La primera noche de “Lago de los cisnes” tuvo como protagonistas a Isabella Boylston y al brasileño Daniel Camargo. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

“Lago de los cisnes” es, sin duda, uno de los clásicos a los que siempre se vuelve. Un acabado de la vida y sus contradicciones. Un ballet conmovedor que despierta todos los sentidos y se inserta en el alma.

La versión de Kevin McKenzie -sobre la de Marius Petipa y Lev Ivanov de 1895, estrenada en San Petersburgo- de este clásico en dos actos y dos escenas, que el American Ballet Theatre (ABT) trajo al Opera House del Kennedy Center de Washington DC desde el 21 al 25 de febrero, reúne todos los elementos necesarios para ser una de esas piezas insoslayables de la compañía. Un cuerpo de baile sólido y entusiasta, solistas impecables y comprometidos con cada rol, y protagonistas de alto nivel y sensibilidad integran esta ecuación cuyo resultado es una obra de gran intensidad y belleza.

Si bien hay una diversidad de versiones de este clásico, la de McKenzie, cuyo estreno mundial fue en el Metropolitan Opera House en 2000 con Susan Jaffe y José Manuel Carreño, narra en su prólogo la forma en que Odette fue capturada por el malvado hechicero von Rothbart quien, en su intento por obtener el amor de la princesa, la embruja y la convierte en un cisne que queda atrapado en sus dominios. La función de apertura, protagonizada por Isabella Boylston como Odette/Odile, y por el brasileño Daniel Camargo como Sigfrido, tuvo momentos intensos, que indudablemente se refuerzan con una bella coreografía y la música incomparable de Piotr Illych Tchaikowsky.

Boylston y Camargo hicieron un muy buen trabajo, con momentos conmovedores y de alto nivel técnico. No obstante, la profunda emoción que genera el pas de deux del acto blanco estuvo ausente. También estuvo ausente ese refinamiento y perfección en el suave braceo del cisne de Boylston.

Camargo interpretó un tibio Sigfrido, ajustado a las exigencias técnicas de una coreografía compleja. Preciso, a tempo, cuidado, pero sin emoción. Aún en el final del Acto III, cuando descubre la trampa de von Rothbart con el propósito de proteger el hechizo y mantener cautiva a Odette. Allí estaba en juego romper el maleficio a través del amor verdadero. No parecía lo mismo para este Sigfrido encarnado por Camargo.

Un excelente trabajo del cuerpo de baile en el acto blanco donde los cisnes, en la penumbra del lago, salen durante la noche bajo la luz de la luna.

El tercer acto situado en el palacio, durante el gran baile destinado a que Sigfrido encuentre a la princesa para casarse, incluye danzas folclóricas tradicionales como zardas, mazurcas, danzas napolitanas y españolas. Allí aparece von Rothbart, desdoblado aquí en un atractivo y maquiavélico personaje y encarnado por Jose Sebastian, un bailarín con fuerte personalidad y atractiva presencia. Con aire dramático y amenazador llega al palacio para quebrar el pacto de amor entre Sigfrido y Odette. Sebastian realizó una excelente variación y mostró su calidad como bailarín de la compañía.

La clave de este acto es el famoso pas de deux del Cisne Negro, encarnado por Odile, esta suerte de Alter Ego de Odette. Una coreografía que pone a prueba a cualquier bailarina tanto en la destreza técnica como en la interpretación. Boylston cubrió esas expectativas, si bien faltó algo de trabajo actoral sobre un personaje que difiere enormemente de Odette.

El hechizo de Herman Cornejo

El sábado matiné en el Opera House del Kennedy Center los roles principales estuvieron cubiertos por Herman Cornejo y Skylar Brant. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

El sábado matiné, tuvo como protagonistas de este “Lago…” a Herman Cornejo y a Skylar Brant. Una función cargada de emoción en la que ambos bailarines lograron un ensamble perfecto: técnica excelente, comprensión particular del drama de los personajes, emoción, sensibilidad y talento. Algo poco frecuente de encontrar.

Cornejo parece dibujar la música en el aire. Sus giros, sus saltos, silenciosos y perfectos, hablan de un bailarín con cualidades especiales. Excelente como partenaire, junto a Brant lograron un pas de deux conmovedor en el acto blanco. Brant con un port de bras magnífico, sutiles movimientos de cabeza, no hizo otra cosa más que asemejarse a un cisne en busca de su libertad a través del amor verdadero.

Fue en el tercer acto donde se lanzó con fouettes dobles que hicieron bramar a la platea. Allí su Odile fue la encarnación del mal, dispuesta a engañar a ese Sigfrido casi inocente y consternado. Cornejo y Brant, volvieron a deslumbrar en un acto en el que sí se advirtieron las diferencias entre ambos cisnes que, de alguna forma, representan la lucha entre las fuerzas del bien y del mal. Una función memorable que permitió observar el talento de varios solistas y cuerpo de baile.

Jake Roxander, como Benno, el amigo del príncipe se destacó con su actuación, con su personalidad entusiasta y su ajustada técnica. Su personaje fue sencillamente brillante al igual que el von Rothbart que compuso Andrii Ishchuk, cuya precisión en los saltos y en su variación fue impecable, al tiempo que puso un toque de humor displicente y malvado.

Una trama sumamente atrapante, elementos mágicos poderosos, dilemas morales y psicológicos, un gran despliegue escenográfico, danza pura, y belleza absoluta componen este “Lago de los cisnes” del American Ballet Theater.

]]> https://www.danzahoy.com/home/2024/02/el-magico-poder-del-verdadero-amor/feed/ 0 https://www.danzahoy.com/home/2020/02/morir-de-amor/ https://www.danzahoy.com/home/2020/02/morir-de-amor/#comments Sun, 16 Feb 2020 23:59:31 +0000 mgueler http://www.danzahoy.com/home/?p=13963

En el bosque de las Willis, el cuerpo de baile del ABT y Devon Teuscher (ctro.) en el rol de Mirtha en el Kennedy Center. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

“Giselle” es una de las obras clave de la historia del ballet, emblemática, y un desafío técnico y de interpretación. Cada bailarín pone su impronta personal, y quizás en ese punto se pueda distinguir esa sutil barrera que separa a los grandes bailarines de los verdaderos artistas.

A su vez, la pieza presenta una trama intrincada, con connotaciones psicológicas que ponen en juego los valores morales, la pasión y la entrega, deviene en un debate emocional entre el perdón, la justicia y el amor en todas sus aristas.

La versión que subió a escena el American Ballet Theatre (ABT) en su breve temporada -del 11 al 16 de febrero- en el Kennedy Center de Washington DC, con puesta en escena del director de la compañía, Kevin McKenzie, permite un desarrollo especial de sus personajes tanto principales como secundarios. Pero básicamente, abre una puerta para que los intérpretes se internen en lo más profundo de esos seres que, como Albrecht y Giselle crecen a través de la historia.

