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Con alma y cuerpo

mgueler — Sat, 01 Nov 2025 13:25:02 +0000

“Mayday”, de Trey McIntyre, abrió el programa presentado por BODYTRAFFIC en el Eisenhower Theater del Kenndy Center. Foto: Kevin Parry. Gentileza JFKC.

El debut de BODYTRAFFIC con “This Reminds Me of You” la posiciona como una de las compañías de danza contemporánea más versátiles de la última década. La cita fue en Esenhower Theater del Kennedy Center entre en el Kennedy Center entre el 29 y el 30 de octubre. Bajo la dirección artística de Tina Finkelman Berkett -quien fundó la compañía en 2007-, el programa se propone explorar la memoria y sus detonantes, y también, las emociones. Tres coreógrafos: Trey McIntyre, Matthew Neenan y Juel D. Lane, y tres propuestas diversas que inducen a reflexionar y a sentir.

“Mayday”, de Trey McIntyre, fue la primera obra del programa. Con música de Buddy Holly la pieza examina la fragilidad de la vida y el impulso de seguir a pesar de la certeza de la finitud. Entre el humor y la melancolía, McIntyre construye un universo donde los bailarines ejecutan una coreografía precisa y vibrante, marcada por percusiones corporales y desplazamientos enérgicos que captan la energía del rock and roll. El pequeño avión rojo que pasa de mano en mano introduce un símbolo de mortalidad que contrasta con la ligereza del movimiento. El resultado es una realización vital, dinámica y ocurrente.

“I Forgot the Start”, de Matthew Neenan, propone una reflexión diferente sobre el ciclo vital. A partir de una partitura que combina música de Sufjan Stevens, Sinéad O’Connor, Heather Christian & The Arbonauts, Ozzie Kotani & Daniel Ho y Broken Social Scene, Neenan dibuja un paisaje emocional suspendido en la naturaleza, en la esperanza de un revivir constante. Sobre proyecciones, bellas y bucólicas, los bailarines se integran y desintegran con sus cuerpos para mostrar lo que nace y lo que muere, al igual que esas flores y arbustos que se mueven detrás de ellos. La coreografía, más contenida y de gran refinamiento plástico, se despliega en un espacio de penumbra donde los bailarines parecen flotar como si reprodujeran los ciclos de la vida. Un vestuario sugerente de Márion Talán De La Rosa, y una interpretación que capta la profundidad del mensaje, confluyen en un resultado impecable.

La obra de Matthew Neena, “I Forgot the Start”, se estrenó en 2024 en el Annenberg Center de la Universidad de Pensilvania. Foto: Guzman Rosado. Gentileza JFKC.

El programa cerró con “Incense Burning on a Saturday Morning: The Maestro”, de Juel D. Lane, un tributo visual y emocional al pintor Ernie Barnes. La pieza combina danza, proyección y voz en off, con sorprendente y conmovedora originalidad. A través de una pantalla translúcida, el intérprete principal, Chandler Davidson, en una actuación intensa y contenida, encarna al artista. Sus movimientos “pintan” trazos de color que se proyectan como si su pintura fuera construyéndose delante del público. Las figuras que aparecen, inspiradas en la célebre obra “Sugar Shack”, cobran vida en el escenario hasta fundirse con la imagen del propio Barnes.

Lane transforma el proceso creativo en una puesta en escena casi teatral. La danza pinta y la pintura danza. La fusión entre el ritmo afro-cubano de la música de Munir Zakee, el diseño lumínico y la precisión gestual de los intérpretes da como resultado un cierre de una potencia visual extraordinaria.

“This Reminds Me of You” es un programa que respira. Las tres piezas dialogan en torno a un mismo eje: la memoria y los ciclos vitales. A su vez, esta propuesta intenta trascender los límites y expandirse más allá de la danza en sí misma.

BODYTRAFFIC trajo en su debut en el Kennedy Center un toque diáfano de originalidad con el que demuestra su capacidad para habitar planos diferentes. El teatro, la danza, la música, la plástica se funden en un lenguaje casi abstracto que dispara directo hacia el espectador. Y con ello, un dominio técnico impecable y una presencia escénica que combina frescura, rigor y emoción genuina que toca las fibras más profundas y obliga a pensar con el alma.

Un clásico para celebrar 70 años

mgueler — Sun, 26 Oct 2025 11:51:36 +0000

En su aniversario, la Washington National Opera presenta una reposición de 2017 de “Aida” de Giuseppe Verdi en el Opera House del Kennedy Center de Washington DC. Foto: Scott Schuman. Gentileza JFKC.

La “Aida” con la que la Washington National Opera (WNO) celebra su 70.º aniversario combina la solidez de un clásico con la energía de una creación moderna que deja translucir la universalidad de la trama. Dirigida por Francesca Zambello y con Kwamé Ryan al frente de la orquesta, esta producción diseñada por RETNA transita por jeroglíficos plasmados como grafitis, muros, paneles que suben y bajan, y telas que adquieren formas, dimensiones y colores. Cada uno de estos elementos envuelven el espacio y lo enaltecen.

Desde el 25 de octubre al 2 de noviembre esta ópera indiscutible en la historia del género sube a la escena del Opera House del Kennedy Center de Washington DC con vigor y solvencia. Emblemática ópera trágica en cuatro actos de Giuseppe Verdi, con libreto en italiano de Antonio Ghislanzoni, ambientada en el antiguo Egipto, que se estrenó en El Cairo en 1871. El libreto centra la historia en un triángulo amoroso. Aida, una princesa etíope capturada y llevada a Egipto como esclava. Radamés, un militar que se debate entre su amor por ella y su lealtad al Faraón, y Amneris, la hija del Faraón, que se enfrenta a Aida para disputar el amor de Radamés.

