Skylar Brandt (Tita) y Herman Cornejo (Pedro) en la obra de Christopher Wheeldon “Como agua para chocolate”. Foto: Emma Zordan. Gentileza: ABT

Mujeres que tejen, quizás, las intrincadas tramas de la vida. Mujeres que observan como testigos silenciosos. Mujeres que acompañan los destinos de una casa sumergida en tristezas y resentimiento, en opresión y en deseos ahogados.

Christopher Wheeldon abre la primera escena de “Como agua para chocolate” con estas mujeres solas sometidas a una madre que oculta su furia y sus postergaciones. El coreógrafo, con una gran sensibilidad narrativa, logra captar la esencia de esas mujeres que describe la autora mexicana Laura Esquivel en su novela del mismo nombre. Una suerte de semejanza a “La casa de Bernarda Alba” pintada por Federico García Lorca en las primeras décadas del siglo XX al igual que la temporalidad en la que se sitúa esta obra fantástica, desbordante, donde explotan los sentidos hasta romper los límites imaginables.

En su temporada en el Metropolitan Opera House, el American Ballet Theatre (ABT) presentó en Nueva York esta obra que ya había tenido su estreno mundial en 2023 en Costa Mesa, California, y que debutó a nivel mundial con el Royal Ballet en 2022. Wheeldon se animó al tremendo desafío de competir con la película estrenada en 1992 que dejó una huella indeleble en la memoria. Más allá de las diferencias entre el cine y el ballet, esta propuesta encuentra momentos de gran belleza y logra distanciarse de la película con vuelo propio.

Catherine Hurlin interpreta a Gertrudis en la pieza de Christopher Wheeldon en el Met de Nueva York. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Wheeldon desgrana con solvencia una trama en la que transitan varias generaciones, e incorpora magníficos elementos sobrenaturales de manera efectiva y convincente. Va creando la narrativa con fluidez y gran capacidad de síntesis. Con un lenguaje que se funde entre la danza-teatro y el ballet, describe las complejas situaciones por los que transita el argumento de esta novela. A eso se suma el aporte adicional de la partitura de Joby Talbot, que incorpora instrumentos tradicionales del folclore mexicano y a su vez, recoge ciertos elementos y efectos sonoros utilizados con frecuencia en la música de películas, y alcanza a crear climas sugerentes. Pero quizás lo más impactante de esta puesta en escena descanse en la magnífica escenografía de Bob Crowley, quien también recreó un vestuario adecuado para describir a los personajes y sus personalidades.

Pero por sobre todo, “Como agua para chocolate” propone un elenco impecable. Skylar Brandt y Herman Cornejo, como Tita y Pedro, reviven esos personajes cuyo amor y apasionamiento trascienden los límites puramente humanos. Brandt, hizo un estupendo y delicado trabajo actoral, y su interpretación logró mostrar la maduración de Tita a través del paso de los años. Cornejo, por su parte, un bailarín con una técnica impecable, compuso un Pedro intenso y, una vez más, se mostró como un magnífico partenaire, cuidadoso y atento. Ambos construyeron una adorable pareja protagónica.

Christine Shevchenko interpretó a la autoritaria, intransigente y violenta Mamá Elena con solvencia y convicción. Excelente su caracterización y su expresividad. Catherine Hurlin (Gertrudis) también hizo un magnífico trabajo, lanzó su sensualidad y su potencia en el primer acto cuando la comida de Tita despertó sus más profundos deseos, y en el segundo acto, ya convertida en revolucionaria.

Conmovedora y refinada Luciana Paris como Nacha, una pieza clave en la vida de Tita, tuvo un solo sublime en el primer acto, el cual mostró, a flor de piel, a esta estupenda bailarina cuya técnica y delicadeza le permiten transitar por todos los géneros y personajes. La ovación del final dio muestra del impacto de su actuación.

Mamá Elena, interpretada por Christine Shevchenko en “Como agua para chocolate”. Foto: Marty Sohl. gentileza ABT.

