“Cranko”, la película dirigida por Joachim A. Lang, muestra diferentes momentos creativos del coreógrafo.

Sólo muy de vez en cuando la gente de cine muestra interés por el ballet. Aún más raro es que se dedique un largometraje a la biografía de un famoso coreógrafo. “Cranko”, la película dirigida por Joachim A. Lang, protagonizada por Sam Riley y estrenada en Alemania en octubre, es una rara excepción. La cinta narra los últimos doce años de la vida del gran coreógrafo John Cranko, es decir, el periodo que va de 1961 a 1973, en el que fue director del Ballet de Stuttgart y en el que realizó las coreografías que le dieron fama mundial. Desde luego, el propósito de pintar un retrato cinematográfico de esos años en la vida del artista sudafricano establecido en Alemania es una empresa arriesgada y bastante difícil. Por una parte, y al margen de la fantástica explosión de creatividad artística que fue la colaboración de Cranko con el Ballet de Stuttgart, la vida del coreógrafo en ese tiempo no fue especialmente novelesca: fueron años de exuberante inspiración y de intenso trabajo artístico, en los que por supuesto no faltaron conflictos, tensiones, decepciones, etc., pero en los que no hay acontecimientos espectaculares, como no sea su rapidísimo ascenso al Olimpo del ballet clásico. Así pues, el material biográfico disponible no es el más apto para el cine. Por otra parte, comprimir en 133 minutos de película más de una década de incesantes y complejísimos procesos creativos es una tarea prácticamente imposible.

Teniendo en cuenta estos factores no es extraño que “Cranko” se quede en intento fallido. El primer elemento que falla es el guión y lo hace por partida doble. En primer lugar Joachim A. Lang, a la vez director y guionista, no es capaz de trazar una línea narrativa clara y bien centrada. Quiere contarlo todo y acaba por contar muy poco, sin llegar a profundizar en la labor artística de Cranko, ni en su vida privada, ni en sus conflictos psicológicos. De todo ello se nos dice algo, pero de nada se dice lo suficiente. A esta fundamental debilidad del guión se suman unos diálogos artificiales y muy poco verosímiles. Este mismo guión tiene otra faceta problemática. Según el escritor Thomas Aders, la película de Joachim A. Lang sería alo así como un plagio de su novela biográfica titulada “Seelentanz” (Danza del alma), afirmación que Joachim A. Lang niega, aduciendo que las semejanzas se deben a que ambos se documentaron en las mismas fuentes para realizar sus respectivas versiones de la vida de Cranko.

En cuanto al contenido en sí del largometraje, el primer problema es la indecisión que ya señalábamos en el guión. Si lo que aquí interesa es Cranko como artista, no hace falta poner énfasis en su homosexualidad e insistir en ella escenificando anécdotas reales, pero también muy banales, superfluas y, por qué no decirlo, gratuitamente indiscretas. Sin duda Cranko fue un hombre de enorme sensibilidad, pero presentarlo llorando continuamente y por cualquier trivialidad lo convierte en una figura bastante ridícula. Sus conflictos psicológicos, que lo llevaron hasta intentar el suicidio, no alcanzan en la película la hondura que los haría creíbles. La evolución de Cranko como coreógrafo es una faceta del personaje que a este guión parece quedarle grande: el espectador que no esté muy familiarizado con su obra coreográfica saldrá confundido y lleno de ideas falsas, tal vez incluso con muchas más perplejidades que certezas. No es nada fácil plasmar en cine la actividad creativa de un artista como Cranko. A pesar de algunos recursos ingeniosos (por ejemplo las coreografías que Cranko imagina aparecen reflejadas en sus ojos o danzadas en un lugar cualquiera, en el que se encuentra el protagonista en el instante de sentirse inspirado), el proceso creativo no es captado de modo satisfactorio. A ello contribuye la imagen edulcorada, casi idílica, que la película da de los ensayos, incluso en los momentos conflictivos, algo inverosímil para cualquiera que conozca el trabajo en la sala de ballet.

Pero quizá lo más decepcionante en este largometraje es el mezquino minutaje que se dedica al ballet propiamente dicho. Un espectador que no conozca la obra de Cranko se irá del cine sin tener una idea siquiera aproximada de cómo son sus ballets. Las secuencias de danza son muy breves, tanto que prácticamente no puede llegar a apreciarse ni una frase coreográfica entera. El encuadre es mayoritariamente defectuoso, fijado en partes del cuerpo, en los rostros de los bailarines (con mímica facial claramente sobreactuada), dando muy raramente una imagen completa del bailarín en movimiento.

Tampoco la perspectiva ayuda: demasiado a menudo las escenas de danza están filmadas desde atrás del escenario, con los focos contra la cámara, de modo que, si por una parte se tiene la sensación de compartir el punto de vista “íntimo” que se tiene desde las bambalinas, por otra se pierde totalmente el sentido del ballet, concebido para ser visto por el público desde la sala. Por lo demás, la fotografía es de muy buena calidad, incluso excelente, si bien resulta demasiado “publicitaria”.

La película fue rodada en la Ópera de Stuttgart, en los jardines que la rodean y en otros “escenarios naturales” de la vida de Cranko. Todos ellos están muy bien fotografiados, incluso demasiado bien, pues todo es muy estético y espectacular y los lugares filmados resultan bastante más bellos de lo que son en la realidad. En algunos momentos pareciera que la biografía de Cranko no es más que un pretexto para hacer publicidad de la Ópera de Stuttgart y su compañía de ballet. En otros, en cambio, nos parece estar viendo una vieja película pseudobiográfica de Hollywood, como “El fabuloso Andersen”, “El gran vals” o “El maravilloso mundo de los hermanos Grimm”. Tal es el caso del episodio en el que Cranko explica a su escenógrafo Jürgen Rose cómo ha de ser la muerte de Mercutio en “Romeo y Julieta”, una escena muy espectacular tanto por su localización (un suntuoso salón de la Ópera de Stuttgart), como por la actuación de bailarines solistas y del cuerpo de baile (todos enfundados en los trajes que imagina Rose) y por el movimiento de la cámara. Quien no conozca esta coreografía no entenderá gran cosa de lo que aquí explica Cranko, pero quedará deslumbrado por las imágenes y la música.

