Cuerpo de baile y Eun Won Lee y Gian Carlo Pérez (Ctr.), en “Lago de los cisnes” estrenada en el Eisenhower Theater del Kennedy Center. Foto: xmb Photography. Gentileza TWB.

Recuperar la danza después del devastador impacto de la pandemia de COVID-19 es una empresa titánica. Más aún si se trata de subir a escena una obra tan monumental y con tanta demanda como “Lago de los cisnes”. Pero The Washington Ballet (TWB) arremetió con ese desafío y lanzó sus primeras funciones, después de dos años de silencio, con este clásico que requiere de una disciplina férrea, una sutileza artística que casi trasciende lo terrenal, y una preparación técnica impecable.

Bajo la dirección, puesta en escena y coreografía de su directora, Julie Kent y de Victor Barbee, director artístico asociado, esta producción se caracteriza por un minucioso cuidado y prolijidad. Basados en la coreografía tradicional de Marius Petipa y Lev Ivanov de esta obra que recuperó el Teatro Mariinsky en 1895, Kent y Barbee pusieron un toque propio que dio como resultado una puesta de calidad.

La potente y majestuosa música de Piotr I. Tchaikovsky construye el resto: la magia, donde la luna se funde con la noche y el malvado hechicero von Rothbart mantiene encantada a Odette y al resto de las princesas para que se conviertan en cisne blancos durante el día y se transformen durante la noche.

Kent ha logrado uniformidad en los actos blancos en los que la sincronización en las filas de cisnes se ajusta de manera deslumbrante, más allá de la estrecha dimensión del escenario. El despliegue de cisnes entrando a escena como una sucesión interminable es absolutamente conmovedor. Y la magnífica coordinación del pas de quatre interpretado por Victoria Arrea, Jessy Dick, Lucy Nevin y Alexa Tores mostró el acertado trabajo tanto de los bailarines como de los preparadores.

Eun Won Lee como Odile y Gian Carlo Pérez en el rol del príncipe Sigfrido en el tercer acto de “Lago de los cisnes” de TWB. Foto: xmb Photography. Gentileza TWB.

El Eisenhower Theatre del Kennedy Center, por momentos, quedó apretado para una coreografía que, generalmente, se presenta en espacios más amplios. Pero nada de esto afectó el nivel de la danza, el compromiso de los bailarines y la belleza de una puesta en la que la escenografía y el vestuario, préstamo de Ballet West, formaron parte de un todo compacto y sin fisuras.

Eun Won Lee como Odette/Odile y Gian Carlo Pérez como el príncipe Sigfrido compusieron una buena dupla. Ambos bailarines poseen un alto nivel técnico. Pérez, desbordante de pasión, intenso y conmovedor, dejó ver su sólida formación en la escuela cubana de ballet. Con magníficos saltos, una línea majestuosa y una gran musicalidad, Pérez delineó un Sigfrido para recordar. Lee, por su parte, se destacó por sus extensiones, sus equilibrios y sus magníficos fouettés cuando debió encarar a Odile, el cisne negro del tercer acto.

Pero esta producción no sólo tuvo dos protagonistas. El cuerpo de baile, en cada uno de los cuatro actos de esta poética y apasionada historia supo contarla a través de un relato íntimo y conmovedor. Ashley Murphy-Wilson mostró su musicalidad y precisión en el pas de trois del primer acto junto con Ayano Kimura y Ariel Martínez. Por otra parte, los intérpretes de las danzas de carácter del tercer acto no sólo pusieron un toque vital y fresco, sino que también mostraron precisión y buena técnica.

A esta puesta se sumó un detalle primordial: la Orquesta de TWB en vivo, dirigida de manera excelente por Charles Barker.

Es cierto que la pandemia dejó sus marcas. Pero no caben dudas de que se trata de un “volver a empezar”.

Bailarinas de TWB en “Lago de los cisnes”, ballet que se presenta hasta el domingo en el Kennedy Center. Foto: xmb Photography. Gentileza TWB.

Bailarines de The Washington Ballet, Adelaide Clauss y Gian Carlo Perez protagonizan “Lago de los cisnes”. Fotos: ©ProcopioPhotography. Gentileza TWB.

“Presentar ‘Lago de los cisnes’, el icónico ballet que posiblemente sea la columna vertebral de este arte es un momento muy emocionante para The Washington Ballet (TWB) -dijo Julie Kent, directora de la compañía-. Esta producción es el siguiente paso, lógico, en la construcción del repertorio. Todos los ballets románticos que hemos presentado en los últimos años como “Giselle”, “Les Sylphides”, “La Bella Durmiente”, han preparado a nuestros bailarines para este preciso momento”.

El Washington Ballet estrenará la esperada puesta de “Lago de los cisnes”, del 9 al 13 de febrero en el Eisenhower Theater del John F. Kennedy Center for the Performing Arts de Washington DC. Una producción cuyo estreno en 2020 se postergó por el comienzo de la pandemia del Covid-19, cuyas restricciones aun siguen afectando el mundo de las artes escénicas.

Con puesta en escena y coreografía de Kent y Victor Barbee, director artístico asociado, la producción marca el regreso triunfal de la compañía al escenario del Kennedy Center. Con la poderosa partitura de Piotr I. Tchaikovsky, la trágica historia de amor de la etérea princesa cisne Odette y el príncipe Sigfrido promete magia, intriga, melancolía y suspenso.

Con coreografía original de Marius Petipa y Lev Ivanov, Kent y Barbee adaptaron este clásico, basándose en sus años de experiencia y en las notaciones de Vladimir Stepanov. Así como también, en una meticulosa investigación que contó con la asistencia de la becaria en residencia de TWB, Natalie Rouland. Completan esta puesta un vestuario y un diseño escénico especial, que cuenta con orquesta en vivo dirigida por el director Charles Barker.

La compañía dirigida por Julie Kent incorpora a su repertorio una nueva versión de “Lago de los cisnes”. Fotos: ©ProcopioPhotography. Gentileza TWB.

