Danzar por la Paz presenta “Novena Sinfonía”, de Mauricio Wainrot, interpretada por el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Foto: Carlos Furman.

En el Día Internacional de los Derechos del Niño, que se celebra el 20 de noviembre, se realizará por primera vez en Uruguay la edición número 16 de Danzar por la Paz. Y esta vez será a beneficio de UNICEF Uruguay. De esta manera, Uruguay se convierte en el quinto país de América en recibir la gala, después de Chile, Brasil, Argentina y Estados Unidos.

Debido a la pandemia de COVID-19, la gala tendrá un formato televisivo con alcance nacional y mundial, se transmitirá al público uruguayo por canales nacionales y privados y al mundo por Canal de YouTube UNICEF Uruguay. Contará con la conducción de la actriz uruguaya Natalia Oreiro, la ex bailarina del American Ballet Theatre y ex primera bailarina del Ballet Nacional del Sodre, María Noel Riccetto, ambas embajadoras de UNICEF, y el homenajeado de esta edición será Julio Bocca,.

Participarán de este encuentro internacional Ludmila Pagliero, Etoile de la Opera de París, quien bailará un fragmento de “Dance at a Gathering”, la clásica coreografía de Jerome Robbins, acompañada por el francés Karl Paquette. Se suman al programa el Ballet de Santiago del Teatro Municipal, São Paulo Companhia de Dança, Ballet Nacional del Sodre y el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín con un fragmento de la “Novena Sinfonía” de Mauricio Wainrot en conmemoración de los 250 años del nacimiento de Ludwig Beethoven.

La gala benéfica Danzar por la Paz que, por iniciativa del coreógrafo y ex bailarín Leonardo Reale, se realiza junto con Unicef, tiene como propósito ayudar a los niños necesitados de diferentes países. Su primera función fue en 2014 en el Teatro Nacional Cervantes, donde asistieron las compañías mas importantes de la Argentina, y luego de esta primera experiencia el proyecto fue creciendo y se extendió a otros países.

Ludmila Pagliero, Etoile de la Opera de París, acompañada por el francés Karl Paquette bailará “Dance at a Gathering”, de Jerome Robbins. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza DplP.

La iniciativa de este año busca recaudar fondos para UNICEF Uruguay y “celebrar los derechos de los niños, niñas y adolescentes reimaginando el mundo que queremos para ellos y colaborando para lograrlo”, resumió la agencia dependiente de la ONU en un comunicado.

UNICEF comparte los valores que promueve la gala, los cuales se fundan en la no violencia y que, en este caso, se materializan a través de la danza y coinciden con la propuesta integradora de UNICEF.

A lo largo de estos seis años Danzar por la Paz es uno de los eventos culturales más importantes de las Américas, donde a través de la danza se logra concientizar y comunicar los ideales de la Paz y la no violencia. Por otra parte, esta gala contribuye a financiar programas locales comprometidos con estos valores indispensables en un mundo cada vez más global.

Será la primera vez que la gala tome un formato netamente televisivo, que tendrá alcance nacional en Uruguay con la emisión especial que llevarán a cabo Canal 10, Charrúa TV, Montecable, la Red Uruguaya de Televisión, Canal 12 Melo, Canal 3 Artigas y la Cámara Uruguaya de Televisión para abonados, entre otras emisoras. En el resto del mundo el espectáculo podrá seguirse desde las 22:45 hora del Este a través del canal oficial de YouTube de Unicef Uruguay.

El Ballet Nacional del Sodre, dirigido por Igor Yebra formará parte de este encuentro para recaudar fondos para UNICEF-Uruguay. Foto: Carlos Villamayor

Programación 
Gala Danzar por la Paz – Dirección artística Leonardo Reale

“Raymonda” (fragmento grand pas 3er acto) – Ballet de Santiago del Teatro Municipal, Dirección Marcia Haydée
Música: Aleksandr Glazunov - Coreografía: Luis Ortigoza sobre original M.Petipa

“Suite Encuentros” (fragmentos) - Nacional Sodre, Dirección Igor Yebra
Música: A. Piazzolla – Mariano Mores - Coreografía: Marina Sanchez

“Melhor Unico Dia” (extracto) - Sao Paulo Companhia de Dança, Dirección Inés Bogea
Música: Creación original de Pupillo con voz de Céu-Coreografía:Henrique Rodovalho

“Dance At A Gathering” (fragmento) -  Pagliero – Karl Paquette, Etoiles Opera de Paris
Música: Frédéric Chopin - Coreografía: Jerome Robbins

“Novena Sinfonía ” (fragmento del 4to movimiento) - Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, Dirección Andrea Chinetti y Miguel Elías
Música: Ludwig Beethoven - Coreografía: Mauricio Wainrot

Yansiel Pujadas y solistas del BNC interpretaron “Poema del Fuego”, de Alberto Méndez, estrenado en 1983 por Jorge Esquivel. Fotos cortesía BNC.

El baluarte cubano de la danza académica, el Ballet Nacional de Cuba, nos entrega la primera temporada post-Alicia Alonso –la sempiterna prima ballerina assoluta y cofundadora–, ahora con la primera bailarina Viegnsay Valdés con la responsabilidad plena como directora artística (no obstante, en los programas de mano aparece aún con el prefijo “sub”), en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana que lleva el nombre de la eximia Alonso, recientemente despedida físicamente con todos los honores populares y oficiales.

