Acosta Danza presentó en Cuba “Mundo Interpretado”, estreno mundial del joven coreógrafo brasileño Juliano Nunes. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

De regreso de la exitosa primera gira por Suramérica, donde bailaron un variado repertorio en ciudades de Chile, y luego de asumir, en las gélidas islas británicas, la dirección del Birmingham Royal Ballet, Acosta Danza, la compañía fundada y dirigida por Carlos Acosta, sube al escenario de la Sala García Lorca del Gran Teatro de la Habana Alicia Alonso su décimo cuarta temporada y la primera de 2020.

Esta serie que se presentó el 31 de enero, y el 1 y 2 de febrero, está caracterizada por el trabajo que realizan los bailarines con sus cuerpos, “la herramienta fundamental del que baila”, como ha expresado el propio Acosta: “para ellos es su pincel, su guitarra, su cincel y su piedra”. De acuerdo con los títulos elegidos para esta ocasión, tanto las reposiciones como el estreno mundial, son consecuentes con los objetivos del director artístico.

Las coreografías sucesivas de este cartel exhiben todo el atletismo conseguido por su cotidiana dedicación -en los salones de clases- al desarrollo de la técnica, así como al lirismo y expresividad corporal que brota “de la mente creadora”, como hábil respuesta de máxima capacidad. Son obras muy exigentes del virtuosismo, en las destrezas logradas por el músculo, trabajado éste con toda la prospectiva definida ante el desafío que exige cada una.

La vocación declarada por Carlos Acosta, desde el primer instante de la creación de esta agrupación, está claramente manifestada en esta temporada como “un acto da fe”: poseer un cuerpo de baile dúctil, integral, que pueda ejecutar e interpretar un amplio diapasón de formas y estilos: lo académico y lo contemporáneo en función de la comunicación interactiva de sendos lenguajes corporales.

“Cor”, de Marianela Boán, permite que los intérpretes trabajen de manera interactiva entre la coreografía y la música en vivo. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

Todo ello se hizo evidente en “Mundo Interpretado”, estreno mundial del joven coreógrafo brasileño Juliano Nunes (1990) -producción realizada gracias a la ayuda desinteresada de la mecenas estadounidense Madeleine Plonsker, como “un regalo a la danza cubana” (en palabras de Acosta)-, que reconoció desde su primera visita la fortaleza física de los danzantes de este conjunto, capaz de crear “la imagen de un mundo irreverente”. Sumado a ello, la contribución artístico-conceptual de la reconocida artista visual Glenda León y el talento del joven compositor e instrumentista Pepe Gavilondo, valores fundamentales para conseguir “un universo donde lo onírico y lo real son la misma cosa”.

El lenguaje coreográfico de Nunes -como se manifestó aquí- se vio beneficiado por la empatía desarrollada entre las idiosincrasias latinas del brasileño y las caribeñas, desde el inicio del montaje de su pieza. Todo fue estructurado y ensayado en corto tiempo -el coreógrafo tuvo que cumplir otros compromisos artísticos en el exterior- y gracias a contar con la pericia de la maitre asistente Clotilde Peón se logró estrenar como estaba previsto.

Zeleidy Crespo en el solo “Impronta”, de María Rovira. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

A su retorno, pocas semanas antes de la fecha fijada para estrenar “echó pie en tierra” para revisar y pulir los complicados y fluidos entrelazados movimientos corporales, por las exigentes coordinaciones entre la cabeza y el cuerpo. Allí aparecen las referencias debidas a su formación europea, particularmente su cercanía a maestros tales como Williams Forsythe, Hans van Manen o Jirí Kylian, entre otros. Su obra fluye por la diversidad del diseño escénico: los formatos se suceden a partir de un “opening” con una música de ceremonial de alguna etnia foránea, como preludio; primero las tres parejas juntas se entrelazan, después vemos bailar espléndidos solos, un apasionado trio y, finalmente, un brillante dúo. Es de destacar el solo bailado por Raúl Reinoso, con un seductor soporte musical de flauta sinfónica traversa, y el mencionado dúo final, esta vez bailado intensamente por Gabriela Lugo (exquisita y segura sobre puntas), junto al versátil y atlético Alejandro Silva. Ellos desaparecen lentamente en el ciclorama negro, acto seguido el telón de boca se cierra. El público quedó sin aliento unos segundos, antes de romper en pie con nutridos aplausos.

Es una obra abstracta, cargada de ideas a partir de su concepto de la vida presente de los cubanos y, como si “a través de las dificultades, se encuentran con la felicidad. “Pensé en esa energía que tiene el cubano de encontrar caminos para vivir o sobrevivir”, apuntó Nunes en el programa de mano.

El éxito de “Mundo Interpretado” se consigue -en un elevado porcentaje- por la creación visual minimalista de Glenda León: nenúfares iluminados colgantes que ascienden y descienden conforme a los propósitos fijados por Nunes (previamente quedó impresionado por un cuadro floral de León), además el inteligente y logrado soporte musical aportado por Gavilondo (por momentos, con sonoridades referenciales, o guiños, al minimalismo de un Philip Glass o Arvo Part), del que transpiraba una originalidad, debida a su formación con eminentes maestros cubanos, para recrear la atmósfera onírica deseada por el coreógrafo.

También reposiciones

La pieza en un acto de la coreógrafa cubana Marianela Boán, “El Cruce sobre el Niágara”, una de las favoritas del público. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

Algunas de las reposiciones fueron muy bien recibidas, otra no tanto. Entre las primeras, fue un goce superior la pieza en un acto de la coreógrafa cubana Marianela Boán (siempre residente en República Dominicana) “El Cruce sobre el Niágara”, un icono de la danza moderna cubana creada en 1987 e inspirada en la obra teatral homónima del dramaturgo peruano Alonso Alegría. Y que tiene como soporte musical una hermosa creación del francés Olivier Messiaen. Esta vez fue entregada de manera impecable e intensa por dos soberbios bailarines, Raúl Reinoso y Mario Sergio Elías, enaltecidos por el diseño de luces del laureado Carlos Repilado (fallecido recientemente).