“Cuando nos encerramos hace dos años, ninguno de nosotros podía predecir lo que seguiría: la incertidumbre existencial, la pérdida de oportunidades, la pérdida de la unión que es la esencia de la actuación en vivo. Pero TWB se comprometió a seguir adelante, juntos y, a menudo, de manera innovadora. Ahora estamos al borde de marcar un hito artístico importante: nuestro propio ‘Lago de los cisnes’”, reflexionó la directora artística.

George Balanchine y Francis Mason en “101 Stories of the Great Ballets” describieron la trama desde un punto de vista sutil y particular. “La heroína de ‘Lago de los cisnes’ es una princesa de la noche; ella es toda magia, una criatura de la imaginación. Es la reina de los cisnes, un hermoso pájaro, excepto entre la medianoche y el amanecer, cuando el misterioso hechicero Von Rothbart le permite convertirse en una bella mujer. En el mundo del cielo y del agua se siente como en casa, pero en el mundo real, donde el romance es posible, parece estar irremediablemente perdida. El gran amor que llega a tener por un príncipe mundano está condenado desde el principio; ella no tiene control sobre su destino”.

La temporada 2022 de TWB continuará en la primavera con “Giselle” (del 28 de abril al 3 de mayo en el Warner Theatre) y NEXTsteps (del 22 al 26 de junio en el Sidney Harman Hall) con nuevas obras de los coreógrafos Brett Ishida, Mthuthuzeli November y Jessica Lang. A su vez, y fuera de escena, la compañía presentará Dance for All (del 21 de marzo al 8 de abril), una serie de eventos y experiencias gratuitos que se reslizarán en los ocho distritos de la ciudad.

Funciones:

The Washington Ballet presenta “Lago de los cisnes” en el Eisenhower Theater del Kennedy Center
Coreografía sobre la original de Marius Petipa y Lev Ivanov de Julie Kent y Victor Barbee
Música de Pyotr Ilyich Tchaikovsky
The Washington Ballet Orchestra, Charles Barker
Vestuario cortesía de Ballet West
Escenografía y vestuario: Peter Cazalet
Iluminación: Brad Fields

 Miércoles 9 de febrero a las 20 h.

Jueves 10 de febrero a las 20 h.

Viernes 11 de febrero a las 20 h.

Sábado 12 de febrero a las 14 h.

Sábado 12 de febrero a las 20 h.

Domingo 13 de febrero a las 14 h.

www.washingtonballet.org

Salud y Seguridad
Para todas las actuaciones, TWB ha instituido varias políticas de salud y seguridad de COVID-19, incluida la prueba de vacunación para todos los espectadores mayores de 12 años, así como el requisito universal de usar de mascarillas.

Marcelo Gomes interpretará a Julian Craster en la producción de “The Red Shoes” de Matthew Bourne en el Kennedy Center. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Un conde, un príncipe, un villano, un hechicero, un joven enamorado capaz de morir de amor y por amor… Marcelo Gomes hace historia en el mundo del ballet. El bailarín que formó parte de la transición entre dos siglos en los que la danza fue cambiando sus perfiles. Aún siendo un niño, allá en Manaos, la capital del estado de Amazonas, en el Norte de Brasil, donde nació, la danza comenzó a formar parte de su vida. Su destino: Río de Janeiro. Luego, el mundo. A los 18 años, en 1997, después de ganar el Prix de Lausanne, ingresó al American Ballet Theatre (ABT) como miembro del cuerpo de baile, y en cinco años pasó de solista a principal. En la compañía, fue uno de los grandes partenaires de Paloma Herrera y de Julie Kent. Se llevó el Benois de la Danse en 2008, y desde hace un par de años se lanzó al desafío de ser coreógrafo.

Actor indiscutible, Gomes llega a DC, esta vez, con New Adventures para protagonizar “The Red Shoes” en el Opera House del Kennedy Center de DC desde el 10 al 15 de octubre. Esta producción del británico Matthew Bourne fue estrenada en 2016, y se basa en el célebre film del mismo nombre creado por Michael Powell y Emeric Pressburger de 1948, sobre el cuento de Hans Christian Andersen. Los protagonistas de aquella película memorable fueron Moira Shearer, Anton Walbrook, Marius Gorin, Robert Helpman, Leónide Massine y Lurdmila Tchérina, entre otros.
Sin embargo, esta no es la primera vez que Gomes es bailarín invitado de la compañía dirigida y fundada por Bourne. Antes, pasó por “Carmen” y “Lago de los cisnes”. Ahora, luego de cinco shows con “The Red Shoes” en Los Ángeles, se prepara para una larga gira con esta obra.

Marcelo Gomes y Julie Kent en “Manon”, producción del ABT. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT. Archivo Danzahoy.

Danzahoy: ¿Cómo surgió esta posibilidad de trabajar con Bourne en este ballet?
Marcelo Gomes: Trabajé con Matthew (Bourne) en dos producciones anteriores, y esta vez me llamó para hacer “The Red Shoes”. Es un maravilloso director y un coreógrafo talentoso. Me siento feliz de formar parte de esta obra y de cubrir un rol que es diferente a los que hago habitualmente. Trabajar con él me permite explorar aun más en mi trabajo de actuación, y eso es un desafío importante porque lo que él pide de los artistas es contar una historia, no hacer piruetas. Aquí hago cosas que nunca hice antes, como por ejemplo, tocar el piano.

D: ¿Cuáles son los puntos de esta historia que le llaman más la atención?
MG: Es una pieza intrigante que habla sobre la historia de una bailarina que trata de encontrar un camino para su vida, que intenta descubrir hacia dónde va su carrera. Y es necesario que uno se haga esa pregunta porque ese dilema constante forma parte de la vida de un artista. Todos nos cuestionamos y nos planteamos lo mismo en todo momento de nuestra carrera.