En dos atractivos y optimistas programas, el BNC nos permitió valorar una acertada elección de títulos, ora por su variedad de estilos ora por sus novedades creativas. En sucesivos fines de semana, presentaron dos estrenos y tres reposiciones, debidos a destacados coreógrafos con evidentes valores ideo-estéticos, pero de generaciones y culturas disímiles. Algo que considero de suma importancia para el enriquecimiento formativo profesional de un cuerpo de baile -en el presente- mayoritariamente integrado por jóvenes que apenas superan la veintena.

Entre las reposiciones pudimos disfrutar la exhumación de una admirada pieza del coreógrafo cubano Alberto Méndez, actual asistente de la dirección artística-, como es el caso de “Poema del Fuego” inspirada por la música homónima de Alexander Scriabin. Este ballet en un acto fue estrenado en 1983, y en el rol principal figuraba el estelar bailarín Jorge Esquivel. Después de su defección de la compañía, nunca más se repuso esta obra. Actualmente, la obra se reciente por la carencia de un bailarín que supere tal referencia, con la alternancia de dos bailarines del cuerpo de baile con biotipos distintos asumieron con fuste y sólida técnica al dios mitológico del fuego, empero sin la madurez interpretativa requerida. Ciertamente, algunos ballets centrados e inspirados por un bailarín o bailarina “fuera de serie”, es mejor dejarlos dormir hasta que aparezca ese ser irrepetible (recordemos aquellos creados para Nijinsky, y los guiños al “Apolo” de George Balanchine)

Luego, retornó “Celeste” (2014), de la coreógrafa colombo-belga Annabelle López-Ochoa, ballet neoclásico coral inspirado por el Concierto para violín y orquesta en Re mayor de P. I. Tchaikovsky, para tres parejas solistas y reducido cuerpo de baile, donde el vestuario y el diseño de luces nos transporta a un mundo azul celeste. Esta creación para la compañía fue posible gracias al apoyo del British Friends of BNC.

Del coreógrafo brasileño Ricardo Amarante se presentó “Love, Fear, Loss”, ballet de estilo neoclásico ejecutado al piano por Marcos Madrigal. Fotos cortesía BNC.

Para la semana siguiente, acometieron la valiente tarea de reponer uno de los emblemáticos títulos de danza académica en el repertorio activo, con el rigor estilístico que requiere esta joya del ballet del siglo XX, precursor de la modernidad, “Las sílfides” (1907) –también conocido como “Chopiniana”- en un montaje de Alicia Alonso según la versión original de Mikhail Fokine (como ella misma ha revelado, trabajó en el ABT con el autor en 1942, poco antes de su muerte). El propio Fokine emprendió cambios para una reposición de 1908 (entonces fue rebautizado en francés como “Réverie Romantique”, siempre con música de Chopin), para convertirlo en un ballet sin argumento, pero cargado de símbolos y “con un estilo de profundo lirismo, alejado de todo amaneramiento…”.

La orquesta sinfónica del GTHAA estuvo en el foso bajo la dirección del maestro Giovanni Duarte con un soporte musical ajustado a las circunstancias. El poeta fue encarnado con sobriedad y justeza por el primer bailarín Rafael Quenedit, con una Anette Delgado estilísticamente modélica, arropados por una sobrevalorada ejecución del cuerpo de baile femenino. En no pocos momentos provocó el aplauso merecido de la audiencia.

Dos coreografías por autores foráneos recibieron sendos estrenos por el BNC, y fueron bailados en dos fines de semanas por elencos alternantes. Estas piezas, de disímiles culturas y escuelas de ballet, contribuyeron a elevar la temperatura en el entusiasmo del numeroso público que colmó a tope el hermoso coliseo de la capital (en su medio milenio de fundación). En lo fundamental se debió a la entrega artística de los elencos debutantes: ambas eran demandantes de talentos interpretativos que fueran más allá de las demostraciones del virtuosismo técnico. Estas novedades los obligaba a salir de su zona de confort.

Para abrir la segunda parte del programa, vino Love, Fear, Loss (2012), del coreógrafo brasileño Ricardo Amarante (responsable igualmente del vestuario y las luces). Es un ballet para tres parejas, de estilo neoclásico e inspirado en la vida de la gran cantante francesa Edith Piaf (1915-1963), así como en sus “antológicas interpretaciones de tres obras que, de alguna manera, son fiel reflejo de su trágica vida amorosa”. Esta pieza (deudora de otros referentes creados por Jerome Robbins), tuvo su premier en 2012 por el Ballet Real de Flandes, en Amberes, y por cuya creación recibió el premio de la Asociación Francesa de la Danza. Su estreno cubano tuvo un IVA en el soporte musical, pues contó con la privilegiada ejecución al piano en escena de Marcos Madrigal considerado uno de los más talentosos músicos cubanos de su generación del siglo XXI, residente en Italia actualmente. Ejecutó con pasión y rigor las transcripciones para piano realizadas por Natalia Chepurenko, que incluye temas de Jacques Brel, Charles Dumont y de la propia Piaf. Hubo distinguidas interpetaciones, como las de Chanell Cabrera y Sadaise Arencibia, pero la más descollante interpretativa y técnicamente fue la pareja formada por Claudia García y Adrián Sánchez (el auditorio los gratificó en pie).