De la misma creadora, Boán, su pieza “Cor” (sugiere sus derivaciones semánticas: coro, corazón, coraje, correo, coral), que incluye la definitiva participación de los intérpretes de manera interactiva en el material coreográfico y en la música en vivo ejecutada por su compositor y tecladista Gavilondo (la maestra coral Alina Orraca se empeñó en el trabajo vocal con los danzantes), así como la colaboración del eminente percusionista Lino Pedroso. El trabajo de luces de Bonnie Beecher ha beneficiado en gran medida esta producción de Acosta Danza. No obstante, el resultado final no llegó a buen puerto, a pesar de las intervenciones inclusivas de las congas; los boleros archiconocidos o las rumbas: los bailarines “cantaron a coro” el popular tema de Gonzalo Asencio “Consuélate como yo”, mientras se cambiaban de vestuario a la vista del auditorio, muy identificado con la música y la letra.

Le antecedió el solo femenino “Impronta”, realizado por otra mujer experimentada en este quehacer, la ibérica María Rovira, para una excepcional bailarina de la compañía, Zeleidy Crespo, una deslumbrante mulata cual una venus africana de garbo y estatura inhabituales salida de las cálidas aguas del mar Caribe, dotada de excepcional carisma y habilidades técnicas. El imprescindible compositor Pepe Gavilondo aseguró el éxito con el aporte de las sonoridades requeridas por Rovira para los siete minutos de este impresionante unipersonal.

Para el cierre de la primera parte, Acosta eligió el dúo “Soledad”, creado por el catalán, Rafael Bonachela, e interpretado por una pareja de fuste y dramáticamente vibrante, quienes desde la primera escena de las cuatro que lo integran lograron cautivar al auditorio, que contaron con variado soporte musical: entre las piezas, una de Astor Piazzolla interpretada por el afamado violinista Gidon Kremer, así como un popular tema de Agustín Lara cantado de manera sensacional por Chavela Vargas. El diseño de luces fue un protagonista más, debido al cubano Pedro Benítez sobre el original de Lee Curran. El poco feliz vestuario y escenografía estaban firmados por el propio Bonachela.

Luego de esta temporada en Cuba, la Acosta Danza, compañía se presenta con “Acosta Danza Up Close” desde el jueves 13 hasta el 24 de febrero en el Teatro Linbury, escenario perteneciente a la Royal Opera House de Londres, en el Reino Unido. El espectáculo, está compuesto por las obras “El cruce sobre el Niágara”, de la cubana Marianela Boán; ”Impronta”, de María Rovira; el dueto “Soledad”, de Rafael Bonachela; “Mundo Interpretado”, de Juliano Nunes y el solo “Two”, de Russell Maliphant, obra que bailará Carlos Acosta.

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The National Ballet of Canada cerró su primera noche en el Kennedy Center con “Piano Concerto #1” de Alexei Ratmansky. Foto: Karolina Kuras. Gentileza JFKC.

“The Vertiginous Thrill of Exactitude” de William Forsythe fue lo primero que irrumpió en el escenario del Opera House del Kennedy Center de Washington DC el martes 28 de enero cuando The National Ballet of Canada hizo su debut en esta temporada. Pero un segundo Forsythe siguió a esta obra cuya exactitud, como lo dice su título no deja de ser “vertiginosa” y atractiva. “Approximate Sonata 2016″ puso nuevamente la impronta indiscutible del coreógrafo estadounidense radicado en Alemania desde hace casi 50 años: belleza, armonía, estructura.

Esta obra, que intercala efectos audiovisuales y se interna en la música electroacústica con absoluta profundidad, muestra un grupo de bailarines convertidos en instrumentos de una partitura que se integra en una propuesta conceptual en la que cada elemento tiene una razón de ser.

Spencer Hack y Tina Pereira en “Petite Mort” de Jiří Kylián. Foto: Karolina Kuras. Gentileza JFKC.

En la segunda parte, un “casi” clásico de Jiří Kylián, “Petite Mort”. Una obra de fina construcción, filosófica y reflexiva, en la que esa pequeña muerte en el momento del sexo se convierte en una mirada sobre la condición y la belleza humana. Creada en 1991, para el Festival de Salzburgo con motivo del segundo centenario de la muerte de Wolfgang Amadeus Mozart, la pieza coquetea con el humor incorporando vestidos de miriñaque negros detrás de los cuales los bailarines juegan y se desplazan como en una “subtrama” de una historia paralela.

Para el final, “Piano Concerto # 1″ de Alexei Ratmansky. La última parte de una trilogía creada por Ratmansky en homenaje a Dmitri Shostakovich, que se impone como una metáfora sutil a las prohibiciones a la Avant-garde perpetradas en la época stalinista.

De hecho, en el diseño de escenografía, Ratmansky incorpora símbolos soviéticos pendiendo del techo, mientras los bailarines, con impecable precisión y técnica van desplegando estados emocionales controvertidos.

Con este caleidoscopio de obras contemporáneas abstractas e intensas, The National Ballet of Canada se planta en la escena como una compañía de sólida técnica y grandes bailarines.

“The Vertiginous Thrill of Exactitude”, de William Forsythe abrió el programa mixto de The National Ballet of Canada. Foto: Karolina Kuras. Gentileza JFKC.

Un cuento de hadas

“La bella durmiente” fue el segundo programa que trajo a Washington la compañía dirigida por Karen Kain. Este ballet, versión de Rudolf Nureyev sobre la original de Marius Petipa con puesta en escena de Kain, está ambientado en una corte que, perfectamente podría asociarse con la Francia de los Luises. Nureyev creó esta versión en 1966 para La Scala de Milán, y en 1972 tuvo su estreno con The National Ballet of Canada.

Una escenografía lujosa y vestuario, también lujoso, creados por Nicholas Georgiadis, caracterizan a esta puesta con desafíos coreográficos importantes tanto para los protagonistas como para el cuerpo de baile y solistas. En esta “Bella durmiente” el diseñador recurre a incontables plumas, oropeles, miriñaques, zapatos con taco y hebilla, pedrería y pelucas pomposas para dibujar, con sutil ironía, una corte opulenta y diferente a las que habitualmente se describen en este clásico.

Heather Ogden como Aurora y Harrison James en el rol del príncipe Florimund en “La Bella durmiente”. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

Pero más allá de la puesta y el diseño esta Bella y su séquito adquieren también características diferentes. La protagonista se aleja en parte de esa personalidad inocente y etérea que caracteriza a la princesa Aurora en este ballet y adquiere perfiles distintos en cuanto a su personalidad y actitud. Si bien la trama no escapa al clásico.

Radiante y segura de su rol, Heather Ogden hace una atractiva interpretación de Aurora. Con una línea clara, buenos equilibrios y musicalidad, la bailarina osciló entre los pas de deux y las escenas de conjunto con absoluta naturalidad.