Chloe Misseldine, como Rosaura, encontró la frialdad justa para caracterizar a esta mujer cargada de represiones, sumisa y resentida. Casi secundario, pero igualmente importante, el rol de Thomas Forster como el Dr. John Brown que, en esta trama intrincada y compleja, adquiere mayor presencia en el desenlace. Wheeldon, con intuición narrativa, logró transitar con acierto esta novela compleja donde lo sobrenatural y lo terrenal se encuentran de manera constante. Sin embargo, cuando se trató de los protagonistas, sus pas de deux no alcanzaron a transmitir la verdadera esencia de la danza, ni esa pasión contenida de los amantes secretos, y se perdieron en poses, a veces, vacías.

Mientras, el cuerpo de baile solo acompaña algunas secuencias grupales como la boda de Rosaura y Pedro, la llegada de los revolucionarios y escenas callejeras. Cada elemento incorporado en esta puesta donde se mezclan imágenes audiovisuales y efectos lumínicos, tiene un simbolismo especial. Tal como ocurre en las escenas en las que las marionetas -mujeres que tejen- adquieren diferentes alturas, se acercan y se alejan de los personajes. O quizás, cuando las mujeres de blanco con las caras pintadas como calaveras en el Día de los muertos, se dan vuelta y sus vestidos son negros.

“Como agua para chocolate” propone un expedición al mundo de las emociones y las contradicciones humanas. Su puesta en escena es impactante y contundente para narrar esta inolvidable historia de amor y sufrimiento, cuya magia reside en la verdad oculta y en esa explosión de los sentidos y el deseo.

Celebrando los 25

Herman Cornejo en el saludo final de la función del 19 de julio. Foto: Emma Zordan. gentileza ABT.

El 19 de julio fue el día elegido para celebrar los 25 años con el ABT de Herman Cornejo. Antes de empezar la función, un cortometraje sobre el bailarín, testimonios de sus colegas y sus propias reflexiones marcaron el comienzo de una noche memorable.

El bailarín argentino, que se incorporó al ABT en 1998, se llevó el primer premio en el Octavo Concurso Internacional de Moscú cuando tenía 16 años, y fue el ganador más joven en la historia del concurso. Un año después se incorporó al ABT Studio Company como aprendiz, y en 1999 fue elegido para el papel del Ídolo de Bronce en la producción de “La Bayadera” de Natalia Makarova en Japón. Poco después, en 2000, fue ascendido a solista y en 2003 se convirtió en primer bailarín de la compañía. Después llegaron más reconocimientos: premio Bessie en 2013 y el Prix Benois de la Danse en 2014, entre otros.

Al terminar la función, una ovación de aplausos y de estupor resonó en la sala del Met. Los espectadores de cada uno de los rincones del teatro de pie celebraron a este magnifico bailarín. Sus compañeros, cargados de emoción también ovacionaban a Cornejo. Sin embargo, el bailarín, con una generosidad conmovedora, dejó sola a Skylar Brandt para que el público reconociera su magnífico trabajo. Pero quizás lo más emocionante de esa noche fue su abrazo y su reconocimiento a Luciana Paris, su amiga, su compañera de escenarios, su compañera en el ABT. Cornejo también la dejó sola, fue hacia atrás, mientras disfrutaba esa ovación que recibía la bailarina argentina.

Lágrimas, abrazos, flores, y por sobre todo, una enorme emoción ante un público que se resistía a abandonar el teatro y sacaba fotos en un intento de plasmar un momento irrepetible.

L.A. Dance Project, llevó a escena “Hearts & Arrows”, de Benjamin Millepied, con música de Philip Glass. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.,

El programa seleccionado por Justin Peck, que subió al Opera House del Kennedy Center el sábado 22 y el domingo 23, se acercó más a las características de ciclos anteriores de Ballet Across America. Aquí compartieron escenario compañías como Joffrey Ballet, L.A. Dance Project, Kyle Abraham-Abraham.In.Motion, y los bailarines del Miami City Ballet, Patricia Delgado y Jovani Furlan.

