Marianela Núñez, del Royal Ballet de Londres y Dani Hernández (BNC) en “Don Quijote”, versión de Alicia Alonso. Foto: Maykel Espinosa. Gentileza BNC.

El Ballet Nacional de Cuba, patrimonio cultural de la Nación, tradicionalmente programa en fiestas navideñas el ballet “Cascanueces” (coincidente con otras grandes compañías foráneas), pero en esta ocasión decidió reponer su producción integral de “Don Quijote”. Su justificación para tal cambio sería la afortunada posibilidad de que una estrella del ballet mundial como es la argentina Marianela Núñez aceptara ajustar su apretada agenda con el Royal Ballet, y viajara hasta la Mayor de las Antillas para cumplir una añorada desiderata: bailar como Kitri junto los bailarines cubanos (sic).

Así sucedió. Y pudimos admirarla en dos magistrales entregas, siempre acompañada de manera notable, como su Basilio, por el primer bailarín cubano Patricio Revé -laureado en 2018 por la crítica local-, incorporado como “principal dancer” del Royal Ballet para la temporada 2026-2027, según el anuncio de su director Kevin Ohare.

Un poco de historia

Antes de tratar de exponer aquí mis criterios sobre lo bailado, creo necesario ofrecer algunas referencias históricas de esta versión integral del “Don Q” del BNC, y para ello -con mis agradecimientos-, me auxiliaré con los valiosos textos elaborados preciosamente por el editor e investigador Ahmed Piñeiro, para el lujoso programa de mano gratuito, de muy limitada tirada para la gran Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba.

Como es tal vez conocido por muchos, la novela homónima de Miguel de Cervantes pasó a la danza con el título de “Las bodas de Camacho” (perteneciendo su narrativa a los capítulos XXI y XXII de dicha novela), que inspiraron al coreógrafo y bailarín marsellés Marius Petipa y al compositor Ludwig Mikus. En 1869 se produce el estreno de la primera versión en cuatro actos y ocho escenas en el teatro Bolshoi de Moscú. Y como dato interesante; Petipa acostumbraba a revisar (o revisitar) varias veces sus realizaciones, y de una de ellas, el ruso Alexander Gorsky reconstruyó la obra en1900, cuyo resultado se ha tomado como fuente original para los montajes que han llegado hasta nuestros días, con las variantes resultantes de la mayor o menor fidelidad de los repositores.

El ballet “Don Quijote” fue admirado por primera vez por los habaneros, de manera integral, el 21 de agosto de 1987 (si bien mucho antes se conoció el grand pas de deux o algunos fragmentos con bailables), mediante un montaje colectivo en el que intervinieron maestros y ensayadores del BNC bajo la égida de la bailarina y “maitre” Laura Alonso (entonces jefa del Departamento de Docencia en la compañía), sobre la base de Petipa y Gorsky, con pinceladas provenientes de otras versiones al uso. Igualmente, el Ballet de Camaguey incorporó la versión completa en 2003, con coreografía del bailarín Iván Monreal Alonso y, en 2013, se realizó otra versión debida al coreógrafo cubano residente en Alemania Gonzalo Galguera. Otras versiones contemporáneas desfilaron por los escenarios de la isla, con mayor o menor éxito pasando al cajón del olvido.

En julio de 1988, en el hoy Gran Teatro de La Habana “Alicia Alonso”, con libreto, diseños escenográficos y vestuario acreditados a Salvador Fernández, el BNC estrenó su versión integral actual del “Don Q”, con una coreografía desarrollada a partir de Petipa-Gorsky por las primeras bailarinas Marta García, María Elena Llorente y maestra Karemia Morena (quién partió al extranjero y luego, desde 1997, después de ejecutar algunas variantes en los bailables del cuerpo de baile, su nombre fue eliminado de los créditos).

El BNC convocó a Marianela Núñez y Patricio Revé, los artistas invitados a encarnar a Kitri y Basilio. Foto: Maykel Espinosa. Gentileza BNC.