Pero más allá de ese triángulo, la ópera plantea dicotomías que transitan por cuestiones éticas y morales universales en medio de una guerra en la que opresores y oprimidos sufren las consecuencias. El deber contra el deseo. La lealtad contra el amor, y una lucha de sentimientos encontrados que convierten al escenario en una suerte de campo de batalla donde todo se pone en juego.

Esta interesante reposición de “Aida”, data de 2017, y es una coproducción entre la WNO, la Ópera de San Francisco, la Ópera de Seattle y la Ópera de Minnesota. En este estreno, la soprano Jennifer Rowley (Aida) debutó por primera vez para la WNO en la noche de apertura. Una voz con un marcado lirismo que logró una conmovedora interpretación en el acto IV, cuando debe optar entre la lealtad a su padre y a su pueblo y su amor por Radamés. Su rival, Raehann Bryce-Davis, encarna a Amneris con temperamento, presencia escénica y una fuerza que deslumbra especialmente en el acto IV. Adam Smith, como el guerrero Radamés, con una voz potente, conforma esta trama que, aún hoy, conmueve y genera interrogantes.

Los solistas Jennelle Figgins y Dwayne Brown junto al cuerpo de baile de “Aida”, dirigida por Francesca Zambello. Foto: Scott Schuman. Gentileza JFKC.

En medio de esta trama, los pasajes de danza, con coreografía de Jessica Lang, aportan un toque de modernidad interesante, no solo por el vestuario, sino también por una propuesta netamente contemporánea. De esta manera consolida un estilo que comenzó a desarrollarse en el siglo XVII, cuando el ballet se integró gradualmente en las representaciones operísticas, para luego afirmarse en el siglo XIX. En “Aida”, el ballet toma protagonismo en el Acto II, ambientado en el templo de Ptah, creando un tono de misterio y opulencia.

La danza es una parte fundamental de esta puesta en escena y asume un rol importante en la parte ceremonial de la ópera. Lang creó su propuesta desde una visión amplia en la que los guerreros reemplazan a las sacerdotisas. Su coreografía otorga movimiento, respiración, textura y pulso visual del espectáculo. La solista Jennelle Figgins, magnífica en sus solos, logra crear junto al cuerpo de baile y al solista Dwayne Brown, interesantes climas y transiciones. El grupo de niños descolla con sus saltos y piruetas, y pone un toque de ternura a este drama.

Ryan dirige la orquesta con sutileza y mantiene con solvencia la tensión entre la exuberancia coral y la intimidad de los solistas. El coro y la orquesta responden con precisión y una energía especial. Los metales suenan con vigor y las cuerdas se sumergen en la melancolía de los amantes atrapados.

El diseño de RETNA, junto con la escenografía de Michael Yeargan y los vestuarios de Anita Yavich, logran un delicado equilibrio entre lo arcaico y lo moderno: un Egipto simbólico, donde la guerra y el amor se pintan con el mismo pincel. La puesta en escena y sus simbolismos marcan una explosión de colores.

Esta puesta de “Aida” por la WNO es una desafiante puesta que reúne una potencia visual deslumbrante, una realización y conducción musical impecable y esa búsqueda de los conflictos y sentimientos que deja vibrando el corazón del espectador.

La coreografía de Jessica Lang aporta una propuesta que se afirma en la danza contemporánea. Foto: Scott Schuman. Gentileza JFKC.

Sigue siendo un clásico

mgueler — Sat, 14 Jun 2025 18:35:42 +0000

“Los miserables”, el musical dirigido por Laurence Conner y James Powell regresó a Washington DC. Fotos: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

Desde los bajos fondos de la trama social parisina, en 1862 Victor Hugo escribió “Los miserables”, una de las obras maestras de la literatura universal. Una historia épica, ambientada en la Francia del siglo XIX, que reflexiona sobre las desigualdades sociales, la justicia, la redención, la moral, el amor. Desde entonces, y ya en los comienzos del siglo XX, se hizo la primera versión cinematográfica, dirigida por Richard Boleslawski en 1935. Y, después de más de cien años, en 1980, se produjo el musical con libro y letra de Alain Boublil y música de Claude-Michel Schönberg, una propuesta que ganó el premio al mejor musical en los premios Tony de 1987.

El 11 de junio, el musical regresó al Opera House del Kennedy Center de Washington D. C., luego de agotar localidades en 2023, y permanecerá en cartel hasta el 15 de julio. Esta incomparable producción de Cameron Mackintosh narra una historia apasionante de sueños rotos y amores no correspondidos, pasión, sacrificio y redención, que trasciende las épocas y las circunstancias.

El protagonista de esta intrincada trama es un exconvicto, Jean Valjean, una víctima de la sociedad, que estuvo 19 años en prisión por robar una hogaza de pan. Tras su liberación, Valjean se reformó y se convirtió en un exitoso industrial y alcalde de un pueblo del norte. Sin embargo, su pasado regresa de manera implacable a través de las persecuciones del inspector de policía Javert. Otros personajes se entrelazan y van construyendo esta obra monumental de casi tres horas.

Con dirección de Laurence Conner y James Powell, el musical sigue y entrelaza las historias de los personajes con claridad y sutileza simbólica, donde cada elemento de la puesta en escena contribuye a la narrativa. Valjean, redimido, promete a una mujer moribunda, Fantine, cuidar de su hija Cosette, a quien cría como suya. Cuando Cosette es adolescente, se enamora de un revolucionario, Marius. A partir de ese encuentro, cada uno de los personajes va develando sus propias verdades.