Sam Riley, en el papel de John Cranko, demuestra ser un actor estupendo y muy dúctil. Ahora bien ¿es Cranko ese personaje bonachón y llorón que nos muestra Joachim A. Lang? Cuesta creerlo. No conocí personalmente a Cranko, pero sí a gente que trabajó con él y no tengo la sensación de que el Cranko de la película coincida demasiado con el Cranko del que oí hablar a quienes lo trataron. Lo mismo sucede con las demás figuras. Los bailarines son interpretados por los actuales miembros del Ballet de Stuttgart. Personalidades como Richard Cragun, Birgit Keil o Reid Anderson apenas son esbozadas sumariamente. Solamente Marcia Haydée, Ray Barra y Heinz Clauss alcanzan un cierto relieve. Pero también aquí la imagen que se ofrece de ellos resulta poco convincente. A la Marcia que encarna Elisa Badenes le falta el carisma de la que fue musa de Cranko. A Ray Barra, el bailarín que creó el personaje de “Onegin” en la obra maestra del coreógrafo, lo conocí personalmente muchos años más tarde y debo decir que me resulta imposible hallar algo de él en el personaje interpretado por Jason Reilly, lo cual no puede explicarse sólo por el tiempo transcurrido. No sé si la imagen que se da aquí de otro personaje clave en la trayectoria de Cranko, su protector y director de la ópera de Stuttgart Erich Schäffer, es históricamente correcta, pero en todo caso la interpretación que de él hace Hanns Zischler es uno de los mejores aspectos del largometraje.

Sería injusto negar a esta película uno de los mayores méritos a los que puede aspirar una obra cinematográfica y que ésta, sin ninguna duda, tiene: es divertida. Quien conozca un poco el mundo del ballet y, sobre todo, coreografías de Cranko como “Onegin” o “Romeo y Julieta”, no se aburrirá. Y puesto que el relato resulta algo confuso, antes de ir al cine no estaría de más consultar la biografía de John Cranko en la Wikipedia…

El BNC incorporó a su repertorio “Séptima Sinfonía”, de Ludwig van Beethoven con coreografía de Uwe Scholz. Foto gentileza BNC.

El retorno a las tablas del Ballet Nacional de Cuba (BNC), con representaciones presenciales sin flexibilizar las medidas sanitarias para evitar los contagios con Covid-19 y su nueva cepa Ómicron, ha sido organizado con máxima cautela por Viengsay Valdés, su joven directora general y sucesora (con méritos para ello) de la legendaria Alicia Alonso. De hecho, programó una corta temporada con dos piezas en un acto, de corta duración y un estreno para su repertorio. Esta vez, una obra mayor del malogrado coreógrafo alemán Uwe Scholz (Hessen 1958-Berlin 2004), la “Séptima Sinfonía”, de Ludwig van Beethoven, los cuatro movimientos de la célebre “apoteosis de la danza”, como ha sido calificada por eminentes críticos desde su creación. Esta producción ha sido posible merced al apoyo del British Friends of BNC y el Cuban Artistis Fund.

Para llevar a buen puerto esta exigente pieza neoclásica, fue necesario invitar a la maestra española Roser Muñoz, asistente principal por varios años de Scholz, por ende, conocedora de los entresijos estilísticos de su creador. En la capital cubana contó con la asistencia de dos de los principales maitres del BNC: Svetlana Ballester y Javier Sánchez (antiguos bailarines de la compañía), con la participación medular del maestro Yhovani Duarte, director titular de la Orquesta Sinfónica del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso.

Las dos obras en un acto de la primera parte del cartel fueron: “Love, fear, loss” (sic) con coreografía y vestuario del brasileño Ricardo Amarante, concebida como una libre y apasionada interpretación (nada literal) de las más icónicas canciones de tres “bete de scene” francófonos, Edith Piaf, Jacques Brel y Charles Dumont, a partir de una inteligente transcripción al piano debida a Natalia Chepurenko. Estas presentaciones estuvieron cuidadas al detalle por una ensayadora de primera clase, la ex solista Linnet González (muy próxima a la cultura francesa). Cada sección, el amor, el miedo y la pérdida, contó con las interpretaciones alternantes de seis parejas de primeros bailarines y solistas, según las funciones en los tres días hábiles de esta breve temporada del último mes de 2021, en la sala Avellaneda, la mayor del Teatro Nacional de Cuba, con rigurosa limitación al 50% de su aforo. Esta vez el acompañamiento, con el piano en escena, estuvo a cargo de la maestra Idalgel Marquetti, con un encomiable desempeño (en el estreno absoluto la responsabilidad correspondió al notable pianista cubano Marcos Madrigal, en gira europea este mes).

La entrega de los bailables sorprende por lo afiatada, si se tiene en cuenta los meses de aislamiento por la pandemia, aunque la mayoría se las ingeniaba en sus domicilios para mantenerse en forma (tal vez no en grado óptimo). El cuerpo de baile se mostró convincente si bien se mostraron desigualdades, que serán superadas con más tiempo de ensayos o funciones con las audiencias presentes. Algunos solistas brillaron por su lirismo, musicalidad y hasta con virtuosismo, sin desmeritar los textos.

Anette Delgado y Dani Hernández en “Invierno”, de Ely Regina. Foto gentileza BNC.

Como segundo título del programa fue “Invierno”, un dueto intimista y minimalista, con coreografía y vestuario de la joven solista del BNC Ely Regina (quien ha demostrado sus talentos como coreógrafa en otras piezas precedentes inscritas en el repertorio del BNC), con el soporte musical de Piotr Ilich Tchaikovski (el tema de la escena copos de nieve en Cascanueces). Fue bailado con pasión y aplomo por dos estelares figuras de la compañía, Anette Delgado y Dani Hernández, con una articulación dinámica comparable a signos caligráficos a plumilla, en una gélida atmósfera de sombrías iluminaciones presagiando un final agónico.

La obra coreográfica de Uwe Scholz fue estrenada en Stuttgart por la compañía de ballet del Teatro Estatal de esta ciudad de Alemania en abril de 1991, y aquí se reproduce el vestuario y la escenografía del propio Scholz inspirada en el cuadro “Beta Kappa” del pintor Morris Louis. El diseño de luces estuvo a cargo del técnico cubano Ignacio Arguelles, siguiendo las pautas originales igualmente de Scholz.

Scholz tuvo una andadura en las artes escénicas europeas que pudiera calificarse de rutilante, pues a los 26 años asumió la dirección coreográfica del Ballet de la Ópera de Zurich durante seis años, para luego ocupar la misma responsabilidad en el Ballet de Leipzig. En estos cargos se destacó su preferencia por “lo sinfónico”. Razonablemente, en sus obras se desvela la influencia de John Cranko, y posteriormente de George Balanchine, tras su breve estancia en la School of American Ballet, quienes le insuflaron “su apego y legado” al denominado estilo neoclásico. En este aspecto vale la pena compartir el criterio expresado por el crítico Roger Salas cuando consideró a Scholz “la figura más brillante y precoz de la coreografía alemana neoclásica de los últimos 30 años del siglo XX”.

