Yansiel Pujadas y solistas del BNC interpretaron “Poema del Fuego”, de Alberto Méndez, estrenado en 1983 por Jorge Esquivel. Fotos cortesía BNC.

El baluarte cubano de la danza académica, el Ballet Nacional de Cuba, nos entrega la primera temporada post-Alicia Alonso –la sempiterna prima ballerina assoluta y cofundadora–, ahora con la primera bailarina Viegnsay Valdés con la responsabilidad plena como directora artística (no obstante, en los programas de mano aparece aún con el prefijo “sub”), en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana que lleva el nombre de la eximia Alonso, recientemente despedida físicamente con todos los honores populares y oficiales.

En dos atractivos y optimistas programas, el BNC nos permitió valorar una acertada elección de títulos, ora por su variedad de estilos ora por sus novedades creativas. En sucesivos fines de semana, presentaron dos estrenos y tres reposiciones, debidos a destacados coreógrafos con evidentes valores ideo-estéticos, pero de generaciones y culturas disímiles. Algo que considero de suma importancia para el enriquecimiento formativo profesional de un cuerpo de baile -en el presente- mayoritariamente integrado por jóvenes que apenas superan la veintena.

Entre las reposiciones pudimos disfrutar la exhumación de una admirada pieza del coreógrafo cubano Alberto Méndez, actual asistente de la dirección artística-, como es el caso de “Poema del Fuego” inspirada por la música homónima de Alexander Scriabin. Este ballet en un acto fue estrenado en 1983, y en el rol principal figuraba el estelar bailarín Jorge Esquivel. Después de su defección de la compañía, nunca más se repuso esta obra. Actualmente, la obra se reciente por la carencia de un bailarín que supere tal referencia, con la alternancia de dos bailarines del cuerpo de baile con biotipos distintos asumieron con fuste y sólida técnica al dios mitológico del fuego, empero sin la madurez interpretativa requerida. Ciertamente, algunos ballets centrados e inspirados por un bailarín o bailarina “fuera de serie”, es mejor dejarlos dormir hasta que aparezca ese ser irrepetible (recordemos aquellos creados para Nijinsky, y los guiños al “Apolo” de George Balanchine)

Luego, retornó “Celeste” (2014), de la coreógrafa colombo-belga Annabelle López-Ochoa, ballet neoclásico coral inspirado por el Concierto para violín y orquesta en Re mayor de P. I. Tchaikovsky, para tres parejas solistas y reducido cuerpo de baile, donde el vestuario y el diseño de luces nos transporta a un mundo azul celeste. Esta creación para la compañía fue posible gracias al apoyo del British Friends of BNC.

Del coreógrafo brasileño Ricardo Amarante se presentó “Love, Fear, Loss”, ballet de estilo neoclásico ejecutado al piano por Marcos Madrigal. Fotos cortesía BNC.

Para la semana siguiente, acometieron la valiente tarea de reponer uno de los emblemáticos títulos de danza académica en el repertorio activo, con el rigor estilístico que requiere esta joya del ballet del siglo XX, precursor de la modernidad, “Las sílfides” (1907) –también conocido como “Chopiniana”- en un montaje de Alicia Alonso según la versión original de Mikhail Fokine (como ella misma ha revelado, trabajó en el ABT con el autor en 1942, poco antes de su muerte). El propio Fokine emprendió cambios para una reposición de 1908 (entonces fue rebautizado en francés como “Réverie Romantique”, siempre con música de Chopin), para convertirlo en un ballet sin argumento, pero cargado de símbolos y “con un estilo de profundo lirismo, alejado de todo amaneramiento…”.

La orquesta sinfónica del GTHAA estuvo en el foso bajo la dirección del maestro Giovanni Duarte con un soporte musical ajustado a las circunstancias. El poeta fue encarnado con sobriedad y justeza por el primer bailarín Rafael Quenedit, con una Anette Delgado estilísticamente modélica, arropados por una sobrevalorada ejecución del cuerpo de baile femenino. En no pocos momentos provocó el aplauso merecido de la audiencia.