Protagonistas de excelencia

Marianela Núñez y Patricio Revé, los artistas invitados a encarnar a Kitri y Basilio, no más instalados en un lujoso hotel vecino a la sede del BNC, se entregaron en cuerpo y alma a su entrenamiento, y a familiarizarse con la puesta en escena de esta versión quijotesca del BNC. Muchas horas dedicaron a incorporar las instrucciones de los maestros ensayadores para vincularse con las acciones dramáticas y sus personajes, así como la relación y ajustes necesarios con el maestro Yhovani Duarte, responsable del soporte musical con una partitura adecuada a las coreografías ya fijadas para el elenco cubano. Encomiable fue el resultado de tal esfuerzo en tan poco tiempo para enfrentarse a un público conocedor y exigente, y una orquesta actualmente constituida por una mayoría de jóvenes recién graduados en sus instrumentos, y estrenarse con una difícil partitura para ballet con orquestaciones sobre variados aires de danzas españolas tradicionales.

La Sala Avellaneda del TNC, con un aforo de unas tres mil localidades, se mantuvo a teatro lleno en todas las nueve funciones ofrecidas por el BNC de este título de los grandes clásicos del favor de los amantes de la danza académica, que agradeció con una respuesta continuada de ovaciones en ocasiones. y al final en pie durante varios minutos el vibrante espectáculo brindado por solistas y cuerpo de baile. Sin embargo, no todo fue de excelencia en los bailables, con las seguidillas, las jotas o los pasodobles, algo menos precisos en su gestualidad. En cambio, los personajes importantes en las pantomimas encarnados por notables bailarines de carácter, como el Quijote de Dani Hernández, el tabernero Lorenzo de Ernesto Díaz o el Sancho Panza de Dairon Darias.

Ahora nos detendremos a señalar las sobresalientes calificaciones de los protagonistas, tanto por la magistral ejecución técnica por la limpieza en cada paso, tanto en solos como en los pasos a dos, así como la cuidadosa demostración del dominio escénico sin histrionismo al extremo. De la Kitri argentina, modélica figura de la escuela inglesa, fueron ejemplares el legato de sus evoluciones en los giros y los grand jetés con sus distinguidos port des bras al acentuar las líneas melódicas del soporte musical (algunas disonancias emergieron del foso), así como el poderío demostrado en el trabajo con las puntas, sin descuidar el “en dehors” en los momentos de gran virtuosismo. Su gran clase sin duda la coloca entre las más brillantes bailarinas del momento.

Estamos seguros de que Patricio Revé, con una formación consolidada sobre la base de la escuela cubana de ballet, fue la mejor elección para este Basilio como partenaire atlético y elegante de Marianela Núñez, con el cual consiguió la confianza necesaria para la correcta terminación de sus retadoras cargadas, el maridaje de las dos escuelas académicas resultó excepcional, por la complicidad emergente en sus pas de deux. Un solo reproche de poca monta para Revé: su expresividad dramática es una asignatura pendiente.

La entrega artística de estos portentosos bailarines fue vibrante, como fueron también evidentes las ovaciones prolongadas al cierre de cortinas. La audiencia en pie no se detenía al exclamar vivas a “Nela, Nela”.

Una dupla ovacionada, Marianela Núñez y Patricio Revé, en la sala Avellaneda del TNC. Foto: Maykel Espinosa. Gentileza BNC.

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El Centro Prodanza de Cuba, capitaneado por Laura Alonso, subió a escena “Giselle”, en la versión de su directora. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

El ballet “Giselle”, obra paradigmática de la danza en el período romántico del arte, ostenta una trascendencia capital en la historia del ballet cubano y, por extensión, en toda la cultura de la Mayor de las Antillas. Con esta pieza decimonónica y la versión coreográfica de la eximia prima bailarina Alicia Alonso y “su excepcional intérprete y repositora”, la marca Cuba adquiere una calificación de excelencia, por primera vez, en el parnaso internacional de la danza.

Estoy obligado a reiterar aquí algunos elementos históricos (en su mayoría de dominio público), como el caso de la anécdota de cómo Alonso sustituyó a la titular del rol en el entonces Ballet Theatre, Alicia Markova, por indisposición repentina, en la temporada de noviembre de 1943, lo que dio nacimiento a uno de los grandes mitos del arte coreográfico del siglo XX: Alonso-“Giselle”.

Esta producción adquiere un valor adicional, en cuanto a la veracidad de la versión realizada titánicamente por la experimentada maestra y antigua solista del BNC, Laura Alonso, heredera carnal de dos pilares de este arte: Alicia y Fernando Alonso, y heredera intelectual de las versiones reeditadas por su progenitora, hasta lograr una de las versiones más coherentes en el aspecto dramático teatral. Fue significativo que la propia Alonso fuera invitada a situar su “Giselle” en el repertorio del Ballet de la Ópera de París. En sus anales, “Giselle” o “Les Willis” (su título original), fue estrenada en el Teatro de la Academia Real de la Música (edificio destruido por un incendio) el 28 de junio de 1841. Este fue reemplazado por el actual Palais Garnier. La célebre Carlota Grisi fue entonces Giselle, con 89 representaciones.