En esta ocasión el Ballet Nacional de Cuba decide ingresar en su repertorio activo una sólida pieza coreográfica de la pasada centuria, que puede contribuir al enriquecimiento profesional de sus bien formados bailarines, así como a los fieles aficionados locales. Si se tiene en cuenta las diferentes escuelas y estilos que aquí se aplican para conseguir una entrega, la ejecutante del montaje Roser Muñoz, naturalmente fue muy rigurosa a la hora de la transmisión del concepto y estilo del creador, y al respetar la paradigmática partitura beethoveniana.

“Love, fear, loss” con coreografía y vestuario del brasileño Ricardo Amarante. Foto gentileza BNC.

Según se pudo apreciar, tanto en ensayos como en el estreno, en ciertos aspectos de la técnica de los bailarines formados por la metodología de la Escuela Cubana de Ballet, fue tolerante, pues no pretendía que el resultado fuera un calco de los europeos. Y que aportaran su idiosincrasia y maneras de bailar, pero debían en cambio, poner el acento hacia abajo para evitar desfases con el ritmo de la música, y fue preciso en cuanto a los port de bras. En cambio, fue proclive a dar libertad a los bailarines al exhibir sus individualidades: la sensualidad de los movimientos, otorgaron un goce particular a esta magistral coreografía sinfónica.

Se pudo admirar un ballet donde la figura estelar es el cuerpo de baile, donde descuellan algunas demostraciones brillantes de los primeros bailarines y solistas al frente de cada movimiento de la sinfonía, como es el caso de Claudia García, Chanell Cabrera, Daniela Gómez, Sadaise Arencibia, Adrián Sanchez o Diego Tápanes, por solo mencionar algunos.

Friedemann Vogel, bailarín principal del Stuttgart Ballet, autor del manifiesto 2021 del Día Internacional de la Danza. Foto: Roman Novitzky. Gentileza Stuttgart Ballet.

«Todo comienza con el movimiento -un instinto que todos tenemos-, y la danza es un movimiento refinado para comunicarse. Más allá de que una técnica impecable sea importante y sorprendente, la esencia está en lo que el bailarín expresa en ese movimiento.

Como bailarines, estamos en constante movimiento, aspirando a crear esos momentos inolvidables. Independientemente del género de danza, es lo que todo bailarín se esfuerza por conseguir. Así que cuando de repente, ya no se nos permite actuar, con los teatros cerrados y los festivales cancelados, nuestros mundos se paralizan. No hay contacto físico. No hay espectáculos. Sin público. Nunca en la historia reciente la comunidad de la danza ha sido desafiada colectivamente para mantenerse motivada, para hallar su razón de ser”.

Friedemann Vogel se formó en la Escuela de John Cranko, y a través de la beca John Gilpin, completó sus estudios en la Académie de Danse Classique Princesse Grace en Mónaco, con Marika Besobrasova. Mientras era estudiante, Vogel se destacó en varios concursos internacionales entre ellos el Prix de Lausanne y el premio para jóvenes bailarines del Concurso Erik Bruhn, en Toronto. En la temporada 1998/99, ingresó al Stuttgart Ballet como parte del cuerpo de ballet y en 2002 fue bailarín principal. En 2015 fue nombrado Bailarín de Cámara (Kammertänzer) del estado de Baden-Wüttemberg, el máximo reconocimiento para un bailarín en Alemania, recibido junto a dos de sus compañeros del Sttutgart Ballet, Jason Reilly y la española Alicia Amatriain. Las revistas “Tanz”, “Danza & Danza” y “Dance Europe”, lo distinguieron como Bailarín del Año.

En 1982, por iniciativa del Comité Internacional de Danza, fue proclamado por la UNESCO el 29 de abril como Día Internacional de la Danza. La fecha celebra el nacimiento del bailarín y coreógrafo Jean-Georges Noverre, cuyo legado, relacionado con la práctica y teoría del ballet fue de gran importancia para el futuro de la danza. Considerado el creador del ballet moderno, Noverre hizo su debut ante la corte de Luis XV en Fontainebleau, en 1742. .

El objetivo del Día Internacional de la Danza es homenajear a la danza como una disciplina de arte universal y diversa. De esta forma, en todo el mundo, desde las compañías más pequeñas hasta las más reconocidas internacionalmente celebran hoy con espectáculos al aire libre o presentaciones virtuales.

Formado en la Escuela de John Cranko, Friedemann Vogel, llegó al Sttutgart Ballet en la temporada 1998/99. Foto: Roman Novitzky. Gentileza Stuttgart Ballet.

Friedemann Vogel como Onegin, Alicia Amatriain como Tatiana en la versión cinematográfica del Ballet de Stuttgart de “Onegin”, el clásico de John Cranko. Foto ©Stuttgart Ballet.

El Stuttgart Ballet continuará su serie StuttgartBallet@Home durante las próximas dos semanas con dos propuestas diferentes. Una obra contemporánea, “Out of Breath”, de Johan Inger y un clásico de su repertorio, “Onegin”, de John Cranko. Esta selección destaca la diversidad de los bailarines que integran la compañía y, también muestra un repertorio ecléctico que permite transitar por distintas propuestas en el campo del ballet.

“Out of Breath” estará disponible por video a pedido desde el jueves 23 de abril a las 6 pm (CET) hasta el domingo 26 de abril a las 10 pm (CET). En este intenso estudio sobre la fragilidad de la vida y el siempre presente espectro de la muerte, seis bailarines saltan, trepan y se arrojan sobre, sobre y contra una pared, y entre sí. Con música de Jacob ter Veldhuis y Lájkó Félix, la pieza presenta a Agnes Su, Elisa Badenes, Hyo-Jung Kang, Jason Reilly, Shaked Heller y Louis Stiens, así como a los músicos del Staatsorchester Stuttgart. El estreno del Ballet de Stuttgart de este trabajo fue en junio de 2019.

Hasta el 26 de abril está disponible en la Web “Out of Breath”, de Johan Inger, con Agnes Su, Jason Reilly y elenco. Foto ©Stuttgart Ballet.

Desde el viernes 1 de mayo a las 6 pm (CET) hasta el domingo 3 de mayo a las 10 pm, el Ballet de Stuttgart presenta la versión cinematográfica de 2018 de la obra maestra de John Cranko, “Onegin”, una coproducción de UNITEL, NHK, SWR / ARTE junto con el Ballet de Stuttgart.