Dos coreografías por autores foráneos recibieron sendos estrenos por el BNC, y fueron bailados en dos fines de semanas por elencos alternantes. Estas piezas, de disímiles culturas y escuelas de ballet, contribuyeron a elevar la temperatura en el entusiasmo del numeroso público que colmó a tope el hermoso coliseo de la capital (en su medio milenio de fundación). En lo fundamental se debió a la entrega artística de los elencos debutantes: ambas eran demandantes de talentos interpretativos que fueran más allá de las demostraciones del virtuosismo técnico. Estas novedades los obligaba a salir de su zona de confort.

Para abrir la segunda parte del programa, vino Love, Fear, Loss (2012), del coreógrafo brasileño Ricardo Amarante (responsable igualmente del vestuario y las luces). Es un ballet para tres parejas, de estilo neoclásico e inspirado en la vida de la gran cantante francesa Edith Piaf (1915-1963), así como en sus “antológicas interpretaciones de tres obras que, de alguna manera, son fiel reflejo de su trágica vida amorosa”. Esta pieza (deudora de otros referentes creados por Jerome Robbins), tuvo su premier en 2012 por el Ballet Real de Flandes, en Amberes, y por cuya creación recibió el premio de la Asociación Francesa de la Danza. Su estreno cubano tuvo un IVA en el soporte musical, pues contó con la privilegiada ejecución al piano en escena de Marcos Madrigal considerado uno de los más talentosos músicos cubanos de su generación del siglo XXI, residente en Italia actualmente. Ejecutó con pasión y rigor las transcripciones para piano realizadas por Natalia Chepurenko, que incluye temas de Jacques Brel, Charles Dumont y de la propia Piaf. Hubo distinguidas interpetaciones, como las de Chanell Cabrera y Sadaise Arencibia, pero la más descollante interpretativa y técnicamente fue la pareja formada por Claudia García y Adrián Sánchez (el auditorio los gratificó en pie).

Para el cierre, llegó el plato fuerte de la noche: el celebrado ballet “Concerto DSCH”, del coreógrafo ruso-norteamericano Alexei Ratmanski, que fuera creado originalmente para el New York City Ballet en 2008, inspirado en el Concierto para piano, No.2 en F mayor, Opus 102, del afamado compositor ruso Dimitri Shostakovich. Dado el éxito conseguido por esta obra, ya ha ingresado en los repertorios de otras grandes compañías: Ballet del Teatro alla Scala de Milán, en 2012, y el Ballet del Teatro Mariinski de San Petersburgo, en 2013.

La entrada de esta obra, en 2019, en el vasto repertorio del BNC resulta un acontecimiento significativo, entre otras cosas, porque es el primero bajo la dirección artística de Viengsay Valdés (que baila en él, como solista), así como primero después de la desaparición física de Alicia Alonso.

En segundo lugar, porque constituye un reto para los noveles bailarines de la compañía, ya que se enfrentan al estilo muy particular de Ratmaski; por sus atrevidas audacias dentro del neoclasicismo balanchiniano, donde lo abstracto se funde con “sutilezas y sugerencias” narrativas, donde transpira el optimismo y la euforia al bailar.

Si la construcción de sus bailes son totalmente diferentes, los aficionados al ballet podrían hallar claras referencias con “Concerto” (1966) del inglés Kenneth MacMillan (particularmente en el movimiento lento), así como derivaciones de otro maestro predecesor, George Balanchine, en su canónico “Ballet Imperial”, de 1941, actualmente conocido como “Tchaikovsky Piano Concerto No.2”, al utilizar a dos primeras bailarinas y tres solistas masculinos, quienes bailan todos en sucesivos episodios del primer movimiento. Ratmanski aprehende recursos de sus precursores, empero en tanto que un maestro, los recrea con libertad y frescura.

Es evidente que domina las formas puras del ballet académico, mas también nos muestra fuertes elementos de lo que popularmente calificamos como danza de carácter o démi carácter. Además, no abandona importantes aspectos de la caracterización en las interpretaciones dramáticas.