Para el cierre, llegó el plato fuerte de la noche: el celebrado ballet “Concerto DSCH”, del coreógrafo ruso-norteamericano Alexei Ratmanski, que fuera creado originalmente para el New York City Ballet en 2008, inspirado en el Concierto para piano, No.2 en F mayor, Opus 102, del afamado compositor ruso Dimitri Shostakovich. Dado el éxito conseguido por esta obra, ya ha ingresado en los repertorios de otras grandes compañías: Ballet del Teatro alla Scala de Milán, en 2012, y el Ballet del Teatro Mariinski de San Petersburgo, en 2013.

La entrada de esta obra, en 2019, en el vasto repertorio del BNC resulta un acontecimiento significativo, entre otras cosas, porque es el primero bajo la dirección artística de Viengsay Valdés (que baila en él, como solista), así como primero después de la desaparición física de Alicia Alonso.

En segundo lugar, porque constituye un reto para los noveles bailarines de la compañía, ya que se enfrentan al estilo muy particular de Ratmaski; por sus atrevidas audacias dentro del neoclasicismo balanchiniano, donde lo abstracto se funde con “sutilezas y sugerencias” narrativas, donde transpira el optimismo y la euforia al bailar.

Si la construcción de sus bailes son totalmente diferentes, los aficionados al ballet podrían hallar claras referencias con “Concerto” (1966) del inglés Kenneth MacMillan (particularmente en el movimiento lento), así como derivaciones de otro maestro predecesor, George Balanchine, en su canónico “Ballet Imperial”, de 1941, actualmente conocido como “Tchaikovsky Piano Concerto No.2”, al utilizar a dos primeras bailarinas y tres solistas masculinos, quienes bailan todos en sucesivos episodios del primer movimiento. Ratmanski aprehende recursos de sus precursores, empero en tanto que un maestro, los recrea con libertad y frescura.

Es evidente que domina las formas puras del ballet académico, mas también nos muestra fuertes elementos de lo que popularmente calificamos como danza de carácter o démi carácter. Además, no abandona importantes aspectos de la caracterización en las interpretaciones dramáticas.

El final de “Concerto DSCH” se convierte en un despliegue abrumador de círculos por separado y de giros como un tornado por parte de la bailarina principal, a la vez mezclados con espectaculares saltos. No obstante, es necesario señalar que los bailarines del cuerpo de baile no son grupos de mero apoyo o reflejos multiplicados de los solistas: ellos se manifiestan como sus “partners”. Fue una participación esencial como ensayador del destacado bailarín español Joaquín de Luz, que formó parte del elenco original de esta obra como miembro del NYCBallet, y en el presente es director artístico de la Compañía Nacional de Danza de España.

El desempeño del elenco cubano estuvo a gran altura, por su brillantez y el poderío técnico, particularmente las primeras bailarinas Anette Delgado, Gretel Morejón y Viengsay Valdés, el primer bailarín Dani Hernández, así como los solistas: Diego Tápanes, Narciso Medina o Chanell Cabrera, con apoyo eficiente del cuerpo de baile mixto.

Para esta producción el BNC obtuvo el generoso patrocinio de la Cuban Artists Fund y de la American Girls for Cuban Dance, con sede en los estados Unidos.

“Concerto DSCH”, del coreógrafo Alexei Ratmanski, tuvo como solistas femeninas a Anette Delgado, Gretel Morejón y Viengsay Valdés. Fotos cortesía BNC.

Dance Theatre of Harlem presentó “Dougla”, en esta nueva edición de Ballet Across America en el Kennedy Center. Foto: Rachel Neville. Gentileza JFKC.

Ballet Across America trajo este año dos compañías históricas en el país, tanto por sus orígenes como por su trayectoria. Esta vez, la serie propuesta por el al Kennedy Center rompió en cierta forma con el esquema habitual en el cual varias compañías de diferentes partes de los Estados Unidos se reunían en Washington para mostrar sus trabajos, pocas veces vistos en la ciudad. Y lo más interesante de todo es que compartían escenario en una misma función.

Esta vez, la propuesta fue diferente, pero no menos atractiva. Desde el norte y desde el sur de la costa Este del país llegaron el Dance Theatre of Harlen (DTH) y el Miami City Ballet (MCB). Ambas, fundadas por dos destacados bailarines de la troupe de George Balanchine, Arthur Mitchel y Edward Villella, y ahora, ambas, dirigidas por dos mujeres, también formadas en las filas de Mr. B, Virginia Johnson y Lourdes López.

Los dos ensambles, rompieron la tradición y se presentaron en forma separada un día cada uno. Solo el viernes 31 de mayo compartieron escenario. Esta propuesta de presentar solo dos compañías tuvo también su encanto y también ese dejo de nostalgia por los que se fueron.

Hace 50 años que Mitchel, el primer bailarín afroamericano que integró el New York City Ballet, durante la dura época de la lucha por los derechos civiles, fundó la primera compañía integrada por bailarines afroamericanos. Hoy, la troupe es un símbolo de la diversidad y la inclusión.

