“BIPED”, de Merce Cunningham, con música de Gavin Bryars fue una de las piezas que la Compagnie Center National de Danse Contemporaine-Angers, Francia, llevó al Kennedy Center. Foto: Jef Rabillon. Gentileza JFKC.

Un revolucionario. Indiscutible. Un hombre que trascendió los límites. Todos. Un visionario que fue más allá del siglo por venir. Sin dudas, Merce Cunningham dejó un legado irrepetible en la danza moderna. Los imitadores jamás lograron descifrar esa especie de “Élam vital” que caracterizó a todas sus obras; esa fuerza inmanente, esa sutileza oculta, esa mágica armonía. Abstracción cuyo duende se transfigura. Aún hoy pasados ya más de 60 años, su mirada sigue siendo hacia el futuro.

El miércoles 2 el Kennedy Center comenzó un ciclo en el que hubo charlas, películas e instalaciones interactivas sobre Merce Cunningham, que duró hasta el 5 de octubre con el fin de conmemorar y revalorizar a este pionero del cambio. El jueves 3, la Compagnie Center National de Danse Contemporaine (CNDC)-Angers, Francia, presentó dos obras, “Beach Birds” (1991) y “BIPED” (1999). Este programa, es parte de las celebraciones de “Merce Cunningham at 100″ que se realizan en los Estados Unidos, Europa, América latina y Canadá con motivo de los 100 años del nacimiento del coreógrafo, luego de su muerte en 2009.

“Beach Birds”, de 1991, realizada con el músico John Cage, es una de las tantas que compuso esta dupla que formó parte de la historia de la danza contemporánea. Foto: Jef Rabillon. Gentileza JFKC.

Las dos piezas, cuidadosamente reconstruidas por Robert Swinston, director de CNDC, quien integró la Merce Cunningham Dance Company, trajeron a escena memorias, empatías y vibraciones que parecían perdidas a través del tiempo. Volver a respirar a Cunningham es casi un privilegio en medio de un mundo en el que la creación ha perdido su rumbo.

Como el mismo nombre lo sugiere, estos “pájaros de playa” de “Beach Birds”, aparecen en escena como instalados en la arena esperando el amanecer. A contraluz, inmóviles, como esculturas. Poco a poco las luces van mostrando sus contornos y sutilmente comienzan a moverse. Cada uno de estos pájaros emite su propio sonido corporal, sus propias frases. Todos de blanco, con una franja negra en el pecho y en los brazos. Quizás, gaviotas. Quizás, especies desconocidas… Delicadamente se mueven, se balancean, se mantienen en largos y sostenidos equilibrios. Impecables, los bailarines fueron configurando este andamiaje de aves que se desplazan de modo celular con una asombrosa sincronización.

Esta pieza, creada en colaboración con el músico John Cage, es una de las tantas que compuso esta dupla que formó parte de un movimiento integral en el que pintores, escultores, músicos, dramaturgos, intentaban encontrar una forma de expresión diferente a partir del arte abstracto, sin que ello implicara ausencia de emoción o de dramatización. Su danza adquirió un lenguaje propio, se liberó de la anécdota, del argumento, de la psicología, para convertir al bailarín en el centro de sí mismo y en un todo integrado y sincronizado.

“Beach Birds” es una obra de extraordinaria belleza que hace mover pequeños resquicios del alma, a medida que los bailarines se desplazan, se entrelazan, se desconectan, o se quedan estáticos. Y la música de Cage, abre otras puertas y otras dimensiones paralelas.

Con sus trajes brillantes, iridiscentes, los bailarines aparecen y desaparecen nuevamente en el escenario para dar lugar a “BIPED”. Sobre una partitura de Gavin Bryars, el célebre compositor de música experimental que colaboró con Cunningham durante varios años, y con el mismísimo Bryars como contrabajista interpretando su música desde el foso, la pieza fue cobrando entidad propia con una magia absolutamente envolvente.

