Laura Domingo seleccionó catorce bailarines para representar a los personajes que el autor mexicano Juan Rulfo incluye en su novela “Pedro Páramo”. Foto gentileza LD.

Con motivo celebrar los 62 años de la compañía Danza Contemporánea de Cuba (DCC), su director general, Miguel Iglesias (Premio Nacional de Danza), convocó a la joven coreógrafa cubana Laura Domingo, para realización de una nueva obra, basada en la novela “Pedro Páramo”, del escritor mexicano Juan Rulfo. No obstante, cuando solamente faltaba el montaje de esta pieza coral de 30 minutos, el mundo entró en los oscuros designios de la pandemia, y se sumergió en las contingencias sanitarias de COVID-19. Todo se paralizó. La vida quedó en “stand-by”. Y el estreno de “Páramo”, previsto para septiembre de este año, se instaló en la nebulosa de lo impredecible.

Domingo se formó en la Escuela Nacional de Ballet y allí dictó clases durante un tiempo hasta que la creación la fue distanciando de la enseñanza. No obstante, la Escuela fue su primer laboratorio. Allí montó algunas obras y luego, con el Ballet Nacional de Cuba (BNC) hizo tres coreografías grupales y un solo para Viengsay Valdés y, por último, DCC se convirtió en su gran cantera creativa.

En Italia trabajó con la Compagnia Körper de Napoli, el Balletto Teatro di Torino y Eko Dance International Project, como parte del intercambio coreográfico entre cubanos e italianos que comenzó la crítica de danza Elisa Guzzo Vaccarino en 2016. También estuvo involucrada en la realización del documental “Cuban Dancer” (coprod. Italia/Canadá/Chile) que se estrenará dentro del marco del Festival de Cine de Roma. Y aún sin fecha fija, su nueva obra, “Páramo”, subirá, pandemia mediante, al escenario del Gran Teatro Alicia Alonso.

Danzahoy: ¿Por qué Juan Rulfo?
Laura Domingo: La obra de Rulfo siempre llamó mi atención y me adentré más profundamente en ella durante la época universitaria. Como lectora, me atrajo primero la atmósfera, el estilo y la prosa de este escritor, así como su capacidad de irradiar universalidad desde lo particular mexicano. El realismo de Rulfo, por más desgarrador y violento que sea, contiene lo fantástico y místico que inspiró el realismo mágico y a muchos autores que formaron parte de este boom. Este contraste, de algún modo representa también el temperamento latinoamericano y la efervescencia social, emocional y política del continente.

D: ¿Y cuál es el motivo de la elección de “Pedro Páramo” como base para su coreografía?
LD: “Pedro Páramo”, en mi opinión es una obra visual y sensorial. En una primera lectura quizás uno no llega a comprender o ensamblar ciertas partes del argumento, pero de seguro, se queda con montones de frases, momentos y personajes vagando en la memoria. Esta es una cualidad que pertenece al movimiento, a la danza, a la imaginación.

D: ¿Cómo surgió la propuesta de hacerlo para DCC?
LD: Desde hacía mucho tiempo deseaba realizar una coreografía a partir de la novela, pero la posibilidad se dio cuando a principios de marzo, Jorge Brooks y Miguel Iglesias me propusieron desarrollar una nueva pieza para DCC. Sólo con esta compañía podía hacer algo así. ¿El motivo? Considero que muy pocas agrupaciones de danza en el mundo poseen el magnetismo escénico y la fuerza expresiva de los bailarines de DCC, gracia que privilegia y supera el virtuosismo individual.

En marzo 2020, Laura Domingo (ctro.) en un ensayo de “Páramo” con los integrantes de Danza Contemporanea de Cuba. Foto gentileza LD.

D: ¿Cuándo y cómo empezaron?
LD: Empezamos a trabajar en marzo. Seleccioné a catorce bailarines que representaban personajes puntuales de la novela. Entre ellos, algunos ocupaban un puesto protagónico (Leyna González en el papel de Susana San Juan, Heriberto Meneses en el de Juan Preciado, Víctor M. Varela en el de Pedro Páramo); pero traté de insistir desde un principio en que cada bailarín comprendiese su participación como esencial y exclusiva. Montamos cinco escenas de siete que serían el total, con una duración estimada de 30 minutos, y tuvimos que detenernos debido a la pandemia. Nadie imaginaba que la pausa sería tan prolongada; pero creo que esto ya ha traído sus beneficios en el presente. El futuro, luego dirá.