La noche del estreno de “Giselle” por el American Ballet Theatre tuvo como protagonista a la bailarina principal Hee Seo como Giselle. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Estrenada en 1841 en la Ópera de París, “Giselle” es un ballet en dos actos con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli, y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy. Basado en la obra “De l’Allemagne” (1835) de Heinrich Heine, la obra introduce a las Willis, esos personajes sobrenaturales que representan el espíritu de las doncellas que fueron traicionadas antes de su boda y murieron inmersas en la locura y la desolación.

El ABT presentó por primera vez este ballet en 1940 en el Center Theatre de Nueva York. Una segunda producción en 1946 en el Brodway Theatre, puso a Alicia Alonso en la cima de la danza de Nueva York. Finalmente, la compañía tuvo su sexta producción en 1987, estrenada en Los Ángeles con Marianna Tcherkassky como Giselle y McKenzie como Albretch.

La historia se centra en tres personajes fundamentales: Giselle la campesina enamorada de Albretch, un noble que pretende ser campesino para conquistar su amor; Hilarion, el joven aldeano que, despechado por el rechazo de Giselle, descubre el engaño de Albretch y provoca que la joven enloquezca y muera.

La noche del estreno tuvo en los protagónicos a Hee Seo como Giselle y Cory Stearns, como Albretch. Ambos impecables en la técnica y en la precisión. Hilarion, encarado en la noche del estreno en Washington por Roman Zhurbin se mostró como un bailarín sólido y expresivo. Al igual que Andrii Ishchuck, que cubrió el mismo rol en la noche del 13 de febrero en la que los protagonistas fueron Herman Cornejo y la solista Skylar Brandt. Ambos en una interpretación conmovedora e intensa.

En el primer acto, Seo y Stearns, hacen una pareja agradable, con un impecable despliegue técnico, y en el segundo, el acto blanco, cuando Albrecht, arrepentido, llega hasta la tumba de Giselle y juega con el espíritu de la doncella muerta, ambos muestran una gran solvencia. No obstante, la intensidad de la comunicación entre ambos bailarines estuvo ausente.

Una composición diferente, con otra óptica, fue la encarada por Cornejo para su Albrecht. Mientras Stearns parece acercarse a Giselle solo como una diversión y con sus gestos asegura a Mathilde, su prometida, que fue solo una locura, Cornejo no puede ocultar su enamoramiento hacia Giselle.

Luciana Paris mostró su calidad como bailarina en el Pas de Paisan del primer acto en la primera noche, y como Moyna el 13 de febrero. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

El cuerpo de baile de la compañía, atractivo y dinámico en el primer acto, fue sublime y bello en el acto blanco, donde las Willis, en arabesque, se desplazan, en ese bosque hechizado en el que los hombres que osan entrar en él mueren atrapados por las Willis vengativas. Devon Teuscher y Christine Shevchenko (el 11 y el 13 respectivamente), como Mirtha, hicieron un excelente trabajo, al igual que Katherine Williams y Luciana Paris (Moyna) y Stephanie Williams y Cassandra Trenary (Zulma). Paris también volvió a mostrar su calidad como bailarina y su habitual vitalidad en el primer acto (el 11 de febrero) cuando junto a Gabe Stoine Shayer interpretó el Pas de Paisan.

Brandt, quien reemplazó a Misty Coopeland debido a una lesión, conformó una dupla entrañable con Cornejo en el primer acto el 13 de febrero. Frescos, jóvenes, enamorados, ambos bailan juntos con enorme soltura. Partenaire impecable, Cornejo puso especial cuidado en la joven bailarina con potencial para estos roles. Brandt se sumergió en el acto de la locura, clave en este primer acto, con intensidad y fuerza expresiva.

Cornejo, en una interpretación memorable, deja fluir la danza con precisión, cuidado, perfección y gozo. En el acto blanco, Brandt y Cornejo transitaron con sutileza impecable el pas de deux y cada una de las escenas en el reino de las Willis.

Ver a Cornejo en escena confirma, una vez más, que los verdaderos artistas, los que dejan huella, los que son capaces de despertar las emociones más profundas de iniciados y neófitos, son pocos. Y Cornejo es uno de ellos.

]]> https://www.danzahoy.com/home/2020/02/morir-de-amor/feed/ 0 https://www.danzahoy.com/home/2018/04/volver-a-buenos-aires/ https://www.danzahoy.com/home/2018/04/volver-a-buenos-aires/#comments Wed, 04 Apr 2018 15:06:08 +0000 mgueler http://www.danzahoy.com/home/?p=12624

Herman Cornejo, primer bailarín del ABT, se presenta con “El Corsario” en el Teatro Colón junto al Ballet Estable. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza HC.

Estaba en su casa, en Nueva York, cuando recibió el llamado de Paloma Herrera, su antigua compañera del American Ballet Theatre (ABT) con quien compartió escenarios durante casi 15 años. En ese preciso momento se mezclaron sentimientos, recuerdos, deseos, ilusiones, sueños… Era volver a Buenos Aires, al Teatro Colón, donde se había formado desde niño. Era hacer “El Corsario”, una obra que había hecho infinidad de veces con el ABT y que, sin dudarlo, se convertía en una ventana para mostrar lo que mejor puede hacer: bailar.

Herman Cornejo, ese niño que se deslumbró con la danza desde que tenía 8 años cuando vio por primera vez a Maximiliano Guerra haciendo “Espartaco”, regresa por segunda vez al Teatro Colón, para interpretar el protagónico en este clásico ballet inspirado en el poema de Lord Bayron que narra una historia de amor, de aventuras, de piratas…

Esta producción, con música de Adolphe Adam, Riccardo Drigo y Leo Delibes, realizada en 2013 en el Teatro Colón con coreografía de Anne-Marie Holmes, y reposición de Julio Bocca, estrena el domingo 8 de abril con Cornejo, María Kochetkova, principal del San Francisco Ballet, y Daniil Simkin, también del ABT.

Herman Cornejo, en “El espectro de la rosa”, con el ABT, la compañía de sus sueños. Foto: Marty Sohl. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Considerado el Nijinsky del siglo XXI por la crítica de los Estados Unidos y del mundo, Cornejo, fue primer bailarín de la compañía de Julio Bocca cuando tenía 14 años, y fue el mismo Bocca quien pidió una excepción en la VIII Competencia Internacional de Danza de Moscú, para que este adolescente, que no cumplía con la edad mínima requerida, probara su suerte ante un riguroso tribunal. Y se llevó la medalla de oro, la misma que había ganado Bocca a los 19 años. En 2014 recibió el premio Benois de la Danza, el Oscar de los bailarines, y hoy, es el único primer bailarín hispano que queda en el ABT luego del gran boom de la década anterior, cuando comenzaba el nuevo siglo. Y en 2019, celebrará sus 20 años con la compañía en la que forjó su carrera de bailarín internacional.