Actuaciones deslumbrantes, voces magníficas e interpretaciones cargadas de emoción permiten que el espectador sea partícipe de cada uno de estos momentos definitorios de la vida de los protagonistas. La actuación de los niños merece un capítulo aparte: bellas voces, acertadas interpretaciones y una fuerza emocional conmovedora.

Nick Cartell como Jean Valjean en la producción de “Los miserables” en el Kennedy Center. Fotos: Matthew Murphy y Evan Zimmerman. Gentileza JFKC.

Nick Cartell, como Jean Valjean, con su potente voz, transitó todos los tonos, las intensidades y los matices necesarios para el tránsito de su personaje. Por su parte, Lindsay Heather Pearce, en el rol de Fantine, conmovió a la audiencia con “I Dreamed a Dream”. El resto del elenco, tanto en las intervenciones corales como en los solos, mostró que la producción hizo una cuidada selección de voces. Impactante y emotiva la interpretación de Mya Rena Hunte (Éponine), con un solo que hizo estallar los aplausos. La Kennedy Center Opera House Orchestra, dirigida por Glenn Alexander II, acompaña con magnificencia estas estupendas voces, con una dirección musical precisa.

La escenografía de Matt Kinley, ajustada, simbólica y determinante, deja que los actores se desplacen con naturalidad y pinta esas calles, esos burdeles o tabernas, y esas barricadas, con un realismo y una belleza asombrosos. A eso se suma el gran acierto de incorporar proyecciones realizadas por Finn Ross, que le dan un toque realista y ayudan a describir de manera cinematográfica los desplazamientos y los espacios ocultos de París. Dentro de los elementos de la puesta, el diseño de luces de Paule Constable contribuye de una manera sutil a crear climas y emociones. La iluminación se cuela con sutileza por espacios impensados, da cuerpo a la escenografía, la viste, le da entidad.

“Los miserables” no es solo un musical, es una obra de arte sobre otra obra de arte. Pero, al mismo tiempo, es una pieza que incita a reflexionar sobre el mundo y su contexto, sobre el hombre y sus circunstancias, y sobre la capacidad desmedida del hombre para construir o destruir su propio entorno y su destino. Más allá de las épocas, y casi dos siglos después, la obra de Victor Hugo sigue viva.

(De Izq. a Der. ) Jake David Smith como Marius, Mya Rena Hunter es Éponine, Delaney Guyer en el rol de Cosette, Nick Cartell como Jean Valjean. Fotos: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

Un clásico entre los clásicos

mgueler — Mon, 19 Aug 2024 23:02:43 +0000

Elenco de “Mamma Mia!” en el Opera House del Kennedy Center en el tour del 25 aniversario. Foto: Joan Marcus. Gentileza JFKC.

A punto de casarse, Sophie, sueña con que su padre, a quien no conoce, la acompañe al altar. Luego de hurgar en un viejo diario de su madre descubre a los tres posibles candidatos. Y los invita, en secreto, a su boda, con la esperanza de descubrir una verdad que había permanecido oculta por 21 años. Cuando los tres aparecen, justo un día antes del casamiento, se desata el caos y la intriga permanece hasta el final.

“Mamma Mia!”, uno de esos musicales que ha hecho historia, está de vuelta, ahora en el escenario del Opera House del Kennedy Center de Washington DC hasta el 1 de septiembre. Esta vez, se celebra el 25 aniversario de su estreno en el West End de Londres. A Broadway llegó en 2001, y en el cine, se estrenó en 2008 con un elenco indiscutible: Meryl Streep, Pierce Brosnan, Colin Firth y Stellan Skarsgård.

En esta trama de equívocos y contradicciones, los personajes van transitando una historia que apunta, esencialmente, a las emociones. Un encuentro con el pasado, el presente y el futuro que invita a reflexionar. Nada pierde vigencia cuando se habla de sentimientos.

(Izq. a Der.) Alisa Melendez (Sophie Sheridan) y Christine Sherrill (Donna Sheridan). Foto: Joan Marcus. Gentileza JFKC.

Con dirección de Phyllida Lloyd y coreografía de Anthony Van Laast, sobre un libro de Catherine Johnson, “Mamma Mia!” propone un escenario casi minimalista, con módulos que se adaptan y van delineando diferentes espacios que transitan desde la playa hasta el dormitorio de Donna. La iluminación de Howard Harrison genera matices y climas que acompañan a los protagonistas y dan entidad a cada una de las escenas.

Todo se hace mágico, y al mismo tiempo real. La puesta y los intérpretes colaboran magníficamente para lograrlo. Y es tal la intensidad de las secuencias que el espectador se siente testigo y parte.

La madre de Sophie, Donna, un rol clave interpretado por Christine Sherrill, logra conmover hasta lo más profundo del alma. Su espléndida voz, con un amplio registro y particular sutileza, van delineando las emociones y los miedos por los que transita su personaje. Donna, que ha salido adelante como madre soltera y regentea una taberna en las colinas de una isla griega, no cree que Sophie necesite casarse siendo tan joven. Tampoco le interesa que su hija sepa quién es su padre. Ella enfrentó al mundo sin regirse por las normas establecidas por una sociedad cargada de prejuicios.

Sherrill le da a Donna la personalidad que se supone debe proyectar como una mujer fuerte e independiente, pero también deja entrever las grietas de esa fachada, exponiendo su vulnerabilidad y sus emociones. La calidad y calidez de su voz despiertan los sentimientos más profundos.

La historia y los personajes se refuerzan con un elenco impecable e imperdible. Alisa Melendez es deliciosa como Sophie, con una excelente vos, potente y clara, y con una gran destreza como bailarina. Su ternura al comienzo del espectáculo con “I Have a Dream”, abre las puertas a esa magia que mantiene su personaje durante toda la obra. Sus dúos con Sherrill, son decididamente conmovedores, así como lo es su solo del final.