Sin caer en el didactismo, pudiera sintetizar el argumento para enriquecer los conocimientos historicistas de los nuevos espectadores. El tema fantástico de “Giselle” proviene de la imaginación popular. Una antigua leyenda germánica relataba cómo las Willis eran los espíritus de las muchachas muertas antes de sus bodas, y emergían de sus tumbas para bailar a la luz de la luna. Unos seres fantasmales y aéreos que eran para los hombres tan peligrosos como irresistibles. A su permanencia contribuyó el poeta francés Théophile Gautier, al descubrir la leyenda de las Willis en la edición francesa del libro “Espíritus elementales” (1837) del poeta alemán Heinrich Heine. Con la contribución del libretista Jules Henri Vernoy, encontraron la fórmula exitosa de la ópera: engaño, locura y muerte. La música de Adolphe Adam, compositor de éxito en esa época, fue fundamental para hacer creíble la historia. Jules Perrot, excelente bailarín y amante de Grisi, concibió la coreografía con la contribución creativa de Jean Coralli, quien participó en escena como Hilarión, el rival de Albrecht. Perrot, varios años como maître de ballet en San Petersburgo, traspasó a su alumno y sucesor, Marius Petipa, sus saberes con respecto a “su obra maestra”. Desde entonces, el marsellés montó, revisó y readaptó la obra en numerosas ocasiones. La muy aplaudida variación de “Giselle”, en el primer acto, es de su autoría en 1887, con música de Ricardo Drigo.

Las juveniles bailarinas de los últimos años de la Escuela Nacional de Ballet integraron las filas en el ballet blanco. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

Es precisamente en la versión de Petipa que “Giselle” desembarca en Occidente, por medio de los ya célebres Ballets Russes de Serge Diaghilev. (El acucioso investigador y productor del mejor programa de televisión dedicado a la danza, Ahmed Piñeiro, nos desvela un dato fundamental: “la definitiva reposición que realizó Nicholas Sergeiev”, con “un gran cuidado filológico”, en 1924 para la Ópera de París, donde debutó en el titular la excelsa Olga Spessitseva. Es conocido que Sergeiev partió a Occidente llevando en su equipaje todos los carnets y apuntes de Petipa sobre sus creaciones, como consecuencia de la Revolución Bolchevique de octubre de 1917).

Puesta en escena en la versión de Laura Alonso

Laura Alonso encarna a Berthe, la madre de Giselle en esta puesta en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

La experimentada maestra de ballet y directora del Centro Prodanza de Cuba, Laura Alonso, ha diseñado su propia versión “Giselle”, a partir del evidente legado transmitido por sus padres y maestros formadores, Alicia y Fernando Alonso, incorporado a partir de años en la participación artística activa y profesional de los procesos creativos en el Ballet Nacional de Cuba, del cual fue miembro como solista principal y “coach”. La “grand ballet mistress” -como la califican las notas al programa de mano de su compañía-, y Premio Nacional de Danza 2021, ha expresado recientemente que “se trata de una producción renovada, que respeta y honra la coreografía de Alicia Alonso, a la que se le han añadido ciertos matices y ajustes sutiles en su construcción dramática visual”. La coherencia dramática lograda por AA, tan laureada y elogiada por la crítica internacional, está evidentemente aquí y ahora. Los momentos histriónicos de las pantomimas, que lo requieren en el primer acto, fueron enfatizados por la propia repositora, que personalmente subió a escena para encarnar el rol de Berthe, madre de Giselle (como vimos en una de las tres representaciones programadas). Observamos los matices definitorios del porqué de cada acción dramática, propios de la formación primera de Alonso en las escuelas coreográficas ruso-soviéticas, donde fue becaria en la pasada centuria.

Para ejecutar los diseños del ballet blanco, la ballet mistress se vio obligada a importar las juveniles bailarinas de los últimos años de la Escuela Nacional de Ballet. Muchos ensayos consiguieron una digna entrega: las diagonales en arabescos del segundo acto fueron ovacionadas. También muy aplaudidas las variaciones de Myrtha, reina de las wilis, en cada función. Una digna entrega del icónico ballet blanco. Igualmente, para el vestuario, atrezzos y telones, hubo que recurrir a los almacenes de antiguas producciones, así como a generosas donaciones de academias foráneas. En resumen, podríamos calificarlo de una hazaña teatral con resultados plausibles.