Danzahoy: ¿Qué significa volver al Colón?

Herman Cornejo: Haber hecho el ISA (Instituto Superior de Arte del Teatro Colón) hace sentir que el teatro es tu casa, y realmente, es como volver a casa. Me gustaría estar más seguido en la Argentina y trabajar más en el Colón en estos próximos cinco años, que son los más importantes de mi carrera. El llamado de Paloma (Herrera) fue una gran emoción. Imagino que su idea, desde que ella asumió la dirección, es seguir trayendo a los argentinos que estamos en el exterior; hacer que vuelvan a casa. Es decir, lo que ella hizo como bailarina, lo está haciendo ahora con nosotros. Y sin duda, bailar en el teatro es muy especial.

D: ¿Cómo es mirar hacia atrás después de todos estos años, de tantos viajes, de tanta experiencia acumulada?

HC: Es emocionante. Especialmente cuando se empieza tan joven, como fue mi caso, porque en esa etapa uno es una máquina que mira solo hacia adelante. Y después de un tiempo, cuando uno vuelve la mirada hacia atrás, recién toma conciencia de lo que hizo. Cuando Julio (Bocca) fundó el Ballet Argentino -esa compañía para jóvenes de la que formé parte-, se abrieron muchas puertas para los bailarines. Desde entonces hasta hoy, a veces me pregunto: ¿me está pasando a mí?

D: Nueva York-Argentina, ¿cómo son los sentimientos de pertenecer a dos lugares?

HC: Cuando vine a Nueva York no fue con la intención era hacer carrera en Nueva York, sino porque era el ABT. Y cuando regreso a casa, en la Argentina, me siento como un turista. Es una sensación linda, porque es volver con más libertad.

HC: La idea surgió en cierta forma, por Julio. Conocí el ABT porque Julio bailaba allí, y después fue Paloma. De alguna manera fue como seguir los pasos de Julio. Él fue un ejemplo para todos los argentinos. Lo cual no significó, ni significa, copiar lo que él hizo, sino que él fue un modelo por el respeto al trabajo, a lo que representa y es esta carrera. Tanto Julio como Maximiliano Guerra, impusieron su nombre en el mundo de la danza a nivel internacional y nos representaron a través del arte casi a un mismo plano que nos reconocen por el deporte. Ellos dos lograron romper esa barrera, y también hicieron que la danza no fuera algo perteneciente a una elite en la Argentina.

Los hermanos Erica y Herman Cornejo en “Diana y Acteón”. Hace 20 años viajaron a Nueva York y se integraron al ABT Foto: Arnaldo Colombaroli. Archivo Danzahoy. Gentileza TC.

D: ¿De qué manera te insertaste en Nueva York?HC: La suerte fue estar con mi hermana Erica -ex bailarina del ABT y del Boston Ballet-, y a los dos nos pasó este “sueño americano”. Y el apoyo familiar fue fundamental. Mi madre viajó con nosotros los primeros tres meses y se encargó de que estuviéramos bien ubicados, y además, quiso comprobar que realmente estábamos seguros de que era eso lo que queríamos. Mi padre se ocupó de que pudiéramos hacerlo. Y si bien es cierto que el talento te lleva a estos niveles tan altos, también es cierto que además de talento hay que tener dos dedos de frente y mantener el respeto por la profesión. Todos los días de mi vida tomo clases como si fuera un principiante, es mi trabajo. Además, no me dejé tentar por lo que ofrece una ciudad como Nueva York, tengo ese arrastre de la vida campesina. Nací en San Luis y me crié en Buenos Aires, y esa vida familiar con mis padres ayudó. Soy más casero, me gusta ir al cine, no me gusta ir de fiesta…

D: ¿Y cómo empezaste a relacionarte con la ciudad y su gente?

HC: Era muy tímido con todo y con todos. Y mi timidez me llevó a no hablar inglés por dos años. Por otra parte, en aquella época en el ABT había como veinte hispanos en la compañía, por lo tanto, no necesitaba hablar mucho inglés. Ahora, me empiezo a olvidar palabras en castellano. En realidad, he pasado 20 años en los Estados Unidos y 16 en la Argentina, y me hice ciudadano estadounidense porque sentí que tenía que honrar al país que me había dado todo en mi carrera.

D: ¿Cómo habría sido tu carrera si hubieras vivido en la Argentina?

HC: Volver a lo de los padres es cómodo, al menos por un tiempo. Cuando vuelvo al Colon, me miman, y luego regreso a mi casa de todos los días en Nueva York, al lugar que construí con mi carrera, desde que entré como aprendiz. Ahora, con Paloma, subió un poco más el número de espectáculos. Con el ABT hacemos cerca de 100 funciones al año, mientras en el Colon hacen entre 20 y 40. Eso me impulsó a irme. En mi época era casi imposible pensar en una carrera como bailarín en la Argentina, especialmente por problemas de contratación. Partir fue casi obligatorio, y era muy común en nuestra generación. No te podías quedar a depender de un contrato.

D: ¿Alguna vez pensaste dejar el ABT por otra compañía o para convertirte en bailarín independiente?

HC: Mi sueño fue llegar al ABT y cuando lo conseguí fue decir: “este es mi sueño”. Trabajar como bailarín invitado es bueno, pero me gusta sentirme parte de una compañía estable. Creo que Kevin McKenzie -director artístico del ABT- maneja el grupo de una manera en la que la gente se siente como en una familia. Si bien puede haber cosas complejas, todo se maneja desde un lugar muy humano. Poder trabajar y hablar con el director en un mismo nivel es importante porque se asemeja a la relación que uno tiene con su propia familia.

Arraigado a las costumbres, Herman Cornejo no se despega de su mate en ningún lugar del mundo. Foto: Lucas Chilczuk. Gentileza HC.

D: Después de los rusos y de los hispanos que fueron estrellas en las últimas décadas en los Estados Unidos, ¿quiénes son los que predominan ahora?