Detrás de un telón transparente, los bailarines se mueven en una dinámica particular que se ensambla con proyecciones de imágenes animadas que, por momentos, sincronizan los movimientos. Esas imágenes, creadas a través de un software que solía usar Cunningham para crear sus coreografías, se amalgaman y forman parte de la coreografía, de la música y, también, de sí mismas. Esas proyecciones poseen sus propios tiempos y se debaten con las líneas verticales y horizontales que se van desplazando y proyectando, para crear un espacio escénico particular.

Volver a revivir esas imágenes, esos sonidos, esas emociones que solo Merce Cunningham fue capaz de lograr, es quizás, volver a recuperar la esencia de una época de fervor creativo, desafiante, audaz, que dio paso a otro mundo y a otro concepto en torno de la danza.

“Merce Cunningham at 100″ es parte de una serie de presentaciones en los Estados Unidos, Europa, América latina y Canadá para celebrar los 100 años del nacimiento del coreógrafo. Foto: Jef Rabillon. Gentileza JFKC.

Malpaso estrenó “Fielding Sixies”, de Merce Cunningham, pieza breve para ocho bailarines de ambos sexos, sobre música de John Cage. Foto: Buby. Gentileza Malpaso.

Con un novedoso programa de estrenos y reposiciones, la joven compañía de danza Malpaso –asociada siempre a Joyce Theater Productions de la ciudad de Nueva York-, se suma a las celebraciones por el centenario del nacimiento de Merce Cunningham, con el estreno de una de sus primeras y sólidas coreografías, “Fielding Sixies”, durante tres jornadas en el habanero Teatro Martí.

Esa temporada primaveral, como lo destaca el programa de mano, es un merecido tributo a la memoria del icónico bailarín (discípulo de Martha Graham) y maestro cubano de danza moderna Ramiro Guerra, que falleció a los 97 años en abril de este año.

La comunidad cubana de danza nunca fue ajena al discurso ideoestético del estadounidense Cunningham en los finales de la década del 50 de la pasada centuria, y fue Ramiro Guerra -autor de más de una docena de libros- el pionero en la asimilación “por la naciente danza moderna” en la isla de la “onda expansiva” de sus búsquedas. Luego, vinieron otras personalidades foráneas con nutrientes que abonaron el terreno en este archipiélago, tales como las norteñas bailarinas Lorna Burdsall y Elfrida Mahler. Ambas fueron maestras de varias generaciones de bailarines cubanos y fundadoras de compañías, las cuales contribuyeron con un valioso legado a las artes escénicas de la Mayor de las Antillas.

Merced a la contribución de la Fundación Merce Cunningham Trust, se hizo realidad para Malpaso el estreno de esta breve pieza de solo 12 intensos minutos, creada para ocho bailarines de ambos sexos, sobre “improvisaciones” de John Cage, su fiel compositor y partenaire de toda una vida. Y gracias al esforzado trabajo de traslación y reposición realizado por Jamie Scott, los danzantes cubanos pudieron vencer en breve tiempo –un 90%-  las dificultades para asimilar las particularidades estilísticas de la escritura poética del gran coreógrafo, tales como los cambios de dirección, las rupturas en la gestualidad, la independencia entre música y movimientos, la abstracción emocional…Todo ello apoyado por las eficaces participaciones de Manuel Da Silva con su diseño de luces y el austero minimalismo de David Quinn en sus diseños de vestuario.

Otro estreno en Cuba, “Face the Torrent”, con coreografía para cuatro parejas concebida para Malpaso por Sonya Tayeh. Foto: Buby. Gentileza Malpaso.

Mediante la observación de esta breve pieza, se pudo comprobar la justeza de la valoración expresada por su eminente compatriota, la coreógrafa Lucinda Childs: “La enseñanza de Merce (Cunningham) y su obra estaba en consonancia con el arte abstracto de esa época. Tal legado cambió completamente las estéticas y el gusto de la danza”.

En la danza moderna –y hasta en la mayoría de los géneros artísticos-, cada generación se ha rebelado contra la precedente. En los primeros años de la década del 60 del pasado siglo, una generación emergente encontró “una nueva y alternativa tradición”, y comenzó a crear lo que luego sería denominado el “postmodern”.