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En Prodanza se entrenan y forman jóvenes bailarines con el método de la Escuela Cubana de Ballet impartido por Laura Alonso. Foto gentileza Prodanza.

A fines de abril, Cuba volvió a otorgar su tradicional Premio Nacional de Danza, un reconocimiento a las grandes personalidades que han hecho historia en la isla. Un premio que se institucionalizó en 1998 y que tiene en cuenta fundamentalmente la trayectoria y el aporte a la danza cubana.

Este año, con un jurado encabezado por el maestro Johannes García, ganador de este premio en 2020, la elección fue para Laura Alonso, bailarina, profesora y creadora del Centro de Promoción de la Danza de Cuba, ProDanza, por su consolidada trayectoria artística.

Ese mismo miércoles 28 de abril, el Consejo Nacional de Artes Escénicas (CNAE) informó en sus redes sociales que el Premio Nacional de Danza 2021 en Cuba fue concedido a la gran maitre de ballet y directora de la compañía Prodanza. En esta institución se entrenan y forman jóvenes bailarines con el método de la Escuela Cubana de Ballet.

“Mi padre, mi tío y mi madre hicieron el syllabus para la escuela cubana de ballet -dijo hace algunos años Laura Alonso en un reportaje en los Estados Unidos-. Mi padre fue el maestro que implementó el método, mi tío, el coreógrafo y mi madre, la bailarina que mostró esta escuela al mundo. Esta técnica es la nueva, las otras tienen más de 500 años de antigüedad. Tiene todos los nuevos descubrimientos para el atletismo en el ballet y utiliza nuevas las técnicas científicas.”

Hija de Fernando y Alicia Alonso, sobrina de Alberto Alonso, “Laurita”, como la llamaban los familiares más cercanos, creció inmersa en la danza y la cultura. Comenzó sus estudios en la Escuela de Ballet de la Sociedad Pro-Arte Musical de La Habana, creada en 1931 por los dos hermanos Alonso (Fernando y Alberto) y por Alicia Alonso. Allí se formó con Alberto Alonso, León Fokine y otros profesores. Fue solista del Ballet Nacional de Cuba (BNC) por más de 20 años. Y ya en la década de 1980 creó el Departamento de Docencia Especializada, para promocionar y difundir la metodología de la escuela cubana de ballet.

Laura Alonso recibió Premio Nacional de Danza 2021 por la labor pedagógica que ha realizado dentro y fuera de Cuba. Foto gentileza Prodanza.

La creación del Centro ProDanza, marcó un hito en la historia del ballet de Cuba, y también en su carrera. El centro reunió agrupaciones de diversos estilos, acogió a las nuevas generaciones a través de La Joven Guardia, la cual abrió una puerta para el desarrollo profesional. Jóvenes bailarines que luego fueron primeras figuras del BNC como José Manuel Carreño, Svetlana Ballestaer, Xiomara Reyes, Lienz Chang, Ernesto Quenedit, Gladys Acosta, Ana Lobet, Julio Arozarena, Lorena y Lorna Feijóo, Galina Álvarez, Anissa Curbelo, Ariel Terrero, Armando González, Joan Boada, Alihaydeé Carreño, Víctor Gilí, Viengsay Valdés, entre una larga lista de talentosos intérpretes que representan al país y a la escuela cubana en diferentes lugares del mundo.

Al fundarse la Escuela Nacional de Arte, Laura Alonso se destacó por su trabajo docente en la clase de varones, y también dio clases en el Ballet del Instituto Cubano de Radiodifusión (ICR) y el Teatro Musical de La Habana. Por otra parte, también fue docente de la Universidad de las Artes (ISA). Fue impulsora del movimiento del Psicoballet, iniciativa que surgió en 1973, y que utiliza la técnica básica del ballet combinada con métodos psicológicos para restaurar el equilibrio psíquico-social en personas con discapacidades mentales, motoras y sensoriales.

Laura Alonso trascendió los límites de su propio país y ha impartido clases en diferentes países de mundo y en compañías reconocidas internacionalmente como el Ballet de Monterrey en México, en la ópera de Finlandia y en la escuela nacional de Finlandia, y ha sido maestra en Ohio University y en Dayton University. Fue miembro del claustro de maestros del comité organizador del Jackson International Ballet Competition, en Mississippi, y en 1990 fue premiada como la mejor maestra de la competición.