Carly Sakolove y Jalynn Steele como Rosie y Tanya, las amigas de Donna, se destacan con sus voces y su histrionismo. Ambas hacen una dupla fabulosa. Por otra parte, cada uno de los tres hombres, Sam Carmichael (Victor Wallace), Bill Austin (Jim Newman) y Harry Bright (Rob Marnell), que interpretan a los posibles padres de Sophie, se adaptan a esta comedia de confusiones con una enorme ductilidad y, sin duda, son dueños de muy buenas voces y una sólida formación actoral.

El resto del elenco hace un excelente trabajo en cada una de las secuencias y escenas en las que el ritmo nunca se pierde, tampoco la dinámica entre los personajes y los bailarines durante los constantes cambios de escenario. A su vez, se hacen cargo de una maravillosa coreografía, especialmente cuando todos están en el escenario.

Y en el momento en que parece que la historia llega a su fin, comienza una nueva: los saludos del final. Un desopilante despliegue de talento e imaginación. Un momento para bailar y observar los brillantes y coloridos trajes al mejor estilo ABBA. Un musical divertido, pero que, al mismo tiempo, incita a una profunda reflexión sobre el amor en todos sus aspectos. Y mucho más aún para los nostálgicos, ansiosos por volver a visitar esas inolvidables canciones de ABBA. Una fiesta para el alma y para el espíritu.

¿Casarse o no casarse?, esa es la cuestión

mgueler — Sun, 17 Mar 2024 23:19:30 +0000

Britney Coleman como Bobbie (Ctro.) y el elenco de “Company” en el Kennedy Center de DC. Foto: Matthew Murphy para MurphyMade. Gentileza JFKC.

Bobbie cumple 35 años, y sus amigos se preguntan, y le preguntan, algo que quizás ya no tenga importancia: ¿Por qué no se ha casado? Y tras ese cuestionamiento, llega la batería formal e inquisidora: ¿qué pasa que no encuentra al hombre adecuado? ¿Cómo no forma una familia? Planteos de rigor en todo entorno tradicional y conservador del siglo XX. Hoy, quizás estén fuera de lugar.

“Company” se estrenó en Broadway en 1970 y está considerado uno de los máximos exponentes del musical conceptual en el que la teatralidad y los diálogos cobran más importancia que lo habitual. La producción que llegó al Opera House del Kennedy Center y seguirá en cartel hasta el 31 de marzo, dirigida por Marianne Elliott, es una reposición de 2018 que reapareció en Broadway en 2021. Esta vez, la pieza cambió el género del protagonista. Ya no se trata de un solterón indomable, sino de una mujer independiente que se pregunta el sentido de estos obligatorios tabúes sociales.

Elliott, ganadora de tres premios Tony (War Horse, The Curious Incident of the Dog in the Night-Time, Angels in America), dirige esta nueva propuesta con acabado criterio estético y claridad estructural. Con la magnífica música de Stephen Sondheim y libro de George Furth, incluye memorables canciones premiadas como “You Could Drive a Person Crazy”, “The Ladies Who Lunch”, “Side by Side by Side” y “Being Alive”.

Un reparto de gran talento histriónico, voces excelentes y una exquisita puesta en escena componen esta trama ambientada en la ciudad de New York. La obra es una sucesión de viñetas que plantean situaciones cuya estructura se basa en la exploración de la protagonista, Bobbie (Britney Coleman), como testigo y observadora de la vida, las relaciones de pareja y los conflictos de sus amigos. Las escenas ponen al desnudo los temores, las incertidumbres y los comportamientos del ser humano, y las contradicciones que provocan el amor y el desamor.

(De Izq. a der.) Jacob Dickey, David Socolar y Tyler Hardwick junto a Britney Coleman en “Company”. Foto: Matthew Murphy para MurphyMade. Gentileza JFKC.

Todo se desarrolla en medio de una escenografía geométrica con marcos de neón diseñados por Bunny Christie, que encajonan a Bobbie en estrechos cubículos asfixiantes por momentos. Cada uno de ellos representa determinados espacios, o bien, permiten que la protagonista recorra los apartamentos de uno y otro amigo, vivencie los conflictos subyacentes y los expuestos, y reflexione sobre lo que gana o pierde en esta decisión de romper con las estructuras sociales ya caducas.

Sin embargo, en una época en la que las mujeres están cada vez menos limitadas por los estereotipos sociales, quizás estas reflexiones sean innecesarias. No obstante, el cambio en el género del protagonista suena casi reivindicatorio. Muestra a una mujer libre, independiente, sin prejuicios ni condicionamientos. En este contexto, tal vez la inquietud de sus amigos de verla casada y con hijos, suene fuera de lugar. Y si Elliott tuvo la intención de dejar en evidencia la necesidad del “clan” de incorporarla como un “miembro más”, de hacerla cómplice de sus decisiones, no lo deja explícito en la trama ni en los diálogos.

Pero sí deja en evidencia las contradicciones de la mujer moderna. Una mujer que ya no está sujeta a los mandatos impuestos por la sociedad y que, al mismo tiempo, sigue perseguida por tradiciones ancestrales como el matrimonio y la maternidad. De esta manera, “Company”, no es un musical a secas, sino que induce a pensar y a reflexionar sobre las decisiones que cada uno toma en la vida.

Neil Austin, diseñador de iluminación, logra generar espacios y climas interesantes, atractivos y bellos que incitan a reflexionar sobre la temática propuesta en este musical. La coreografía de Liam Steel eleva la apuesta visual a lo largo de todo el espectáculo, y permite que el elenco se deslice a través de cada uno de los cuadros y situaciones. El resultado: un musical fuera de lo común que deja una puerta abierta para preguntarse sobre el rol de cada uno en la sociedad actual.