D: ¿Dónde se establecen las diferencias entre el film protagonizado por Moira Shearer y esta creación de Bourne de 2016?
MG: Matthew es increíble, su imaginación y su creatividad hacen que sea un “master” del teatro. Esta producción se parece bastante al film, con algunos cambios y otra perspectiva. No solo es hermosa sino que es muy desafiante tanto para el artista como para la audiencia porque hace un juego de ida y vuelta entre la realidad y la ficción. Al espectador le permite pensar y comparar entre el mundo real y lo que cada uno haría en circunstancias similares. Y de alguna manera, esta producción deja a cada uno con interrogantes por resolver.

D: Como artista y como persona, ¿qué es lo que más rescata de ambas producciones?
MG: Prefiero verla en vivo. Vi el video, pero no pude percibir las emociones. En la producción de Matthew se hace mucho énfasis en la actuación. Cuando vi la obra por primera vez me movilizó mucho. Es trágica, y la protagonista no puede resolver su conflicto. Está inspirada en la película, pero Matthew hizo mucha investigación sobre el ballet y la creación de un ballet, y explora mucho sobre ese tema. Si bien se asemeja bastante a la línea argumental de la película, hay algunas diferencias. Por ejemplo, el ballet master es casi un gigoló.

D: ¿Cómo compatibiliza entre el ABT y esta gira con New Adventures?
MG: Después de estar 20 años con ABT y de trabajar con distintos coreógrafos, esta oportunidad es una bendición para mí. Esta será la primera temporada de otoño en la que no bailaré con la compañía porque estaré en tour con New Adventures. Esta experiencia, sin duda, me hace mirar mis roles tradicionales de otra forma, desde otra perspectiva, y me permite crecer como artista. Kevin McKenzie, el director del ABT, me da permiso para hacer esto porque forma parte de la formación del bailarín.

D: ¿Y cuáles son sus perspectivas como coreógrafo?
MG: Estoy haciendo un nuevo ballet para el Sarazotta Ballet y para el próximo año, estrenaré con el Washington Ballet. Desde luego, crear nuevas coreografías me entusiasma. Me gusta estar del otro lado y ser quien inspira a otros bailarines.

El Washington Ballet presentó en el Kennedy Center el estreno mundial de “Frontier”, de Ethan Stieffel, en homenaje al ex Presidente Kennedy. Foto: Theo Kossenas. Gentileza TWB/media4artists.

“La exploración del espacio continuará, más allá de que nosotros participemos en ella o no, y es una de las grandes aventuras de todos los tiempos”, JFK. Casi como reflejada en un cielo imaginario, la frase de John F. Kennedy se adueñó del escenario con una magnificencia especial. Mientras, la música minimalista de Adam Crystal resonaba como una invitación hacia lo desconocido, y una troupe de bailarines con trajes que se parecían a los de los astronautas, comenzaban a hacer pequeños movimientos acompasados. Después: la atmósfera.

El estreno mundial de “Frontier”, de Ethan Stieffel, ex primer bailarín del American Ballet Theatre, en homenaje al centenario del nacimiento del ex Presidente Kennedy, trajo una propuesta multimedia cautivante, en la que la escenografía de funde con un elaborado video cuyos efectos se asemejan a los juegos lumínicos que se producen en el espacio. Dmitri Simkin, a cargo de esa bella creación, logró incorporar una esfera de cristal en la que la mujer astronauta (Sona Kharatian) traspasa los límites de la tierra. Una puesta sublime, en la que la danza es un elemento más que contribuye a la propuesta integral de la obra.

En este final de la temporada 2016-2017 el Washington Ballet, dirigido por Julie Kent, cerró su ciclo con cuatro funciones desde el 25 al 28 de mayo en el Opera House del Kennedy Center de Washington, DC. Con un programa ecléctico en el que rescata joyas del ballet del siglo XX, Kent llevó a escena, además de la nueva realización de Stiefel, “Jardin aux Lilas”, de Anthony Tudor y “The Dream”, de Sir Frederick Ashton. Tres obras diferentes, que contaron con música en vivo -, algo que pasa a ser una suerte de “marca registrada” de la flamante directora- a cargo de la Washington Ballet Orchestra, dirigida por Martin West.

En “Jardin aux Lilas”, Tudor, ese mago de la gestualidad y la delicada intensidad, pone en escena esos conflictos universales del amor y el desamor, el deber y el querer. La obra, estrenada por el Ballet Ramber en Londres en 1936, época en la que se reafirmaban los ballets con ciertas connotaciones psicológicas, lleva música de Ernest Chausson, “Poema” para violín. Cada uno de los elementos de esta obra, más allá del paso del tiempo, la hacen absolutamente vital y apasionante.

“The Dream”, de Sir. Frederick Ashton, creada en 1964, está basada en “Sueño de una noche de verano” de Shakespeare. Foto: Theo Kossenas. Gentileza TWB/media4artist.

Tudor expone los conflictos amorosos de una pareja en vísperas de contraer matrimonio, cuando ella se reencuentra con su verdadero amor, y al futuro esposo se le presenta un antiguo romance. Venus Villa, delicada y conmovedora, hizo una excelente interpretación de la novia, mientras su contrafigura, Francesca Dugarte, se impuso con su personalidad en este drama existencial. La cuidada reposición, a cargo de Amanda McKerrow y John Gardner, permitió que cada uno de los cuatro personajes de esta historia logre momentos conmovedores y bellos.

Kent eligió, como cierre del programa, un clásico de Ashton. Una obra mágica, encantadora, a la luz de la luna, basada en “Sueño de una noche de verano” de William Shakespeare. “The Dream”, creada en 1964 para Anthony Dowell, ex bailarín y director artístico del Royal Ballet of London, es una de esas obras inolvidables en las que se mezcla lo terrenal con lo mágico.

Andile Ndlovu, como el duende Puck, parece realmente un ser de otro mundo, su velocidad, sus giros, su dinámica y su gracia, muestran a un bailarín completo, capaz de asumir uno de los roles más difíciles del ballet. Samuel Wilson, en su papel del campesino que se convierte en asno, hace un magnífico trabajo, no solo al bailar en puntas sino en la composición del personaje.