Harrison James, como el Príncipe Florimund, fue un excelente partenaire y un bailarín sólido en sus variaciones, con buenos saltos y giros precisos. Ambos hicieron una interesante y atractiva dupla. Emma Hawes, en el rol del hada principal, mostró su solvencia y precisión técnica, y a su vez logró el tempo justo para la sexta variación del prólogo del Acto I.

El hada Lila, interpretada por Tanya Howard, adquirió un perfil más enigmático, casi como el demiurgo que entrelaza todos los hilos. Y para el final, en las bodas de Aurora con el príncipe, la compañía encuentra el lenguaje y los bailarines justos para un final de fiesta a toda pompa.

Los protagonistas Heather Ogden y Harrison James con el cuerpo de baile de The National Ballet of Canada en “La bella durmiente”. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

Nederlands Dans Theater presentó en el Kennedy Center “Shoot the Moon”, obra de los directores artísticos de la compañía, Sol León y Paul Lightfoot. Foto: Rahi Rezvani. Gentileza JFKC.

Inevitablemente cuando suena el nombre Nederlands Dans Theater (NDT), vienen a la memoria los nombres de los tres grandes pioneros de esta odisea de lanzarse, desde La Haya, Holanda, a conquistar y revolucionar el concepto y la estética de la danza contemporánea de mediados del siglo XX. Fundada en 1959 por Benjamin Harkarvy, Aart Verstegen y Carel Birnie en cooperación con 18 bailarines del Het National Ballet, la NDT se puso a la vanguardia con el aporte de coreógrafos como Glen Tetley y Hans van Manen. Ya en los 80, Jiří Kylián, como director artístico de la compañía, incorporó su propia visión que quedó como su “marca registrada”.

Ya en la primera década del nuevo siglo, Sol León y Paul Lightfoot, ambos coreógrafos residentes del NDT desde 2002, asumieron la dirección artística de esta troupe que del 4 al 6 de abril se presentó en el Kennedy Center de Washington DC.

Tres obras con diferentes perfiles y conceptos subieron al escenario del Opera House. La primera, con coreografía de León y Lightfoot, “Shoot the Moon”, mantiene una estética en paralelo en la que las escenas aparecen transmitidas en la parte superior del escenario, en blanco y negro y simultáneamente, a través de una cámara en vivo. Una bellísima puesta que describe conductas, sentimientos y conflictos emocionales que transcurren en una habitación. Cada pareja, con situaciones diferentes, resuelve su dilema en ese cubículo. Y tal como ocurre en las películas, las habitaciones van rotando para contar la historia individual de cada uno. El estupendo manejo de la luz de Tom Bevoort y la calidad de la danza sobre la partitura de Philip Glass, “Tirol Concerto” para piano y orquestra, hacen que esta pieza quede en la memoria, al igual que la intensidad en la interpretación de sus bailarines.

“The Statement”, de la canadiense Crystal Pite, realización de contenido social, que incluye mímica, teatro y voz en off. Foto: Rahi Rezvani. Gentileza JFKC.

Más allá de las posibles asociaciones con la famosa pieza de Kurt Jooss “La mesa verde” creada en 1932, “The Statement”, de Crystal Pite, es un deslumbrante derroche de talento. Potente, incisiva, dinámica, la obra, transcurre en una larga mesa en la que los “supuestos ejecutivos de una firma” discuten sobre las medidas a tomar para mejorar o resolver problemas presupuestarios. Pite, optó por utilizar las voces y los diálogos “casi” como una banda de sonido. Cada uno de estos brillantes bailarines, refinados mimos-actores, van describiendo con el cuerpo los diálogos entre los ejecutivos. Deslumbrante la precisión, la expresividad y la dinámica para conjugar el movimiento y el gesto con el ritmo y la intención de la palabra. Quizás la obra más impactante del programa y quizás, una de esas piezas que hace pensar con alegría, que en este siglo XXI, la creatividad no se ha desvanecido totalmente. Y queda la esperanza de sorprenderse.

“Singulière Odyssée”, apunta a describir esta gran odisea de viajar permanentemente, de esta enorme movilidad del hombre contemporáneo. Situada en la sala de espera de la Estación Central de Basel, Suiza, la obra creada en 2017 por León y Lightfoot, muestra una estación casi desierta con una mujer esperando. De pronto, comienza el flujo de viajeros que van y vienen, que aparecen y desaparecen, que avanzan y retroceden, absorbidos por ese devenir permanente de la vida. Con precisión casi milimétrica, los bailarines se desplazan por esa estación en la cual la identidad desaparece.

Estos excepcionales intérpretes, magníficos, dúctiles, intensos, se funden en esta mística de la danza que intenta adentrarse en el significado más profundo de la existencia. Y, otra vez, lo cotidiano se vuelve trascendente y sublime.

Situada en la sala de espera de la Estación Central de Basel, Suiza, “Singulière Odyssée”, de Sol León y Paul Lightfoot, cerró el programa del NDT. Foto: Rahi Rezvani. Gentileza JFKC.

La Compañía Nacional de Danza en “The vertiginous thrill of exactitude”, con coreografía de William Forsythe. Foto: Jesús Vallinas. Gentileza CND.

La Compañía Nacional de Danza (CND) vuelve a dar otro paso de gigante con el programa “Una noche con Forsythe”, en la segunda velada dedicada íntegramente a autor -tras la noche de Jiří Kylián hace un lustro-,  desde la incorporación en la dirección artística de José Carlos Martínez, en 2011. Considerado uno de los coreógrafos más influyentes y revolucionarios de la escena del último cuarto del siglo pasado, William Forsythe (Nueva York, 1949) desarrolló una parte importante de su trabajo al frente del Ballet de Frankfurt, que dirigió de 1983 a 2004. En una primera etapa, su trabajo parte del lenguaje académico más estricto y lo lleva hasta unos límites insospechados; posteriormente, el estilo de Forsythe evoluciona por otros derroteros hacia el planteamiento de sus piezas como una instalación coreográfica, una línea en la que ahondó en su década al frente de The Forsythe Company, de 2005 a 2015.