El DTH abrió el programa con la obra de la coreógrafa afroamericana Dianne McIntyre, “Change”, de 2016, con música gospel interpretada por el coro Spelman College Glee Club. La pieza, solo para tres mujeres, tiene predominio de tonalidades en negro, beige y marrón. Esas tres mujeres, que en un rito casi tribal se ensamblan a través de diferentes secuencias construyen esta interesante obra, intensa y dramática dentro de la abstracción.

“Passage” de Claudia Schreier, con música del violinista Jessie Montgomery también puso su impronta reflexiva acerca de un mundo que no ha podido desembarazarse totalmente del estigma de la discriminación. La obra, de 2019, fue encargada por el Virginia Arts Festival para celebrar los 50 años del DTH y en conmemoración de los 400 años de la llegada de los primeros esclavos africanos. Diseñada para 12 bailarines, Schreier logra controlar con inteligencia las distintas secuencias y combinaciones de movimientos sobre una partitura casi dodecafónica de la que se desprenden bellas imágenes y movimientos.

Para el final, “Dougla”, de Geoffrey Holder, también autor de la música, rompe con la estricta estética Balanchiniana y se inserta en un concepto más tribal, ritual y visceral que reúne a los 20 bailarines de la troupe. Estrenada en 1974, la obra tiene una dinámica arrolladora en la que los bailarines dejan el alma.

Desde Florida

El Miami City Ballet en “Brahms-Handel”, una coreografía de Jerome Robbins y Twyla Tharp, estrenada por primera vez en 1984. Foto: Alexander Iziliev. Gentileza JFKC.

El programa del MCB, tan intenso como el del DTH trajo una de las joyas de Balanchine, “Walpurgisnacht Ballet ”, con música de “Fausto” de Charles Gounod. Este ballet que lo estrenó el NYCB en 1980, está inspirado en una celebración folclórica germana. Katia Carranza y Rainer Krenstetter, quien debutó en el rol, asumieron los protagónicos de esta obra magnífica en cuanto a belleza y estructura. Ambos impecables, acompañados por un cuerpo de baile, también impecable, cuidado y preciso.

De Kenneth MacMillan, llegó el “Carrousel pas de deux”, una pieza al mejor estilo MacMillan, con magníficas levantadas y una teatralidad conmovedora. Jenifer Lauren y Chase Swatosh, interpretaron esta obra con suma delicadeza.

“Heatscape”, del joven coreógrafo Justin Peck, quien ha comenzado a dominar la escena de la danza etadounidense, trae frescura, humor y dinamismo, al tiempo que utiliza interesantes efectos de iluminación y un decorado casi Zen, creado por Shepard Fairey y ObeyGiant.com. Dúos, tríos, escenas grupales, hacen que los bailarines corran en escena con distintas velocidades, despojados de los guiños de la danza clásica y profundizando más los códigos de la danza callejera y juvenil.

Para el final, el MCB optó por una obra conjunta de dos popes de la danza: Jerome Robbins y Twyla Tharp. Una colaboración única de ambos coreógrafos, estrenada en 1984 por el NYCB. Veintiocho bailarines, con atuendos en azul y verde diseñados por Oscar de la Renta, el famoso diseñador de modas, hacen un despliegue de talento, precisión y bravura en esta bella creación que no sólo se apodera de la nostalgia sino que, por momentos, hace sentir que “todo tiempo pasado fue mejor”. ¿Será así?

En los 100 años del nacimiento de Jerome Robbins, un potpurrí de sus más reconocidos musicales en “Something to Dance About”. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Después de más de un año sin timón, sumido en escándalos legales y laborales, el New York City Ballet (NYCB) abrió sus funciones en el Opera House del Kennedy Center de Washington DC en una forma inusual. Los dos flamantes directores y ex bailarines de la compañía fundada por George Balanchine y Lincoln Kirstein en 1948, salieron a escena a modo de presentación oficial y con la intención de asegurar que la troupe no perdería su rumbo.

En esta nueva etapa, liderada por Jonathan Stafford como director artístico y Wendy Whelan como directora artística asociada, los dos programas mixtos que presentaron desde el 2 hasta el 7 de abril, trajeron a escena un potpurrí en el que se mezclaron obras históricas y nuevas piezas de jóvenes coreógrafos que armaron un interesante caleidoscopio.

“Easy”, obra de Justin Peck, creada en 2018 para el New York City Ballet, subió a escena en el Kennedy Center del 2 al 7 de abril. Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

La primera noche comenzó con una propuesta juvenil, atractiva, dinámica, con elementos de danza jazz, de la coreógrafa Gianna Reisen, quien compuso esta pieza a los 18 años, cuando recién salía de la School of American Ballet hace apenas dos años. “Composer’s Holiday” con música de Lukas Fosses, es interesante y fresca, con una estructura clara y definida, bella y delicada, en la que los bailarines pueden lucirse tanto en grupo como individualmente. La interpretación en violín de Arturo Delmoni y de SusanWalters en piano, la pieza adquiere una magnífica armonía.

“Kammermusik No. 2”, de George Balanchine, una obra de 1978 que tuvo como protagonistas femeninas a Teresa Reichlen y a Abi Stafford. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

A la frescura de “Composer’s Holiday” se sumó “Kammermusik No. 2”, de George Balanchine, una obra que requiere gran velocidad y precisión, con una estructura compleja, en la que dos parejas y ocho bailarines transitan por intrincados pas de deux, duetos y dinámicas grupales. Esta obra de 1978 tuvo como protagonistas femeninas a Teresa Reichlen y a Abi Stafford, ambas ligeramente descoordinadas por momentos, y a un cuerpo de baile compacto.