Un vínculo entre pasado y presente

mgueler — Fri, 02 Feb 2024 23:33:56 +0000

“Bolero — La leyenda de Anchin y Kiyohime” en el Kennedy Center. Foto gentileza de The Japan Society.

Anclado en esa cultura milenaria que aún hoy es un bastión insoslayable del ser japonés, el Nihon Buyo (traducido como danza japonesa) se desarrolló al comienzo de la era Taisho (1912-1926), cuando los artistas de este arte ampliaron sus creaciones, e incorporaron expresiones de las artes escénicas folclóricas y estructuras de danza de grupo que continúan hasta hoy. En este mundo se funde lo tradicional con lo contemporáneo, se ensamblan obras de Kabuki, piezas inspiradas en obras clásicas de Noh, cuentos populares, y también, obras únicas escritas y coreografiadas por los mismos intérpretes.

El Kennedy Center, junto a The Japan Society, presentaron el 29 de enero una única función de “Nihon Buyo en el siglo XXI: de la danza Kabuki al Bolero” en el Terrace Theater del Kennedy Center. Una fascinante muestra de este estilo de danza japonesa que establece un puente entre el pasado y el presente.

Con ese subyugante minimalismo japonés, esa apabullante austeridad y ese cuidado estético llevado al extremo, este espectáculo fue una demostración de talento, creatividad y belleza sublime.

Como en un templo sagrado, los artistas, tres músicos magníficos, iniciaron este rito con “Matsuri” (Festival). Esta pieza de música instrumental con percusión y flauta comenzó con sonidos solemnes dedicados a los dioses para luego estallar en ritmos festivos.

La primera danza o relato en movimiento se basó en una historia estrenada en 1819. Una suerte de divertimento inspirado en un zare-e (un comic semejante al manga) dibujado por el sacerdote budista Toba Sojo.

“Toba-e” es una graciosa historia que cuenta las vicisitudes de un criado, Hanayagi Genkuro, en su intento por atrapar a un ratón, Hanayagi Suzuhiko, que aparece en la cocina a altas horas de la noche. Con el soporte de textos traducidos y proyectados en una pantalla, la historia, contada por dos cantantes (Kiyomoto Kiyomidayu y Kiyomoto Ichitayu) se convierte en una preciosa parodia corporal de dos bailarines cuyo dominio de las sutilezas del movimiento alcanza límites asombrosos.

“Yugiri, la cortesana”, estrenada en el teatro Edo Nakamura-za en 1863, es una canción en la que la bella cortesana Yugiri llora porque lleva más de año sin ver a su amante Izaemon. Un bello relato de amor y sufrimiento. Seguida por “Hana” (Flor), una composición contemporánea de Tosha Suiho, quien interpreta la flauta. Esta pieza hace referencia a la estación primaveral durante el periodo Heian (794-1180), y representa la visita del Emperador de Kazán a un templo donde florecen los cerezos.

Para el final quedó la impactante puesta de “Bolero – La leyenda de Anchin y Kiyohime” con coreografía del director y coreógrafo Hanayagi Genkuro, quien utiliza la partitura de Maurice Ravel para contar el cuento popular “La leyenda de Dojoji”.

En esta historia, Kiyohime (Hanayagi Kieayaka), hija de un posadero, se enamora de Anchin, un monje que promete volver para encontrarse con ella, pero nunca lo hace. En venganza, Kiyohime se transforma en serpiente y lo persigue hasta su muerte.

Genkuro realza con su coreografía esta contundente música, y permite abordar desde el dramatismo, la ira y el peligro esta partitura tan visitada por una diversidad de coreógrafos occidentales contemporáneos.

A medida que la música va “in crescendo”, aumenta también el despecho de Kiyohime. Cuatro bailarines con abanicos que se mueven en distintas direcciones acompañan y asumen el protagónico masculino de forma alternativa. Movimientos precisos, cuidados y metódicos, y un dominio corporal y gestual impecable.

Finalmente, la escena se tiñe de rojo. Caen las cenizas de Anchin sobre Kiyohime. Una campana suena.

Jonathan Larson frente al espejo

mgueler — Fri, 02 Feb 2024 18:15:15 +0000

Brandon Uranowitz y el elenco de “Tick, Tick… Boom!” en el Eisenhower Theater. Foto: Teresa Castracane. Gentileza JFKC.

Nueva York, 1990. Una historia de película. Un aspirante a compositor, Jon. Fracasos. Decepciones. La duda permanente de haber tomado la decisión equivocada al optar por las artes escénicas. Las contradicciones. Y un triunfo que no alcanza a disfrutarse.

“Tick, Tick… Boom!”, esta suerte de “monólogo reflexivo”, semi-autobiográfico, puso en la escena del Eisenhower Theater del Kennedy Center de DC fragmentos de la vida del compositor Jonathan Larson, conocido por el exuberante éxito de “Rent”, la superproducción de Broadway ganadora del Premio Pulitzer. Aunque Larson no vivió para disfrutar de su éxito. El compositor murió en 1996 por un problema cardíaco no diagnosticado, el día antes de que “Rent” se estrenara en Broadway.

Larson interpretó “Tick, Tick… Boom!” en el Off-off Broadway en los ’90, y luego, en 2001 ganó la taquilla del West End en Nueva York. Giras y numerosas producciones terminaron en 2021 con una adaptación cinematográfica de Netflix dirigida por Lin-Manuel Miranda y protagonizada por Andrew Garfield.

