colón presenta cinco funciones de “El lago de los cisnes”, con coreografía de Mario Galizzi. Foto gentileza TC.

Bajo la dirección de Paloma Herrera, el Ballet Estable del Teatro Colón pone en escena “El lago de los cines”, un clásico del repertorio del ballet clásico con música de Piotr Tchaikovski, con coreografía de Mario Galizzi basada en la original de Marius Petipa y Lev Ivanov. La puesta contará con la dirección musical del maestro Darío Domínguez Xodo al frente de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires.

Las cinco funciones programadas se realizarán el domingo 25 de junio a las 17:00 horas, martes 27 y miércoles 28 de junio a las 20:00 horas y el sábado 1º de julio a las 20:00 horas y domingo 2 de julio a las 17:00 horas.

Mario Galizzi se formó en el Instituto Coreográfico de Rosario y en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Ha realizado giras por Latinoamérica y Europa. Se desempeñó como maestro y coreógrafo invitado en importantes instituciones de danza, ópera y teatro; y fue uno de los fundadores del Taller Coreográfico del Teatro. Recibió el Premio Elena Smirnova a la mejor coreografía (1984) por su obra “Gloria”, con música de Vivaldi, creada para Julio Bocca y Cecilia Mengelle en el Teatro Colón; y el Diploma de Honor a la trayectoria otorgado por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires.

“El lago de los cisnes” fue encargado por el Teatro Bolshoi en 1875 y se estrenó dos años después. Fue el primer ballet compuesto po Tchaikowski, y la producción original tuvo coreografía de Julius Reisinger. Con poco éxito en su primer estreno, y casi defebnestrada por el público y la crítica, en 1895, el Teatro Mariinski de San Petersburgo la reestrenó con una nueva coreografía de Marius Petipa y Lev Ivanov, que es la que permanece, y sobre la que se basan otras reposiciones.

El libreto se cree que está basado en el cuento de hadas alemán Der geraubte Schleier (El velo robado) de Johann Karl August Musäus, que se cuenta la historia de una princesa embrujada y convertida en cisne y que solmente porá romper el hechizo a través del amor verdadero. A través de la eterna confrontación entre el bien y el mal, encarnados por los personajes de Odette y Odile, la obra describe personajes terrenales y magicos y transita entre ambos mundos.

Programa

Ballet en cuatro actos (1877)
Música: Piotr Ilich Tchaikovski
Coreografía: Mario Galizzi basada en los originales de Marius Petipa y Lev  Ivanov
Diseño de escenografía y vestuario: Producción del Teatro Colón

Principales Intérpretes

El plato fuerte de esta obra llega al final del segundo acto con el Grand Pas de deux del Hada Garapiñada y su Caballero interpretado por tres parejas diferentes. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

El Ballet Nacional de Cuba no podía ser menos –pasamos revista a las programaciones de sus iguales en el planeta-, el primer mes de año 2017 sin rescatar de su repertorio activo su producción de “El cascanueces” , en versión de su directora general y prima ballerina assoluta Alicia Alonso, estrenada en el XVI Festival internacional de ballet de La Habana de 1998, uno de los grandes clásicos creado por Lev Ivánov, en colaboración con Marius Petipa y el genial soporte musical de P. I. Tchaikovski.

La reposición se realizó en la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso. La dirección del principal coliseo de la capital cubana se vio presionado por el entusiasmo manifestado por el público local y foráneo, tanto por chicos y grandes, aficionados a este género dancístico –que colmo el aforo de la mencionada sala los tres primeros fines de semana de enero-, y debió programar un día extra en la semana de cierre de la temporada “invernal”.

Esta afortunada decisión permitió, al público y crítica especializada, valorar las prestaciones de la pléyade de jóvenes talentos del BNC, bisoños o no, que asumirían los papeles protagonistas y a los solistas que defendían por vez primera los secundarios, así como los rangos sucesivos del cuerpo de baile, tan importantes en esta pieza decimonónica. Que fuera estrenada hace 125 años en el teatro Mariinsky de San Petesburgo, el 18 de diciembre de 1892.