También de Balanchine, y para cerrar el programa, una marca registrada: “Symphony in C”, creación que, a pesar del paso del tiempo sigue impoluta y en todo su esplendor. No obstante, el cuerpo de baile femenino mostró ciertas desprolijidades e imprecisiones sutiles. En tanto, las bailarinas principales, Ashley Bouder, en el primer movimiento, junto a Tyler Angle como partenaire, y Sara Mearns, en el segundo, con Jared Angle, así como las dos parejas que protagonizaron el tercer y cuarto movimiento, Baily Jones y Anthony Huxley, y Erica Pereira y Andrew Scordato, tuvieron un espléndido desempeño. Precisas y ajustadas en tiempo y estilo.

“Opus 19/The Dreamer”, de Jerome Robbins, con una pareja de lujo, Sterling Hyltin y el español Gonzalo García. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Pero sin embargo, el NYCB se mostró con su verdadera identidad y personalidad en “Opus 19/The Dreamer”, de Jerome Robbins, con una pareja protagónica de lujo, Sterling Hyltin y el magnífico  Gonzalo García, un bailarín que logra encontrar el tono justo en cada una de sus interpretaciones, excelente partenaire y de un talento muy especial.

Robbins incluye en esta obra, estrenada por primera vez en 1979, ciertas reminiscencias eslavas de su origen, y la convierte en una especie de delicada joya en la que los bailarines principales y cuerpo de baile entablan un diálogo delicado y sutil, intenso y con bellas imágenes

Robbins también protagonista del segundo programa, cuya tercera parte fue una suerte de homenaje al este multifacético coreógrafo que marcó la historia de la danza del siglo XX y ha servido de simiente para los nuevos realizadores.

“Easy”, obra de Justin Peck, creada en 2018, es un divertimento en el que los bailarines, con zapatillas y colorida ropa de calle, juegan con los movimientos. La pregunta sería, dónde está la sustancia. En el telón de fondo se proyecta un interrogante: “Who is the boss in a concerto, the soloist or the conductor?” Pero no hay respuesta.

Del coreógrafo Kyle Abraham el NYCB presentó “The Runaway”, una obra donde predomina el lenguaje contemporáneo.

Luego de una pausa, otro clásico de Robbins, “In the Night”, creación de una belleza sublime en una serie de duetos conmovedores. Sin duda, lo mejor de ese segundo programa donde el coreógrafo Kyle Abraham, tuvo su protagonismo en “The Runaway”, una obra donde predomina el lenguaje contemporáneo, con vocabulario de hip hop y “street dance”.

Al comenzar la tercera parte del programa, la imagen de Jerome Robbins vuelve a dominar la escena en “Something to Dance About”, y una sucesión de fragmentos de sus musicales más famosos para celebrar los cien años de su nacimiento. Bello final que apunta a la nostalgia.

El New York City Ballet en la obra de Gianna Reisen, “Composer’s Holiday”, que formó parte del primer programa mixto presentado por la compañía. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Herman Cornejo (ctro), Misty Copeland (izq.) y David Hallberg (der.), en “I Feel the Earth Move”, de Benjamin Millepied. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

El American Ballet Theatre (ABT) regresó al Kennedy Center de Washington DC con dos programas diferentes. El 30 y 31 de enero, la compañía dirigida por Kevin McKenzie, llegó al escenario del Opera House con un programa mixto integrado por obras de Alexei Ratmansky (coreógrafo en residencia), Jerome Robbins, Benjamin Millepied y Christopher Wheeldon. Del 1 al 4 de febrero, el ABT trajo un divertimento fresco, bello y atractivo: “Whipped Cream”, una recreación de “Schlagobers”, obra estrenada en Viena en 1924 con coreografía de Henrich Kröller. Esta pieza de Ratmansky, tuvo su premier en 2017, en Costa Mesa, California, con Daniil Simkin, Stella abrera, David Hallberg y Sarah Lane en los protagónicos.

La primera noche del ABT en DC abrió con “Serenade after Plato’s Symposium”, de Ratmansky. Una obra que intenta deshilar una dialéctica tan particular como la planteada por Platón en “El banquete”, donde los diálogos se enriquecen y juegan una constante pulseada con las ideas. Aquí, Ratmansky logra ese mismo ir y venir de las reflexiones de los comensales propuestos por el filósofo griego, hasta que finalmente llega el turno de Sócrates para llegar a la síntesis inevitable. Jeffery Cirio (con una brillante interpretación), Alexandre Hammoudi, Blaine Hoven, Calvin Royal (un bailarín interesante cuya danza impacta y atrae), Gabe Stone Shayer, Daniil Simkin yJames Whiteside, dialogan sobre el amor, la belleza, la verdad, hasta que en el final, aparece la encarnación perfecta de la belleza del amor a través de DevonTeuscher.

“Other Dances”, de Robbins, estrenada en 1976 por Natalia Makarova y Mikhail Baryshnikov, con música de Frederic Chopin, es uno de los más bellos pas de deux del repertorio neoclásico. Interpretada con corrección por Isabella Boylston y Cory Stearns, esta pieza careció de la pasión e intensidad que la hacen sublime desde todo punto de vista.