En esta reposición “a gran escala” que presenta el Kennedy Center, la dirección está a cargo de Neil Patrick Harris, ganador de un premio Tony de canto y baile, quien también interpretó a Jon, en una producción realizada en 2005 en Londres.
Harris convocó a un reparto excelente y talentoso que tiene como protagonista a Brandon Uranowitz, ganador de un Tony en 2023 por “Leopoldstadt”, quien compone un personaje absolutamente creíble con sus contradicciones y su apuro por demostrar su talento como si desde lo más profundo de su ser hubiera sabido su próximo final.

Sumergido en el barrio del SoHo neoyorquino, sin recursos y ya a punto de cumplir 30 años, Jon se interna en sus planteos existenciales acerca de su elección de vida. El recurso escénico de Harris pone las reflexiones de Jon en una pantalla dentro del escenario, como si el inconsciente le hablara a su propio dueño.

Denée Benton y Brandon Uranowitz en “Tick, Tick… Boom!”. Foto: Teresa Castracane. Gentileza JFKC.

Junto a Uranowitz, Denée Benton como Susan, la novia de Jon y profesora de danza, y Grey Henson como Michael, su amigo de la infancia que optó por una empresa de estudios de mercado y dejó atrás sus aspiraciones como actor.

Sin duda, esta es una pieza de cámara, reflexiva, que quizás se aleja de la estructura de un musical tradicional. Cuenta una historia que podría ser esencialmente teatral, para tres personajes, pero la sucesión de canciones y su contenido, la proyectan de una manera diferente. Tal vez, difícil de encasillar en un género en particular.

Algunos temas conmovedores interpretados por Uranowitz o a dos voces con Henson son algunos de los aciertos de esta obra, de la que es necesario resaltar la calidad vocal de los tres intérpretes y, especialmente, la potencia de Benton en sus solos.

Los cuatro bailarines y cantantes que forman parte de esta producción y que cumplen diferentes roles, es otro de los aciertos de Harris. A ellos se suma la puesta de luces de Cory Patak y la coreografía, sencilla y apropiada de Paul McGill.

“Tick, Tick… Boom!”, permite revisar la vida de Larson desde una mirada más cercana a los conflictos humanos de todos los días. Permite a su vez, descubrir en uno mismo esas preguntas que a veces están prohibidas por el peso de la sociedad y la agobiante cotidianeidad.

El baile está de fiesta

mgueler — Mon, 11 Sep 2023 13:03:14 +0000

National Dance Day, un encuentro lanzado en 2010 por Nigel Lythgoe. Foto gentileza JFKC.

Una invitación sin restricciones ni prejuicios. Aquí, en este National Dance Day (Día Nacional de la Danza) se encuentran las personas de todas las edades, los idiomas y capacidades. Aquí se reúnen los que nunca han bailado y también los bailarines profesionales. Una celebración gratuita de la alegría de la danza y el movimiento.

Como todos los años, el National Dance Day vuelve al Kennedy Center de Washington DC con su exuberancia y su dinamismo. El encuentro, presentado a través de una asociación entre el Kennedy Center, American Dance Movement y la congresista Eleanor Holmes Norton (D-DC), será el sábado 16 de septiembre de 10:30 a.m.-11:15 p.m.

El Día Nacional de la Danza fue lanzado en 2010 por el cocreador de “So You Think You Can Dance” y cofundador de American Dance Movement, Nigel Lythgoe, en colaboración con la congresista Eleanor Holmes Norton, quien presentó una resolución que declaraba el último sábado de julio como el National Dance Day oficial del país. A partir de 2019, el Día se celebra anualmente el tercer sábado de septiembre.

Esta campaña popular destaca la importancia de la actividad física a través de la danza que, además de mejorar la salud cardiovascular, también mejora la confianza en uno mismo, la autoexpresión y las habilidades sociales.

El National Dance Day, esta vez, se suma a los festejos de las bodas de oro de la cultura hip hop y da comienzo a la temporada de celebraciones del del Kennedy Center en honor a la fundación, evolución, influencia y repercusión del hip hop en todos los ámbitos y generaciones.

El objetivo es destacar la riqueza y abundancia de las formas de danza hip hop en la región metropolitana de Washington, D.C., y para ello los curadores Lauren DeVera y Chitra Subramanian, y los asesores Ama Law y Chris Law, en colaboración con Words Beats & Life (WBL) y True School, han diseñado una variedad de actividades y propuestas.

Los actos del día de la danza cuentan con el apoyo del programa Hip Hop Culture del Kennedy Center que incluye Millennium Stage, Office Hours y Dance Sanctuaries de la división Social Impact.

En esta semana previa al Día Nacional de la Danza se realizará la residencia “Office Hours” con Ladies of Hip-Hop, una organización sin fines de lucro que ofrece oportunidades artísticas a niñas y mujeres en la cultura hip hop. Además, Ladies of Hip-Hop presentará una serie de actuaciones emergentes en colaboración con Works & Process en National Gallery Nights, el popular programa nocturno de la National Gallery of Art.

Inspirado en los pilares fundacionales del hip hop -Boying, DJing, MCing, Graffiti y Knowledge-, el público podrá aproximarse y descubrir una variedad de estilos de baile a cargo de artistas y compañías locales a partir de las 10:30 a.m., con propuestas para todos y para todas las habilidades, desde baile social y de fiesta, hasta hip hop, locking, whacking, house y beat ya feet, un baile callejero de D.C. inspirado en el go-go.

A partir de la 1 pm, la competición anual de WBL Freshest of All Time de niños y niñas se celebrará en el Millennium Stage South (en el lado de la Sala de Conciertos). A continuación, de 4 a 7 pm, la competición se trasladará al exterior, al REACH Plaza, donde tendrá lugar la final de Freshest of All Time y la actuación de la tarde será a las 6 pm en el Millennium Stage retransmitida en directo desde la REACH Plaza.