En el libro editado por la UNESCO, fue seleccionada para representar a la mujer en Cuba por su destacada labor en el mundo de la cultura, especialmente en la danza.

Xiomara Reyes, la nueva directora de la Washington School of Ballet, se propone tener más relación entre la escuela y The Washington Ballet. Foto Maritza Gueler.

El 1 de septiembre, Xiomara Reyes entró por primera vez en su rol de flamante directora a los estudios de la Washington School of Ballet. La ex bailarina principal del American Ballet Theatre (ABT) llegó a reemplazar a Kee Juan Han -quien anunció su retiro en abril de este año-, convocada por su compañera de largos años en el ABT, Julie Kent, actual directora de Washington Ballet (TWB). Ambas se despidieron de la escena en 2015, y comenzaron otra nueva aventura juntas. Su marido, Rinat Imaev, la acompaña en este periplo como profesor Senior de la escuela y como maestro de TWB, compañía actualmente dirigida por Julie Kent.

Reyes creció en El Vedado, uno de los barrios más emblemáticos de La Habana, Cuba, se formó en la Escuela Nacional de Ballet, tuvo una fuerte influencia de Laura Alonso, y luego, salió a volar con sus propias alas, inspirada por las enseñanzas de “Juan Salvador Gaviota”, de Richard Bach. Así pasó siete años en el Royal Ballet of Flanders y luego llegó al ABT. Y en uno de sus últimos pasos por Washington, Reyes fue invitada por TWB para interpretar a Katherine en el ballet creado por Septime Webre, “Sleepy Hollow”.

Cuando Kent asumió como directora de TWB, pensó en ella para que tomara la batuta de la escuela, Y así comenzaron un trabajo en conjunto que les permite formar a las nuevas generaciones de bailarines y alimentar a la compañía local con nuevos talentos. Actualmente en la escuela hay cerca de 810 alumnos en la sede del centro de DC, en Wisconsin Avenue, North West, y aproximadamente 300 en el North East.

Después de pasar varias horas dando clases, observando, y elaborando un plan a futuro, alrededor de las las 6:30 de la tarde, Reyes recorre las otras sedes de la Washington School of Ballet para ir delineando los programas que colaboren para ir acercándose a sus objetivos: formar bailarines con una sólida formación clásica, capaces de abordar una diversidad de estilos y escuelas.

En la Washington School of Ballet apuntan a que los alumnos sean capaces de abordar diferentes escuelas y estilos. Foto gentileza TWB.

Danzahoy: ¿Cómo surge esta idea de volver a trabajar juntas desde un lugar diferente del escenario?

Xiomara Reyes: Se origina primero porque a Julie le dieron el puesto de directora de TWB y nosotras hemos trabajado mucho juntas y tenemos muchos puntos en común. Cuando se enteró de este puesto, nos propuso a mi esposo y a mí para que la ayudemos a construir su visión de la compañía. La escuela es un elemento muy importante para hacer una compañía.

D: ¿Cuál es el foco principal en el que se apoyan para la formación de los estudiantes?

XR: Ponemos la insistencia en que el alumno salga de la escuela con una educación completa del baile y de la cultura en general, y que tenga una visión amplia de lo que es ser un artista. Me gustaría interactuar más con otras disciplinas. Para mí la relación maestro-alumno es clave, ya que el maestro es fundamental en la formación de una vida joven. Nosotros no solo educamos bailarines sino seres humanos para que en el futuro desarrollen su talento y la confianza en sí mismos, para que luego ayuden en la sociedad.

D: ¿Cómo planean el trabajo juntas?

XR: Queremos tener más relación entre la escuela y la compañía. Los directores anteriores no encontraron muchos puntos en común, pero en este caso, las dos tenemos cosas en común que queremos reflejar tanto en la escuela como en TWB. Mi esposo y yo también damos clases con la compañía, y al mismo tiempo ponemos mucho cuidado en los estudiantes que formamos para que Julie saque los bailarines que luego integrarán TWB.

D: Después de tantos años, ¿de qué manera pesa lo vivido en la escuela cubana de ballet?