El programa seleccionado por Martínez se decanta por tres piezas selectas del repertorio de Forsythe: “The vertiginous thrill of exactitude” (1996), “Artifact Suite” (2004, sobre el original de 1984) y “Enemy in the figure” (1989). Alterando sabiamente el orden cronológico de su creación, el programa va de menos a más: desde la visión más cercana al clasicismo hasta la obra de corte más contemporáneo. Con la Sala Argenta del Palacio de Festivales de Cantabria a punto del lleno, la CND acometió la noche de estreno con una mezcla de nervios, ilusión y expectativas, pues un programa Forsythe tan exigente como éste, eran palabras mayores.

Comenzó la velada con “The vertiginous thrill of exactitude”, un homenaje a las aportaciones del coreógrafo francés Marius Petipa (1818-1910), autor de los grandes temas del repertorio clásico como “La Bella Durmiente”, “El Cascanueces”, “El lago de los cisnes”, “Don Quijote”, entre otros, y del padre del neoclásico, el ruso George Balanchine (1904-1903), piedra angular de la escuela americana y autor de obras como “Serenade”, “Tema y Variaciones”, “Tchaikovsky. Pas de deux” o “Jewels”. Mientras que de Petipa toma la construcción de la obra en solos, pasos a dos, a tres y glorioso final del elenco al completo, y, obviamente, todas las bases estilísticas del lenguaje clásico; de Balanchine, su gusto por los ballets abstractos o ‘plotless ballet’, además de la ejecución endiablada de enésimos pasos a ritmo, precisamente, vertiginoso, tal y como anuncia el título.  Estrenada en su origen por el Ballet de Frankfurt en 1996, esta pieza presenta a un quinteto de intérpretes –tres mujeres y dos hombres-, sobre la novena  sinfonía de Franz Schubert, y responde a todos los cánones del clásico: imaginativo tutú de color verde pistacho y no de tul ilusión, las hipnóticas zapatillas de punta, lirismo y virtuosismo técnico, todo ello interpretado con acierto por el elenco de la CND, pese a algunos desajustes, sobresaliendo los representantes masculinos –Alessandro Riga y Anthony Pina- sobre el apartado femenino.

Los componentes de la CND en “Artifact Suite”, que contó con cerca de cuarenta bailarines en escena. Foto: Jesús Vallinas. Gentileza CND.

Basado en tres secciones de la obra original de 1984, el Scottish Ballet estrenó veinte años después una versión reducida titulada “Artifact Suite”, que introdujo la CND en su repertorio precisamente en su actuación en el Palacio de Festivales en Santander. Carente de argumento, la obra se construye en tres movimientos como una exhibición del potencial máximo del clásico, del valor del trabajo del conjunto y, en especial, del cuerpo de baile, de la importancia de los elementos teatrales con esos impenitentes telones cayendo en mitad de escena. En la sección primera, un bello paso a dos sobre “La chacona” de Bach, enmarcado por treinta bailarines del cuerpo de baile; en la segunda, música de piano de Eva Crossman-Hecht acentuando la repetición para mostrar al cuerpo de baile como un complejo engranaje con una sincronía propia de la precisión suiza. Gracias a ese movimiento, se pudo apreciar el gran avance de la CND en pos de creación de una compañía compacta en la que los casi cuarenta bailarines se involucran al máximo en beneficio de la pieza de una gran belleza escénica, que casi consiguió hacer levitar a los espectadores en Santander.

Un foco enemigo

Vieja conocida de la CND, la obra “Enemy in the figure” entró en el repertorio de la compañía española en 2001, dentro de la etapa de Nacho Duato como director artístico. De corte más contemporáneo que todas las anteriores y nutrida en su origen de materiales propios de la improvisación, fue estrenada por el Ballet de Frankfurt en 1989 y aborda cuestiones como la necesidad de elección del espectador ante varios focos de acción en escena, la importancia de la iluminación en el escenario, la delimitación del espacio escénico. Una mampara ondulada cual escultura sinuosa de Richard Serra, divide el espacio escénico, pero no la acción que discurre en él. Además, la luz también adquiere un protagonismo singular: los intérpretes, ataviados con ropa estrafalaria, deben dirigir un gran foco como si fuera la manera en la que redirigir la mirada del espectador, pese a que hay acción más allá de donde ilumina el foco. Destellos de luz, sombras proyectadas, la desapacible música metálica de Thom Willems y una danza esencialmente contemporánea, convierten a “Enemy in the figure” en un curioso universo poblado de seres estrambóticos con la necesidad de subrayar, sobre todo, su soledad o individualidad ante el foco.

Con dos horas de duración, “Una noche con Forsythe” fue una buena forma de tomarle el pulso a esta CND que bien cabalga por un lugar de la Mancha de la mano del clásico “Don Quijote” o bien se aventura por los exigentes terrenos de un creador contemporáneo cuya revolución de las bases académicas le han convertido ya en un clásico. Puede que los universos de William Forsythe sean crípticos para los legos en la materia, pero la belleza que insuflan esta obras, en especial, las dos primeras, no es ajena a los espectadores. Así lo entendió el numeroso público reunido en el Palacio de Festivales de Cantabria que premió con una sonora salva de aplausos de más de cinco minutos de duración. Porque la belleza es belleza y no necesita más explicación.

Aída Badía, Agnés López y Erez Ilán, miembros de la CND, en “Enemy in the figure”, obra de William Forsythe que cerró la velada.Foto: Jesús Vallinas. Gentileza CND.

Flamantes autoridades del Teatro Colón, (de izq. a der.) María Victoria Alcaraz, Paloma Herrera, Horacio Rodríguez Larreta, Enrique Diemecke y Diego Santilli. Foto: Sandra Hernández. Prensa GCBA.

Hace menos de una semana las autoridades del Teatro Colón de Buenos Aires anunciaron a Paloma Herrera como directora del Ballet Estable del Teatro, tras las renuncias de Dario Lopérfido de la dirección del teatro, y de Maximiliano Guerra como director de la compañía de ballet, luego de enfrentamientos con los bailarines.

La Directora General del Teatro Colón, María Victoria Alcaraz, nombró en reemplazo de Lopérfido para ocupar la Dirección General de Programación y Producción Artística del primer coliseo al maestro Enrique Arturo Diemecke, de larga trayectoria en el teatro, y quién desde 2007 se desempeña como Director Musical de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires.

Herrera, que comenzó su carrera en ese teatro, y desde muy pequeña deslumbró con roles como “Amor” en “Don Quijote”, para luego entrar, con apenas 15 años como cuerpo de baile en el American Ballet Theatre (ABT), compañía con la que bailó hasta 2015, año de su retiro. A su vez, la bailarina fue la primera en la historia del ABT en llegar a la categoría de bailarina principal con 19 años.