Cranko creó “Onegin” para el Ballet de Stuttgart en 1965 (revisado en 1967) con Marcia Haydée y Ray Barra, en 1965, y Heinz Clauss en 1967 en los roles principales. Basado en la novela en verso escrita por Aleksandr Puskin, este clásico de la literatura rusa que se publicó en forma de serie entre 1823 y 1831, se abrió paso tanto en el campo del ballet como en la ópera.

Una historia dramática sobre el amor no correspondido, las oportunidades perdidas y las decisiones fatídicas. La versión de Cranko es un desafío para los bailarines, no solo desde el punto de vista técnico sino desde el aspecto actoral, y los protagónicos forman parte de los roles más codiciados y más buscados en el repertorio internacional de ballet.

Tatiana se enamora del amigo del poeta Lensky, Eugenio Onegin, quien llega desde San Petersburgo al campo para huir del aburrimiento, pero el amor de la joven no es correspondido. Por el contrario, el forastero prefiere provocar a Lensky y coquetear con su enamorada, Olga, hermana de Tatiana. Ambos se baten a duelo, y a partir de este hecho comienza el periplo de los protagonistas que los lleva a reflexionar sobre sus propias vidas. El desengaño, elarrepentimiento y la soledad son los pilares que definen esta historia.

“Onegin”, de Cranko está considerado como uno de los grandes ballets del siglo XX y ha entrado en el repertorio de más de 35 compañías en todo el mundo. Esta versión cinematográfica presenta a Friedemann Vogel como Onegin, Alicia Amatriain como Tatiana, Elisa Badenes como Olga, David Moore como Lensky y Jason Reilly como el Príncipe Gremin. Además, Marcia Haydée hace un cameo como la nodriza de Tatiana. El vestuario y la escenografía de Jürgen Rose capturan cada uno de los tres actos, mientras la Staatsorchester Stuttgart, dirigida por James Tuggle, interpreta la partitura de Piotr I. Tchaikovsky.

Esta grabación está disponible en la serie StuttgartBallet @ Home por cortesía de Unitel. Todos los programas de Unitel se pueden ver en Fidelio, la plataforma en línea de UNITEL en www.myfidelio.at. Por otra parte, Unitel Edition lanzó un DVD, que incluye material adicional, y está disponible comercialmente.

Días y horarios

“Out of Breath” -video a pedido
23 de abril, 18:00 hs. hasta el 26 de abril, 22:00 hs.
En el sitio web y el canal de YouTube del Ballet de Stuttgart:
https://www.stuttgart-ballet.de/schedule/stuttgartballetathome
https://www.youtube.com/c/dasstuttgarterballett

“Onegin” -video a pedido
1 de mayo, 18:00 hs. hasta el 3 de mayo, 22:00 hs.
Sólo en el sitio web del Ballet de Stuttgart:
https://www.stuttgart-ballet.de/schedule/stuttgartballetathome

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“Romeo y Julieta”, con versión, dirección artística y general de Laura Alonso, se estrenó en La Habana con la compañía del Centro Pro-danza de Cuba. Fotos: Bubby. Gentileza. Ballet Laura Alonso.

Nos enfrentamos a un desafío teatral, es decir una nueva versión del ballet “Romeo y Julieta” con la música que compuso el ruso Sergei Prokofiev para le primera producción de un ballet sobre la tragedia homónima de William Shakespeare, que fuera estrenada en 1938, en el teatro de Brno -ciudad de la antigua Checoslovaquia-, con libreto de Leonid Lavrovski, S. Radlov y el propio Prokofiev y coreografía de Ivo Psota, quien bailó como Romeo junto a Zora Semberová como Julieta.Se trata aquí de la concebida por el joven coreógrafo cubano Iván Monreal, esta vez estructurada en un prólogo, dos actos y un brevísimo epílogo, por lo cual logra una reducción de las tres horas de duración de la original en unos digeribles 70 minutos.

En consecuencia, la banda magnetofónica con la música orquestal de Prokofiev tuvo que ser editada al efecto y en función del montaje ejecutado por la maestra y directora artística Laura Alonso, quien se aplicó “tijera en mano” a recomponer la dramaturgia de esta canónica historia shakespereana.

Este evento teatral aventurado y riesgoso no siempre resultó, visual y narrativamente, de la mayor claridad y solvencia dramática, si tenemos en cuenta que todo concluye con la muerte de los jóvenes apasionados y rebeldes protagonistas. Una de las más excelsas escenas trágicas del repertorio teatral de la era isabelina, y de las sucesivas centurias, de la cual existen modélicas representaciones referenciales (ya sea entre las más conservadoras versiones de ballet como en las más vanguardistas o contemporáneas).

La propia directora general de Pro-danza, Laura Alonso, confesó en rueda de prensa que estaba consciente de alguna observación malsana podría surgir, a la cual no daría importancia, en cuanto a cierto nepotismo presente en esta ocasión: la coreografía original es de su hijo Iván Monreal Alonso, el guión y la dirección artística es de ella, además la presentadora y la Nana de Julieta estuvieron desempeñadas por su nieta, Camila Monreal, actriz e instructora teatral. Los apoyaron profesores y ensayadores, tales como Lourdes Álvarez, Héctor Figueredo, Moraima Martínez, Marta Bercy o Ernesto Fariña, entre otros, así como un entrenador profesional laureado de esgrima del equipo olímpico cubano (las escenas bélicas resultaron convincentes), quienes contribuyeron loablemente a que esta “nave” llegara a buen puerto, aunque no sin que algunos molestos avatares surgieran en su “parcours”.

La compañía de ballet Laura Alonso está conformada, en un 70 por ciento, por estudiantes locales y foráneos (becados por la institución cubana de cultura en el Centro Pro-danza) y por una pléyade de jóvenes talentos como solistas, formados previamente en las escuelas de ballet del país, los cuales defendieron valientemente las exigencias de los papeles protagonistas, alternando los roles en las tres únicas representaciones ofrecidas en febrero sobre la intimidante escena de la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso.

En cambio, las escenas corales, que se desarrollaron en las plazas de Verona no siempre consiguieron el calificativo de logradas, si bien el intento de magnificencia escénica estaba allí en todo momento, ya sea por el vestuario, los atrezos o los decorados, mas con una tendencia minimalista, si bien emplea algunos detalles ingeniosos para suplir las carencias de ciertos recursos escénicos efectistas.

Breves datos historiográficos.

El Ballet Laura Alonso está conformado por un 70 por ciento de estudiantes locales y foráneos, muchos de ellos becados por Pro-danza de Cuba. Fotos: Bubby. Gentileza. Ballet Laura Alonso.