XR: La escuela cubana es tremendamente profesional, con cinco días a la semana de trabajo. Aquí funciona de manera diferente, especialmente para los más pequeños, que tienen clases tres veces a la semana. Por lo tanto, lo importante es maximizar el tiempo. La escuela cubana es muy fuerte y da la libertad de interpretar y al mismo tiempo de ser más sólido en la técnica. Eso es lo que quiero transmitir aquí. Por otra parte, la escuela rusa que tiene un port de bars que se destaca enormemente, y el objetivo es hacer una mezcla de los elementos más representativos de cada escuela. De esta manera los muchachos se exponen a los diferentes estilos. Nuestra meta es buscar bailarines que puedan hacer Balanchine, Forsythe y que puedan moverse en todos los estilos con fluidez y gracia. Y tenemos muy buenos maestros.

Para Xiomara Reyes la relación maestro-alumno es clave en la formación de los jóvenes. Foto gentileza The Washington Ballet

D: ¿Y de qué manera empezó este cambio de timón?

XR: Ahora estamos haciendo de todo con un poco más de lentitud para darle a los estudiantes el tiempo para corregir algunos alineamientos. Ese trabajo lo llevamos a todas las sedes, y prestamos mucha atención en esos puntos, para corregir lo más pronto posible. Por ejemplo, con los aprendices estamos trabajando “Raymonda”, con el propósito de exponerlos a este tipo de preparación clásica. Estoy tratando de poner la mano en los aprendices para darles un lugar más importante del que tenían hasta ahora.

D: ¿Y cómo comenzó el trabajo?

XR: Estoy en un momento de mi vida muy especial. Hay muchas cosas que aprender. Desde lo profesional, es muy interesante. En este momento estamos preparando “Cascanueces”, y es un proceso muy encantador, y se ve desde el punto de vista del niño, de la forma en que se involucran en este ballet. Es un mundo fascinante.

D: ¿Washington o Nueva York?

XR: Siempre me encantó Washington, la naturaleza que se ve en la ciudad, sus árboles frondosos, el río… No he tenido mucho problema para adaptarme. Nueva York es muy ecléctico, pero Washington es más semejante a lo que yo pretendo. Si bien todavía estoy tratando de instalarme y armarme en la nueva casa. Vivo a 20 pasos de la escuela, y eso ayuda muchísimo, especialmente en estos momentos en los que uno se tiene que involucrar más.

Ballet del Centro Pro/danza de la Habana regresó de China, luego de presentar “El lago de los cisnes”. Foto gentileza Pro/danza.

La directora general y estelar ballet mistress, Laura Alonso, junto a los protagonistas de la “sui generis” versión de “El lago de los cisnes”, decidió tener un encuentro con la prensa para informar de su satisfacción por la exitosa y extensa gira por los cuatro puntos cardinales de la geografía de la China continental.

Con 50 bailarines y ocho técnicos, el Ballet del Centro Pro/danza de la Habana se presentó en los vastos escenarios de 20 ciudades, algunos con monumentales y modernísimas salas teatrales, como por ejemplo la Beijing, la megalópolis capitalina, que posee un aforo de seis mil confortables asientos, donde se ofrecieron en total más de 30 funciones de este emblemático título de la “danse d’école”, el cual era visto por primera vez, en su integralidad, por los públicos de este inmenso país asiático.

Para muchos de los bailarines integrantes de esta producción era la primera gira al exterior, además era el enfrentamiento con una cultura muy distinta, climas inclementes y gastronomía inhabitual, los cuales eran novatos escogidos en una previa y rigurosa audición “ad hoc”, teniendo en cuenta que en la gira precedente las huestes del Centro pro-danza quedaron muy diezmadas por la fuga de talentos.

En China, “El lago de los cisnes” se vio por primera vez en su versión completa. Foto gentileza Pro/Danza.

“Los 28 cisnes del segundo acto, por el rigor técnico logrado en sus diagonales, fueron muy aplaudidos en cada representación”, declaró una eufórica Laura Alonso, al tiempo que confesó su reconocimiento al aprendizaje que recibió directamente, en toda su carrera como bailarina, de sus padres, Alicia y Fernando Alonso.

Igualmente explicó, respondiendo a una pregunta de la prensa, el por qué tuvieron que viajar con una versión elaborada para Pro-Danza de este archiconocido gran clásico del repertorio de ballet. “Lo hacemos diferente a otros conjuntos de ballet, antes que todo para que el público no se aburra, y, también, porque no pretendemos competir con el Ballet Nacional de Cuba. Lo que tratamos es de que nuestros bailarines brillen por su arte y sus personalidades, sus individualidades, no por su color o estatura”, comentó.