El final de “Concerto DSCH” se convierte en un despliegue abrumador de círculos por separado y de giros como un tornado por parte de la bailarina principal, a la vez mezclados con espectaculares saltos. No obstante, es necesario señalar que los bailarines del cuerpo de baile no son grupos de mero apoyo o reflejos multiplicados de los solistas: ellos se manifiestan como sus “partners”. Fue una participación esencial como ensayador del destacado bailarín español Joaquín de Luz, que formó parte del elenco original de esta obra como miembro del NYCBallet, y en el presente es director artístico de la Compañía Nacional de Danza de España.

El desempeño del elenco cubano estuvo a gran altura, por su brillantez y el poderío técnico, particularmente las primeras bailarinas Anette Delgado, Gretel Morejón y Viengsay Valdés, el primer bailarín Dani Hernández, así como los solistas: Diego Tápanes, Narciso Medina o Chanell Cabrera, con apoyo eficiente del cuerpo de baile mixto.

Para esta producción el BNC obtuvo el generoso patrocinio de la Cuban Artists Fund y de la American Girls for Cuban Dance, con sede en los estados Unidos.

“Concerto DSCH”, del coreógrafo Alexei Ratmanski, tuvo como solistas femeninas a Anette Delgado, Gretel Morejón y Viengsay Valdés. Fotos cortesía BNC.

Viengsay Valdés, una de las tres bailarinas que interpretó “Carmen”, enfatizó los perfiles eróticos del personaje. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

El ballet “Carmen” del malogrado coreógrafo cubano Alberto Alonso –que fue estrenado por la prima ballerina rusa Maya Plisétskaya en 1967 y al final de ese mismo año, en La Habana, por la eximia Alicia Alonso–, cuenta con dos versiones coreográficas, una para cada una de las mencionadas divas, por exigencia lógica de la segunda. Razonablemente, el personaje creado por el francés Próspero Merimée para su novela homónima, requiere ser encarnado por intérpretes poseedores de peculiares fenotipos y caracteres idiosincráticos acusados. Además, la transferencia de la literatura a la danza clásica –sin abandonar ciertos tópicos etno–folclóricos empero eludiendo caer en pintoresquismos–, exigía un serio estudio por el experimentado coreógrafo, con el objetivo de incorporarla a su escritura coréutica para tan diferentes artistas y escuelas de ballet: una eslava y la otra latino–caribeña.

Cada una supo marcar sus improntas, tan altas cimas que llegaron a polarizar a los públicos de las variadas regiones donde bailaron esta pieza en un acto. Plisétskaya cargaba su Carmen, según su particular punto de vista, en el aspecto histriónico punteado con un toque de rudeza gestual, matizándolo para no caer en la sobreactuación. En cambio, la Alonso desplegaba en su Carmen el virtuosismo técnico de sus inimitables puntas,  los giros veloces y los interminables equilibrios, acentuando sus evidentes dotes de sensualidad y seducción pasional, a la vez que eludía la vulgaridad.

Pasaron varios lustros para que la creadora del rol y directora general del Ballet Nacional de Cuba –a pesar que no lo volvió a bailar más–, para que designara a otra intérprete en el desempeño de este papel. Esto ocurrió localmente una sola vez, por dos de las calificadas como “cuatro joyas” del ballet cubano.

Ahora, en junio de 2015, después de un prolongado letargo de doce años, se pudo admirar esta “suite” resucitada por una nueva generación de talentosos bailarines. Los referentes icónicos se han ido desdibujando en la memoria de los asiduos aficionados al ballet que peinan canas. Otra generación intermedia, de excelentes bailarines de ambos sexos, nunca pudo confrontarse en esta obra, tal vez la más audaz, creativa y paradigmática, del exiliado hermano del maestro Fernando Alonso, Alberto Alonso. Al menos, ha quedado la memoria fílmica de la última memorable entrega de la Alonso, junto con un notable elenco entre los cuales Azari Plisétski, Jorge Esquivel y Josefina Méndez.