Para el final del programa mixto el ABT presentó “Thirteen Diversions”, de Christopher Wheeldon, con música de Benjamin Britten. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Con el escenario desnudo, el esqueleto de las torres de luz, las patas de las bambalinas y las paredes del fondo se convierten en parte de una escenografía donde bailarines y técnicos caminan por esos espacios de luces y sombras. “I Feel the Earth Move”, de Millepied, incorpora  palabras en la música y música en las palabras a través de una partitura del inefable e incomparable Philip Glass. Mientras, los bailarines van desplegando movimientos que combinan contact, con neoclásico y contemporáneo, carreras, saltos, giros, a través de una sucesión de tríos, dúos, cuartetos y escenas de conjunto. No obstante, la obra parece vacía, con bailarines, también vacíos, sin nada que decir. Sólo esa magia natural de Herman Cornejo despierta el interés por ver, al fin, danza de verdad. Su presencia en escena, sus saltos, sus giros, ponen a la audiencia frente a uno de los grandes bailarines de este siglo, capaz de recomponer una obra que se desvanece.

Para el final de este primer programa: “Thirteen Diversions”, de Wheeldon, con música de Benjamin Britten. La obra reúne cuatro parejas de bailarines, con un criterio minimalista y dinámico, que muestra una sólida estructura coreográfica que permite ver un cuerpo de baile atractivo y enérgico.

Un cuento de golosinas

Con música de Richard Strauss, “Whipped Cream”, de Alexei Ratmansky, estrenada por el ABT en 2017, es un ballet para los más pequeños. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC

“Whipped Cream”, un “dulce” divertimento creado por Ratmansky especialmente para los niños, no deja de encantar también a los adultos por su frescura, sus toques de humor y por los bellos diseños de vestuario y escenografía de Mark Ryden, y la iluminación de Brad Fields. A eso se suma la incorporación de muñecos encarnados por bailarines. Todo es gigante en esta puesta, menos la danza.

Con música y libreto de Richard Strauss, la propuesta coreográfica es simple, directa, pero no tan deslumbrante como los trajes y el despliegue escénico. Desde arqueros de mazapán a un príncipe café, una princesa de praliné y pequeñas cup cakes (interpretadas por graciosos y encantadores niños), a los que se suman una princesa de flor de té, un príncipe cacao, y copos de crema. Más personajes se integran como parte de esta tienda de repleta de golosinas que forman este enorme mundo de los dulces.

Pero la obra se queda sólo en ese gigantesco despliegue escénico, con buenos bailarines, una coreografía simple, y un argumento, también simple. Un niño que llega a una tienda de golosinas, come todo lo que puede, y termina en el hospital con una indigestión. En la segunda parte, llega el aspecto sombrío de la historia: el hospital, un médico alcohólico, enfermeras siniestras que le apuntan con enormes jeringas, y un escape inevitable. Otra vez, al mundo de los dulces. Solo eso.

La Gala homenaje a Maya Plisetskaya finalizó con “Raymonda divertimento”, adaptación de José Carlos Martínez, el 20 de junio en el Teatro del Generalife, Granada. Foto gentileza José Albornoz/ Festival de Granada.

La extensa carrera profesional de Maya Plisetskaya (1925-2015) también incluyó una breve etapa en la dirección del Ballet Lírico Nacional de España. La Prima Ballerina Assoluta estuvo al frente de la actualmente denominada Compañía Nacional de Danza (CND), de 1987 a 1990. Por eso, la formación dirigida por José Carlos Martínez ha querido tributar un homenaje a la diva rusa. La 65ª edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada fue el marco idóneo para echar a andar la Gala homenaje a Maya Plisetskaya, que en época navideña recalará en el Teatro de la Zarzuela, de Madrid.

Con una duración de dos horas y media, la Gala homenaje a Maya Plisetskaya fue un espectáculo variado, que recordó a la estrella rusa en algunas piezas del programa y, sobre todo, alternó pasos a dos con piezas grupales, en una clara intención de subrayar la labor del conjunto capitaneado desde hace un lustro, por la estrella retirada del Ballet de la Ópera de París. Desde el punto de vista estilístico, el espectáculo primó el lenguaje clásico/neoclásico en diversas escuelas y líneas interpretativas, aunque hizo algún guiño al contemporáneo.

Haruhi Otani y Aitor Arrieta, “Cisne Negro”. Foto José Albornoz/ Festival de Granada.

En el mágico enclave del teatro al aire libre en los Jardines del Generalife de Granada, con unas espectaculares vistas la Alhambra, y con la luna llena asomándose como espectadora de lujo, arrancó la Gala homenaje a Maya Plisetskaya con “In the night” (1970), de Jerome Robbins. Tres parejas con tres temperamentos diferentes en la ejecución, unidos en el cuadro final a modo de coda. El primer recuerdo de la velada a la estrella rusa fallecida vino con el paso a dos de “El cisne negro” (1895), extraído del tercer acto de “El lago de los cisnes” y creado por Marius Petipa. Toda apuesta conlleva un riesgo inherente y, en esta ocasión, la voluntad inequívoca de Martínez por dar la oportunidad a la cantera no cubrió todas las expectativas deseadas. Más allá de la técnica, Haruhi Otani (19 años) no supo dotarle del carácter magnético, maléfico e intrigante a Odile, mientras que Aitor Arrieta (21 años) simplemente no tuvo un buen día, porque hasta los tour en l’air que tan bien borda por su pasado en la danza tradicional vasca, no estuvieron a la altura de un bailarín que está llamado a volar alto, más pronto que tarde.