HC: Creo que son olas de generaciones diferentes. Ahora la compañía está llena de asiáticos, algo que también se puede ver en las competiciones. La danza rusa es la cuna de la danza y siempre que veas a un ruso de alto nivel vas a ver un buen show. El hispano no es tan estudiado como el ruso y en cierta forma la explosión de un hispano tapa un poco el espectáculo de los rusos porque se mezcla lo humano y lo técnico. No sé si es culpa de los concursos, pero ahora es todo muy técnico y la expresividad queda de lado. El hispano, en cambio, reúne la técnica y el conocimiento de varias escuelas. Por ejemplo, en el ISA se estudian casi todas las escuelas, lo cual nos hace más abiertos para interpretar la danza desde otro nivel. Y tal vez porque en Sudamérica no hay muchas facilidades para estudiar seriamente, los hispanos valoramos más las oportunidades que se nos brindan. En Nueva York hay estudios impresionantes de primer nivel, en cambio en nuestros países, hacer danza es una pasión. No vamos a clase por que sí, sino porque tenemos ganas de ir y de ensayar. Por eso, el permanecer como estable, me hace sentir que sigo manteniendo esa antorcha encendida. Esa antorcha que también en cierta forma me pasó Julio cuando hizo su último “Don Quijote” en su despedida Japón. Al día siguiente hice mi primer protagónico en “Don Quijote” porque un bailarín se había lesionado. Entonces sentí que Julio me estaba asando la antorcha. Así que, hasta que no venga otro argentino, no me retiro…

“El Corsario” en escena

Programa

Coreografía: Anne-Marie Holmes

Reposición Coreográfica: Julio Bocca

Asistente Reposición Coreográfica: Lorena Fernández

Música: Adolph Adam, Riccardo Drigo, Leo Delibes

Diseño de escenografía: Christian Prego

Diseño de vestuario: Aníbal Lápiz

Diseño de Iluminación: Rubén Conde

Ballet Estable del Teatro Colón

Directora: Paloma Herrera

Orquesta Filarmónica de Buenos Aires

Directora: Tara Simoncic

Parejas protagónicas

Función del 8 y 10 de abril:

María Kochetkova – Herman Cornejo

Función del 13 y 15 de abril:

Nadia Muzyca – Federico Fernández

Función del 12 y 14 de abril:

Macarena Giménez – Juan Pablo Ledo

Herman Cornejo (ctro), Misty Copeland (izq.) y David Hallberg (der.), en “I Feel the Earth Move”, de Benjamin Millepied. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

El American Ballet Theatre (ABT) regresó al Kennedy Center de Washington DC con dos programas diferentes. El 30 y 31 de enero, la compañía dirigida por Kevin McKenzie, llegó al escenario del Opera House con un programa mixto integrado por obras de Alexei Ratmansky (coreógrafo en residencia), Jerome Robbins, Benjamin Millepied y Christopher Wheeldon. Del 1 al 4 de febrero, el ABT trajo un divertimento fresco, bello y atractivo: “Whipped Cream”, una recreación de “Schlagobers”, obra estrenada en Viena en 1924 con coreografía de Henrich Kröller. Esta pieza de Ratmansky, tuvo su premier en 2017, en Costa Mesa, California, con Daniil Simkin, Stella abrera, David Hallberg y Sarah Lane en los protagónicos.

La primera noche del ABT en DC abrió con “Serenade after Plato’s Symposium”, de Ratmansky. Una obra que intenta deshilar una dialéctica tan particular como la planteada por Platón en “El banquete”, donde los diálogos se enriquecen y juegan una constante pulseada con las ideas. Aquí, Ratmansky logra ese mismo ir y venir de las reflexiones de los comensales propuestos por el filósofo griego, hasta que finalmente llega el turno de Sócrates para llegar a la síntesis inevitable. Jeffery Cirio (con una brillante interpretación), Alexandre Hammoudi, Blaine Hoven, Calvin Royal (un bailarín interesante cuya danza impacta y atrae), Gabe Stone Shayer, Daniil Simkin yJames Whiteside, dialogan sobre el amor, la belleza, la verdad, hasta que en el final, aparece la encarnación perfecta de la belleza del amor a través de DevonTeuscher.

“Other Dances”, de Robbins, estrenada en 1976 por Natalia Makarova y Mikhail Baryshnikov, con música de Frederic Chopin, es uno de los más bellos pas de deux del repertorio neoclásico. Interpretada con corrección por Isabella Boylston y Cory Stearns, esta pieza careció de la pasión e intensidad que la hacen sublime desde todo punto de vista.

Para el final del programa mixto el ABT presentó “Thirteen Diversions”, de Christopher Wheeldon, con música de Benjamin Britten. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Con el escenario desnudo, el esqueleto de las torres de luz, las patas de las bambalinas y las paredes del fondo se convierten en parte de una escenografía donde bailarines y técnicos caminan por esos espacios de luces y sombras. “I Feel the Earth Move”, de Millepied, incorpora  palabras en la música y música en las palabras a través de una partitura del inefable e incomparable Philip Glass. Mientras, los bailarines van desplegando movimientos que combinan contact, con neoclásico y contemporáneo, carreras, saltos, giros, a través de una sucesión de tríos, dúos, cuartetos y escenas de conjunto. No obstante, la obra parece vacía, con bailarines, también vacíos, sin nada que decir. Sólo esa magia natural de Herman Cornejo despierta el interés por ver, al fin, danza de verdad. Su presencia en escena, sus saltos, sus giros, ponen a la audiencia frente a uno de los grandes bailarines de este siglo, capaz de recomponer una obra que se desvanece.

Para el final de este primer programa: “Thirteen Diversions”, de Wheeldon, con música de Benjamin Britten. La obra reúne cuatro parejas de bailarines, con un criterio minimalista y dinámico, que muestra una sólida estructura coreográfica que permite ver un cuerpo de baile atractivo y enérgico.

Un cuento de golosinas

Con música de Richard Strauss, “Whipped Cream”, de Alexei Ratmansky, estrenada por el ABT en 2017, es un ballet para los más pequeños. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC

“Whipped Cream”, un “dulce” divertimento creado por Ratmansky especialmente para los niños, no deja de encantar también a los adultos por su frescura, sus toques de humor y por los bellos diseños de vestuario y escenografía de Mark Ryden, y la iluminación de Brad Fields. A eso se suma la incorporación de muñecos encarnados por bailarines. Todo es gigante en esta puesta, menos la danza.

Con música y libreto de Richard Strauss, la propuesta coreográfica es simple, directa, pero no tan deslumbrante como los trajes y el despliegue escénico. Desde arqueros de mazapán a un príncipe café, una princesa de praliné y pequeñas cup cakes (interpretadas por graciosos y encantadores niños), a los que se suman una princesa de flor de té, un príncipe cacao, y copos de crema. Más personajes se integran como parte de esta tienda de repleta de golosinas que forman este enorme mundo de los dulces.

Pero la obra se queda sólo en ese gigantesco despliegue escénico, con buenos bailarines, una coreografía simple, y un argumento, también simple. Un niño que llega a una tienda de golosinas, come todo lo que puede, y termina en el hospital con una indigestión. En la segunda parte, llega el aspecto sombrío de la historia: el hospital, un médico alcohólico, enfermeras siniestras que le apuntan con enormes jeringas, y un escape inevitable. Otra vez, al mundo de los dulces. Solo eso.