“Hice esta gira, de más de dos meses, con mis padres a mi lado siempre. Recuerdo que me decían: no trates de comerte el mundo –ejecutando grandes saltos y múltiples giros-, piensa en convencer por la belleza, con la entrega de pasos pulidos y con la concentración”, enfatizó.
En esta ocasión viajaron tres solistas no locales, una bailarina japonesa, que hizo sus estudios de ballet en Cuba, otra de Panamá, y un bailarín uruguayo, elogiado por Laura Alonso ya que demostró versatilidad interpretativa, tanto como Sigfrido o como el Von Rothbart y su desdoblamiento como el brujo.

Alonso destacó el buen desenvolvimiento escénico de la compañía en general, así como la buena disciplina de los jóvenes que tuvieron que bailar con igual destreza en un sitio a seis mil 600 metros de altura sobre el nivel del mar.

Sobre sus planes futuros, Alonso anunció que están comprometidos a ofrecer en la isla esta producción de “Lago”, cuando retorne la carga de la producción desde China (escenografía nueva según las dimensiones de los escenarios en ese país). Sin embargo, tendrán presentaciones con programas de concierto en el Teatro Hubert de Blanck, una sala de El Vedado capitalino, luego, en el verano repondrán su versión de Don Quijote, para clausurar el evento anual de Cuballet, y una nueva gira por México con el ballet “Drácula”. Cuando logren la asignación de un teatro mayor, tiene la intención de reponer su versión del ballet “La Bayadera”.

El Centro Prodanza de Cuba fue creado el 30 de diciembre de 1994, bajo la dirección de su fundadora, maestra Laura Alonso, siendo entonces una derivación del Departamento de Docencia Especializada del Ballet Nacional, en el cual se habían creado las bases para promover la técnica de la Escuela Cubana de Ballet.

De esta forma, dijo Alonso, el objetivo fundamental del colectivo ha sido lograr una metodología coherente que permita el progreso del bailarín, desde la iniciación hasta la vida profesional, mediante un sistema propio de enseñanza de la metodología y la técnica de la escuela según el desaparecido maestro Fernando Alonso

El Ballet del Sur estrena “Don Quijote”, con el primer bailarín del Ballet Municipal de Río de Janeiro, Denis Vieira. Foto: Raul Lazaro. Gentileza BdS.

El OAS, Organismo dependiente del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires presenta dentro de la temporada 2013 al Ballet del Sur en el estreno de “Don Quijote”, obra basada en el libro de “El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha”, de Miguel de Cervantes. La obra, un clásico del ballet, se presentará con la Orquesta Sinfónica Provincial y tendrá como invitado al primer bailarín Denis Vieira del Ballet Municipal de Río de Janeiro.

Las funciones se realizarán en el Teatro Municipal de Bahía Blanca, del 3 al 5 de octubre.

Con música de Ludwig Minkus, la versión coreográfica de Ricardo Alfonso sobre la original de Marius Petipá, tendrá dirección musical de Gustavo Fontana.

La obra cuenta con un prólogo en el que incluye a Don Quijote soñando con Dulcinea, la más amada de sus heroínas y la única criatura digna de sus pensamientos. En el momento culminante de la visión, Sancho Panza, el fiel servidor del caballero, irrumpe en la habitación seguido por dos mujeres de la comarca que, furibundas, le reprochan el robo de un pollo.

Más allá del personaje obnubilado por los libros de caballería, el ballet “Don Quijote”, se basa en el capítulo XIX del segundo libro de “El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha”, y cuenta la historia de amor entre Kitri, la hija del tabernero, y Basilio, un joven barbero sin dinero y poco porvenir.

El padre de Kitri, que se opone a ese romance, quiere casar a su hija con el viejo y rico Gamacho, un vanidoso gentil hombre. A partir de estas pautas se desarrolla este ballet en el que el humor y la picardía son protagonistas.

La primera representación de “Don Quijote” estuvo a cargo del Ballet del Teatro Imperial de Bolshoi de Moscú, en diciembre de 1869. Luego se sucedieron innumerables versiones que llegan hasta la actualidad.

El bailarín invitado, Denis Vieira, comenzó sus estudios en la Escuela de Teatro Bolshoi en Brasil cuando tenía 8 años. Participó en Galas internacionales en Italia, Estados Unidos, Paraguay y Brasil, y trabajó con maestros y coreógrafos de renombre como Vladimir Vassiliev, Laura Alonso, Kevin McKenzie, tomando clases frecuentemente en el American Ballet Theater de Nueva York en 2011, y en el English National Ballet de Wayne Eagling en Londres durante 2012. Fue finalista en Boston International Ballet Competiton en 2011.