Además, como celebración del graffiti y las bellas artes, WBL invita a 10 de los mejores escritores de graffiti y muralistas del área de Washington DC a crear obras de arte en directo en el el Kennedy Center como parte de la Fine Lines Mural Jam en REACH Plaza de 12 a 6 pm.

Los DJs Sean “DJ Face” Armstrong y Marc Nfinit, de la True School, serán los líderes de dos fiestas de baile simultáneas que comenzarán a las 7.30 pm en el River Pavilion y el Skylight Pavilion.

Los participantes tendrán la oportunidad de aprender la rutina oficial del Día Nacional de la Danza el sábado a las 2 pm con Poppin John, finalista de la tercera temporada de World of Dance de la NBC y artista del movimiento. La rutina reúne a bailarines y entusiastas de la danza de todo el mundo para celebrar el Día Nacional de la Danza como una forma de ejercicio y de expresión artística. El video de instrucciones de este año se puede encontrar en el sitio web de American Dance Movement.

Informes

La programación completa y detallada del Día Nacional de la Danza está en el sitio web del Kennedy Center.

Todos los eventos del Día Nacional de la Danza son gratuitos y el acceso al espacio de los eventos es por orden de llegada y puede estar limitado debido a la capacidad.

Además del Kennedy Center, el Segerstrom Center for the Arts de Costa Mesa (California) será la sede oficial del Día Nacional de la Danza en 2023.

Para más información sobre el Día Nacional de la Danza, visite el sitio web del American Dance Movement.

Una pasión que se funde con la muerte

mgueler — Fri, 07 Apr 2023 18:06:00 +0000

El Joffrey Ballet en la primera escena de “Anna Karenina” de Yuri Possokhov en el Opera House del Kennedy Center. Foto: Cheryl Mann. Gentileza JFKC.

Una trama donde se funden la pasión y el conflicto moral. Una historia que transita entre Eros y Tánatos, en la que sus personajes se debaten entre el deber y el ser. “Anna Karenina”, de León Tolstoi, publicada en forma de libro en 1878, no sólo es una obra insoslayable de la literatura universal, sino que trasciende su época y abre paso a una diversidad de interpretaciones.

El Joffrey Ballet llevó al Opera House del Kennedy Center, del 5 al 9 de abril, una nueva versión creada por el talentoso coreógrafo ucraniano Yuri Possokhov, premio Benois de la danza 2019. Ya en los años ’70 la inolvidable Maya Plisetskaya recreó para el Bolshoi Ballet y luego para el cine esta conmovedora obra con música compuesta por su esposo, Rodion Shchedrin. Tras su magnífica versión, siguieron varias propuestas tanto clásicas como contemporáneas a través de la mirada de coreógrafos como Boris Eifman, Jochen Ulrich, Alexei Ratmansky y Christian Spuck.

“Anna Karenina” es de esas obras que desnuda la condición humana y se instala en el alma para siempre. Y en esta puesta, el autor del libreto, Valeriy Pecheykin, muestra con claridad esos dos mundos de la vida y de la muerte, de la integración social y la marginalidad, del amor y el desamor. Aspectos que se plasman en la magnífica escenografía de Tom Pye, que también es responsable de un vestuario estupendo que a su vez refleja la dicotomía de la obra y de sus personajes.

Edson Barbosa, José Pablo Castro Cuevas y Amanda Assucena, del Joffrey Ballet, en “Anna Karenina”. Foto: Cheryl Mann. Gentileza JFKC.

Anna Karenina, una mujer casada que despierta al amor y a la pasión a partir de su encuentro con el conde Alexey Vronsky, es capaz de romper con las convenciones morales y sociales de la época, y lo arriesga todo por un amor prohibido. Un amor que escandaliza a los círculos sociales de San Petersburgo y obliga a los amantes a huir a Italia en busca de una felicidad que nunca llega y se desmorona cada vez más hasta el final. Y en medio de ellos, los trenes que van y vienen transformando la vida de la sociedad. Un elemento clave tanto en la novela de Tolstoi como en esta versión estrenada por el Joffrey Ballet en 2019.

El compositor Ilya Demutsky logra capturar en su partitura las más delicadas, íntimas y desgarradoras situaciones, y a su vez, los magnificentes espacios de la corte imperial. Parecería, incluso, que su música se cuela por los espacios secretos de la conciencia de cada uno de los protagonistas. Excelente trabajo el de la orquesta dirigida por Scott Speck y de las cantantes Lindsay Metzger y Jennifer Kosharsky.

Como una filigrana, Possokhov ha delineado cada detalle de esta puesta y abrie paso a elementos de gran valor simbólico. La iluminación de David Finn va pintando con avezado pincel, escenas y situaciones. Los diferentes módulos de Pye para dividir escenas y lugares, no solo muestran ambientes, también sugieren estados de ánimo escondidos en el interior de los protagonistas. Y las proyecciones de Finn Ross permiten transitar tiempos y espacios diferentes, imaginar, recordar, sentir. Ross superpone con ingenio y delicadeza los múltiples planos de la historia.

Amanda Assucena como Anna Karenina logra momentos interesantes, especialmente en las devastadoras escenas finales. Edson Barbosa interpreta con acierto y sutileza a Alexey Karenin. Sus solos, sus dúos y tríos con Anna y con Vronsky son de gran intensidad. José Pablo Castro Cuevas compone un Vronsky frío y distante, como un león agazapado en busca de su presa. Yumi Kanazawa es una encantadora princesa Kitty, y encarna la contracara del dramatismo y la tragedia de Anna. Konstatin Levin, bailado por Xavier Núñez, puso la frescura del amor a su personaje.