Marcelo Gomes interpretará a Julian Craster en la producción de “The Red Shoes” de Matthew Bourne en el Kennedy Center. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Un conde, un príncipe, un villano, un hechicero, un joven enamorado capaz de morir de amor y por amor… Marcelo Gomes hace historia en el mundo del ballet. El bailarín que formó parte de la transición entre dos siglos en los que la danza fue cambiando sus perfiles. Aún siendo un niño, allá en Manaos, la capital del estado de Amazonas, en el Norte de Brasil, donde nació, la danza comenzó a formar parte de su vida. Su destino: Río de Janeiro. Luego, el mundo. A los 18 años, en 1997, después de ganar el Prix de Lausanne, ingresó al American Ballet Theatre (ABT) como miembro del cuerpo de baile, y en cinco años pasó de solista a principal. En la compañía, fue uno de los grandes partenaires de Paloma Herrera y de Julie Kent. Se llevó el Benois de la Danse en 2008, y desde hace un par de años se lanzó al desafío de ser coreógrafo.

Actor indiscutible, Gomes llega a DC, esta vez, con New Adventures para protagonizar “The Red Shoes” en el Opera House del Kennedy Center de DC desde el 10 al 15 de octubre. Esta producción del británico Matthew Bourne fue estrenada en 2016, y se basa en el célebre film del mismo nombre creado por Michael Powell y Emeric Pressburger de 1948, sobre el cuento de Hans Christian Andersen. Los protagonistas de aquella película memorable fueron Moira Shearer, Anton Walbrook, Marius Gorin, Robert Helpman, Leónide Massine y Lurdmila Tchérina, entre otros.
Sin embargo, esta no es la primera vez que Gomes es bailarín invitado de la compañía dirigida y fundada por Bourne. Antes, pasó por “Carmen” y “Lago de los cisnes”. Ahora, luego de cinco shows con “The Red Shoes” en Los Ángeles, se prepara para una larga gira con esta obra.

Marcelo Gomes y Julie Kent en “Manon”, producción del ABT. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT. Archivo Danzahoy.

Danzahoy: ¿Cómo surgió esta posibilidad de trabajar con Bourne en este ballet?
Marcelo Gomes: Trabajé con Matthew (Bourne) en dos producciones anteriores, y esta vez me llamó para hacer “The Red Shoes”. Es un maravilloso director y un coreógrafo talentoso. Me siento feliz de formar parte de esta obra y de cubrir un rol que es diferente a los que hago habitualmente. Trabajar con él me permite explorar aun más en mi trabajo de actuación, y eso es un desafío importante porque lo que él pide de los artistas es contar una historia, no hacer piruetas. Aquí hago cosas que nunca hice antes, como por ejemplo, tocar el piano.

D: ¿Cuáles son los puntos de esta historia que le llaman más la atención?
MG: Es una pieza intrigante que habla sobre la historia de una bailarina que trata de encontrar un camino para su vida, que intenta descubrir hacia dónde va su carrera. Y es necesario que uno se haga esa pregunta porque ese dilema constante forma parte de la vida de un artista. Todos nos cuestionamos y nos planteamos lo mismo en todo momento de nuestra carrera.

D: ¿Dónde se establecen las diferencias entre el film protagonizado por Moira Shearer y esta creación de Bourne de 2016?
MG: Matthew es increíble, su imaginación y su creatividad hacen que sea un “master” del teatro. Esta producción se parece bastante al film, con algunos cambios y otra perspectiva. No solo es hermosa sino que es muy desafiante tanto para el artista como para la audiencia porque hace un juego de ida y vuelta entre la realidad y la ficción. Al espectador le permite pensar y comparar entre el mundo real y lo que cada uno haría en circunstancias similares. Y de alguna manera, esta producción deja a cada uno con interrogantes por resolver.

D: Como artista y como persona, ¿qué es lo que más rescata de ambas producciones?
MG: Prefiero verla en vivo. Vi el video, pero no pude percibir las emociones. En la producción de Matthew se hace mucho énfasis en la actuación. Cuando vi la obra por primera vez me movilizó mucho. Es trágica, y la protagonista no puede resolver su conflicto. Está inspirada en la película, pero Matthew hizo mucha investigación sobre el ballet y la creación de un ballet, y explora mucho sobre ese tema. Si bien se asemeja bastante a la línea argumental de la película, hay algunas diferencias. Por ejemplo, el ballet master es casi un gigoló.

D: ¿Cómo compatibiliza entre el ABT y esta gira con New Adventures?
MG: Después de estar 20 años con ABT y de trabajar con distintos coreógrafos, esta oportunidad es una bendición para mí. Esta será la primera temporada de otoño en la que no bailaré con la compañía porque estaré en tour con New Adventures. Esta experiencia, sin duda, me hace mirar mis roles tradicionales de otra forma, desde otra perspectiva, y me permite crecer como artista. Kevin McKenzie, el director del ABT, me da permiso para hacer esto porque forma parte de la formación del bailarín.

D: ¿Y cuáles son sus perspectivas como coreógrafo?
MG: Estoy haciendo un nuevo ballet para el Sarazotta Ballet y para el próximo año, estrenaré con el Washington Ballet. Desde luego, crear nuevas coreografías me entusiasma. Me gusta estar del otro lado y ser quien inspira a otros bailarines.

El ABT presenta “El lago de los cisnes” hasta el domingo 29 de enero en el Opera House del Kennedy Center de Washington DC. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

Más allá del paso del tiempo, más allá de sus múltiples intérpretes y versiones, “Lago de los cisnes” es una de esas obras indiscutibles del repertorio. Combina una trama sumamente atrapante, elementos mágicos poderosos, dilemas morales y psicológicos, un gran despliegue escenográfico, danza pura, y belleza absoluta.

La versión de Kevin McKenzie -sobre la de Marius Petipa y Lev Ivanov- de este clásico en dos actos y dos escenas, que el American Ballet Theatre (ABT) trajo al Opera House del Kennedy Center de Washington DC desde el 25 al 29 de enero, reúne todos esos elementos y, sobre todo, muestra un cuerpo de baile sólido y refinado. Quizás, después de la partida de las tres grandes estrellas femeninas, Paloma Herrera, Julie Kent y Xiomara Reyes, la compañía todavía pasa por una etapa de transición en la que se advierte aun la ausencia de verdaderas “etoiles” para estos roles en los que héroes y heroínas deben devorar la escena.