En 2015

La bailarina Sadaise Arencibia debutó en el protagónico de “Carmen”, obra creada por Alberto Alonso en 1967 para Maya Plisétskaya. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

En el presente, sobre la escena temporal de la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba y con música enlatada, los distintivos y esforzados desempeños de tres elencos debutantes revivieron esta “Carmen”. Tres primeras bailarinas alternaron el rol titular en la cinco funciones programadas para este desbordado coliseo habanero.

Los intérpretes de los otros cuatro personajes todavía están distantes de los perfiles definitorios de los mismos, así como del peculiar estilo expresado aquí por el coreógrafo. Solamente el joven Víctor Estévez (Don José) logró un mayor acercamiento estilístico-gestual, al parecer por la ayuda fortuita y desinteresada de Sonia Calero, viuda de Alberto Alonso, durante un festival foráneo. El debut de Alfredo Ibáñez, como Escamillo, sugiere prometedores futuros empeños en el mismo.

Hacer juicios de valor definitorios sobre las entregas realizadas por las tres primeras bailarinas, a partir de una función única, es un ejercicio profesional del crítico muy arriesgado, y este ha sido el caso. Admirable la interpretación singular de Viengsay Valdés, enfatizando los perfiles más eróticos de esta seductora arrabalera y siempre con su poderosa técnica. Luego, una sensual y apasionada Anette Delgado, que elude un tanto los ataques rudos de las gitanerías del personaje litigioso. Por último, el positivamente sorprendente debut de Sadaise Arencibia, quien bordó el personaje con su espléndida línea clásica, sin intimidarse por la gestualidad particular del papel, empero eludiendo caer en clisés baratos. Una próxima oportunidad en esta aventura entregará el resultado esperado por sus admiradores. ¿Por qué imponerles a todas las Cármenes el mismo modelo de peluca, que fue ajustada para su creadora, con  tipo de cabeza y óvalo facial diferente?

Indiscutiblemente, esta magistral creación de la coreografía neoclásica cubana muestra una puesta en escena minimalista como ámbito eficaz para el desarrollo dramático de este quinteto trágico, que cuenta con el beneficio de una suite musical tímbrica compuesta por el ruso Rodión Schedrín, a partir de las conocidas partituras originales de George Bizet para su ópera homónima y de L´Arlesienne.
Alicia Alonso y el equipo artístico–técnico que la apoya puede anotarse un tanto a favor al concebir este programa de concierto, al elegir las otras dos obras que acompañaron este plato fuerte de las cinco jornadas.

Versión cubana de “Las Sílfides”, conocida también como “Chopiniana”, de Michael Fokine, integró el rpograma de fin de temporada del BNC. Foto; Nancy Reyes. Gentileza NR.

Un clásico y un hit

Como apertura, “Las sílfides”, de Michel Fokine sobre la admirable música de Frederick Chopin, con los valses, preludios y mazurcas orquestados por Aleander Glazunov y los figurines de A. Benois para el vestuario y la escenografía. Esta versión cubana, conocida también como “Chopiniana”, hasta hoy está considerada la más próxima al original neoromántico de principios de la pasada centuria. Hay que tener en cuenta que Alicia y Fernando Alonso trabajaron “la obra directamente con Fokine”, de acuerdo con la versión definitiva revisada por el coreógrafo poco antes de su muerte.

En general, los bailables de los solistas, así como los del bisoño cuerpo de baile –que en ocasiones precedentes arrancó aplausos–, resultaron aceptables. Hubo revelaciones entre los jóvenes relevos (en estos últimos meses las varias deserciones sorprendieron a los regisseurs), igualmente hubo fuste, aplomo y estilo en Anette Delgado, Grettel Morejón, Sadaise Arencibia y Aymara Vasallo. El difícil único papel masculino, el poeta, cuyo desempeño va más allá del virtuosismo técnico, está centrado en el control muscular y la voluntad de estilo, cómo lograr el equilibrio entre lirismo y virilidad, esto se ve solamente en el primer bailarín Dani Hernández.

Dos reproches para la producción de esta joya de Fokine: la evidente usura del vestuario y la escenografía, que pide a gritos su renovación; el segundo, va a la pésima grabación empleada, por su ejecución y su pobre alta fidelidad sonora.