Al revisar, grosso modo, la historiografía existente de este icónico ballet del siglo XX, se nos ocurre que montarlo por Laura Alonso (hija de la eximia leyenda viva, Alicia Alonso) merecía calificarlo como un reto nacional, cuando ninguna otra agrupación de la mayor de las Antillas se había decidido a hacerlo en los albores del siglo XXI.

También, como excepción, el Ballet Nacional de Cuba produjo el estimulante espectáculo “Shakespeare y sus máscaras”, empero con la música de la ópera homónima del francés Charles Gounod, con adaptaciones orquestales del compositor cubano Juan Piñera, en una versión de ballet-teatro-pantomima concebida por Alicia Alonso hace más de dos décadas aproximadamente. En los anales del ballet en el archipiélago cubano está registrada la producción en cuatro actos creada en 1956 por Alberto Alonso, con el soporte musical de Prokofiev, y sus protagonistas fueron Alicia Alonso e Igor Youskévitch en el antiguo Teatro Auditorium de El Vedado. El mismo coreógrafo acometió otro espectáculo con la misma tragedia, en 1965, sobre la música de Héctor Berlioz, denominándolo “Un retablo para Romeo y Julieta”.

“Romeo y Julieta”, ballet con prólogo, tres actos, 13 escenas y un epílogo tenía tres horas de duración y seguía muy de cerca la tragedia shakesperiana, con especial énfasis en el conflicto social que enfrentaba a las dos poderosas familias feudales de la ciudad italiana de Verona, que finalmente se reconcilian ante la tumba de los amantes.

La música había sido solicitada para la producción soviética, con coreografía de Lavrosvski y escenografía de Peter Williams, estrenada en enero de 1940 en el Teatro Kirov de la entonces Leningrado (San Petersburgo) con Galina Ulanova y Konstantin Sergeyev. Luego, en 1946, tuvo una reposición en Moscú por el Ballet Bolshoi. Posteriormente, varias compañías del llamado “bloque soviético” la retomaron en sus respectivos teatros. La mencionada producción del Bolshoi fue filmada en 1954, y nuevamente grabada en 1976 para la televisión.

La primera producción de este ballet que llegó a Occidente fue de la rusa Margarita Froman para el Ballet de Zagreb, mostrada en Londres en 1955. Posteriormente, aparecieron las versiones de Frederick Ashton, John Cranko, Kenneth MacMillan (la del Royal Ballet llevada al cine en 1966), John Neumeier o Rudi Van Dantzig, entre otros.

Maria Shirinkina y Vladimir Shklyarov, primeros bailarines del Ballet de Baviera, en el Teatro Nacional interpretaron “Romeo y Julieta”. Foto: Wilfried Hösl. Gentileza del BB.

La coreografía de John Cranko para el ballet de Sergei Prokofiev, “Romeo y Julieta”, tiene ya más de medio siglo (se estrenó en 1962) y está en el repertorio del Ballet de Baviera desde hace 48 años. Así pues, no es extraño que el paso del tiempo haya dejado sus huellas… Durante años el espectador se habitúa a contemplar los mismos movimientos, los mismos trajes y escenografías, como si formaran casi un fenómeno natural inevitable y sobreentendido, siempre igual, como la lluvia en otoño y la nieve en invierno; hasta que un buen día, de pronto, advierte que han envejecido, que no son atemporales, que son el reflejo una época pasada y que, en determinados aspectos, resultan extrañamente obsoletos.

Jonah Cook, como Mercutio, en “Romeo y Julieta”, presentado por la compañía dirigida por Igor Zelensky. Foto: Wilfried Hösl. Gentileza del BB.

Esto es precisamente lo que ocurre con la coreografía de Cranko y los trajes de Jürgen Rose (su escenografía se defiende mejor): las escenas de masas son demasiado típicas de la década del sesenta, los pas de deux resultan innecesariamente artificiosos, el vestuario (a pesar de su historicismo) recuerda a modas que ya pasaron… Y uno, de repente, desearía ver una producción más clásica y atemporal, a pesar de las innegables cualidades de la que tiene ante los ojos, como por ejemplo sus incontables detalles alusivos al arte del “quatrocento”, su dinamismo, y otros elementos.

Por otra parte, esa misma vejez tiene un cierto encanto nostálgico y un valor histórico que no se puede ignorar. Sea como fuere, dado el enorme arraigo en Múnich de esta versión (una de las tres “canónicas” junto a las de Lawrowsky y McMillan), no es probable que en un futuro próximo salga del repertorio.

Si la producción que se presentó en el Teatro Nacional es la de siempre, no así sus intérpretes, los nuevos solistas traídos a Múnich por el director de la compañía, Igor Zelensky, como Maria Shirinkina. También en el papel de Julieta, Shirinkina es una intérprete exquisita. Ligereza, perfección técnica, bellísimo port de bras y magnífica musicalidad son los habituales en ella. Junto a la excelsa bailarina lírica, lo que se descubre en esta producción, es su no menos impresionante capacidad como bailarina dramática. Shirinkina sabe dar a su personaje un grado de credibilidad psicológica como muy pocas veces puede verse en el ballet; todos los tonos afectivos necesarios, incluso los más sutiles, están presentes con fuerza, pero sin ninguna exageración. En definitiva, una Julieta perfecta.

Maria Shirinkina en el rol de Julieta, en la versión del clásico de Shakespeare creada por John Cranko. Foto: Wilfried Hösl. Gentileza del BB.

Como Romeo, Vladimir Shklyarov derrocha energía y virtuosismo en cada paso. También él está dotado de una musicalidad poco habitual. Pero lo mejor de su actuación se encuentra en el modo absolutamente congruente que tiene de configurar su personaje y de darle un muy alto grado de verosimilitud. Sin dudas, el que está en escena es Romeo; psicología, danza y musicalidad forman una unidad orgánica.

Matej Urban (Tebaldo), Jonah Cook (Mercutio) y Dmitrii Vyskubenko (Benvolio) se muestran como solistas muy competentes en sus respectivos papeles y saben aprovechar las oportunidades que les ofrecen esos roles. El resto de los intérpretes, y el elenco integrado por solistas, cuerpo de baile y figurantes del Ballet del Estado de Baviera. Estudiantes de la Academia de Ballet de Múnich (Escuela Superior de Música y Teatro), está a buen nivel.

La Orquesta del Estado de Baviera no derrocha precisión en su interpretación, pero la dirección de Robertas Servenikas, quien aúna competencia técnica y expresión emotiva, consigue que la versión musical alcance un nivel digno.

“Onegin”, una producción del Teatro Colón en la que participa Marianela Núñez en el rol de Tatiana. Foto gentileza Teatro Colón.