Gillian Murphy, una de las siete protagonistas de la versión de “Lago de los cisnes” que trae el ABT a Washington DC, y junto a ella, Roman Zhurbin. Foto: Hidemi Seto. Gentileza JFKC.

Mckenzie, en su prólogo, narra la secuencia en la que Odette cae en las manos del malvado hechicero von Rothbart quien, al no obtener el amor de la princesa, la embruja y la convierte en cisne, dejándola atrapada en sus dominios. Un punto en el que difiere de otras puestas en las que no siempre describen el secreto de ese hechizo. La función de apertura, protagonizada por Hee Seo como Odette/Odile, y Cory Stearns como Sigfrido, tuvo momentos logrados, que indudablemente se refuerzan por una estupenda coreografía y la música sublime de Piotr Illych Tchaikowsky.

Seo y Stearns hicieron un excelente trabajo en pareja, especialmente en el pas de deux del acto blanco, en el que Odette se encuentra con Sigfrido y le cuenta su tragedia. Ambos se prometen amor eterno y queda pendiente la esperanza de romper el maleficio a través del amor. No obstante la profunda emoción que genera ese pas de deux estuvo ausente. También estuvo ausente por parte de Seo ese refinamiento y perfección en el suave braceo del cisne. No obstante, la bailarina logró encontrar el movimiento de cuello acertado semejante al de un verdadero cisne. Mientras, Stearns, quien ha crecido como bailarín y se lo ve más sólido, logró crear un personaje atractivo, con buenos saltos y prolijos cierres.

Magnífico el cuerpo de baile en el bello acto blanco donde los cisnes, en la penumbra del lago, salen durante la noche bajo la luz de la luna. Un despliegue casi sublime y encantador, que deja perplejo, y permite ver un ensamble sólido.

El segundo acto situado en el palacio, en el gran baile destinado a que Sigfrido encuentre a la princesa para casarse, incluye danzas folclóricas tradicionales como zardas, mazurcas, danzas napolitanas y españolas. Allí aparece Odile, con su maleficencia, instigada por Von Rothbart, desdoblado aquí en un atractivo y maquiavélico personaje. Thomas Forster, un bailarín con fuerte personalidad y atractiva presencia, encarna a ese von Rothbart. Con la interpretación adecuada, Forster realizó una estupenda variación y mostró su calidad como bailarín solista de la compañía. Por su parte, Patrick Ogle cubrió el rol de von Rothbart en su verdadera y repulsiva forma de “animal” o monstruo del bosque. Impresionante.

El pas de trois de “Lago de los cisnes” con Devon Teuscher, Joseph Gorak y Christine Shevchenko. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Sin duda, la llave maestra de este acto es el famoso pas de deux del Cisne Negro, encarnado por Odile, una suerte de Alter Ego de Odette. Una coreografía que pone a prueba a cualquier bailarina, dado que plantea una combinación de actuación exigida y técnica superlativa. Aquí aparecen los famosos fouettés, clave de esta coreografía. Seo comenzó con sus doble giros, y en la mitad de los 32 fouettes que tiene esta coreografía se fue levemente de eje. Por otra parte, en el rol de este personaje, le faltó la malicia que requiere. Por su parte, Stearns terminó sus difíciles variaciones con total brillantez.

Joseph Gorak, como Benno, amigo del príncipe, se destacó con su actuación con su entusiasta personalidad y por su ajustada técnica. Su personaje fue sencillamente brillante, al igual que en el pas de trois con Sarah Lane y Skylart Brandt.

Quedan aún cinco funciones, una de las cuales será protagonizada por Herman Cornejo y Misty Copeland, funciones que están totalmente vendidas.

Tamás-Krizs y Sona-Kharatian de The Washington Ballet en “Fives”, en el Kennedy Center. Foto: Dean Alexander. Gentileza TWB.

Celebrar 40 años de trabajo es una cifra para tener en cuenta, pero es más significativo aun si se trata de una compañía de ballet en una ciudad como Washington DC, donde la política es el centro de la escena. En este 2016, The Washington Ballet (TWB) celebró estas cuatro décadas en las que los sueños de Mary Day, su fundadora, se fueron cumpliendo paso a paso. El viernes 30 de septiembre, en el Eisenhower Theater del Kennedy Center de DC, el pasado, el presente y el futuro subieron a escena, delineando una gala para recordar.

Guiada por la nueva directora artística, Julie Kent, ataviada en tres deslumbrantes vestidos, la gala se sumergió en el pasado, y convocó imágenes de Mary Day en las clases de los primeros tiempos, testimonios de sus asistentes, y también, un fiel y cálido recuerdo de Kevin McKenzie, actual director del American Ballet Theatre (ABT), y ex alumno de The Washington Ballet School. Cuando el telón subió, la compañía en pleno, vestida de rojo furioso y bajo los compases de la música de Ernest Bloch comenzó “Fives”, de Choo San Goh, coreógrafo de Singapur quien marcó estilo y rumbo durante la década del 70.

Y este despliegue en el que la memoria fluye abrió las puertas a Septime Webre, quien durante 17 años le dio a la compañía un toque particular y realizó un intenso trabajo de difusión y captación de público. Con él, llegó a la escena la que fue su primera obra, un homenaje a su familia, inspirado en reminiscencias de la vida en Cuba. “Juanita y Alicia”, una realización llena de nostalgias, muestra un desborde de ritmo y desenfado a través de bailarines totalmente compenetrados con la coreografía, la trama y la música.

Festejo, globos y un aniversario para celebrar los 40 años de The Washington Ballet en DC. Foto: Danzahoy.

El tercer bloque, mira hacia el futuro a través de los ojos de la nueva directora quien, luego de estar 30 años fuera de Washington y de haber sido una de las grandes estrellas del ABT, su objetivo es darle una impronta clásica a la compañía. Una serie de pas de deux como “Cisne negro” de “El lago de los cisnes”; de Marius Petipa, “Cascanueces” y “Don Quijote”, precedieron un clásico de George Balanchine, “Theme and Variations”.

Sin embargo, en esta serie clásica de pas de deux, al igual que en “Theme…”, queda mucho camino por recorrer, a pesar de tener bailarines de sólida formación como Rolando Sarabia, una nueva adquisición que viene de la escuela cubana, y que genera expectativas para las futuras producciones. El virtuosismo de Brooklyn Mack apareció en “Don Quijote” junto a Maki Onuki. Y si bien Kent tuvo pocas semanas para trabajar con los bailarines, ya que se hizo cargo de la compañía a principios de septiembre, habrá que esperar al primer estreno de la temporada, con “Giselle”, en marzo del próximo año, para ir observando la evolución de la troupe que, en esta temporada, tiene una fuerte presencia hispana.