“Celeste”, de la coreógrafa colombo-belga Annabelle López Ochoa, fue uno de los más aplaudidos estrenos del BNC en el último festival de ballet de La Habana. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

El divertisement de aires contemporáneos, ”Celeste”, de la joven coreógrafa colombo–belga Annabelle López Ochoa, es uno de los más aplaudidos estrenos del BNC en el último festival de ballet de La Habana y, en esta ocasión, siempre con los elencos elegidos por la autora, se colocó en sándwich con los otros dos títulos. Esta pieza, en poco más de media hora, deslumbra por la inteligente destreza de López Ochoa en el hilvanado estructural de los cuerpos, inspirada en la música del brillante y gustado “Concierto en re para violín y orquesta” de P.I. Tchaikovsky.

Los guiños a Fortsythe y Kilián se revelan como tributos gestuales a estos maestros, tanto en las cargadas como en los diseños espaciales.  Con el desempeño técnico de las tres dúctiles siluetas de las bailarinas solistas, arropadas por cinco parejas enfundadas en unitardos azul turquesa, según los figurines de la holandesa Dieweke van Reij, Valdés, Morejón, Jessie Domínguez, Estheysis Menéndez o Dayesi Torriente,  el éxito estaba asegurado.

El poco entusiasmo (o etamina) de los danzantes, apreciado en el resultado general de las tres funciones ha compulsado a transcribir aquí una cita medular de la gran Anna Pavlova, de la que se celebra el centenario de su debut en Cuba: “Nadie pudo llegar a la cima armado sólo de talento. Dios da el talento; el trabajo transforma el talento en genio”.

El San Francisco Ballet presentó una nueva temporada de “Cascanueces” en el Opera House de San Francisco. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Noche de apertura de la función de “Cascanueces” de esta temporada, el 11 de diciembre de 2013, dio a luz una solidez y un nivel del ensamble que hasta ahora no había visto cumplido tan plenamente en la versión de Helgi Tomasson del San Francisco Ballet.

Desde que se levantó el telón, un encantador y elegante Rubén Martín Cintas como el Tío Drosselmeyer, y toda la producción parecía encontrar profundidad y certeza. Y la confianza del ensamble para llevar de manera natural en el papel. Extrañé a Jorge Esquivel en este mismo papel, quien lo cubrió en los últimos años. Pero Martín Cintas ha aprendido bien los gestos de Esquivel, y la manera en la que se ancla la escena de la fiesta que se hace sentir que Esquivel todavía está presente en la casona, incluso cuando él, lamentablemente, ya no aparece en la lista de la compañía.

Falta también en este espectáculo fue Clara Blanco como la muñeca de baile, que fue hecha para este papel. Elizabeth Powell, un poco nerviosa hizo bien en el rol, apoyada por la efervescencia de Myles Thatcher y James Sofranko.

Fue un placer ver a Clara (Julie Doherty), que se mostró encantada con las delicias del personaje, bien ensamblada con su antagonista Fritz (Andrew Boosalis ), cuya entrega en las travesuras de chico malo sobre el que gira la trama fue limpia y jugosa, con movimientos perfectamente sincronizados.

El momento escénico favorito de la audiencia llega cuando el salón Stahlbaum se transforma en tamaño, de modo que todo crece junto con el árbol y los regalos se hacen más grandes que en la vida real y son una plataforma para la aventura que le sigue. Ya en tamaño natural el Cascanueces, convertido en príncipe, (Joan Boada ) asegura a Clara que no hay nada de qué preocuparse. En ese mismo momento, los ratones, bajo el mando del Rey Rata (Sean Orza ) arrastran desde atrás los regalos envueltos, y el Cascanueces comanda un ejército, que por orden de Clara derrota al enemigo. Con la ayuda de Drosselmeyer, Clara ofrece socorro al príncipe Cascanueces. Orza y Boada son dignos rivales y esta batalla es uno de los mejores logros respecto a la versión anterior de Christensen.

Frances Chung y Jaime García Castilla están radiantes como la Reina y Rey de la nieve, un pas de deux exquisitamente hecho, con una especie de brillo y luminosidad que crea un mundo de nieve verdadero del escenario.