Tras una breve pausa, le sucedió otro estreno en Cuba, “Elemental”, pieza en memoria de Bob Williams, con coreografía de su joven y talentosa nieta Robyn Mineko Williams, para un conjunto mixto de nueve bailarines, quienes entregan un conmovedor discurso dramático coral, no lineal, donde se destacan las interpretaciones rotundas de Daile Carrazana, Fernando Benet y el carismático Abel Rojo (primer bailarín cubano nominado para los premios Benois 2019 en el Bolshoi). Williams contó con una soberbia producción concebida por Burke Brown y Branimira Ivanova (luces y vestuario, respectivamente), y un soporte musical diseñado por Robby Haynes, que incluyó en su “tape” un collage de piezas populares con dos relevantes números del cubano Ernesto Lecuona; de Tim Rutili (su “Zabriskie after Midnight”); de Arvo Part su “Hymn to a Great City” del álbum “Minimalist Dream House”; o el “Tropic of Cancer” por la banda Panda Bear, entre otros.

La presentación de Malpaso y el estreno absoluto de “Elemental” en el Chicago Auditorium se debió, en parte, por el apoyo del Joyce Theater, debido a una iniciativa de The Joyce Foundation y la Sunny Artist Management, que promueve proyectos específicos para su desarrollo, estreno y giras. Esta obra fue posible gracias a la generosidad de Pamela Cruchfield (con el apoyo adicional de otros donantes privados en los Estados Unidos).

“Elemental”, obra en memoria de Bob Williams, con coreografía de su nieta Robyn Mineko Williams.

Después de un largo intermedio llegó la segunda parte del programa, que comenzó con el estreno absoluto de “El otro”. Se trata de un trío concebido para dos bailarinas (María Karla Araújo y Dunia Acosta) y un solista masculino, interpretado por el multifacético Osnel Delgado, a la vez su coreógrafo, diseñador de vestuario y director artístico de la compañía de danza. Ha creado una pieza de 16 minutos estructurada en dos partes: una sonora y la otra muda; con soportes musicales variados, que incluyó grabaciones del “Claro de luna” para piano de Mozart; “El triángulo” de Ile y “Silence”, para piano y cuerdas de Beethoven.

Su escritura coreográfica es intrincada, aunque sin definiciones precisas, con empleo acertado de la técnica del contact,  en la explícita lucha de dos mujeres por ganar los favores de su héroe, que cae en un sendero trillado de tópicos. Delgado, esta vez, no mostró la misma creatividad de obras precedentes, en cambio no defraudó en tanto que bailarín de fuste, con su habitual demonstración de virtuosismo y calidad de movimientos, sin abandonar la expresividad de sus dinámicas.

El programa concluyó con “Face the Torrent”, otro estreno en Cuba (con título en inglés), coreografía coral para cuatro parejas concebida para esta compañía por la californiana Sonya Tayeh, que contó con una producción foránea: la música grabada fue interpretada por Collete Alexander y The Bengsons; las luces y el vestuario fueron diseñados por Nicole Pearce y Karen Young, respectivamente.

La entrega de los intérpretes, como siempre, fue inclusiva y espléndida, en consecuencia, resultó difícil destacar alguna labor en particular. Lo cual quedó validado con la ovación final del nutrido auditorio.

En 1954, en Nueva York, Paul Taylor formó su propia compañía, la Paul Taylor Dance Company con la que recorrió más de 500 ciudades. Foto: Paul B. Goode. Gentileza PTDC.

Un ícono insoslayable. Un referente inevitable de la danza moderna. Un explorador del movimiento. Un buscador de la belleza. Paul Taylor, el único representante vivo de una era que hizo historia en el mundo de la danza internacional, murió el miércoles 29 de agosto, en Manhattan, Nueva York, a causa de una falla renal. Tenía 88 años. Había nacido en Pittsburgh, Pensilvania, en 1930. Comenzó su carrera como nadador, y luego llegó la danza a través de sus estudios en la Juilliard School de Nueva York. Se fue formando en ese mundo devorador y apasionante de la danza moderna de los años ‘50, y a los 23 años empezó a crear sus primeras coreografías.