“Acepto este reto con un enorme orgullo y agradecimiento -dijo Herrera, al recibir la noticia-. El Colón me dio todo, amo esta casa en la que crecí desde muy niña. Es una gran satisfacción para mí devolverle al Teatro todo lo que me dio y poder proyectar a nuestro extraordinario cuerpo de baile al mundo”.

Como primera bailarina del ABT, Herrera fue una de las pioneras del “boom” de bailarines latinos en los Estados Unidos, fenómeno que reemplazó el protagonismo de los rusos exiliados de la década de los ’80, y fue una de las bailarinas más reconocidas a nivel internacional. Invitada en compañías como el New York City Ballet, el Tokio Ballet, el Kirov Ballet de San Petersburgo, el Bolshoi Ballet, el Kremlin Ballet, el Ballet Nacional de Cuba, y otras, también partición en innumerables galas, entre ellas, la Gran Gala de Homenaje a Maya Plisetskaya y la Gala de Despedida de Alessandra Ferri en Japón.

Coreógrafos reconocidos internacionalmente como Twyla Tharp, Nacho Duato y James Kudelka, crearon roles principales para ella, y a lo largo de su carrera trabajó con una diversidad de coreógrafos tales como Jiri Kylian, William Forsythe, Alexei Ratmansky o Benjamin Millepied. Su despedida del Teatro Colón, fue en octubre de 2015 con “Romeo y Julieta”.

Además de felicitar a los funcionarios entrantes, el Jefe de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, Horacio Rodríguez Larreta, destacó que durante la gestión de Lopérfido se incrementó la asistencia de público. También fueron parte de la programación figuras de nivel internacional y argentinos que triunfan en el exterior, como Marcelo Álvarez, Marianela Núñez, Ludmila Pagliero y Alejo Pérez. Y entre otros logros, las transmisiones por streaming y la apertura de los ensayos con público en forma gratuita.

La renuncia de Guerra se rumoreaba desde hacía un tiempo debido al malestar que expresaban los bailarines de la compañía a la espera de resultados en relación a los reclamos: un grupo médico especializado, un gimnasio equipado, barras perimetrales, cambio de la iluminación en la sala 9 de julio, mayor cantidad de funciones en el teatro, más giras y más títulos por temporada. Todos estos, elementos indispensables para cualquier compañía de nivel internacional.

De hecho, durante 2015/2016, los bailarines advirtieron la pérdida de títulos del repertorio clásico y la disminución de funciones. En enero de 2017, la compañía salió a la calle con carteles que decían “Basta”, con el fin de hacer públicos sus reclamos. En medio de este entorno, la llegada de Herrera marca un nuevo tanto para las autoridades del teatro como también para los bailarines de la compañía.

Dylan Tedaldi y el elenco del NBC en “The Winter’s Tale”. Foto: Karolina Kuras. Gentileza NBC.

“The Winter’s Tale”, una de las últimas historias románticas escritas para teatro por William Shakespeare, llega al Kennedy Center de Washington, DC, en una producción del National Ballet of Canada (NBC). Con coreografía del inglés Christopher Wheeldon, la pieza se estrena por primera vez en los Estados Unidos en el Opera House del Kennedy Center desde el 19 al 24 de enero.

La versión para ballet de esta obra es una coproducción entre la compañía canadiense y el Royal Ballet of London. Después del éxito de la adaptación de “Alice’s Adventures in Wonderland”, obra que el NBC presentó en 2013 en el Kennedy Center, Wheeldon se lanzó con esta versión para seis bailarines de una pieza importante de la literatura inglesa.

Carcomido por los celos el rey Leontes acusa de infidelidad a su esposa, la reina Hermione. Ante la sospecha de que su mejor amigo, el rey Polixenes, tiene un affaire con Hermione, decreta que el hijo que espera la reina quede abandonado en el bosque. La niña crece alejada del reino, criada por pastores que desconocían su linaje. Con el paso de los años, Perdita, la hija de Hermione, convertida en una bella pastora, captura el corazón Florizel, hijo de Polixenes, disfrazado de pastor. Desconociendo sus orígenes los jóvenes enamorados continúan su romance. Y el tiempo revela que el amor reunirá las familias y reparará los rotos corazones.

Wheeldon confesó durante el proceso de creación de este ballet: “Siempre quise llevar una obra de William Shakespeare a la danza y busqué una que no había sido adaptada al movimiento”.

La producción reúne el equipo creativo de “Alicia”, integrado por Bob Crowley, en escenografía y vestuario, y Natasha Katz en la iluminación. La partitura es de Joby Talbot.

La obra tuvo su premier en Londres en la Royal Opera House en abril de 2014, y el NBC hizo su estreno mundial en noviembre de 2015 en el Four Seasons Center for the Performing Arts en Toronto, Canadá.

“Es una historia problemática y un reto para cualquier director –afirmó Wheeldon–. Pero en teatro la ventaja es que tiene seis papeles principales y el ballet deja incorporar nuevas ideas”.

Establecida como compañía clásica por su primera directora artística, Celia Franca, en 1951, el NBC tiene sede en Toronto. En el año de su creación, se realizaron audiciones en todo el país y lograron reunir 29 bailarines. En noviembre de ese mismo año presentaron el primer programa en el Auditorio Eaton, que incluía “Las Sílfides”y los “Bailes Polovtsianos” de “El Príncipe Ígor”.

Actualmente, la compañía incluye en su repertorio obras de los más celebrados coreógrafos del siglo XX y XXI, tales como Sir Frederick Ashton, George Balanchine, John Cranko, William Forsythe, James Kudelka, Jiří Kylián, John Neumeier, Rudolf Nureyev, Glen Tetley, Wheeldon, Wayne McGregor y Alexei Ratmansky. Además de piezas del repertorio clásico, el NBC también incorpora obras de danza contemporánea, promueve la creación de nuevos ballets y el desarrollo de jóvenes coreógrafos canadienses.

Información:
Kennedy Center
Tel:: (202) 467-4600
www.kennedy-center.org.

Julie Kent y Marcelo Gomes, en “Manón”, durante la gala de los 75 años del American Ballet Theatre en el Metropolitan de Nueva York. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

En las tres horas que duró la función, los asistentes, ataviados con sus mejores galas, pudieron conocer la historia fascinante del American Ballet Theatre (ABT), desde su fundación en 1940 por Lucia Chase, hasta llegar al presente.