El Ballet Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Maximiliano Guerra, presentará a partir del domingo 11 de septiembre, “Onegin”, con coreografía de John Cranko y música del compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovski, con la participación especial de la primera bailarina del Royal Ballet de Londres, Marianela Núñez. Las cinco funciones programadas se realizarán del 11 al 16 de septiembre en distintos horarios.

Esta versión de “Onegin” es una producción del Teatro Colón que contará con la dirección musical de Javier Logioia Orbe, al frente de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires y la reposición coreográfica de Agneta y Víctor Valcu.

En las funciones del 11 y 13 de septiembre, los protagónicos, Tatiana y Onegin, estarán a cargo de Núñez y Parente. Mientras que Karina Olmedo y Juan Pablo Ledo asumirán ambos roles en las presentaciones del 14 y 16, y Nadia Muzyca y Matías Santos, bailarán el jueves 15. “Onegin”, basado en la novela en verso de Alexander Pushkin que se publicó en entregas entre 1825 y 1831, y se estrenó por primera vez como pieza coreográfica en el Stuttgard Ballet en 1965, y los roles principales fueron interpretados en el día del estreno por Marcia Haydeé (Tatiana), Ray Barra (Onegin). En el Teatro Colón se presentó por primera vez en 1979 e ingresó al repertorio del Ballet Estable en 1994. Fue protagonizado por grandes figuras de la danza como Silvia Bazilis, Raúl Condal, Alessandra Ferri y Maximiliano Guerra.

Una historia de amor y vanidad situada en Rusia, en la que Eugenio Onegin, un dandi aburrido de la vida se traslada al campo y establece amistad con el poeta Vladímir Lensky. Al tiempo, conoce la familia de su prometida, Olga, y a su hermana, Tatiana, una joven romántica aficionada a los libros. Tatiana se enamora de Onegin, le confiesa su amor y él la rechaza. Así comienza el primero de los tres actos de esta magnífica historia que muestra la evolución de Tatiana a partir de su maduración como mujer adulta, y a su vez, su debate ético y moral.

Esta producción del Teatro Colón, cuenta con escenografía de Pier Luigi Samaritani, vestuario de Roberta Guidi Di Bagno e iluminación de Rubén Conde.

Informes:

Las localidades se encuentran a la venta en la boletería del Teatro Colón, Tucumán 1171

Tel.: 4378-7109 ó 5254-9100.

www.teatrocolon.org.ar.

Fechas y protagonistas:
Eugenio Onieguin

Alejandro Parente (11, 13)

Juan Pablo Ledo (14, 16)

Matías Santos (15)

Lensky

Federico Fernández (11, 13)

Edgardo Trabalón (14, 16)

Emanuel Abruzzo (15)

Tatiana

Marianela Nuñez (11, 13)

Karina Olmedo (14, 16)

Nadia Muzyca (15)

Olga

Natalia Pelayo (11, 13)

Carla Vincelli (14, 16)

Luciana Barrirero (15)

La Gala homenaje a Maya Plisetskaya finalizó con “Raymonda divertimento”, adaptación de José Carlos Martínez, el 20 de junio en el Teatro del Generalife, Granada. Foto gentileza José Albornoz/ Festival de Granada.

La extensa carrera profesional de Maya Plisetskaya (1925-2015) también incluyó una breve etapa en la dirección del Ballet Lírico Nacional de España. La Prima Ballerina Assoluta estuvo al frente de la actualmente denominada Compañía Nacional de Danza (CND), de 1987 a 1990. Por eso, la formación dirigida por José Carlos Martínez ha querido tributar un homenaje a la diva rusa. La 65ª edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada fue el marco idóneo para echar a andar la Gala homenaje a Maya Plisetskaya, que en época navideña recalará en el Teatro de la Zarzuela, de Madrid.

Con una duración de dos horas y media, la Gala homenaje a Maya Plisetskaya fue un espectáculo variado, que recordó a la estrella rusa en algunas piezas del programa y, sobre todo, alternó pasos a dos con piezas grupales, en una clara intención de subrayar la labor del conjunto capitaneado desde hace un lustro, por la estrella retirada del Ballet de la Ópera de París. Desde el punto de vista estilístico, el espectáculo primó el lenguaje clásico/neoclásico en diversas escuelas y líneas interpretativas, aunque hizo algún guiño al contemporáneo.

Haruhi Otani y Aitor Arrieta, “Cisne Negro”. Foto José Albornoz/ Festival de Granada.

En el mágico enclave del teatro al aire libre en los Jardines del Generalife de Granada, con unas espectaculares vistas la Alhambra, y con la luna llena asomándose como espectadora de lujo, arrancó la Gala homenaje a Maya Plisetskaya con “In the night” (1970), de Jerome Robbins. Tres parejas con tres temperamentos diferentes en la ejecución, unidos en el cuadro final a modo de coda. El primer recuerdo de la velada a la estrella rusa fallecida vino con el paso a dos de “El cisne negro” (1895), extraído del tercer acto de “El lago de los cisnes” y creado por Marius Petipa. Toda apuesta conlleva un riesgo inherente y, en esta ocasión, la voluntad inequívoca de Martínez por dar la oportunidad a la cantera no cubrió todas las expectativas deseadas. Más allá de la técnica, Haruhi Otani (19 años) no supo dotarle del carácter magnético, maléfico e intrigante a Odile, mientras que Aitor Arrieta (21 años) simplemente no tuvo un buen día, porque hasta los tour en l’air que tan bien borda por su pasado en la danza tradicional vasca, no estuvieron a la altura de un bailarín que está llamado a volar alto, más pronto que tarde.

Por su parte, Alicia Amatriain, Primera Bailarina del Stuttgart Ballet, debutó como invitada de la CND, con el icónico paso a dos del balcón de “Romeo y Julieta” (1962), con coreografía de John Cranko (1927-1973), en la que para muchos expertos es la mejor versión en ballet de la tragedia shakesperiana. Con el Primer Bailarín del Staatsballett de Berlín Mikhail Kaniskin como partenaire, la premiadísima bailarina vasca realizó una exquisita interpretación de Julieta, llena de matices, y sobre todo, flotó en los brazos de su compañero, porque si algo tienen los ballets narrativos de Cranko es una dificultad extrema en todo el trabajo de portés. Una buena salva de aplausos certificó la buena acogida del bellísimo e impecable paso a dos.

Mikhail Kaniskin y Alicia Amatriain, “Romeo y Julieta”. Foto José Albornoz/ Festival de Granada.