D: ¿Cual es la razón de seleccionar la música de Chopin para una obra como esta?
LD: Me interesó desde un principio el contraste que podía establecerse entre el lenguaje de la danza contemporánea y el estilo romántico del genio polaco. Sin embargo, quería realizar algunos ajustes a los preludios, nocturnos y scherzos seleccionados, y para ello sumamos al proyecto al compositor cubano Jorge Amado quien además creó una pieza original. ¿Por qué Chopin? Son varias las razones. La más cercana a mí y la que llamó mi atención es que hay en la obra de Rulfo y de Chopin una atención a la desdicha, el sabor de la hiel, las sombrías orillas de la existencia humana.

D: ¿Cómo elaboró la idea del vestuario?
LD: Los diseños de vestuario estuvieron en manos de un artista con el que, siempre que puedo, trato de colaborar: Vladimir Cuenca. Suelo sentir que Vladimir adivina lo que yo a veces ni siquiera le he explicado con palabras. Así ocurrió cuando estrené “Cénit” con DCC en 2016, obra para la cual él también realizó los diseños. En el caso de “Páramo”, los catorce trajes estaban ya listos antes de que se interrumpiesen los ensayos.

D: Como coreógrafa, ¿qué significación tiene esta obra dentro de tu lista de creaciones?
LD: “Páramo” sería mi primera pieza coral para DCC. He realizado otras obras con quince o veinte bailarines con el BNC, por ejemplo, u otras compañías de Colombia e Italia. Pero la producción en serie, la velocidad, nunca me han interesado y considero que no pertenecen siquiera al arte.

“Páramo” es la mi primera pieza coral que la coreógrafa Laura Domingo creó para Danza Contemporánea de Cuba. Foto gentileza LD.

El estreno absoluto lleva la firma del inglés Theo Clinkard quien, después de meditarlo mucho decidió titular su pieza: “The Listening Room”. Foto gentileza DCC.

Nuevamente, la compañía Danza Contemporánea de Cuba (DCC) –para festejar su fundación en más de medio siglo–, invadió, del 20 al 22 de mayo, el vasto escenario de la Sala García Lorca del ahora deslumbrante Gran Teatro Alicia Alonso de La Habana con un atractivo programa que incluyó un estreno mundial y varias reposiciones.

El estreno absoluto lleva la firma del inglés Theo Clinkard quien, después de meditarlo mucho decidió titular su pieza: “The Listening Room” (literalmente en español: Aula de audición). El proceso de montaje fue el resultado de una exploración sobre “el potencial comunicativo del cuerpo y la naturaleza enfática de la danza en el espectáculo”. La obra y su creación, participaron del primer Laboratorio Coreográfico organizado por DCC en colaboración con el British Council, una sección de un proyecto más global denominado Islas Creativas, financiado por tres años.

Su nacimiento, dicen sus líderes británicos, responde a la necesidad de propiciar encuentros que estimulen la creación coreográfica en Cuba y el intercambio con modos de este quehacer en el Reino Unido y otras regiones del mundo. Además de los 20 bailarines de la compañía dirigida siempre por Miguel Iglesias, bajo la tutela de Clinkard, participaron estudiantes de la Universidad cubana de las Artes (ISA) y varios coreógrafos cubanos: George Céspedes, Jorge Abril, Laura Domingo, Norge Cedeño, Ana Rosa Meneses, Niosbel González y Yoerlis Brunet.

Los espectadores escuchan la música serial y minimalista de Steve Reich, “Variaciones for vive, piano and strings”; mientras que los bailarines provistos con sofisticados auriculares individuales se sumergen en una variedad de 16 piezas que incluyen grabaciones de Bach, Vivaldi , Beyoncé, Calle 13, Missy Elliot, The Cardigans, entre otras, como una Conversación entre Pablo Aran Gimeno y sus padres. Según lo apreciado en la escena, donde los danzantes asumían con entusiasmo el experimento creativo propuesto por su autor, su resultado se mantiene como un “work in progress” donde el proceso de montaje -como ha dicho el propio Clinkard-, se manifiesta como “más importante en sí mismo que el producto final”. Fue asistido por su coterránea Leah Marojevic y la cubana Yoerlis Brunet.

Considerado por la crítica inglesa como uno de los coreógrafos más talentosos del momento en el Reino Unido, Theo Clinkard creó en 2012 su propia compañía y, hasta hoy, ha estrenado 22 obras originales, muchas de ellas creadas para instituciones educacionales de entrenamiento y jóvenes compañías en Inglaterra, Austria, Chile y Nueva Zelandia. Igualmente, obtuvo gran éxito de público con su trabajo para la compañía de Pina Bausch, y con el icónico solo de Trisha Brown “Acumulation”.