En vista a los años por venir, Kent mencionó su intención de dar una impronta más clásica a la compañía, y trabajar con música en vivo. También anunció para la temporada 2017 el estreno, el 25 de mayo, de una creación de Ethan Stiefel, ex primer bailarín de ABT, en el Opera House del Kennedy Center de DC, y otra serie de obras de los grandes coreógrafos del siglo XX como “El jardín de las lilas”, de Anthony Tudor, y “The Dream”, de Frederick Ashton. Y en abril, estrenarán la pieza de Alexei Ratmansky, “Seven Sonatas”.

The Washington Ballet con la nueva directora artística, Julie-Kent. Foto: Dean Alexander. Gentileza TWB.

El ABT abre el ciclo de primavera en el Metropolitan Opera House de Nueva York hasta el 2 de julio. Foto: Gene Schiavone. (Misty Copeland en “Pájaro de fuego”. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

La nueva temporada del American Ballet Theatre (ABT), dirigido por Kevin McKenzie comienza oficialmente el lunes 16 con la gala de apertura en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Si bien las funciones comenzaron el lunes 9 de mayo con “Silvia”, de Frederick Ashton. Las funciones se extenderán hasta el 2 de julio, y se anticipa el estreno mundial de una nueva obra de Alexei Ratmansky, coreógrafo en residencia del ABT.

A las 6:30 pm está previsto el comienzo de esta función extraordinaria de este ciclo número 76 del ensamble fundado por la legendaria Lucia Chase. La gala presentará fragmentos de las obras que se verán a lo largo de las ocho semanas previstas para esta primavera. Luego se realizará la tradicional cena-baile a la que asistirán benefactores, bailarines y figuras reconocidas del medio en el Promenade del David H. Koch Theater, Lincoln Center.

La primera dama Michelle Obama será presidenta honoraria, distinción que compartirá con Pamela Ford, Mary Elizabeth Snow, Sutton Stracke y Caryn Zucker. También asistirán los primeros bailarines Herman Cornejo, Marcelo Gomes, Gillian Murphy, Veronika Part, Hee Seo, Daniil Simkin, Cory Stearns y James Whiteside, y las bailarinas principales recién ascendidas, Stella Abrera, Isabella Boylston y Misty Copeland.

El programa de la función está integrado por fragmentos del Acto II de “La bella durmiente”, y de la nueva obra de Ratmansky, ” Serenade after Plato’s Symposium”; escenas de obras de Frederick Ashton, “Sylvia” y “La Fille mal gardée”. A las que se suma la versión completa de “Pájaro de fuego”, que estará a cargo de Misty Coopelan, obra con la que la bailarina, por su interpretación, captó la atención de la prensa especializada y del público.

Alessandra Ferri, que regresa como invitada al ABT, luego de su retiro hace casi 10 años, interpretará el solo “Pie Jesu”, del “Requiem”, de Kenneth MacMillan con música de Gabriel Fauré, cantada por la soprano Ying Fang.

El resto de la semana continúa con dos programas exclusivos de Ratmansky: Shostakovich Triloy, integrado por “Symphony #9″, “Chamber Symphony” y “Piano Concerto #1″, y Ratmansky Tripple Bill, en el que se verá el estreno mundial de “Serenade after Plato’s Symposium”, “Seven Sonatas” y “Firebird” (Pájaro de fuego). Y en la última semana de mayo, “La Fille…” será protagonista.

Información sobre la temporada:

www.abt.org.
http://twitter.com/ABTBallet
http://facebook.com/AmericanBalletTheatre

En la noche de la premiere, el 27 de enero, Isabella Boylston y Joseph Gorak fueron los protagonistas de “La bella durmiente” de Alexei Ratmansky en el Kennedy Center de DC. Foto: MIRA. Gentileza JFKC

El miércoles 27 Washington fue un caos después de la tormenta de nieve que azotó la ciudad un par de días atrás, y paralizó actividades y tránsito. Y en medio de ese pandemónium: el estreno de “La bella durmiente” de Alexei Ratmansky en el Opera House del Kennedy Center. Muchos, llegaron después del primer intervalo para formar parte de esta nueva producción del American Ballet Theatre, dirigido por Kevin McKenzie.

Una puesta espectacular, magnificente, con un despliegue exuberante de lujo y oropeles que sitúa la pieza en el siglo XIV. La opulencia de la escenografía y del vestuario se traduce en pesados decorados, sedas, brocados, lamé, plumas, inmensos e incómodos sombreros y pelucas estilo Luis XV, producto de la realización de Richard Hudson, ganador de un premio Tony por la escenografía y vestuario en “The Lion King”. Basada en los decorados creados para la puesta de 1921 de Leon Bakst para Ballets Russes, la producción está despojada del clásico tutú, que cambió su aspecto en una suerte de falda tipo campana armada por varias capas de tela, pesada, pero bonita. El cuerpo de baile, ataviado con zapatos de tacón y colorido vestuario, en algunas secuencias.

La brillante iluminación de James F. Ingalls colabora en esta puesta pomposa en la que la gestualidad cumple un rol importante en la narración de la historia. Ratmansky se apoyó en las notaciones posteriores al estreno de 1890 en San Petersburgo, con música de Piotr I. Tchaikovsky, y recuperó esos elementos originales de la danza y la puesta. Muy pocas puntas, excepto en las variaciones de las hadas, las de las piedras preciosas y en las danzas de los protagonistas.

El príncipe Désiré, en el segundo acto, sólo se limita a hacer gestos y a servir de partenaire de Aurora en la escena de la aparición, y en el tercero, despliega una gran batería de complejos saltos. En ningún momento, durante el segundo acto, el rol masculino tiene alguna secuencia en la que el bailarín pueda lucirse en destreza y calidad.

La maléfica Carabosse cobra protagonismo especial en el primer acto de “La bella durmiente” en la producción del ABT: Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

En la noche del estreno, Isabella Boylston y Joseph Gorak fueron los protagonistas, mientras Marcelo Gomes, la malvada Carabosse. Quizás, una elección desafortunada para una noche de estreno, ya que quizás hubieran hecho falta bailarines con mayor presencia escénica para los roles principales. Gorak, fue un desangelado príncipe Desiré, y a Boylston, aún le falta un largo camino para hacer sentir su presencia en un rol principal y mostrar fluidez en su danza.

Durante la función del sábado 30 por la noche, Sarah Lane y Herman Cornejo se convirtieron en Aurora y Desiré, mientras que Nancy Raffa fue Carabosse, y Devon Teuscher, el Hada de las Lilas. Lane, si bien tiene cierto encanto y frescura, y es sólida como bailarina, aún le quedan por trabajar sus equilibrios (algo notorio en el famoso Adagio de la Rosa del primer acto), y ciertos aspectos actorales. Por fortuna estaba Cornejo como partenaire, un bailarín extraordinario que, aún en un costado del escenario y sin bailar, hace notar su presencia escénica. Brillante y perfecto en la variación del tercer acto, en la Boda. Con su magnífico estilo, sus saltos precisos y silenciosos como un terciopelo, Cornejo, al igual que Gomes, son casi una “especie” de bailarines que están en extinción. Ellos tienen esa conjunción que permite ver a un verdadero artista en el escenario, con una perfección que también ha caído en desuso.