El mismo cortometraje de Ezra Hurwitz, “Now More than Ever”, también formó parte de la “carta de presentación” de este ciclo. Luego, la compañía fundada por Benjamin Millepied, L.A. Dance Project, llevó a escena “Hearts & Arrows”, una obra que se estrenó en 2014, en Miami, Florida, y que utiliza música de Philip Glass, “String Quartet Nº 3”.

La pieza, que tiene fuertes reminiscencias a Jerome Robbins, recurre a una estética minimalista, con un escenario desnudo y ocho bailarines vestidos en blanco y negro. En las seis secciones en las que se divide la estructura coreográfica, los excelentes bailarines de la troupe hacen una demostración de ajustado estado atlético. Sin embargo, la música de Glass adquiere mayor protagonismo que la danza. El lenguaje, absolutamente contemporáneo, está despojado de toda emoción.

“Year of the Rabbit”, de Justin Peck, por Patricia Delgado y Jovani Furlan, bailarines principales del Miami City Ballet. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

ero fue precisamente en “Year of the Rabbit”, de Justin Peck, donde la emoción llegó de una manera casi sublime en el pas de deux interpretado magníficamente por Patricia Delgado y Jovani Furlan, bailarines principales del Miami City Ballet. Una obra breve, con poses sostenidas, equilibrios, y un delicado trabajo de pareja, cautivó con el encanto de lo simple. Bello duetto, realizado en 2012 por el joven coreógrafo, también curador de este segmento de Ballet Across America.

De Christopher Wheeldon, el Joffrey Ballet trajo una obra de 2007 estrenada en el Sadler´s Wells Theatre de Londres, “Fool’s Paradise”, con música de Joby Talbot. Una obra neoclásica, misteriosa, sugerente, con bailarines impecables. La iluminación de Penny Jacobus y la puesta en escena de Jason Fowler, en la que una lluvia de pétalos dorados semejan el ideal intelectual del Olimpo, ponen a esta realización un toque particular y único.

Kyle Abraham/Abraham.In.Motion hizo su debut en el Kennedy Center con “The Gettin”, una obra que evoca la lucha por los derechos civiles. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.,

Con un contenido de fuerte impronta social Kyle Abraham/Abraham.In.Motion hizo su debut en el Kennedy Center con “The Gettin”, una obra creada entre 2012 y 2014 que evoca la lucha por los derechos civiles en la que el mismo presidente Kennedy estuvo involucrado durante su mandato. La música en vivo de Robert Glasper y Max Roach, trajo magníficos intérpretes, quienes formaron parte de esta propuesta escénico-coreográfica que rescata el lenguaje popular y callejero.

Desde códigos contemporáneos Kyle Abraham vuelca elementos de las danzas tribales africanas. Una serie de dúos, tríos y escenas de conjunto van delineando una historia contada a través de un valioso material audiovisual en blanco y negro que describe momentos críticos en la lucha por la discriminación racial. Una obra interesante, fuerte, con bailarines que estallan de energía.

Jillian Vanstone y Naoya Ebe del National Ballet of Canada, en “The Winter’s Tale”, de Shakespeare. Foto: Karolina Kuras. Gentileza NBC.

Algunos especialistas la clasificarían como una de las “obras de conflicto” de William Shakespeare. Otros, como una comedia, y muchos, como una tragicomedia. En “The Winter’s Tale”, o “Cuento de invierno”, presentada por primera vez en el Kennedy Center for the Performing Arts de DC por el National Ballet of Canada (NBC), el coreógrafo Christopher Wheeldon ha logrado hacer una interesante síntesis de una trama en la que, la primera parte, se sumerge en un drama psicológico, y en los dos últimos actos se convierte en una suerte de fábula pastoril.

La versión para ballet de esta obra escrita supuestamente en 1611 por el dramaturgo inglés, es una coproducción entre el BNC, dirigido por Karen Kain, y el Royal Ballet of London, bajo la batuta de Kevin O’Hare. Se estrenó en Londres en abril de 2014, y en Canadá, en noviembre de 2015. Esta es la segunda realización de Wheeldon en coproducción con ambas compañías.