Fresca y traviesa, Titania, la reina de las hadas, protagonizada por Eunwon Lee, cautivó con su delicadeza y su gracia. Mientras que Gian Carlo Pérez, se plantó estupendamente en escena con su caracterización de Oberon. Un bailarín sólido, con buenos saltos y con una interesante veta actoral. El cuerpo de baile femenino, especialmente las hadas del bosque, mostró un grupo compacto, con filas cuidadas y una ajustada coordinación. Una obra tan deliciosa que es siempre bienvenida y una compañía que lentamente va tomando otros rumbos.

The Washington Ballet presentó “Giselle” en el Kennedy Center de DC. Foto: media4artists, Theo Kossenas. Gentileza TWB.

Una historia de amor, traición y redención que, a pesar del paso del tiempo y de las infinitas veces que ha subido a escena a lo largo de tres siglos, “Giselle” es uno de esos clásicos que no se agota. Una obra de belleza y perfección indiscutibles que habla de conflictos morales de hoy y de siempre, con una cuota de mito y de leyenda.

Julie Kent, la nueva directora de The Washington Ballet (TWB) puso su sello propio en este ballet que la compañía estrenó en 2004 y que marca en el comienzo de su temporada de primavera en el Eisenhower Theater del Kennedy Center de Washington DC, abre una nueva perspectiva.

Kent logró refinar ciertos detalles de técnica clásica, enfatizar el trabajo de interpretación de los bailarines, ajustar el cuerpo de baile y forjar una producción que apunta hacia el futuro. Con un toque adicional: volver a la orquesta en vivo. Esta vez, la agrupación de TWB estuvo dirigida por Charles Barker, quien desde 1987 es director principal en el American Ballet Theatre.

Maki Onuki, Gian Carlo Perez y Rolando Sarabia (izq. a der.), de The Washington Ballet, en el primer acto de “Giselle”. Foto: media4artists,Theo Kossenas. Gentileza TWB.

Este ballet en dos actos, con música de Adolph Adam, coreografía de Jean Coralli y Jules Perrot, con libreto de Teophile Gautier, Vernoy de Saint Georges y Coralli, basado en una antigua leyenda alemana rescatada por Heinrich Heine, fue estrenado el 28 de junio de 1841 en la Académie Royale de Musique de Paris. Sus intérpretes principales fueron Carlota Grisi y Lucien Petipa. Casi cuarenta años más tarde Marius Petipá la estrenó en 1884 en el Teatro Imperial de San Petersburgo, versión que ha permanecido hasta hoy. Kent y Victor Barbee, director artístico adjunto de TWB, quienes estuvieron a cargo de la puesta en escena de esta “Giselle”, lograron desvelar ese mágico encantamiento de la obra.

La historia se sitúa en una aldea de la Renania medieval, donde Hilarion, un cazador que ama a Giselle, descubre que su rival, vestido como un campesino, esconde al duque Albrecht. Así comienza esta trama en la que el componente mágico llega en el segundo acto, donde la antigua leyenda de las Willis -jóvenes que murieron vírgenes por la traición de sus enamorados-, surge con un magnetismo inexplicable.

Maki Onuki (izq.) y Kateryna Derechyna, como Myrtha, en la producción de “Giselle” de The Washington Ballet. Foto: media4artists, Theo Kossenas. Gentileza TWB.

Kent y Barbee, eligieron tres elencos para protagonizar este clásico. En la noche del estreno, Maki Onuki asumió el rol de Giselle junto al cubano Rolando Sarabia -una reciente incorporación de la compañía- como Albrecht, quien tuvo como contrafigura a otro cubano, también salido de las filas del Ballet Nacional de Cuba, Gian Carlo Pérez. No obstante, el trío entre Giselle, Albrecht e Hillarion en el primer acto, no alcanzó a generar la tensión suficiente que anticipa el drama final.

Onuki, una bailarina con larga historia en TWB, adquirió presencia en la escena de la locura, mientras que en el comienzo de la obra no mostró una real conexión con su personaje. En el segundo acto, ya convertida en Willis, dejó ver su transformación y su refinada técnica. Y en el pas de deux final con Albrecht, quien llega a su tumba en busca de perdón y redención, Onuki parece acercarse un poco más a su partenaire.

Sarabia, en cambio, como Albrecht, hizo una búsqueda más profunda de su Albrecht, fue un excelente partenaire, contenedor y cuidadoso, y sacó su personajes desde su interior. Con una técnica indiscutible y un cuidado estilo, fue absolutamente convincente en las contradicciones morales de su Albrecht.

El cuerpo de baile, quizás, es el que ha evidenciado el mayor impacto, y especialmente se advierte en el acto blanco del la segunda parte, donde las filas mostraron una notable mejora, y el port de bras de las bailarinas tuvo cambios sustanciales. Impecable, el despliegue de las Willis en “arabesque penche” cruzando a través del escenario. Kateryna Derechyna compuso una excelente Myrta, la reina de las Willis, al igual que Ashley Murphy y Ayano Kimura, como Moyna y Zulma.

Sin duda, el segundo acto de “Giselle” fue lo más logrado de esta producción que, en apenas cinco meses, ha logrado una notoria transformación, y ha abierto una puerta hacia la pureza del clásico, sin alejarse de las propuestas contemporáneas.

Julie Kent, Maki Onuki, Victor Barbee y Rolando Sarabian en un ensayo de “Giselle” para The Washington Ballet. Foto gentileza TWB.

Desde su exilio en 2005, el cubano Rolando Sarabia ha recorrido un camino ecléctico y al mismo tiempo, signado por su constante búsqueda dentro del ámbito de la danza clásica, un lenguaje que le fue familiar desde su infancia y que también ha sido su sello indiscutible. Su primera y gloriosa presentación en los Estados Unidos, luego de su exilio, fue en el Festival Internacional de Ballet de Miami de 2006, apenas recuperado de una de sus tantas operaciones en la rodilla. Luego pasó por el Houston Ballet, el Miami City Ballet, el Ballet Clásico Cubano de Miami, y también fue bailarín independiente. Premiado y multipremiado, Sarabia, recibió el Benois de la danza en 2011, y otros tantos reconocimientos que obtuvo cuando apenas tenía 20 años y era primera figura del Ballet Nacional de Cuba (BNC).