Alfombra roja mediante, en esta gala de los 75 años, que se realizó en la temporada de primavera del Metropolitan Opera House de Nueva York, nadie faltó a la cita el lunes 18 de mayo, una semana después de la apertura de la temporada, uno de los acontecimientos más importantes que todos los años se apodera de la ciudad.

El programa incluyó igualmente, una variedad de épocas y coreógrafos, entre los que pudieron contarse los antiguos como Bournonville, o los modernos como Twyla Tharp. Cerca de 460 obras de más de 150 coreógrafos, desde Marius Petipa, George Balanchine, Aaron Copeland, Antony Tudor, Agnes de Mille, Jerome Robbins, Paul Taylor, Jiri Kylian y Alexei Ratmansky, entre otros tantos, formaron parte del repertorio de la compañía en estos 75 años.

Entre los bailarines que, una vez más, brillaron durante el programa, cabe mencionar a dos de los pocos hispanos que van quedando en la compañía, Herman Cornejo, siempre exquisitamente clásico, y el potente Marcelo Gomes, quien muchos llaman el mejor partenaire del ABT. Y las tres ballerinas que ya  se retiran en esta temporada -quizás indebidamente-: Paloma Herrrera, Jullie Kent y Xiomara Reyes.

Cuando cae el telón, una ovación para Paloma Herrera, que se despide de la compañía. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Herrera, descolló con sutileza en “Tchaikovsky Pas de Deux”, de Balanchine. Mientras Kent, interpretó una Manón como pocas, en el dueto del dormitorio de la obra del mismo nombre de Kenneth MacMillan. Junto a Gomes, ambos estuvieron sencillamente conmovedores. Xiomara Reyes, puso gracia y humor en la Cowgirl de “Rodeo”, de de Mille.

Quiénes serán las sustitutas? Al parecer, si antes en  el ABT se hablaba español, ahora se oye demasiado ruso o ucraniano.
Una larga lista de fragmentos de obras que fueron clave en el repertorio de la compañía formaron parte del programa de esa noche. Misty Copeland, una de las estrellas ascendentes, interpretó Odette/Odile de “El Lago de los cisnes”, un rol que bailará por primera vez en esta temporada.

El inolvidable Mikhail Baryshnikov, que también fue director de la compañía antes de Kevin McKenzie, apareció en un video que hizo estallar a la platea. De la misma manera que Caroline Kennedy, desde su misión diplomática en Japón, dio el presente en una noche tan especial. Su madre, Jacqueline Kennedy Onassis, fue una de las figuras más importantes que bregó por la subsistencia del ABT a lo largo de los años. Al punto que la escuela lleva su nombre.

Al final, los aplausos y los homenajes llegaron también para despedir a Paloma Herrera, que hará su última función con el ABT el miércoles, matiné, con “Giselle”, junto a Roberto Bolle, el mismo partenaire que eligió Alessandra Ferri para dar su adiós al escenario del Met hace varios años atrás.

sssssaLa temporada continuará hasta el 4 de julio, que cerrará con el debut de la argentina Marianela Núñez, primera bailarina del Royal Ballet de Londres. Sólo resta desear a la compañía otros exitosos 75 años.

El Ballet Nacional de Cuba presentó un ciclo dedicado a los creadores en el Taller Coreográfico II. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

El Ballet Nacional de Cuba, la principal compañía clásica de las Antillas, que tiene por mentora y directora general a la eximia ballerina Alicia Alonso (a punto de cumplir sus 94 primaveras), decidió comenzar su temporada –previo al Festival internacional de ballet de La Habana, cada dos años desde el 28 de octubre–, con una segunda serie de estrenos realizados en un Taller Coreográfico.

Estas nuevas jornadas incluyeron ocho estrenos y una reposición, en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional, entre ellos cinco estrenos absolutos. De este último grupo sobresalieron las piezas creadas por dos experimentadas y laureadas en la escritura coreográfica contemporánea, ambas ex bailarinas de formación académica: Maysabel Pintado y Tania Vergara, así como el bailarín Lyván Verdecia (22 años), miembro activo del cuerpo de baile del BNC y autor de la obra más notable, para este cronista, de la edición precedente, es decir “El Retrato”, un dueto para Jessie Domínguez y Alfredo Ibáñez. Esta vez, la equidad de género se mantuvo en la cifra de cuatro por cada nueva coreografía. En cuanto a la creatividad, también estuvo equilibrada con los talentos bisoños.

Comentaré lo presentado sobre las observaciones del programa en sólo dos ocasiones, y he preferido comenzar con aquellas coreografías que, opino, podrían ingresar en el repertorio activo del BNC (por supuesto, la entusiasta respuesta a las mismas, de la nutrida audiencia corroboran lo dicho).

Existen varios puntos, señalados por el notable joven coreógrafo británico Christopher Wheeldon –al participar hace algunos años, en un panel en dos partes llamado “Artists Making Work” y “Artists Finding an Audience”), en la carrera de un creador: ¿qué inspira, asiste o impulsa la coreografía?, dijo en el primero, y luego, habló de la variedad de tópicos que pueden afectar o influir la composición y la consideración del público en el proceso creativo.

Como muchos saben, Wheeldon coreografió su primer ballet a la edad de siete años (un Lago de los cisnes), y se tomó seriamente la coreografía a los once años. Hoy es una celebridad ocon un enorme catálogo de éxitos, en varias de las más importantes compañías de ballet del mundo. Como bailarín, creció y maduró entre los clásicos, primero en el The Royal Ballet y, posteriormente, en el New York City Ballet (bajo la dirección de Peter Martins), donde pudo ver a los “bailarines hambrientos por espacio y de ballets que canten”. Sus motivaciones creativas son de tres tipos: “Amo hacer ballets que estimulen a los bailarines como artistas; estoy interesado en adoptar el vocabulario clásico y emplearlo de maneras nuevas. Mi mayor ímpetu creativo es el comunicar con el público, siempre trato de transportarlo” y, añadió: “me gusta retroalimentarme a partir del público”. Los encuentros “cara a cara” con los artistas y sus procedimientos, a menudo, hacen caer las barreras y crean una sensación de comunidad.