Chanell Cabrera, como Clara, de brillante baile y convincente interpretación de un personaje clave en “Cascanueces”. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Otras versiones
Como es sabido por los cubanos aficionados al ballet, y un amplio sector de los habitantes de la Mayor de las Antillas, Alicia Alonso concibió “su” Cascanueces, en dos actos y tres escenas, apegada a las más tradicionales existentes cuando enriqueció sus saberes al ocupar los primeros rangos de importantes compañías de ballet de Estados Unidos y de Europa. Por supuesto que está basada en la original de Ivánov, empero posteriormente adoptó las aportaciones de grandes maestros de la “antigua escuela rusa”, como es el caso de Nikoai Sergeiev, Alexandra Fedorova. Luego, aperecieron las versiones de Gorski y Vainonen, asi como la de Christensen (según la versión recortada presentada en NYC por los Ballets rusos de Montecarlo en 1940). Posteriormente, en 1954, George Balanchine produjo su versión para el New York City Ballet, mientras que Alicia Alonso era la intérprete, entonces, de los roles protagonistas en el American Ballet Theatre y en los Ballets russes de Monte-Carlo –allí, se puso en la piel de Clara (María o Masha) e igualmente bailó los célebres pas de deux de la Reina de las nieves y el Hada Garapiñada, acompañada por los más notables primeros bailarines durante sus temporadas en el país norteño.

Disímiles diccionarios o enciclopedias especializadas en las artes escénicas, y en particular la danza, han repertoriado, al menos, unas 50 versiones de Cascanueces, desde su creación en 1892 hasta nuestros días. Sin embargo, es conocido que la acción de este clásico ha sido tradicionalmente situada, geográficamente, en la ciudad alemana de Núremberg –en las primeras décadas del siglo XIX-. No obstante, cuando atravesó el Atlántico y llegó a los Estados Unidos de América (donde se muestra la mayoría de las producciones de este ballet que en ningún otro país), la acción del argumento es generalmente transpuesto a la ciudad en la cual está siendo representado; ya sean las versiones soviéticas de Grigorovich, Vainonen, Cranko, Nureyev, Flindt, Neumeier, Baryshnikov (en 1976, con acentos “freudianos”), Robert Joffrey (la tradicional de 1995, en NYC); o la de Christopher Wheeldon (para el Joffrey, en 2016, ahora con sede en Chicago, en el histórico momento de la Feria Universal de 1893); o la de Matthew Bourne (de 1992, situada en un orfelinato londinense); o a de Helgi Tomasson, de 2004, para el Ballet de San Francisco, que la sitúa en esa ciudad del oeste durante la Exposición Internacional Panamá-Pacífico de 1915.

El soporte musical es siempre la espléndidamente teatral partitura de Tchaikovski. Por supuesto, no se salva de ser intervenida con recortes y añadidos, o alteraciones en los tempos, según quien la baile  la conduzca en el foso; aunque muchos aprecian la calidad auspiciadora de la obertura (otros la refieren menos larga); igualmente, esto ocurre en los bailables del segundo acto, durante las escenas en la confitería, donde Clara y su príncipe-cascanueces han sido conducidos por su padrino el Dr. Drosselmeyer. Sin duda, sus orquestaciones mantienen el carácter de la festividad navideña e infantil, al apoyar las coreografías que, en algunos casos, evitan el clisé, pero otras no logran evadirse de los diseños escénicos naif.

“Cascanueces” del BNC se estrenó en 1998 con los figurines del diseñador italiano Hugo Fiorato, en coproducción con los teatros La Fenice, de Venecia y el Carlo Felice, de Génova. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Con toque cubano

En el primer acto, por ejemplo, las acciones dramáticas durante la fiesta navideña en los salones del palacete de la familia de Clara, aquí están bien definidas las pantomimas, aunque los bailarines, si  técnicamente exhiben sus destrezas, se nos antojan todavía desiguales histriónicamente. Debemos destacar las entregas de Ernesto Díaz, como Drosselmeyer; a Brian González, como Fritz el hermano de Clara; y a Chanell Cabrera, como Clara, de brillante baile y convincente interpretación.

Inteligentemente, Alicia Alonso ha transformado la tradicional presencia de los tres personajes de la Commedia del´Arte, para los bailes con títeres, en una apropiación válida de los protagonistas de Petrouchka, es decir el Moro y su adorada Muñeca, en esta ocasión ejecutados por poderosos intérpretes que alternaron en cada función. En el segundo acto, mencionaremos las meritorias ovaciones conseguidas por la bailarina Daniela Gómez, como la serpiente, en la Danza de los árabes; y los tres ejecutantes de la Danza rusa, en particular Omar Hernández, Daniel Rittoles y Dairon Darias.

En la tercera escena del primer acto tuvimos el grato disfrute de la exquisita presencia y la musicalidad en el baile de Sadaise Arencibia, con el soporte confiable del elegante Raúl Abreu, en el Cascanueces, aunque en tanto que debutante mostró todavía su vulnerabilidad. Esta parte de Reina de las Nieves, alternaron dos convincentes solistas: Claudia García y Ginett Moncho, ambas con eficaz y poderoso trabajo de las puntas.