En el Acto II es donde esta versión pierde terreno rápidamente, casi como si los bailarines se hubieran visto obligados a bailar sobre arenas movedizas. Lo menos envidiable en cuanto a los roles bajo estas condiciones es el de la Hada de Azúcar, bailado por Vanessa Zahorian.

Por alguna razón, su solo tradicional se apodera de ella y en el Gran Pas de Deux del final es donde recupera su intensidad. No puede sentirse cómoda o confortable en modo alguno al tener que bailar una coreografía de Gota de Rocío mientras que está vestida como Hada de Azúcar y rodeada por un cuerpo de baile, muchos de los cuales son estudiantes vestidos de flores o insectos.

Iteraciones anteriores recrearon la Casa de las Flores del Aboretum en el Golden Gate Park. Los decorados actuales son tan pocos que no son más que una mera sugerencia de ese lugar. Y si se trata de un visitante de afuera de la ciudad, puede resultar un rompecabezas tratar de adivinar lo que simbolizan esas estructuras de alambre que asoman desde arriba.

Todos los obstáculos imaginables, físicos y dramatúrgicos, se colocan en el camino del Hada de Azúcar, lo que garantiza que no va a ofrecer una representación creíble. Para su crédito, Zahorian parecía sobrepasar la coreografía no-danzada para guardar sus fuerzas para los momentos bailables. De esta manera, en la segunda aparición de las flores, se lanzó como un hada feroz.

Felizmente, la mímica jactanciosa del Príncipe Cascanueces se conserva en la versión de Tomasson, y Boada hace excelente y legible trabajo con él.

En los divertimentos, vemos un excelente manejo de sostén en “Francés” por Marie- Claire D’ Lyse, Kristina Lind y Jennifer Stahl; Dores André es hipnótica en “Árabe”, paseada por Daniel Deivison y Steven Morse –la mejor representación que recuerdo de esta versión–; Hansuke Yamamoto, Max Cauthorn y Esteban Hernandez entregan con altos honores la versión de “Russian”, coreografiada por Anatole Vilzak. Los bailarines estallan a través de los Huevos de Fabergén. Y el Grand Pas de Deux es una caja de música de teatro en miniatura de sí mismo, con Maria Kochetkova, perfectamente emparejado con Joan Boada, brillando en trajes dorado y cardenillo de Martin Pakledinaz.

En San Francisco, California, panel de discusión y lanzamiento del libro “Fernando Alonso: The Father of Cuban Ballet”. Foto gentileza flia. F.Alonso.

Opiniones sobre el libro. Hacer clic aquí.

Entrevista a Toba Singer. Hacer clic aquí.

Tres generaciones de bailarines cubanos. En San Francisco, California, el viernes 26 de julio, en The Museum of Performance and Design, contarán historias, anécdotas y experiencias con Fernando Alonso, creador de la escuela cubana de ballet.

Fernando, como lo llaman sus discípulos, sus admiradores, sus ex alumnos, y todos aquellos que lo admiran y lo aman, vuelve a ser eje de la reflexión. El motivo: la presentación del libro de la periodista e investigadora Toba Singer, “Fernando Alonso: The Father of Cuban Ballet”.

La bailarina del San Francisco Ballet, Lorena Feijoo; su madre, maestra de ballet y ex miembro del cuerpo de baile del Ballet Nacional de Cuba (BNC), Lupe Calzadilla, y el célebre y también ensombrecido por décadas en la historia del ballet de Cuba, Jorge Esquivel, se reunirán junto a Singer en un coloquio sobre Fernando Alonso. Cada uno de estos invitados contará sus historias y sus experiencias con el maestro Fernando Alonso.

Esquivel, ex partenaire de Alicia Alonso, osó desertar de las filas del BNC en busca de la libertad. Desde ese entonces, su nombre fue borrado para siempre. Hoy, es maestro de ballet en la School of San Francisco Ballet y bailarín de carácter de la compañía.

En estos últimos años, en los que se descorrieron algunos velos dentro del misterio del ballet cubano, Fernando Alonso, a sus 98 años, ha comenzado a tener su reconocimiento.