Fue bailarín solista de las compañías de Merce Cunningham, Martha Graham y de George Balanchine. Su trabajo como coreógrafo y como director de su compañía lo convirtieron en una de las piezas clave en la historia de la danza. Como un orfebre del movimiento fue forjando una forma de respirar y sentir la danza, universal y abarcadora.

Desde el Norte hacia el Sur de las Américas y Europa, desde el Este hacia el Oeste de este mundo cambiante y convulsionado, Paul Taylor fue dejando su huella en los lugares más remotos. Suave, delicado, intenso, acariciante. Con esos ojos azules, tan azules y profundos como el mar, con su sonrisa cálida y envolvente, con su voz pausada y reflexiva, construyó un universo apolíneo donde la belleza, la musicalidad y la armonía se fueron convirtiendo en los ejes fundamentales de su observación corporal de los hechos cotidianos.

Saludo final en escena con Paul Taylor y toda su compañía, bailarines y técnicos. Foto gentileza PTDC.

Ya en 1954, en Nueva York, dejó la tutela de sus maestros y creó su propia compañía, la Paul Taylor Dance Company (PTDC), una troupe de artistas-bailarines cuya fidelidad se convirtió en una marca registrada. Desde su creación, el ensamble se ha presentado en más de 500 ciudades y representó a los Estados Unidos en 40 países. Y él, “Paul”, siempre allí, en cada detalle, en cada sutileza, en cada respiración. Después llegaron los premios innumerables y también, los Kennedy Honors, uno de los más significativos del país destinado a quienes dejan una impronta irreemplazable en el mundo del arte y la cultura. Los grandes nombres de hoy como David Parsons, Twyla Tharp, Laura Dean, Dan Wagoner, Christopher Gillis, entre otros tantos bailarines y coreógrafos, emergieron de su compañía y hoy, marcan su propio rumbo.

Su observación y percepción sobre el arte lo llevó a indagar en las emociones y los conflictos cotidianos, a través de una danza cargada de virtuosismo. Casi en forma recurrente Taylor confesaba que su experiencia como nadador fue sumamente inspiradora, y que su forma de encarar y concebir sus coreografías se relacionaba con su visión y su experiencia en relación al movimiento de los cuerpos en el agua. Bailó más de 144 ballets, hizo 147 obras como coreógrafo, y en 1993 creó una segunda compañía, Taylor 2, con la intención de ir formando a las nuevas generaciones.

Sus obras, convertidas en verdaderos hitos contemporáneos, forman parte del repertorio del Royal Ballet de Dinamarca, la Compañía Rambert Dance de Londres, el San Francisco Ballet, el Ballet de la ciudad de Miami, entre otras. Su primer trabajo, “Duet” (1957), todo un manifiesto. Allí, el mismísimo Taylor permanecía inmóvil en escena junto a un pianista que tampoco tocaba sobre una partitura de otro de los grandes vanguardistas de la época, John Cage. La obra provocó reacciones, y especialmente la del crítico del “Observer”, Louis Horst, quien osó dejar la página en blanco como una respuesta a ese quiebre de estructuras tradicionales.

Pero sus montajes posteriores fueron encontrando ese estilo y ese rumbo que hizo de su compañía un modelo de musicalidad y lirismo. Y así empezaron a surgir propuestas como “Aureole” (1962), “Airs” (1978) y “Arden Court” (1981). Coreografías con significado y formas propias, con juegos escénicos, con humor, con frescura, con dramatismo y con una mirada incisiva sobre la vida, la condición humana y sus misterios. Un universo plagado de imágenes, de colores, de intensidad.

Antes de retirarse de los escenarios Paul Taylor bailó más de 144 ballets, y como coreógrafo realizó 147 obras. Foto gentileza Paul Taylor Dance Foundation Archive.