El plato fuerte de esta obra llega en los minutos finales, el Grand Pas de deux que cierra el segundo acto: el Hada Garapiñada y su Caballero. Alternaron aquí tres parejas, ofreciendo un derroche de estilo y pirotecnias, sin embargo, no todos estuvieron musicalmente precisos. Eso sí, desencadenaron ovaciones de pie: Anette Delgado junto Dani Hernández; Viengsay Valdés y Patricio Revé, e igualmente los debutantes Ginett Moncho  y Ariel Martínez.

Como apuntábamos arriba, la producción actual fue estrenada en 1998 con los figurines debidos al diseñador italiano Hugo Fiorato, en coproducción con los teatros La Fenice, de Venecia y el Carlo Felice, de Génova. Lamentablemente, debo reprochar la fatiga, por la lógica usura, que ya muestra la escenografía y, en menor medida, algunas piezas del elegante vestuario. Y no quiero soslayar el esforzado y eficiente trabajo del maestro Giovanni Duarte realizado con los jóvenes atriles de la Orquesta sinfónica del Gran Teatro, a juzgar por la calidad mejorada el soporte musical que emergía desde el foso.

Una de las obras maestras de Petipa-Ivanov-Tchaikovsky, “El Cascanueces”, cierra la temporada del Ballet Estable del Teatro Colón. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza TC.

La clásica fantasía navideña de “El Cascanueces” culmina la temporada 2015 del Ballet Estable del Teatro Colón con cinco funciones programadas los domingos 20 y 27 de diciembre a las 17:00 horas, y martes 22, miércoles 23 y sábado 26 de diciembre a las 20.

Con versión coreográfica de Maximiliano Guerra, director del Ballet Estable, esta producción del Teatro Colón contará con la dirección musical de Emmanuel Siffert al frente de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires.

En la apertura, los primeros bailarines Carla Vincelli y Federico Fernández encarnarán a la pareja protagónica. Luego compartirán los roles principales las parejas formadas por Nadia Muzyca  y Juan Pablo Ledo, y Karina Olmedo y Edgardo Trabalón.

En consonancia con la más decantada tradición mundial, la compañía presenta este clásico estrenado por primera vez en 1892 en el teatro Mariinsky de San Petersburgo. Junto a “La bella durmiente” (1890) y a “Lago de los cisnes” (1895), la obra forma parte de la trilogía de obras maestras del ballet creadas por la dupla Marius Petipa- Piotr Illych Tchaikovsky.

El diseñador de modas Gino Bogani creó el vestuario para esta versión de “El Cascanueces”. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza TC.

La historia fue llevada a la danza por Lev Ivanov, con libro de Petipa, basado en el cuento de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, “El Cascanueces y el rey de los ratones”, adaptado por Alejandro Dumas. Esta primera puesta fue dirigida por Riccardo Drigo, y tuvo a Antonietta Dell’Era como el Hada de azúcar; a Pavel Gerdt como el príncipe Coqueluche:}; a Stanislava Belinskaya como Clara; a Sergei Legat como el Príncipe Cascanueces, y a Timofey Stukolkin en el rol de Drosselmeyer.

En ésta oportunidad, el director de la compañía, resignificará este paseo por el imaginario infantil en el que la peripecia, la lucha entre el bien y el mal, y la festividad, se combinan para delinear la historia. Y tienen como marco, la mágica música de Tchaikovski. De esta forma los personajes reviven el sueño de Clara y sus fantásticas aventuras oníricas durante su viaje al país de los dulces

Gino Bogani, tras su celebrada labor en “La Cenerentola” de la  temporada 2012, creó el diseño de vestuario. El modisto, reconocido a nivel internacional, nació en Trípoli, colonia italiana en Libia, y luego su familia se radicó en la Argentina. Desde 1962, año en el que lanzó su primera casa de modas, se consagró como uno de los más importantes creadores, realizó el vestuario de numerosas películas y puestas del Teatro Colón de Buenos Aires. Sergio Massa, por su parte, tuvo a su cargo el diseño de la escenografía.

Programa

Producción del Teatro Colón

Música: Piotr Ilich Chaikovski

Coreografía: Maximiliano Guerra según Marius Petipa y Lev Ivanov

Diseño de escenografía: Sergio Massa

Diseño de vestuario: Gino Bogani

Diseño de iluminación: Rubén Conde

Orquesta Filarmónica de Buenos Aire dirigida por Emmanuel Siffert

“El Cascanueces”, basado en el cuento de E. T. A. Hoffmann, “El Cascanueces y el rey de los ratones”. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza TC.