Editado por University Press of Florida “Fernando Alonso: the Father of cuban ballet”, es un libro que recupera y reafirma la labor de uno de los fundadores del ballet cubano. Conocido como un visionario que supo crear una de las compañías más importantes del mundo que hizo historia desde 1948.

A la presentación del libro de Singer se suma una muestra de 18 fotografías, “A Portrait of The Cuban Ballet School, de la fotógrafa local Rebekah Bowman, realizadas durante sus visitas a la Escuela Nacional de Ballet de Cuba durante 2012 y 2013.

La exposición, que abrió el 19 de Julio, permanecerá hasta el 21 de septiembre. En las fotos se observa el trabajo de estudiantes y maestros que trabajan en la institución bajo los parámetros que, de alguna manera, fue marcando Fernando Alonso a través de los años. A la instalación de fotos se suma un audiovisual del cineasta cubano Roberto Chile que consiste en una entrevista exclusiva con la ex primera bailarina Alicia Alonso, ex esposa de Fernando Alonso, y actual directora del BNC.

Información

Panel de discusión y lanzamiento del libro “Fernando Alonso: The Father of Cuban Ballet”.

Viernes 26 de Julio de 7 a 9 PM

Muestra fotográfica: “A Portrait of The Cuban Ballet School”

Abierta hasta el 21 de septiembre.

The Museum of Performance and Design

893B Folsom St.

San Francisco, CA

Viengsay Valdés y Elier Bourzac en "Don Quijote", cuando el bailarín todavía pertenecía al Ballet Nacional de Cuba. Foto: Nancy Reyes. Archivo Danzahoy.

Uno de los bailarines principales del Ballet Nacional de Cuba (BNC), Elier Bourzac, acaba de desertar en Canadá luego de la gira que la compañía está realizando por Norteamérica, la cual también incluye una presentación en Washington DC en junio. La noticia se publicó el 2 de marzo en el periódico “The Montreal Gazette”, y como reguero de pólvora fue difundida por la mayoría de los periódicos hispanos de los Estados Unidos y también en “El País”, de España, a través de un cable de la agencia EFE .

Los otros bailarines que han solicitado refugio, y que formaban parte del cuerpo de baile de la compañía son, según el periódico canadiense, la esposa de Bourzac, Patricia González, de 24 años; Jorge Villazón, de 32 años; Yadil Suárez, de 22 años, y Hugo Rodríguez, de 20 años. Todos ellos solicitaron refugio en Canadá con la intención de incorporarse en las filas de las compañías canadienses.

Bourzac se presentó a una audición con National Ballet of Canada. El bailarín de 26 años, dijo que su decisión de permanecer en Canadá tras la actuación que el BNC realizó el mes pasado en Montreal tiene razones artísticas. Y agregó: “en Cuba, donde se practica exclusivamente danza clásica, llegué hasta donde quería en ballet clásico, y me gustaría seguir en ballet. Pero me gustaría explorar el baile contemporáneo y trabajar con coreógrafos internacionales”.

El bailarín se había presentado con la compañía dirigida por Alicia Alonso en Montreal como protagonista de “Giselle”, obra en la que, según los críticos locales, desplegó una brillante técnica junto a Viengsay Valdés.

En los últimos 10 años el BNC perdió varios de los integrantes de su compañía durante los tours por el exterior. Y uno de los últimos fue en 2007, cuando otros tres bailarines, Taritas (Taras Domitro), Hayna Gutiérrez y Miguel Angel Blanco,  desertaron durante una gira, también por Canadá, cruzaron la frontera de los Estados Unidos.

En 2003, uno de los niños mimados de la compañía, Rolando Sarabia, también solicitó refugio en los Estados Unidos junto a Octavio Martín.

La diáspora de miembros del BNC es una constante que se repite desde la década del los ´90 cuando uno de los principales partenaires de Alicia Alonso, y uno de los bailarines más reconocidos internacionalmente, Jorge Esquivel, pidió asilo político en la embajada de Estados Unidos en Roma.