“The Winter Tale” cuenta inicialmente una trama de celos entre Leontes, rey de Sicilia y Políxenes, rey de Bohemia, dos viejos amigos que se reencuentran después muchos años, y Hermione, mujer de Leontes. Cuando Políxenes desea volver a su reino, Leontes trata infructuosamente de impedirlo. Ante su fracaso, pide a su esposa que trate de convencerlo, y ella lo logra. No obstante, Leontes comienza a sospechar, y acusa de traición a Hermione, en ese momento embarazada. Luego, ordena que la niña que ha dado a luz la reina quede abandonada en algún lugar remoto, ya que supone que la recién nacida no es su hija. Y a su vez, intenta envenenar a Políxenes.

El NBC presentó en el Kennedy Center de DC a Hannah Fischer y Piotr Stanczyk en “The Winter’s Tale”. Foto: Daniel Neuhaus. Gentileza NBC.

Wheeldon encuentra un lenguaje coreográfico de cierta sofisticación, que funde clásico, contemporáneo y elementos de Contact que, en algunas secuencias resultan atractivos, y en otras, confunden el sentido del diálogo entre los personajes. Si el espectador no está muy al tanto de la trama, quizás resulte difícil comprender exactamente lo que se intenta contar.

Las escenas de conjunto rescatan danzas tradicionales con ciertos matices simbólicos que muestran la atractiva paleta de bailarines que posee esta compañía. En tanto los protagónicos, a cargo de Piotr Stanczyk, como Leontes; Hannah Fischer, en el rol de Hermione; Harrison James, encarnando a Polixenes, alcanzan buenos momentos de interpretación.

Jillian Vanstone, como Perdita, la hija de Hermione y Leontes, y Florizel, el hijo de Polixenes que se enamora de Perdita, hacen una enternecedora dupla en el fresco pas de deux diseñado para ellos.

Una puesta en escena con un exceso de efectos visuales, apuntalados por videos, imágenes en movimiento, proyecciones, paneles que suben y bajan, y una sucesión de pedestales con estatuas de “mármol”, va deshilando la historia en el primer acto. En el segundo, en la aldea donde se encuentran los enamorados, Perdita y Florizel, una escenografía casi naife pone el toque romántico de la historia. Tanto los diseños escenográficos como el vestuario, creados por Bob Crowley, en el segundo acto, distraen y hasta confunden.

La música apela al minimalismo dodecafónico y disonante para marcar una trama oscura e intrincada. El compositor Joby Talbot trata de describir la tragedia de los celos de manera punzante, pero sin embargo, no transmite las emociones profundas de la pieza.

Y en la segunda parte de la historia, apunta a la melodía para narrar el encuentro amoroso entre Perdita, la hija de Hermione, convertida en una bella pastora, y Florizel, hijo de Polixenes, disfrazado de pastor. Interesante el trabajo de interpretación realizado por Stanczyk y Fischer, bailarines sólidos, intensos, capaces de afrontar los desafíos de una coreografía compleja, pero por momentos insustancial. Vanstone, y Naoya Ebe (Florizel), asumen un adorable pas de deux en el segundo acto, aunque en el comienzo no se alcanza a entender quiénes son esos dos enamorados.

Paulina, mujer del noble siciliano Antígono, que juega un papel importante en la trama, está interpretada por Xiao Nan Yu. La bailarina logra conmover con su actuación y en los escasos pasajes de danza, muestra su intensidad y delicadeza de brazos. La obra, llega a un final feliz en el que el amor de los jóvenes reúne a los dos amigos, reconcilia a la pareja de Leontes y Hermione, y deja que el amor y la alegría se conviertan en protagonistas.

Harrison James, Hannah Fischer y Piotr Stanczyk en “The Winter’s Tale”, con coreografía de Christopher Weeldon. Foto: Karolina Kuras. Gentileza NBC.