Igualmente, podremos citar al praguense Jirí Kylián, un coreógrafo por antonomasia, cuya coreografía está estructurada y musical, todo está colocado con precisión y de una manera orgánica, con una aproximación de tipo arquitectónico al cuerpo en movimiento, mientras que está bailando. Según algunos estudiosos europeos de su obra: (…) uno mismo está obligado a interesarse aisladamente de su coreografía. No obstante, sabemos que en su interior hay una historia o una enseñanza moral.

Diferentes estilos y una diversidad de propuestas se presentaron en esta nueva edición del Taller Coreográfico II. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

En general, los críticos también difieren en cuanto a los diferentes grados relativos al énfasis que, en un artículo o ensayo, le asignan a la descripción, interpretación y a los juicios de valor. Algunos de ellos, con reticencia, se resisten a la tentación de calificar las piezas como una obra de arte, fundamentando su posición al decir que tales ejercicios proponen poco más que expresiones subjetivas de gusto y que este tipo de preferencias están más allá de toda discusión.

Muchos críticos estiman que los juicios de valor son inevitables y que constituyen la responsabilidad fundamental del crítico. La palabra criticar viene del griego “krinein”, que significa “juzgar”.

Mis disculpas a los lectores, pero me pareció necesaria, como preámbulo a la expresión de mis criterios al respecto de lo presentado en esta segunda edición del Taller Coreográfico del BNC.

“Preludios en la noche”, es el título enigmático de la coreografía concebida por Maysabel Pintado, con música original para piano creada por su esposo compositor y tecladista sobresaliente, Dennos Peralta, colaborador habitual de sus piezas precedentes.

Es una breve pieza coral para cinco hombres (de negro) y cuatro mujeres vestidas en sobrios trajes cortos de cóctel en brillantes colores, y la chica vestida de rojo es la única en puntas, bien estructurada y musicalmente coherente con esta danza–teatro a lo Tudor (Antony), donde se suceden escenas de amor y desamor, tal una íntima “sexy–war” de solamente 20 minutos.

También debo destacar el dueto de siete minutos “Sobre un hilo” de Lyvan Verdecia –autor de El retrato, dueto repuesto ahora y retrabajado con los mismos intérpretes del estreno–, quien inteligentemente eligió a la talentosa bailarina Grettel Morejón, como su partenaire en la escena. Esta miniatura se benefició con la elección de una música “indie” de Badmarsh and Sari y de los figurines logrados por el diseñador Ricardo Reymena: ellos en negro sobre un hermoso telón de fondo puntillista contrastante, con acentos en las difíciles cargadas cercanas al contact.

“PiazzollaX6″ –como el estreno mundial de cierre para esta segunda serie– es una producción de apenas un poco más dd 15 minutos, realizado por la experimentada y laureada coreógrafa Tania Vergara, también directora artística de Endedans. Como deben suponer por el título, el apoyo musical se debió a una selección de piezas para cuarteto de cuerdas del ilustre músico argentino Astor Piazzolla. Aquí, fue ejecutada y “danzada” por cuatro bellas jóvenes músicos en vivo, interactuando con la pareja solista, una soprendente Viengsay Valdés, toda en negro sobre puntas de acero y con un violín en ristre, y secundada por Víctor Estévez, en una demostración, ambos de gran sentido del humor y comunicación eficaz con el público, sin duda no faltaron los giros y balances soberbios de Valdés y los amplios jetés y manejes por Estévez. Una joyita de apenas seis minutos, con un pícaro “gag” final que quedará en nuestros
“afterimages” (como diría la veterana colega de la crítica neoyorkina, Arlene Croce).

“PiazzollaX6″, estreno mundial de Tania Vergara. La pareja solista estuvo protagonizada por Viengsay Valdés y Víctor Estévez. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Las jornadas, como fueron concebidas por la dirección del BNC, abrieron con “Concerto”, tal vez el estreno de más larga duración de la noche, del coreógrafo cubano residente en Francia, Carlos Luis Medina (en el Ballet de Toulouse, que dirige Kader Belarbi). Es un difícil ejercicio de “danse d´ école”, con reminiscencias de los ballets blancos de Serge Lifar, con el soporte musical de dos conciertos, uno de Mozart y otro de J.S. Bach, el cual no logró insertarse plenamente con el “todo” proyectado para esta ocasión, tal vez por sus convencionalismos gestuales, pero era algo necesario realmente para enriquecer a los bisoños bailarines (de ambos sexos) del “corps”, no habituados a la limpieza requerida por este estilo tan francés, de gran rigor estilístico –la línea con rodillas estiradas hasta el empeine y el punteo de sus dedos, el “en dehors”, los épaulements, los démi–pliés y los pasos de transición– del  que vimos, en la mayor parte de los danzantes, aproximaciones, precisiones musicales al margen. Criterios personales aparte, no nos convenció el anticlimático final con campanadas marcando la temporalidad humana.

Igualmente disfrutamos de (SAFE), un trio para dos bailarinas y un bailarín del coreógrafo Raúl Reinoso, uno de los más juveniles miembros de Danza Contemporánea de Cuba, con apoyo musical muy adecuado, compuesto por el francés René Aubry. Después, vino El Retrato, de la bailarina Regina Hernández para tres parejas y elaborado de conjunto con una pareja de músicos cubanos, Juan Leyva y Rosa Galván, con unos simpáticos figurines debidos al diseñador Frank Álvarez. En esta pieza, la coreógrafa nos parece que ha superado ciertas puerilidades de la precedente creación mostrada en la primera edición de estos talleres.

Por últimos, nos ocuparemos brevemente de dos miniaturas que decidieron confrontarse en esta su primera ocasión: talentos versus público y crítica. Empero no alcanzaron altas calificaciones: de Juan Carlos Hernández la pieza para cuatro bailarines, 3D, una pedestre humorada de cinco minutos con música de Mozart (la conocida Sonata No. 6), y, finalmente, el dueto intrigantemente denominado SDOS de la bailarina Ariadna Suárez para Lyván Verdecia y la benjamina Chanell Cabrera, sobre una música para cello y piano del francés Gliére, donde ejecutan una serie de difíciles cargadas de un tono satírico a sus fugaces encuentros pasionales, con referencias chaplinescas.

El programa aniversario de los 50 años del Boston Ballet cerró en el Lincoln Center de Nueva York con “Bella Figura” de Jiri Kylian. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza BB.

Para una corta temporada de sólo cuatro días, el Boston Ballet (BB) visitó por primera vez la capital del mundo de la danza, aprovechando asimismo la oportunidad para celebrar su temporada número 50 en el teatro Koch del Lincoln Center de Nueva York.