La compañía de ballet del Centro Prodanza presentó en la Habana “La fille mal gardée”. Foto gentileza de CP.

La “Fille” que creó Ashton. Hacer clic aquí.

El conocido ballet “La fille mal gardée”, también titulado “Vana precaución” en otras versiones y latitudes, se presenta esta vez en la versión “armada” por la notable “ballet mistress” y directora general del Centro Prodanza de La Habana, Laura Alonso. La coreógrafa ha tratado de ofrecer una “Fille” en tres actos –diferenciada de la versión de Alicia Alonso para el Ballet Nacional de Cuba–, según la de dos actos con tres escenas que estrenara en Burdeos Jean Dauberval, en 1789 (en vísperas del estallido de la Revolución Francesa), con música de Hertel.

Laura Alonso prefirió basarse en la dramaturgia narrativa de este ballet d´action en Dauberval, pero para la estructura y diseños coreográficos se remitió a lo creado por el célebre inglés Frederick Ashton para el Royal Ballet de Londres en 1960, pero con el soporte musical de Herold, con arreglos y otros materiales añadidos por el director de orquesta John Lanchbery. Por lo tanto, desvelan incongruencias estilísticas: lo francés y lo inglés conviven indistintamente en los bailables, principalmente en los conjuntos.

Esta compañía no-profesional ofrece una producción con “decorum”, empero su cuerpo de baile es heterogéneo en biotipos, orígenes y formaciones académicas. No obstante, los alargamientos bailables lastran la fluidez del divertimento humorístico que esta historia bucólica francesa refleja con cierto verismo. Una revisión de estos materiales “nuevos” redundaría en un positivo rendimiento, y un éxito mayor con la audiencia.

Tal vez, voluntariamente o por desconocimiento de los elementos de la técnica balletística que eran una tradición en la escritura coreográfica de Sir Ashton, no siempre estuvieron presentes, o al menos si lo estaban no se ejecutaron con claridad suficiente para identificarlos.

 Como, por ejemplo, “enchainement” conocido por los bailarines del Royal Ballet con los que trabajó Ashton como “the Fred Step”. Hasta el público que disfrutó y admiró sus ballets no lograban detectarlo fácilmente. Fue su compatriota crítico de ballet David Vaughan –autor del excelente libro “Frederick Ashton and his Ballets”– , quien reveló cuáles eran los componentes de este “paso”. También fue quien puso en conocimiento que los bailarines lo llamaban el “Fred Step”.

La puesta

La puesta en escena fue digna de subir al escenario del “Lorca”, tanto por la eficaz escenografía diseñada, como por el espléndido vestuario (en este punto debemos señalar los dislates, que se presentaron en los cambios de vestuario entre Lisa y Mamá Simone, al no ajustarse a las acciones respectivas en las escenas), así como la errónea elección de algunos bailarines con respecto a los papeles de la acción dramática fijada por la historia general, según aquel período francés, es decir corregir los “miscastings”, que se produjeron en la puesta.

En cuanto a la pareja protagonista de aquella función, interpretada con justeza por Jenny Sosa y Abel Miranda, mostró una bien definida interrelación entre ellos y con los otros personajes vinculantes, aunque no siempre estuvo bien engarzado con los conjuntos.

Ella, mostró un notable despliegue técnico y en casi todo momento en estilo. Él, no ejecutó siempre los pasos con la limpieza necesaria, aunque proyectó los matices de su Colin en cada momento, si bien debe retener ciertas sobreactuaciones faciales y manerismos en busca de una comicidad efectista.

El intérprete de Mamá Simone, Michel Castellanos aquella primera noche, necesita trabajar más personaje complejo dentro del aparente facilismo por el hecho del trasvestismo.  Debía observar los vídeos a su alcance con las interpretaciones paradigmáticas que le precedieron, por ejemplo: las de José Parés o Alberto Méndez, o del inglés Robert Helpman, o el propio Ashton. En cuanto al Alain de Luis Javier Fuentes, el bailarín nos mostró un loable desempeño histriónico y técnico, aunque las rigurosas quintas posiciones que exige este personaje no siempre estuvieron definidas, cuestión que seguramente corregirá en futuras presentaciones.