En septiembre de 2016, cuando Julie Kent asumió la dirección de The Washington Ballet (TWB), Sarabia pasó a integrar la compañía que durante 17 años había dirigido Septime Webre. Y este jueves 2 de marzo será protagonista en el estreno de “Giselle”, su primer rol en un clásico completo como bailarín de esta compañía. Las funciones, que se realizarán desde el 1 hasta el 5 de marzo en el Eisenhower Theatre del Kennedy Center, contarán con orquesta en vivo y diferentes elencos.

Siguiendo los pasos de su esposa, la bailarina cubana Venus Villa, también bailarina de TWB, Sarabia decidió quedarse en Washington. “Cuando me enteré que Julie (Kent) y Xiomara Reyes estaban en la compañía, tomé la decisión de hacer una audición”, comentó a pocos días del estreno en Washington.

DANZAHOY: ¿Cómo fue tu primer acercamiento con la dirección de TWB?

Rolando Sarabia integra en elenco de The Washington Ballet desde mediados de 20016. Foto gentileza TWB.

Rolando Sarabia: Había compartido galas internacionales con Julie, pero tenerla como directora es otro ámbito. Creo que tanto con Julie, como con Victor Barbee, su esposo y director artístico asociado, y de larga trayectoria en el American Ballet Theatre, la compañía va a cambiar. Los cambios siempre hacen bien. Estamos trabajando muchísimo en un repertorio variado que va desde Frederic Ashton a Alexei Ratmansky. Con la perspectiva de utilizar orquesta en vivo, de recuperar los grandes clásicos y de hacer tours no solo por los Estados Unidos sino también por el resto del mundo, se abre un nuevo panorama.

D: ¿Cómo fue trabajar “Giselle”?

RS: Es uno de los clásicos más grandes. La producción es de Julie, mezclada con toda su experiencia en este ballet. “Giselle” es uno de mis favoritos, aunque “Don Quijote” está en el primer lugar de mis preferencias. Pero la historia de “Giselle” me encanta, especialmente cuando la haces tuya. Julie ha hecho un trabajo estupendo con todas las parejas y sus consejos son increíbles. La visión que tienen, tanto Victo como ella, de los personajes, ayuda a seguir mejorando, y cuando nos hacen una crítica es para enfatizar en lo que uno tiene que rectificar para hacerte mejor bailarín. Julie llena a las bailarinas de detalles asombrosos. Y yo, hacía mucho tiempo que no tenía un coach como Victor, un coach que ayude a interpretar el personaje. Porque en estos roles, si no tienes ángel, presencia y emoción no existe el bailarín. El ballet no es solo técnica, es arte, y hay que dar prioridad a la calidad más que a la cantidad. Muchas veces la gente no se da cuenta de que no se trata de hacer trucos o piruetas sino de encontrar la interpretación. En la época de Mikhail Baryshnikov y de Rudolph Nureyev, ninguno de los dos exageraron los saltos o los giros, ni se fueron de estilo para llamar la atención.

D: Después de estos cinco meses de experiencia, ¿qué es lo que remarcarías de TWB?

RS: Hay mucho talento joven y mucha diversidad. Por otra parte, esta intención de recuperar los clásicos me parece interesante. Después de todo, ¿por qué esperar que venga el Bolshoi para ver ballet clásico? Esta compañía es perfecta para mí, y me interesa volver a la experiencia de ser bailarín “full time”.

D: ¿Cuáles son las diferencias que encuentras entre ser bailarín invitado y pertenecer a un ensamble?

RS: La diferencia es que el “full time” te mantiene entrenado y te permite alcanzar nuevas metas todos los días. A su vez, perteneciendo a una compañía, en los períodos de receso se puede ser también invitado en galas. En cambio el ser un bailarín “free lance” limita mucho, es muy duro mantenerse en forma, no solo porque no hay incentivo sino también porque pesan otros factores como los lugares de ensayo, las clases, y la constancia en el trabajo. Las compañías, en cambio, te dan la posibilidad de hacer muchos ballets diferentes, y eso alimenta la cultura del cuerpo y de la mente, algo que se pierde mucho como invitado porque el bailarín no se entrena de la manera adecuada. Por eso los bailarines con carrera satisfactoria han estado en una compañía en forma permanente.

Rolando Sarabia y Maku Onuki, de The Washington Ballet, en “Cascanueces”. Foto: Media4artists, Theo Kossenas. Gentileza TWB.

D: ¿Y si tuvieras que elegir entre alguna de las dos formas?

RS: En lo personal, necesito mucho el reto del día a día. Me interesa saber que hay bailarines mejores porque me incentiva a sobrepasar mis propias metas. Eso es lo importante, porque mantienen el entusiasmo vivo. Cuando uno es el único grande en una compañía, cae en la rutina inevitablemente. Me inspira y me ayuda a mejorar saber que hay otros de los que se puedo aprende para mantener la competencia sana.

D: ¿Cuál fue tu motivación para salir de Cuba?

RS: Cuando me fui, salí con la mente preparada y tenía decidido lo que iba a hacer. Me fui no porque vivía mal, en absoluto. De hecho viajaba por el mundo con el BNC, mi papá, Rolando Sarabia, y mi hermano Daniel Sarabia, los dos bailarines, también viajaban. Nuestra familia tuvo la fortuna de no pasar esos grandes trabajos que otros dicen. Pero me fui porque quería mostrarle al mundo lo que me enseñó mi escuela cubana. Mi carrera es una de las cosas más importantes de la vida y me propuse crecer. Llegué a Miami, me recibió mi tía Marisol, que me dio comida y techo; estuve tomando clases con Magaly Suárez, quien me ayudó a recuperarme de mi rodilla y aprendí mucho de ella.

D: ¿Y cómo llegó el amor? ¿Amor entre bailarines?