Y de la ganadora del Premio Benois de la Dance 2016 a la Mejor Bailarina, al trabajo del coreógrafo también laureado en el Teatro Bolshoi de Moscú, el pasado mes de mayo: Johan Inger y su “Carmen” (2015). En su día, allá por 1967, Maya Plisetskaya estrenó “Carmen Suite”, con coreografía del cubano Alberto Alonso y arreglos musicales de su marido Rodion Shchedrin sobre la partitura original de Georges Bizet. La figura rusa convirtió esta pieza en una de sus cartas de presentación. Casi medio siglo después, la CND estrenó la personal visión de Inger sobre la novela de Prosper Mérimée, en la pasada temporada. De corte muy contemporáneo, la “Carmen” del creador sueco busca cambiar el foco de atención e invita a ver la historia con los ojos de un niño. Tras el embrujo del enamoramiento inocente entre los amantes de Verona de la pieza anterior, la gitana de Etxalar puso el acento más carnal y sensual en los avatares del amor. Buena muestra de la labor del elenco más contemporáneo de la CND, con la islandesa Emilía Gisladöttir en la piel de Carmen y Daan Vervoort como el atormentado Don José.

La segunda parte se inició con la “Suite número 2, op.17, III Romance”, del tristemente desaparecido Uwe Scholz (1958-2004). Gran admirador de la figura y del trabajo de John Cranko, Scholz desarrolló en su corta trayectoria una singular habilidad para los denominados ballets sinfónicos, contando como musa con la catalana Roser Muñoz. De una acusada y endiablada musicalidad extrema, las piezas de Scholz exigen una precisión cuasi matemática a los intérpretes para no dejarse en el tintero ni una semicorchea. En contraste a la pieza anterior, el clásico volvió de la mano de “Le Corsaire” (1856), con la asentada YaeGee Park y el jovencísimo Ángel García Molinero, quien le echó muchos arrestos a su esclavo Alí. La dificultad de los grandes clásicos es que los balletómanos cuentan en su retina y memoria con interpretaciones célebres de grandes iconos del ballet. Resulta muy complicado enfrentarse a ellas y emular a nombres del Olimpo del ballet.

Álvaro Madrigal, “El cisne”. Foto José Albornoz/ Festival de Granada.

Aunque fijada en la mente de los espectadores a través de la interpretación de Igor Yebra, “El cisne” (2000) supuso el feliz debut de Álvaro Madrigal en otra pieza grande, tradicionalmente asociada a Maya Plisetskaya: “La muerte del cisne”. Esta versión masculina de la obra estrenada por Anna Pavlova en 1905, fue creada por Ricardo Cue, íntimo amigo de la última Assoluta de la era soviética, para una gala en su homenaje. Los últimos estertores de un cisne parecen requerir de un bailarín con cierto poso y edad, sin embargo, Madrigal estuvo espléndido en su debut de esta pieza que necesita un sutil equilibrio entre la técnica clásica y la interpretación del rol, para alcanzar el clímax del agonizante ánade. Muchos bravos gratificaron la actuación del sevillano.

De tono bastante diferente a su primera intervención en el espectáculo, Alicia Amatriain ofreció la obra “Allure” (2012), del emergente coreógrafo argentino Demis Volpi, autor también de “The soldier’s tale”, obra por la que la bailarina donostiarra recibió el Premio der Faust, el pasado mes de noviembre. Sobre la música de Nina Simone, Amatriain dibujó un instante efímero en una mujer, todo ello en lenguaje contemporáneo y con las posibilidades técnicas que le ofrecen su versatilidad interpretativa. Aun no siendo una pieza de gala, lo mejor resultó comprobar cuánto disfruta la estrella guipuzcoana sobre un escenario.

El cierre de la Gala homenaje a Maya Plisetskaya fue majestuoso, gracias a “Raymonda divertimento”, suite de José Carlos Martínez presentada en 2013, sobre el clásico de Marius Petipa (1898). Pieza de conjunto y excelente declaración de intenciones del cartagenero de hacia dónde debe dirigirse la compañía nacional de un país: desde este clásico hasta el contemporáneo con el que finalizó el primer acto. Curiosamente y tras el magno despliegue estilístico, con mayor o menor acierto, y sobre todo, tras el trabajo exhaustivo de la CND en una velada extensa, variada y compleja, los aplausos del público –entre el que se encontraba Iñigo Méndez de Vigo, Ministro de Educación, Cultura y Deporte, en funciones- congregado en el Teatro del Generalife no correspondieron en cantidad e intensidad con el espectáculo ofrecido por la formación. Supo a poco el aplauso del respetable granadino, aunque siendo la 1.00 hora de la madrugada cuando finalizó la Gala homenaje a Maya Plisetskaya, quizás se entienda por la premura de regresar al hogar para conciliar el sueño en la cálida noche.

La CND interpreta “Carmen”, coreografía de Johan Inger, reciente Premio Benois de la Danse en el Teatro del Generalife, Granada. Foto gentileza José Albornoz/ Festival de Granada.

Lauren Cuthbertson y Edward Watson, de The Royal Ballet, ofrecieron un fragmento de “Romeo y Julieta” de Kenneth MacMillan. Foto: Jack Devant. Gentileza Jack Devant.

El cuarto centenario del fallecimiento de William Shakespeare (1564-1616) fue el eje temático escogido por el Festival Internacional de Ballet Benois de la Danse, para la gala que reunió a galardonados en diferentes ediciones. Cómo han visto los ojos de diferentes coreógrafos a lo largo de la historia del ballet las obras de “El Bardo de Avon” es un buen punto de partida para un espectáculo más comedido en su duración que el día anterior. En apenas tres horas, desfilaron por el escenario del Teatro Bolshoi de Moscú, cuatro versiones coreográficas de “Romeo y Julieta”, dos de “La fierecilla domada”, “Otelo” y “Hamlet”, y una de “Macbeth”, “La tempestad” y “As you like it”.

Honrando la memoria de Leonid Lavrovsky (1905–1967), autor de la primera versión coreográfica de “Romeo y Julieta” sobre la partitura de Sergei Prokofiev (estrenada en Brno, en 1938 y en el Teatro Kirov de la entonces Leningrado, en 1940), Anastasia Soboleva y Victor Lebedev (Ballet del Teatro Mikhaikovsky) abrieron la gala con los enamorados de Verona. En contraposición, “La tempestad” de Mauricio Wainrot agitó la escena, gracias a Sol Rourich y Rubén Rodríguez (Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, Argentina). La ambición y la traición de “Macbeth” vinieron de la mano de Yulia Stepanova y Denis Rodkin (Bolshoi Ballet), en una intensa interpretación de la creación de Vladimir Vasiliev. Para aligerar la densidad de tragedias, “La fierecilla domada”, en versión de Jean-Christophe Maillot (Les Ballets de Monte-Carlo), puso un punto de humor, gracias a la conjunción de Olga Smirnova y Semyon Chudin (Bolshoi Ballet).