Parejas protagónicas

Función del 20 y 22 de diciembre:

Carla Vincelli – Federico Fernández

Función del 23 y 26 de diciembre:

Nadia Muzyca – Juan Pablo Ledo

Función del 27 de diciembre:

Karina Olmedo – Edgardo Trabalón

Paloma Herrera, del American Ballet Theatre, fue Nikiya en “La Bayadere” en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Una trama apasionada y apasionante, donde la traición y la venganza intentan destruir al amor. “La Bayadere”, una de las obras fundamentales del repertorio clásico, se basa en dos dramas del poeta indio Kālidāsa, situados en el oriente. La bayadera, bailarina india, dedicada a intervenir en las funciones religiosas o sólo a divertir a la gente con sus danzas, es la protagonista de esta historia bella y magnificente en la que, finalmente, triunfa el amor en la eternidad.

En la temporada del Metropolitan Opera House del American Ballet Theatre (ABT), la compañía dirigida por Kevin McKenzie llevó a escena la versión completa de este clásico. Con distintos elencos, los hispanos tuvieron sus protagónicos y marcaron su estilo. Marcelo Gomes bailó con Diana Vishneva en la primera noche, Herman Cornejo hizo dupla con Alina Cojocaru (Ver Danzahoy.com), y Paloma Herrera con Cory Stearn.

La primera vez que “La Bayadere” llegó al occidente fue a través del entonces Kirov Ballet (hoy Mariinsky), en 1961, y sólo se presentó el Acto II, “El reino de las sombras”. Luego, en 1963, Rudolph Nureyev montó este mismo acto para el Royal Ballet de Londres. Y fue en 1974 cuando Makarova lo llevó al ABT en su propia versión sobre la de Petipa.

Y en 1980 realizó la versión completa basada en la original de Petipa, sobre la de Ponomarev/Chabukiani, que ella misma había bailado cuando era primera bailarina del Mariinsky Ballet.

Misty Copelan interpretó a Gamzatti en “La Bayadere”, versión de Natalia Makarova. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

Ludwig Minkus puso música al libreto de Serguéi Judekov y Petipa, quien fue responsable también de la coreografía que estrenó en el Teatro Bolshói de San Petersburgo el 23 de enero de 1877. Y el personaje de Solor lo bailó Lev Ivanov.

Hace un par de años, la dupla Herrera-Stearns se presentó en el Kennedy Center de Washington DC, y esta vez, con un Solor más sólido y seguro de su rol, Stearns pudo acompañar a Herrera con mayor solvencia. No obstante, todavía necesita pulir ciertos aspectos de interpretación y de actitud escénica para convencer al público de que realmente Nikiya es capaz de morir de amor por él.

Stearns, tuvo momentos interesantes desde lo técnico. Con buenos saltos y musicalidad, es un partenaire atento.

En la matiné del 28 de mayo, Herrera, como Nikiya, bayadera del templo, disputada por Solor y el Gran Brahman, compuso un personaje absolutamente conmovedor en el primer acto. Apasionada, dispuesta a defender su amor por Solor y también, dispuesta a morir por ese amor. Nikiya advierte la debilidad del guerrero, que traiciona el juramento hecho por ambos sobre el fuego eterno del templo.

Con sus magníficas extensiones, su musicalidad, su atractivo y seductor port de bras, y ese cuidado permanente por la perfección, Herrera es, indiscutiblemente, Nikiya, tanto en el primer acto como en “El reino de las sombras”, convertida en un espectro. Una actuación sublime.

El nudo de esta trama se centra en el momento en que el Rajah, en recompensa al valor del guerrero le ofrece la mano de su hija Gamzatti (Misty Copeland), por quien queda al instante deslumbrado a pesar de su juramento a Nikiya. Así comienzan los festejos previos a la boda con la llegada del Gran Brahman que revela al padre de la prometida el pacto entre el guerrero y la joven bayadera.

Gamzatti trata de convencer a Nikiya que abandone a Solor a cambio seductoras alhajas. En su desesperación, la bayadera trata de herir a la princesa. Y la venganza de Gamzatti culmina con la muerte de Nikiya. Copelan, como Gamzatti, mostró con un buen trabajo técnico, cuidado y preciso. Sin embargo, faltó profundidad desde la actuación y la composición del personaje.

El cuerpo de baile es uno de los grandes pilares del ABT en esta era de bailarines invitados y pocos primeros bailarines que salen de sus filas. Consistente en las danzas grupales, y de una perfección indescriptible en “El reino de las sombras”. La entrada de las 32 bailarinas, en arabesque, que van desplazándose en la escena puede compararse con los más sublimes momentos del Bolshoi o el Mariinsky, arquetipos de la perfección grupal en otros tiempos.

Joseph Gorak como el Ídolo de Bronce, mostró su destreza con sus grand jetés y sus saltos en los momentos previos a la boda de Gamzatti con Solor, y antes aún de que la ira de los dioses destruyera el templo en pedazos y dejara a Nikiya y a Solor, unidos en la eternidad.