RS: Con Venus (Villa) nos conocimos en el Festival Internacional de Miami, dirigido por Pedro Pablo Peña, un hombre que revolucionó la cultura en Miami. Por entonces, ella estaba en el English National Ballet, y nos fuimos encontrando en festivales. Bailamos juntos en algunas galas, si bien al principio éramos amigos. Pero después de un tiempo nos dimos cuenta de que estábamos enamorados y decidimos casarnos. Y ahora tenemos una niña de 3 años que me llena la vida con su sonrisa.

El ABT presenta “El lago de los cisnes” hasta el domingo 29 de enero en el Opera House del Kennedy Center de Washington DC. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

Más allá del paso del tiempo, más allá de sus múltiples intérpretes y versiones, “Lago de los cisnes” es una de esas obras indiscutibles del repertorio. Combina una trama sumamente atrapante, elementos mágicos poderosos, dilemas morales y psicológicos, un gran despliegue escenográfico, danza pura, y belleza absoluta.

La versión de Kevin McKenzie -sobre la de Marius Petipa y Lev Ivanov- de este clásico en dos actos y dos escenas, que el American Ballet Theatre (ABT) trajo al Opera House del Kennedy Center de Washington DC desde el 25 al 29 de enero, reúne todos esos elementos y, sobre todo, muestra un cuerpo de baile sólido y refinado. Quizás, después de la partida de las tres grandes estrellas femeninas, Paloma Herrera, Julie Kent y Xiomara Reyes, la compañía todavía pasa por una etapa de transición en la que se advierte aun la ausencia de verdaderas “etoiles” para estos roles en los que héroes y heroínas deben devorar la escena.

Gillian Murphy, una de las siete protagonistas de la versión de “Lago de los cisnes” que trae el ABT a Washington DC, y junto a ella, Roman Zhurbin. Foto: Hidemi Seto. Gentileza JFKC.

Mckenzie, en su prólogo, narra la secuencia en la que Odette cae en las manos del malvado hechicero von Rothbart quien, al no obtener el amor de la princesa, la embruja y la convierte en cisne, dejándola atrapada en sus dominios. Un punto en el que difiere de otras puestas en las que no siempre describen el secreto de ese hechizo. La función de apertura, protagonizada por Hee Seo como Odette/Odile, y Cory Stearns como Sigfrido, tuvo momentos logrados, que indudablemente se refuerzan por una estupenda coreografía y la música sublime de Piotr Illych Tchaikowsky.

Seo y Stearns hicieron un excelente trabajo en pareja, especialmente en el pas de deux del acto blanco, en el que Odette se encuentra con Sigfrido y le cuenta su tragedia. Ambos se prometen amor eterno y queda pendiente la esperanza de romper el maleficio a través del amor. No obstante la profunda emoción que genera ese pas de deux estuvo ausente. También estuvo ausente por parte de Seo ese refinamiento y perfección en el suave braceo del cisne. No obstante, la bailarina logró encontrar el movimiento de cuello acertado semejante al de un verdadero cisne. Mientras, Stearns, quien ha crecido como bailarín y se lo ve más sólido, logró crear un personaje atractivo, con buenos saltos y prolijos cierres.

Magnífico el cuerpo de baile en el bello acto blanco donde los cisnes, en la penumbra del lago, salen durante la noche bajo la luz de la luna. Un despliegue casi sublime y encantador, que deja perplejo, y permite ver un ensamble sólido.

El segundo acto situado en el palacio, en el gran baile destinado a que Sigfrido encuentre a la princesa para casarse, incluye danzas folclóricas tradicionales como zardas, mazurcas, danzas napolitanas y españolas. Allí aparece Odile, con su maleficencia, instigada por Von Rothbart, desdoblado aquí en un atractivo y maquiavélico personaje. Thomas Forster, un bailarín con fuerte personalidad y atractiva presencia, encarna a ese von Rothbart. Con la interpretación adecuada, Forster realizó una estupenda variación y mostró su calidad como bailarín solista de la compañía. Por su parte, Patrick Ogle cubrió el rol de von Rothbart en su verdadera y repulsiva forma de “animal” o monstruo del bosque. Impresionante.

El pas de trois de “Lago de los cisnes” con Devon Teuscher, Joseph Gorak y Christine Shevchenko. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Sin duda, la llave maestra de este acto es el famoso pas de deux del Cisne Negro, encarnado por Odile, una suerte de Alter Ego de Odette. Una coreografía que pone a prueba a cualquier bailarina, dado que plantea una combinación de actuación exigida y técnica superlativa. Aquí aparecen los famosos fouettés, clave de esta coreografía. Seo comenzó con sus doble giros, y en la mitad de los 32 fouettes que tiene esta coreografía se fue levemente de eje. Por otra parte, en el rol de este personaje, le faltó la malicia que requiere. Por su parte, Stearns terminó sus difíciles variaciones con total brillantez.

Joseph Gorak, como Benno, amigo del príncipe, se destacó con su actuación con su entusiasta personalidad y por su ajustada técnica. Su personaje fue sencillamente brillante, al igual que en el pas de trois con Sarah Lane y Skylart Brandt.

Quedan aún cinco funciones, una de las cuales será protagonizada por Herman Cornejo y Misty Copeland, funciones que están totalmente vendidas.

Xiomara Reyes, la nueva directora de la Washington School of Ballet, se propone tener más relación entre la escuela y The Washington Ballet. Foto Maritza Gueler.

El 1 de septiembre, Xiomara Reyes entró por primera vez en su rol de flamante directora a los estudios de la Washington School of Ballet. La ex bailarina principal del American Ballet Theatre (ABT) llegó a reemplazar a Kee Juan Han -quien anunció su retiro en abril de este año-, convocada por su compañera de largos años en el ABT, Julie Kent, actual directora de Washington Ballet (TWB). Ambas se despidieron de la escena en 2015, y comenzaron otra nueva aventura juntas. Su marido, Rinat Imaev, la acompaña en este periplo como profesor Senior de la escuela y como maestro de TWB, compañía actualmente dirigida por Julie Kent.