De su compatriota Billy Cowie se presentó “Tangos Cubanos”, siempre exhibiendo inteligente empleo de los multimedios, bailado con sincera entrega por una grey de bailarines bisoños. En una programación alternante, como parte del festival Mayo Teatral patrocinado por Casa de las Américas, DCC repuso “Cristal”, de Julio César Iglesias; “Cenit” de Laura Domingo y, para el cierre “Matria Etnocentra” del laureado George Céspedes.

Danza Contemporánea de Cuba presentó la premiere de una obra de contenido político, “Heterodoxo”, de Annabel López-Ochoa. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

La danza contemporánea acapara las carteleras de la capital cubana estos dos primeros meses del año que comienza. Primeramente, una compañía norteamericana residente en Minnesota y, luego, dos compañías locales con sede en La Habana conquistaron el entusiasmo de un público heterogéneo, mayoritariamente juvenil, ávido de  novedosas propuestas. Los programas que se presentaron fueron acometidos con vigor, profesionalidad y pasión en cada uno de los variados títulos presentados. Ya sea por sus estilos coreográficos como por el discurso de los temas abordados en esta ocasión.

La compañía Zenon Dance, fundada y dirigida desde 1983 por Linda E. Andrews en Minneapolis, Minesota, pudo presentarse en el rescatado teatro Martí, poseedor de una hermosa sala de estilo italiano decimonónico. Esta agrupación estadounidense cuenta con un variado repertorio.

La presentación surgió a raíz del éxito de la obra “Coming Home” (Volver a casa), del coreógrafo cubano Osnel Delgado en agosto de 2014 en Minnesota. La compañía, a su vez, aprovechó su estancia habanera para “profundizar la conexión artística y cultural” con Delgado y su compañía Malpaso, como también con el público cubano.

La pieza de Osnel Delgado fue la más relevante (y aplaudida) del programa presentado aquí. En este “proceso creativo” entre un creador cubano y bailarines foráneos que recién se conocían, en solo diez días, fue acertado utilizar el pretexto de “jugar a la pelota”, es decir el baseball. Juego que, si bien nació en los Estados Unidos llegó a enraizarse en la isla a mitad del siglo XIX. Sin embargo, no constituye el tema central de “Coming Home”. En este desafío personal de Delgado, las tradiciones están presentes en las articulaciones del fraseo coreográfico, de enorme exigencia física, a la pasar del lirismo y lo vertiginoso, con la intención de recrear metafóricamente las posturas arquetípicas en la práctica del  béisbol. Delgado utiliza un soporte musical elaborado por él mismo.

En este programa se destaca también el dúo “My Very Empty Mouth” (Mi boca muy vacía), con coreografía de Wynn Fricke en colaboración con los bailarines, sobre música original de David Lang. Fricke entrega una pieza de claras referencias erótico-lésbicas de gran fuerza dramática, no exenta de una hermosa sensualidad y dominio corporal. El diseño de luces de Mike Grogan, mostró las astucias necesarias para delinear, en la brevedad de la obra, las sugestiones de Fricke.

La última obra fue una coreografía grupal de Danny Buraczeki, de 1999, con el sugerente título bíblico de “La Rueda de Ezequiel” (Ezekiel´s Wheel),  donde deslumbró la solista Mary Ann Bradley por su interpretación dramática y ejecución precisa al recrear corporalmente la voz icónica del poeta James Baldwin. La pieza se basa en una grabación en off de su elegía “Another Country”, apoyada por la banda sonora de Peter Jones a partir de los “Baldwin Blues” de Philip Hamilton. A pesar de los esfuerzos, las debilidades técnicas del cuerpo de baile no lograron hacer trascender la imagen bíblica sugerida por el coreógrafo. El movimiento circular de lucha y la búsqueda de la tolerancia en el discurso de Baldwin no llegó en toda su elocuencia.

Zenon Dance, de MInnesota, Estados Unidos, llevó a Cuba “Coming Home” de Osnel Delgado. Froto: Buby. Gentileza Buby.

Compañía de danza Malpaso

Nuevamente, el teatro Martí acogió el siguiente fin de semana a la compañía Malpaso, fundada hace menos de un lustro por el bailarín y coreógrafo Osnel Delgado. La agrupación, de corta andadura, ya es reconocida allende los mares, a tenor de la buena repercusión en los medios de comunicación especializados, dentro y fuera del país. Está auspiciada por la filial cubana de la germana Fundación Ludwig, por la Embajada de Noruega en Cuba, y otras entidades afincadas en la isla.