Por su parte, Alicia Amatriain, Primera Bailarina del Stuttgart Ballet, debutó como invitada de la CND, con el icónico paso a dos del balcón de “Romeo y Julieta” (1962), con coreografía de John Cranko (1927-1973), en la que para muchos expertos es la mejor versión en ballet de la tragedia shakesperiana. Con el Primer Bailarín del Staatsballett de Berlín Mikhail Kaniskin como partenaire, la premiadísima bailarina vasca realizó una exquisita interpretación de Julieta, llena de matices, y sobre todo, flotó en los brazos de su compañero, porque si algo tienen los ballets narrativos de Cranko es una dificultad extrema en todo el trabajo de portés. Una buena salva de aplausos certificó la buena acogida del bellísimo e impecable paso a dos.

Mikhail Kaniskin y Alicia Amatriain, “Romeo y Julieta”. Foto José Albornoz/ Festival de Granada.

Y de la ganadora del Premio Benois de la Dance 2016 a la Mejor Bailarina, al trabajo del coreógrafo también laureado en el Teatro Bolshoi de Moscú, el pasado mes de mayo: Johan Inger y su “Carmen” (2015). En su día, allá por 1967, Maya Plisetskaya estrenó “Carmen Suite”, con coreografía del cubano Alberto Alonso y arreglos musicales de su marido Rodion Shchedrin sobre la partitura original de Georges Bizet. La figura rusa convirtió esta pieza en una de sus cartas de presentación. Casi medio siglo después, la CND estrenó la personal visión de Inger sobre la novela de Prosper Mérimée, en la pasada temporada. De corte muy contemporáneo, la “Carmen” del creador sueco busca cambiar el foco de atención e invita a ver la historia con los ojos de un niño. Tras el embrujo del enamoramiento inocente entre los amantes de Verona de la pieza anterior, la gitana de Etxalar puso el acento más carnal y sensual en los avatares del amor. Buena muestra de la labor del elenco más contemporáneo de la CND, con la islandesa Emilía Gisladöttir en la piel de Carmen y Daan Vervoort como el atormentado Don José.

La segunda parte se inició con la “Suite número 2, op.17, III Romance”, del tristemente desaparecido Uwe Scholz (1958-2004). Gran admirador de la figura y del trabajo de John Cranko, Scholz desarrolló en su corta trayectoria una singular habilidad para los denominados ballets sinfónicos, contando como musa con la catalana Roser Muñoz. De una acusada y endiablada musicalidad extrema, las piezas de Scholz exigen una precisión cuasi matemática a los intérpretes para no dejarse en el tintero ni una semicorchea. En contraste a la pieza anterior, el clásico volvió de la mano de “Le Corsaire” (1856), con la asentada YaeGee Park y el jovencísimo Ángel García Molinero, quien le echó muchos arrestos a su esclavo Alí. La dificultad de los grandes clásicos es que los balletómanos cuentan en su retina y memoria con interpretaciones célebres de grandes iconos del ballet. Resulta muy complicado enfrentarse a ellas y emular a nombres del Olimpo del ballet.

Álvaro Madrigal, “El cisne”. Foto José Albornoz/ Festival de Granada.

Aunque fijada en la mente de los espectadores a través de la interpretación de Igor Yebra, “El cisne” (2000) supuso el feliz debut de Álvaro Madrigal en otra pieza grande, tradicionalmente asociada a Maya Plisetskaya: “La muerte del cisne”. Esta versión masculina de la obra estrenada por Anna Pavlova en 1905, fue creada por Ricardo Cue, íntimo amigo de la última Assoluta de la era soviética, para una gala en su homenaje. Los últimos estertores de un cisne parecen requerir de un bailarín con cierto poso y edad, sin embargo, Madrigal estuvo espléndido en su debut de esta pieza que necesita un sutil equilibrio entre la técnica clásica y la interpretación del rol, para alcanzar el clímax del agonizante ánade. Muchos bravos gratificaron la actuación del sevillano.

De tono bastante diferente a su primera intervención en el espectáculo, Alicia Amatriain ofreció la obra “Allure” (2012), del emergente coreógrafo argentino Demis Volpi, autor también de “The soldier’s tale”, obra por la que la bailarina donostiarra recibió el Premio der Faust, el pasado mes de noviembre. Sobre la música de Nina Simone, Amatriain dibujó un instante efímero en una mujer, todo ello en lenguaje contemporáneo y con las posibilidades técnicas que le ofrecen su versatilidad interpretativa. Aun no siendo una pieza de gala, lo mejor resultó comprobar cuánto disfruta la estrella guipuzcoana sobre un escenario.