En esta magnífica diversidad étnica de bailarines de distintos orígenes y formaciones, el Joffrey gana la partida. Una compañía sólida, compacta, sensible que, como siempre, apuntó a ensamblar técnica e interpretación. Y esta vez se lanzó con otra de sus consabidas audacias: una puesta deslumbrante y moderna por donde se la mire, y un clásico emblemático de la literatura universal.

José Pablo Castro Cuevas en el rol de Vronsky y Amanda Assucena como Anna Karenina. Foto: Cheryl Mann. Gentileza JFKC.

Volver al origen

mgueler — Tue, 04 Apr 2023 13:13:42 +0000

Social Tango Project presenta su espectáculo el 8 de abril en el Eisenhower Theater como parte del festival River Run. Foto gentileza STP y JFKC.

Esta vez, el tango llega sin acrobacias ni pirotecnia. Tal como comenzó. Por primera vez en el Kennedy Center, Social Tango Project (STP) hará su debut el 8 de abril en el Eisenhower Theater como parte del festival River Run. Esta propuesta internacional, que comenzó el 22 de marzo y continuará hasta el 22 de abril, se centra en la importancia de los ríos en la vida de las comunidades y reúne una diversidad de expresiones artísticas que abarcan desde la danza y el teatro, hasta la fotografía y las instalaciones multimedia.

El tango, cuyos orígenes se centran en los márgenes del Río de la Plata es un invitado insoslayable. Como parte de esta presentación en el festival River Run de Washington DC, la compañía STP dictará dos talleres abiertos a todo público, el primero será el 7 de abril a las 8 pm en The Reach del Kennedy Center, y el domingo 9, dos workshops en La Cosecha, organizados por Tango Mercurio.

Creado en 2012 por una iniciativa de Ramón de Oliveira Cezar, un apasionado del tango, profesor de las facultades de Finanzas en Columbia y New York University, y por la bailarina Agustina Videla, Social Tango Project, tiene como misión esencial difundir el valor social del baile, y celebrar el tango a través de la danza, la música, el cine y la fotografía.

El proyecto se plasma en un espectáculo de danza-teatro con música en vivo que cuenta con la participación de bailarines amateurs. Se compone de música original, una muestra fotográfica, un cortometraje y una película de docu/ficción.

“Uno de los objetivos del espectáculo -comentó Videla, quien optó por el tango cuando tenía 16 años y no se desprendió de él desde entonces- es mostrar un tango más cercano a la gente, accesible a cualquier edad y a cualquier cuerpo. Un tango más al piso a nivel coreográfico, que permita que la gente termine la función sintiendo que es un baile que puede ser propio. Eso es lo fundamental. Eso es lo real, dado que el tango es una danza popular que no exige ningún entrenamiento previo, ni tener un cuerpo particular, ni una edad particular como para poder disfrutar de esa conexión con otro y con la música”.

Tal como en los orígenes, allá por la mitad del siglo XIX, los protagonistas del tango formaban parte de la comunidad rioplatense con su diversidad étnica y social, y esa mezcla inevitable de los migrantes de entonces. Desde la marginalidad más absoluta hasta los salones más famosos de París, el tango fue cambiando su condición a través del tiempo. Amado y denostado, entronizado y despreciado según los vaivenes de las modas, de la política y del entorno social.

Esta propuesta integradora de Social Tango Project reúne bailarines profesionales y amateurs. Foto gentileza STP.

Fue recién en 1996 cuando la Argentina declaró al tango como parte integrante de su patrimonio cultural. Y el 30 de septiembre de 2009, a petición de las ciudades de Buenos Aires y Montevideo, la UNESCO lo declaró Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Hoy, es la danza que identifica a la Argentina, si bien sus orígenes, en las márgenes del Río de la Plata, también involucran a Uruguay.

Esta propuesta integradora de STP surge, en parte, como una necesidad de volver a los orígenes. “Muchos de los bailarines están aburridos de los grandes shows -aseguró Videla-, de hacer siempre lo mismo, de buscar el mismo artificio de la danza acrobática, de la pose y de los gestos que, de alguna manera, están asociados al tango de escenario. Una sensualidad exacerbada y una imagen de la mujer y del hombre que está muy alejada de lo que ellos son”.

El equipo de tangueros que completa la propuesta busca equilibrar la relación entre los protagonistas, que son bailarines profesionales, y la verdadera esencia del tango, la que se vive en las milongas. Por eso, tanto en el video proyectado dentro de la obra, como las fotografías expuestas en el hall del teatro -materiales visuales de la fotógrafa Nora Lezano- muestran, ya no a bailarines con cuerpos perfectos, sino a personas de edades y profesiones distintas, con cuerpos diversos, que bailan tango, que viven esta danza como parte de su cotidianidad, como parte de su socialización más que como fenómeno artístico y escénico.

“Lo que más anhelamos -confesó Videla- es que este proyecto abra nuevas puertas para las personas que quieran compartir la danza y disfrutar de la danza en sus vidas”.

Programa:

El 7 de abril a las 8 pm
Milonga, clases y show
River Pavilion en The Reach
Evento interactivo de Social Tango Project con demostraciones de bailarines invitados e instrucción con música en vivo.

El 8 de abril a las 8pm
Show
Estreno en Estados Unidos. Show interactivo con participación de la audiencia.
https://www.kennedy-center.org/whats-on/explore-by-genre/international/2022-2023/riverrun-social-tango-project/

El 9 de abril a la 1pm
Workshops
Clases con el elenco de STP
En La Cosecha organizado por Tango Mercurio
Registrarse en: https://www.tangowmercurio.org/events