De las tres obras programadas para esta la primera temporada del grupo en 2016, “Bad Winter” del coreógrafo invitado Trey McIntyre era la novedad. McIntyre se formó como bailarín en la Academia de Ballet de Houston, pero muy pronto, en 1989, se desempeñó como coreógrafo aprendiz en esta misma institución. Después, al integrarse de lleno a la coreografía, desde 1995 logró estrenar piezas en compañías profesionales importantes de los Estados Unidos, hasta que decidió fundar en 2005 el Trey McIntyre Project. Actualmente,  ha enfocado su carrera hacia la experimentación en las artes visuales como documentalista.

La producción del dúo llamado “Bad Winter” estuvo encargado a un equipo estadounidense de experiencia y dominio de las nuevas tecnologías, eligiendo como soporte musical eficaz creaciones del The Cinematic Orchestra Arthur Tracy. Lo cual contribuyó a otorgar la adecuada relevancia a una serie de reiterada gestualidad, y así potenciar la interpretación de los solistas, a pesar de la brevedad de la pieza en cuestión.

Ha sido muy gratificante para los numerosos aficionados como a los especialistas rencontrarse y disfrutar de “Ocaso”, uno de los primeros dúos creados por Osnel Delgado para su agrupación, donde se lo vio en todo su potencia como intérprete. Junto él, la juvenil Daite Carrazana, elegante y precisa, sin menoscabo de su fuerza expresiva en su baile. Como cierre del espectáculo, otra obra apreciada de Delgado (con la colaboración de sus bailarines), “24 horas y un perro”, con el estupendo soporte musical del laureado pianista y compositor Arturo O´Farrill junto a su ensamble jazzístico, con arreglos de conocidos ritmos cubanos. Esta obra, estructurada en siete momentos rítmicos, es el resultado de una colaboración y complicidad artística entre el coreógrafo y el músico.

Danza Contemporánea de Cuba

El director de DCC, George Céspedes, recuperó para el repertorio su creación “Matria Etnocentra”. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Después de poco más de tres años ausentes de su escenario habitual, la Sala García Lorca del Gran teatro de La Habana Alicia Alonso  -por los motivos conocidos de su restauración y renovación-, la compañía Danza Contemporánea de Cuba (DCC), siempre bajo la  exigente dirección general del ex bailarín Miguel Iglesias, retorna con un atractivo programa. En esta primera temporada presentaron dos estrenos mundiales y tres reposiciones. Así como también, una nueva hornada juvenil de bailarines recién egresados de la Escuela Nacional de Danza, que -con urgencia- cubren las plazas abandonadas por una docena de antiguos miembros.

La joven coreógrafa colombo-belga Annabel López-Ochoa (actualmente requerida por varias importantes compañías de las cuatro esquinas del planeta), estuvo invitada para el montaje de una nueva pieza, e invirtió parte de su tiempo en el rescate de su precedente título, “Reversible”, asistida por la cubana Yoerlis Brunet. Esta última trabajó, igualmente, junto al coreógrafo George Céspedes en la recuperación para el repertorio de dos de sus creaciones: “Identidad – 1″ y “Matria Etnocentra”. Ambas con diseños grupales articulados matemáticamente, los cuales trascienden los tópicos al uso de los avatares de género, los juegos entre rivales, o las concepciones acerca del sentido de pertenencia nacional.

“Heterodoxo” (estreno mundial), según su autora López-Ochoa, es una pieza motivada por los recientes ataques cometidos en París, el pasado diciembre, por los grupos islamistas radicales vinculados al ISIS, que están insertados en la sociedad civil francesa, u otras de Europa.

Sobre la escena iluminada, están en pose 16 bailarines solistas de ambos sexos uniformados con vestimenta militar de camuflaje, los cuales se agitan vertiginosamente, luego en cámara lenta o con pasos marciales, diseñados por Vladimir Cuenca. En apenas 27 minutos, la atmósfera creada mantiene en vilo al espectador, con una mezcla de emociones angustiosas e inquietantes en desarrollo, hasta su desenlace imprevisible. El eficaz soporte musical resultó de un collage que incluyó piezas corales en creole, cubanas, y temas de películas, entre otras. La respuesta del público fue positiva, mas con un evidente acento de desconcierto.

El segundo estreno anunciado, “Cenit” de Laura Domingo –egresada de la Escuela nacional de ballet y dotada de un real talento para la escritura poética-, logra convencer con su talento para la creación de este trío de sólo siete minutos. Los tres bailarines, un hombre y dos mujeres, desarrollan coherentemente su discurso cual un ménage á trois. Si bien la paleta de su vocabulario revela su formación clásica, no se muestra encorsetada, y consigue explayarse a la hora de comunicar sentimientos, pasiones íntimas en esta concentrada miniatura coreográfica cargada de virtuosismo. Un punto a su favor ha sido la elección de la pieza para guitarra “La catedral”, del desaparecido genio paraguayo Agustín Barrios “Mangoré”.