Continuando con el intenso y extenso homenaje al septuagenario coreógrafo John Neumeier, que lleva cuatro décadas al frente del Ballet de Hamburgo, se presentó un dúo de “Otelo”, interpretado con vehemencia por los bailarines de su compañía Anna Laudere y Carsten Jung. El mayor contraste de la noche procedió de los dos extractos de piezas del fallecido Maurice Béjart. Su “Romeo y Julieta”, en la piel de Katerina Shalkina y Julien Favreau (Béjart Ballet de Lausanne), sonó con un swing diferente gracias a la música de Duke Ellington. La primera parte finalizó con los aclamados por el público Silvia Azzoni y Alexandre Riabko (Ballet de Hamburgo), con un extracto del “Hamlet” de Neumeier.

Otro “Romeo y Julieta” muy contemporáneo y diferente inició el segundo acto. En esta ocasión, en versión del francés de origen albanés Angelin Preljoçaj, cuyos bailarines Virginie Caussin y Redi Shtylla corporeizaron de nuevo a los desdichados enamorados. Y nuevamente sonó Duke Ellington, eta vez, para un dúo de “Hamlet”, salido de la imaginación de Béjart e interpretado por la pareja Shalkina-Favreau. El trabajo de John Neumeier recuperó presencia en escena con un dúo de “As you like it”, también interpretado por el tándem Azzoni-Riabko. El coreógrafo Lar Lubovitch firmó el segundo “Otelo” de la noche, ofrecido por Victoria Jaiani y Fabrice Calmels (The Joffrey Ballet, Chicago). Con esa actitud de revisar clásicos de forma poco ortodoxa, Mats Ek creó su propia lectura de “Juliet and Romeo”, de la que se ofreció un pequeño dúo por Mariko Kida y Anthony Lomuljo (Real Ballet de Suecia). El espectáculo finalizó con una pequeña suite o fragmento de una extensión superior a un paso a dos, de “La fierecilla domada” del creador galo Maillot, interpretada con solvencia por ocho bailarines del Bolshoi Ballet.

La gala de laureados con el Benois de la Danse resultó más amena que el espectáculo del día anterior, pese a que cuatro versiones de “Romeo y Julieta” pueden crear saturación de enamoramiento adolescente. Aún y todo, se echó de menos la aportación coreográfica de John Cranko, tanto en “Romeo y Julieta” como en “La fierecilla domada”. También contribuyó al éxito que la duración fue un poco inferior y que la combinación de piezas en el programa resultó más acertada, amén de un público más efusivo que la víspera en cuanto a aplauso. Con los Benois de la Danse –‘Óscar’ del ballet- en la vitrina de sus respectivos ganadores y con dos mega espectáculos en cuanto a su duración, el Teatro Bolshoi de Moscú piensa ya en los festejos de celebración del 90 cumpleaños del legendario Yuri Grigorovich. No obstante, no hay que perder de vista la próxima edición del Festival Internacional de Ballet Benois de la Danse, que celebrará sus bodas de plata, y, a buen seguro, que volverá a ofrecer espectáculo de ballet en su nivel más excelso y extenso. Ser una de las reconocidas cunas del ballet, a fuerza obliga.

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Dylan Tedaldi y el elenco del NBC en “The Winter’s Tale”. Foto: Karolina Kuras. Gentileza NBC.

“The Winter’s Tale”, una de las últimas historias románticas escritas para teatro por William Shakespeare, llega al Kennedy Center de Washington, DC, en una producción del National Ballet of Canada (NBC). Con coreografía del inglés Christopher Wheeldon, la pieza se estrena por primera vez en los Estados Unidos en el Opera House del Kennedy Center desde el 19 al 24 de enero.

La versión para ballet de esta obra es una coproducción entre la compañía canadiense y el Royal Ballet of London. Después del éxito de la adaptación de “Alice’s Adventures in Wonderland”, obra que el NBC presentó en 2013 en el Kennedy Center, Wheeldon se lanzó con esta versión para seis bailarines de una pieza importante de la literatura inglesa.

Carcomido por los celos el rey Leontes acusa de infidelidad a su esposa, la reina Hermione. Ante la sospecha de que su mejor amigo, el rey Polixenes, tiene un affaire con Hermione, decreta que el hijo que espera la reina quede abandonado en el bosque. La niña crece alejada del reino, criada por pastores que desconocían su linaje. Con el paso de los años, Perdita, la hija de Hermione, convertida en una bella pastora, captura el corazón Florizel, hijo de Polixenes, disfrazado de pastor. Desconociendo sus orígenes los jóvenes enamorados continúan su romance. Y el tiempo revela que el amor reunirá las familias y reparará los rotos corazones.

Wheeldon confesó durante el proceso de creación de este ballet: “Siempre quise llevar una obra de William Shakespeare a la danza y busqué una que no había sido adaptada al movimiento”.

La producción reúne el equipo creativo de “Alicia”, integrado por Bob Crowley, en escenografía y vestuario, y Natasha Katz en la iluminación. La partitura es de Joby Talbot.

La obra tuvo su premier en Londres en la Royal Opera House en abril de 2014, y el NBC hizo su estreno mundial en noviembre de 2015 en el Four Seasons Center for the Performing Arts en Toronto, Canadá.

“Es una historia problemática y un reto para cualquier director –afirmó Wheeldon–. Pero en teatro la ventaja es que tiene seis papeles principales y el ballet deja incorporar nuevas ideas”.

Establecida como compañía clásica por su primera directora artística, Celia Franca, en 1951, el NBC tiene sede en Toronto. En el año de su creación, se realizaron audiciones en todo el país y lograron reunir 29 bailarines. En noviembre de ese mismo año presentaron el primer programa en el Auditorio Eaton, que incluía “Las Sílfides”y los “Bailes Polovtsianos” de “El Príncipe Ígor”.

Actualmente, la compañía incluye en su repertorio obras de los más celebrados coreógrafos del siglo XX y XXI, tales como Sir Frederick Ashton, George Balanchine, John Cranko, William Forsythe, James Kudelka, Jiří Kylián, John Neumeier, Rudolf Nureyev, Glen Tetley, Wheeldon, Wayne McGregor y Alexei Ratmansky. Además de piezas del repertorio clásico, el NBC también incorpora obras de danza contemporánea, promueve la creación de nuevos ballets y el desarrollo de jóvenes coreógrafos canadienses.

Información:
Kennedy Center
Tel:: (202) 467-4600
www.kennedy-center.org.