De las bailarinas solistas que interpretaron a las hadas que llegan con sus regalos al bautismo de la recién nacida Aurora, Luciana Paris (el hada de la flor de trigo, o de la prosperidad), mostró esa refinada calidad como bailarina, y al mismo tiempo su maravilloso encanto y su intensidad en la interpretación. Para esta bailarina no hay papeles chicos o grandes. Tal como ocurrió en las funciones del 27 y 30 de enero, donde también se convirtió en una Condesa extremadamente comprometida con su personaje a la hora de intentar seducir al príncipe Desiré en el Acto II.

En la función del penúltimo día del mes, Stella Abrera y James Whiteside, estuvieron espléndidos en las variaciones de Pájaro Azul. Y Elina Miettinen hizo una encantadora y seductora gata blanca. El cuerpo de baile, aunque desparejo en algunas líneas, hizo un excelente trabajo. Y la puesta en sí, no dejó de deslumbrar. Pero habría que preguntarse hasta qué punto, logró conmover.

El American Ballet Theatre presenta “La bella durmiente”, una creación de Alexei Ratmansky, que se estrena en DC en el Kennedy Center. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Alexei Ratmansky, uno de los coreógrafos más reconocidos del siglo XXI, a principios de 2015 comenzó con los ensayos de una nueva versión de “La bella durmiente” para el American Ballet Theater (ABT). La obra, que explora las raíces más auténticas de la puesta original del célebre Marius Petipa, y recupera la tradición clásica del cuento.

Desde el 27 al 31 de enero, la compañía dirigida por Kevin McKenzie, hará su paso habitual por el Opera House del Kennedy Center for the Performing Arts de DC, para presentar esta reciente incorporación a su repertorio. La obra se estrenó por primera vez en Costa Mesa, California, el 3 de marzo de 2015, y luego subió a escena en la temporada de primavera en el Metropolitan Opera House.

La producción, cuenta con escenografía y vestuario de Richard Hudson, inspirado en los diseños que el pintor Léon Bakst, realizó en 1921, para Ballets Russes, la troupe de Serge Diaghilev. La iluminación es de James F. Ingalls. El ballet incluye un promedio de 250 personas en escena, se han realizado cerca de 300 pares de zapatos, confeccionados en Oregon y en Alemania, y participan alrededor de 100 bailarines locales como extras.

Cuando Ratmansky recibió la propuesta del ABT para que realizara una nueva versión, opulenta y atractiva, de “La bella durmiente”, decidió retornar a las fuentes. De esta forma el coreógrafo, para celebrar los 75 años de la compañía, recuperó ciertos pasos y secuencias que habían quedado adormecidas, tal como la protagonista de este ballet. Y se abocó a un trabajo de reconstrucción.

De esta forma intentó descifrar las más obsoletas y complejas notaciones de danza de fines del siglo XIX, usadas por el gran Petipa para registrar sus coreografías. Pasó largas horas tratando de sumergirse en las notas sobre esta pieza coreográfica que se estrenó en 1890 en el Mariinsky de San Petersburgo. Defenestrada de Rusia luego de la revolución bolchevique de 1917, la pieza tuvo en su estreno al mismísimo Petipa en el rol del Hada de las Lilas, y al célebre Enrico Cecchetti como la malvada Carabose. En los protagónicos, Pavel Gerdt, en el papel del príncipe Desiree, y Carlotta Brianza como la Príncipesa Aurora.

“La bella durmiente”, una de las tres joyas del ballet creadas por la dupla Tchaikovsky-Petipa, junto con “El Cascanueces” (1892) y “Lago de los cisnes” (1895), es un cuento de hadas llevado al ballet. Estructurado en un prólogo y tres actos, fue encargado por el director de los Teatros Imperiales en 1888,el ballet está basado en “La bella durmiente del bosque”, del escritor francés Charles Perrault.

La historia comienza con el bautismo de la princesa Aurora. Seis hadas son las invitadas a la ceremonia para agasajar a la niña, pero en el medio de la fiesta irrumpe furiosa la bruja Carabosse. Ofendida por no haber sido invitada, vaticina la muerte de la niña, que se pinchará un dedo con un huso al cumplir sus 16 años. El hada de las lilas interviene, modifica la maldición y sumerge a Aurora en un sueño profundo durante cien años. Hechizo que sólo se romperá con el beso de un príncipe.

Funciones y protagonistas

27 y el 30 de enero

Isabella Boylston (Aurora), Joseph Gorak (Príncipe Désiré), Veronika Part (Hada de las Lilas), Marcelo Gomes (Carabosse), Christine Shevchenko (Diamond), Daniil Simkin (Pájaro Azul), Cassandra Trenary (Príncesa Florine)

28 de enero

Hee Seo (Aurora), Marcelo Gomes (Príncipe Désiré), Christine Shevchenko (Hada de las Lilas), Craig Salstein (Carabosse), Skylar Brandt (Diamond), Zhiyao Zhang (Pájaro Azul), Sarah Lane (Príncesa Florine)

29 de enero

Gillian Murphy (Aurora), Cory Stearns (Príncipe Désiré), Stella Abrera (Hada de las Lilas), Nancy Raffa (Carabosse), Cassandra Trenary (Diamond), Gabe Stone Shayer (Pájaro Azul), Misty Copeland (Príncesa Florine)

30 de enero

Sarah Lane (Aurora), Herman Cornejo (Príncipe Désiré), Devon Teuscher (Hada de las Lilas), Nancy Raffa (Carabosse), Cassandra Trenary (Diamond), Blaine Hoven (Pájaro Azul), Stella Abrera (Príncesa Florine)

31 de enero a la 1 PM

Hee Seo (Aurora), Marcelo Gomes (Príncipe Désiré), Christine Shevchenko (Hada de las Lilas), Craig Salstein (Carabosse), Skylar Brandt (Diamond), Gabe Stone Shayer (Pájaro Azul), Misty Copeland  (Príncipess Florine)

31 de enero a las 6:30 PM

Gillian Murphy (Aurora), Cory Stearns (Príncipe Désiré), Stella Abrera (Hada de las Lilas), Nancy Raffa (Carabosse), Christine Shevchenko (Diamond), Jeffrey Cirio (Pájaro Azul), Skylar Brandt (Príncesa Florine)