Reyes creció en El Vedado, uno de los barrios más emblemáticos de La Habana, Cuba, se formó en la Escuela Nacional de Ballet, tuvo una fuerte influencia de Laura Alonso, y luego, salió a volar con sus propias alas, inspirada por las enseñanzas de “Juan Salvador Gaviota”, de Richard Bach. Así pasó siete años en el Royal Ballet of Flanders y luego llegó al ABT. Y en uno de sus últimos pasos por Washington, Reyes fue invitada por TWB para interpretar a Katherine en el ballet creado por Septime Webre, “Sleepy Hollow”.

Cuando Kent asumió como directora de TWB, pensó en ella para que tomara la batuta de la escuela, Y así comenzaron un trabajo en conjunto que les permite formar a las nuevas generaciones de bailarines y alimentar a la compañía local con nuevos talentos. Actualmente en la escuela hay cerca de 810 alumnos en la sede del centro de DC, en Wisconsin Avenue, North West, y aproximadamente 300 en el North East.

Después de pasar varias horas dando clases, observando, y elaborando un plan a futuro, alrededor de las las 6:30 de la tarde, Reyes recorre las otras sedes de la Washington School of Ballet para ir delineando los programas que colaboren para ir acercándose a sus objetivos: formar bailarines con una sólida formación clásica, capaces de abordar una diversidad de estilos y escuelas.

En la Washington School of Ballet apuntan a que los alumnos sean capaces de abordar diferentes escuelas y estilos. Foto gentileza TWB.

Danzahoy: ¿Cómo surge esta idea de volver a trabajar juntas desde un lugar diferente del escenario?

Xiomara Reyes: Se origina primero porque a Julie le dieron el puesto de directora de TWB y nosotras hemos trabajado mucho juntas y tenemos muchos puntos en común. Cuando se enteró de este puesto, nos propuso a mi esposo y a mí para que la ayudemos a construir su visión de la compañía. La escuela es un elemento muy importante para hacer una compañía.

D: ¿Cuál es el foco principal en el que se apoyan para la formación de los estudiantes?

XR: Ponemos la insistencia en que el alumno salga de la escuela con una educación completa del baile y de la cultura en general, y que tenga una visión amplia de lo que es ser un artista. Me gustaría interactuar más con otras disciplinas. Para mí la relación maestro-alumno es clave, ya que el maestro es fundamental en la formación de una vida joven. Nosotros no solo educamos bailarines sino seres humanos para que en el futuro desarrollen su talento y la confianza en sí mismos, para que luego ayuden en la sociedad.

D: ¿Cómo planean el trabajo juntas?

XR: Queremos tener más relación entre la escuela y la compañía. Los directores anteriores no encontraron muchos puntos en común, pero en este caso, las dos tenemos cosas en común que queremos reflejar tanto en la escuela como en TWB. Mi esposo y yo también damos clases con la compañía, y al mismo tiempo ponemos mucho cuidado en los estudiantes que formamos para que Julie saque los bailarines que luego integrarán TWB.

D: Después de tantos años, ¿de qué manera pesa lo vivido en la escuela cubana de ballet?

XR: La escuela cubana es tremendamente profesional, con cinco días a la semana de trabajo. Aquí funciona de manera diferente, especialmente para los más pequeños, que tienen clases tres veces a la semana. Por lo tanto, lo importante es maximizar el tiempo. La escuela cubana es muy fuerte y da la libertad de interpretar y al mismo tiempo de ser más sólido en la técnica. Eso es lo que quiero transmitir aquí. Por otra parte, la escuela rusa que tiene un port de bars que se destaca enormemente, y el objetivo es hacer una mezcla de los elementos más representativos de cada escuela. De esta manera los muchachos se exponen a los diferentes estilos. Nuestra meta es buscar bailarines que puedan hacer Balanchine, Forsythe y que puedan moverse en todos los estilos con fluidez y gracia. Y tenemos muy buenos maestros.

Para Xiomara Reyes la relación maestro-alumno es clave en la formación de los jóvenes. Foto gentileza The Washington Ballet

D: ¿Y de qué manera empezó este cambio de timón?

XR: Ahora estamos haciendo de todo con un poco más de lentitud para darle a los estudiantes el tiempo para corregir algunos alineamientos. Ese trabajo lo llevamos a todas las sedes, y prestamos mucha atención en esos puntos, para corregir lo más pronto posible. Por ejemplo, con los aprendices estamos trabajando “Raymonda”, con el propósito de exponerlos a este tipo de preparación clásica. Estoy tratando de poner la mano en los aprendices para darles un lugar más importante del que tenían hasta ahora.

D: ¿Y cómo comenzó el trabajo?

XR: Estoy en un momento de mi vida muy especial. Hay muchas cosas que aprender. Desde lo profesional, es muy interesante. En este momento estamos preparando “Cascanueces”, y es un proceso muy encantador, y se ve desde el punto de vista del niño, de la forma en que se involucran en este ballet. Es un mundo fascinante.

D: ¿Washington o Nueva York?

XR: Siempre me encantó Washington, la naturaleza que se ve en la ciudad, sus árboles frondosos, el río… No he tenido mucho problema para adaptarme. Nueva York es muy ecléctico, pero Washington es más semejante a lo que yo pretendo. Si bien todavía estoy tratando de instalarme y armarme en la nueva casa. Vivo a 20 pasos de la escuela, y eso ayuda muchísimo, especialmente en estos momentos en los que uno se tiene que involucrar más.

Tamás-Krizs y Sona-Kharatian de The Washington Ballet en “Fives”, en el Kennedy Center. Foto: Dean Alexander. Gentileza TWB.

Celebrar 40 años de trabajo es una cifra para tener en cuenta, pero es más significativo aun si se trata de una compañía de ballet en una ciudad como Washington DC, donde la política es el centro de la escena. En este 2016, The Washington Ballet (TWB) celebró estas cuatro décadas en las que los sueños de Mary Day, su fundadora, se fueron cumpliendo paso a paso. El viernes 30 de septiembre, en el Eisenhower Theater del Kennedy Center de DC, el pasado, el presente y el futuro subieron a escena, delineando una gala para recordar.