Mikko Nissinen, director artístico, combinó dos interesantes programas para los neoyorquinos. En uno de ellos, cuatro piezas de distintas épocas y estilos: “Sinfonía en Tres Movimientos” de George Balanchine, sobre la áspera música de Igor Stravinsky; “La Siesta de un Fauno”, de Vaslav Nijinsky, que utiliza la hermosa partitura de Claude Debussy, y “Plan to B”, de Jorma Elo, coreógrafo residente del BB, con acompañamiento de Heinrich Ignaz Franz von Biber. El programa cerró con “Bella Figura” de Jiri Kylian, sobre música de variados compositores de distintas épocas; modernos como Lukas Foss, pasando por Pergolessi, Vivaldi y otros.

El público que ocupaba el teatro parecía medir los aplausos a los solistas en principio, pero pronto la interpretación sobre la coreografía del llamado “dueño del teatro” (Balanchine, para más señas), fue del agrado de todos.

Altan Dugaraa, como el Fauno, en la obra de Nijinsky, logró captar los ambiguos movimientos que la mente ya alterada de Nijinsky había diseñado para él mismo, primer intérprete de la obra. El estreno, ocurrido en París en 1912, causó casi una revolución en el teatro: el público se marchó, indignado,  en señal de protesta. La coreografía del joven Nijinsky molestaba en su sensibilidad a la mayoría de los asistentes por estimarla “lasciva”. El gran Nureyev, al interpretarla casi media centuria después, hizo resaltar el mismo gesto, pero ya el público moderno aplaudió a rabiar todas esas “excentricidades”.

“Plan to B”, estrenada en 2004, con vestuario original del propio coreógrafo, resultó la gran sorpresa de la noche. Cinco intérpretes: Dusty Button y Whitney Jensen, junto a Bud Busby, Jeffrey Cirio, John Lam y Sabi Varga. La obra tuvo una exactitud de movimientos entre los cinco bailarines, que sólo puede ser catalogada de magnífica. Además de incluir elasticidad, que mereció una gran ovación de pié.

Ya con el ambiente caldeado, la pieza final de Jiri Kylian deja mucho que pensar. ¿Desea acaso el coreógrafo que el público se sienta cómodo observando desnudos en la escena, igual de parte de los bailarines que de las bailarinas? Por otra parte, las enormes sayas rojas que todos vestían, parecían bellos globos inflados, robando la total atención de los presentes.

La noche cerró con una pregunta: ¿habrá pronto una segunda visita del BB a la Gran Manzana? Y un deseo: que no se haga esperar mucho.

Rudolf Nureyev montó con el ENB su versión de “Romeo y Julieta” de Prokofiev. Foto promocional del homenaje a RN por el ENB.

Tamara Rojo apunta a mantener el nivel artístico-técnico de los clásicos, así como de la contemporaneidad con programas que muestren un hilo conductor cuando son los llamados ‘’triple bill’’ (tres ballets en una noche). Entonces busca un título que refleja, más o menos, el sentido general o “mood” del espectáculo. Por ejemplo, este se llamó ‘’Ectasy and Death” (Extasis y muerte), que incluyó: “La Petite-Mort”, de Jiri Kylián, “Le jeune homme et la mort”, de Roland Petit, y cerraba con ‘’Etudes’’ (montado por Jhonny Eliassen, quien lo bailó mucho tiempo y es el responsable de reponerlo por medio mundo, y prácticamente estuvo dos meses con el ENB). Para el montaje de la pieza de Kylián viajaron dos de los bailarines que lo estrenaron, y para la obra de Petit estuvo Luigi Bonino, encargado de las reposiciones por la Fundación Petit. Y contamos, como bailarín invitado, a Nicholas le Riche, estrella de la Ópera de París.

Después vino el Homenaje a Rudolf Nureyev. Era con el ENB que Nureyev realizaba sus grandes festivales en Londres, y fue en esta compañía donde monto su versión de ‘’Romeo y Julieta’’ de Prokofiev. Desde sus bailarines fundadores, Alicia Markova y Anton Dolin, podemos ver la constelación sucesiva de famosos que han bailado con el ENB, no solamente ingleses, sino de todas partes del mundo.

Por ejemplo, en el presente tenemos a Vadim Montagirov, uno de los bailarines clásicos más asombrosos sobre la escena mundial en los últimos tiempos. Formado en Kiev, ganó el Grand Prix de Lausanne, que le permitió estudiar en la Escuela del Royal Ballet, sin embargo al graduarse decidió integrar las filas del ENB. Hasta ahora bailaba los grandes clásicos solamente, pero lo motivamos para que bailara también la otra dirección: los contemporáneos.

Alban Landorf, proveniente del Danish Ballet, otra de las grandes promesas de la danza planetaria, fue invitedo para bailar ‘’Etudes’’, quien se sentía en su salsa, puesto que lo conoce desde niño como estudiante en la escuela de Copenhague. Es un virtuoso, brillante, y gran artista. (En Rusia, resultó ganador este ano del Premio Benois de la danza, ex aequo con Montagirov, en la categoría hombres).

El cierre de temporada fue el programa Homenaje a Nureyev, montado con ayuda de la principal “ballet mistress” del Ballet de L’ Opéra de Paris, Clotilde Vayer, con la cual trabajé armoniosamente en años precedentes. Este espectáculo incluyó ‘’Petrouchka’’; ‘’El canto del compañero errante” y finalizaba con ‘’Raymonda’’ (primer ballet montado por Nureyev para el Royal Ballet). Vayer repuso con el ENB la versión de Nureyev para el Ballet de la ‘Opera de Paris, que difiere de las anteriores debido a una serie de variaciones agregadas por él mismo.

Hubo tres elencos alternantes para ‘’Petrouchka’’, en el cual debutó el cubano Jonah Acosta (sobrino de Carlos), como El Moro, quien defendía un rol carente de pasos acrobáticos, por lo cual debía demostrar sus dotes histriónicas en su interpretación. Para ‘’El canto…’’ viajaron a Suiza con los bailarines elegidos para la obra, ya que la Fundación Béjart-Lausanne es muy celosa con las reposiciones de los títulos de Béjart para otras compañías: ellos lo revisan todo al detalle, y solicitaron que los acompañara, teniendo en cuenta el periodo largo que trabaje allí con el propio autor.