Guiada por la nueva directora artística, Julie Kent, ataviada en tres deslumbrantes vestidos, la gala se sumergió en el pasado, y convocó imágenes de Mary Day en las clases de los primeros tiempos, testimonios de sus asistentes, y también, un fiel y cálido recuerdo de Kevin McKenzie, actual director del American Ballet Theatre (ABT), y ex alumno de The Washington Ballet School. Cuando el telón subió, la compañía en pleno, vestida de rojo furioso y bajo los compases de la música de Ernest Bloch comenzó “Fives”, de Choo San Goh, coreógrafo de Singapur quien marcó estilo y rumbo durante la década del 70.

Y este despliegue en el que la memoria fluye abrió las puertas a Septime Webre, quien durante 17 años le dio a la compañía un toque particular y realizó un intenso trabajo de difusión y captación de público. Con él, llegó a la escena la que fue su primera obra, un homenaje a su familia, inspirado en reminiscencias de la vida en Cuba. “Juanita y Alicia”, una realización llena de nostalgias, muestra un desborde de ritmo y desenfado a través de bailarines totalmente compenetrados con la coreografía, la trama y la música.

Festejo, globos y un aniversario para celebrar los 40 años de The Washington Ballet en DC. Foto: Danzahoy.

El tercer bloque, mira hacia el futuro a través de los ojos de la nueva directora quien, luego de estar 30 años fuera de Washington y de haber sido una de las grandes estrellas del ABT, su objetivo es darle una impronta clásica a la compañía. Una serie de pas de deux como “Cisne negro” de “El lago de los cisnes”; de Marius Petipa, “Cascanueces” y “Don Quijote”, precedieron un clásico de George Balanchine, “Theme and Variations”.

Sin embargo, en esta serie clásica de pas de deux, al igual que en “Theme…”, queda mucho camino por recorrer, a pesar de tener bailarines de sólida formación como Rolando Sarabia, una nueva adquisición que viene de la escuela cubana, y que genera expectativas para las futuras producciones. El virtuosismo de Brooklyn Mack apareció en “Don Quijote” junto a Maki Onuki. Y si bien Kent tuvo pocas semanas para trabajar con los bailarines, ya que se hizo cargo de la compañía a principios de septiembre, habrá que esperar al primer estreno de la temporada, con “Giselle”, en marzo del próximo año, para ir observando la evolución de la troupe que, en esta temporada, tiene una fuerte presencia hispana.

En vista a los años por venir, Kent mencionó su intención de dar una impronta más clásica a la compañía, y trabajar con música en vivo. También anunció para la temporada 2017 el estreno, el 25 de mayo, de una creación de Ethan Stiefel, ex primer bailarín de ABT, en el Opera House del Kennedy Center de DC, y otra serie de obras de los grandes coreógrafos del siglo XX como “El jardín de las lilas”, de Anthony Tudor, y “The Dream”, de Frederick Ashton. Y en abril, estrenarán la pieza de Alexei Ratmansky, “Seven Sonatas”.

The Washington Ballet con la nueva directora artística, Julie-Kent. Foto: Dean Alexander. Gentileza TWB.

The Washington Ballet, presenta “Five”, de Choo San Goh en la Gala Aniversario en el Kennedy Center. Foto: Dean Alexander. Gentileza TWB.

Una noche especial para celebrar 40 años de danza de The Washington Ballet (TWB), en la que se reúnen obras de Choo San Goh y Septime Webre, y clásicos indiscutibles como “Don Quijote” y “Cisne negro”, de Marius Petipa, y “Theme and Variations, de George Balanchine. Presentada por la ex primera bailarina del American Ballet Theatre, Julie Kent, esta gala aniversario se realiza en el Eisenhower Theater del Kennedy Center de Washington DC el viernes 30 de septiembre.

El programa está integrado por “Fives”, de Choo San Goh con música de Ernest Bloch, así como también por una “marca registrada de Webre, “Juanita y Alicia”, creado a modo de homenaje a su niñez y a sus recuerdos de la vida de su familia en Cuba en la década de 1920. Y entre los clásicos de Petipa-Tchaikovsky, también dará el “presente” el Grand pas de deux y Coda del “Cascanueces”. El broche final: “Theme and Variations”, de George Balanchine con música de Tchaikovsky.

La celebración se convierte en una mirada retrospectiva sobre los 40 años transcurridos por esta compañía que lleva el sello de la ciudad y que originalmente fue fundada como The Washington School of Ballet en 1944 por la legendaria bailarina Mary Day. Su devoción a la danza, su compromiso con el arte y su audaz idea de crear una compañía que sirviera para producir espectáculos de danza de calidad tuvieron su culminación en la creación de The Washington Ballet en 1976.

Fue recién en ese año cuando Day estableció formalmente esta compañía local, convertida en una de las más importantes del país, cuya sede está precisamente en la capital de la Nación. Con trascendencia internacional, el Washington Ballet, tiende sus redes en el campo de la educación a través de sus escuelas, y en programas de captación de audiencia como también, de nuevos bailarines que ingresan a sus filas como aprendices.

Después de más de una década dirigido por el cubano-americano, Septime Webre, este año, la compañía hace su debut con una nueva directora, reconocida internacionalmente por su trayectoria en el ABT. Kent, vuelve también al área donde creció, Maryland. Formada con Hortensia Fonseca en la Academy of the Maryland Youth Ballet, asistió a la segunda temporada de verano del ABT y a la School of American Ballet antes de entrar como aprendiz en la troupe de Nueva York en 1985. En 1987, formó parte del elenco de “Dancers”, película con Mikhail Baryshnikov, y en 1993, fue promovida a primera bailarina del ABT. En la temporada 2015 del Metropolitan Opera House de Nueva York, en junio, Kent se despidió del ABT. En 2002, fue la primera estadounidense en ganar el Benois de la Danse.

El TWB fue construyendo lazos internacionales a través de obras de reconocidos coreógrafos como Christopher Wheeldon, Mark Morris, Twyla Tharp, Hans van Manen y Jiří Kylián una propuesta que continuará con la nueva dirección.