El cierre de la Gala homenaje a Maya Plisetskaya fue majestuoso, gracias a “Raymonda divertimento”, suite de José Carlos Martínez presentada en 2013, sobre el clásico de Marius Petipa (1898). Pieza de conjunto y excelente declaración de intenciones del cartagenero de hacia dónde debe dirigirse la compañía nacional de un país: desde este clásico hasta el contemporáneo con el que finalizó el primer acto. Curiosamente y tras el magno despliegue estilístico, con mayor o menor acierto, y sobre todo, tras el trabajo exhaustivo de la CND en una velada extensa, variada y compleja, los aplausos del público –entre el que se encontraba Iñigo Méndez de Vigo, Ministro de Educación, Cultura y Deporte, en funciones- congregado en el Teatro del Generalife no correspondieron en cantidad e intensidad con el espectáculo ofrecido por la formación. Supo a poco el aplauso del respetable granadino, aunque siendo la 1.00 hora de la madrugada cuando finalizó la Gala homenaje a Maya Plisetskaya, quizás se entienda por la premura de regresar al hogar para conciliar el sueño en la cálida noche.

La CND interpreta “Carmen”, coreografía de Johan Inger, reciente Premio Benois de la Danse en el Teatro del Generalife, Granada. Foto gentileza José Albornoz/ Festival de Granada.

El Royal Ballet presenta en el cine un reciente estreno: “Carmen”, de Carlos Acosta, con Marianela Núñez como Carmen. Foto: Tristram Kenton.

“Carmen” de Carlos Acosta tendrá su première en cines de todo el mundo el jueves 12 de noviembre a las 20:15, dentro de un programa compuesto por cuatro pequeñas piezas. “Carmen”, “Viscera”, “Afternoon of a Faun” y “Tchaikovsky Pas de Deux” se reunirán sobre el escenario del Royal Opera House y se proyectarán en distintas salas de cine.

Al cumplirse 17 años de la exitosa carrera de Carlos Acosta, artista invitado del Royal Ballet, cierra su etapa como bailarín y continúa su trayectoria como coreógrafo iniciada con “Tocororo” en 2003.

Laura Morera, del Royal Ballet, en “Viscera”. Foto: Andrej Uspenski.

Hace poco menos de un mes Acosta estrenó su versión de “Carmen”, poniendo su propio estilo. En este estreno, el mismo Acosta adoptó el rol de Don José con dos bailarines de primera línea de la compañía dirigida por Kevin O’Hare, Marianela Núñez y Federico Bonelli como Carmen y Escamillo.

Con la adaptación de la famosa partitura de Bizet, realizada por Martin Yates y acompañada por músicos flamencos y el coro de la Royal Opera, “Carmen” cobra vida con los diseños minimalistas de Tim Hatley.

Este programa mixto que se verá en los cines comienza con la aclamada “Viscera”, creación del artista residente del Royal Ballet Liam Scarlet. Sensual y energizante, “Viscera” está basada en el “Concierto para piano No. 1″ de Liebermann, será interpretada por los bailarines Laura Morera, Marianela Núñez y el primer solista Ryoichi Hirano.

“Afternoon of a Faun”, con Vadim Muntagirov y Sarah Lamb. Foto:Tristram Kenton.

“Afternoon of a Faun” de Jerome Robbins es uno de sus ballets más perdurables en el tiempo. Inspirado por los bailarines que Robbins vio ensayando a su lado, esta pieza es un retrato de dos bailarines de ballet en un estudio de danza absorbidos por sus reflexiones y la atracción que sienten entre ellos. Las notas del poema sinfónico “Prélude à l”après-midi d” un faune” de Debussy acompañarán el ballet que será ejecutado por los bailarines Sarah Lamb y Vadim Muntagirov.

“Tchailkovsky pas de deux” pondrá el cierre a este primer programa mixto proyectado en directo. George Balanchine creó la pieza de diez minutos “Tchailkovsky pas de deux” en 1960 inspirado en un fragmento, recientemente descubierto, de la partitura de 1877 de “El Lago de los Cisnes”. Llevando el clásico “Pas de deux” a nuevos extremos, esta pieza será interpretada por el reconocido bailarín del Royal Ballet, Steven McRae e Iana Salenko como artista invitada.

Esta proyección, así como toda la Temporada de la Royal Opera House en directo en cines 2015/2016, está distribuida en España por Versión Digital.

El Scottish Ballet presentó en el Kennedy Center de DC “A Streetcar Named Desire”. Foto: Andrew Ross. Gentileza JFKC.

Hay una razón para ver “A Streetcar Named Desire” (Un tranvía llamado deseo) del Scottish Ballet, la interpretación luminosa de Eva Mutso como la más famosa fallida debutante sureña de la literatura estadounidense, Blanche DuBois.

La coreógrafa Annabelle López Ochoa ha capturado toda la formación represiva de Blanche y su caída en la decepción hasta llegar a la desesperación y la locura.  Para sus escasos solos en escena, López Ochoa ha creado un retrato distintivo en movimientos peculiares que capturan todo el carácter con su gloria pasada, sus esperanzas falladas y su descenso a la locura con agudeza y una evidente simpatía. Mutso usa toda la gama de sus grandes habilidades técnicas en su interpretación del potencial poético de una Blanche sin las palabras, del autor Tennessee Williams.

Por desgracia, la poesía de William desaparece del resto de la producción, que está atrapado en un intento equivocado de crear un ballet de larga duración, recreado en una manera dolorosamente literal. El pastiche distintamente desagradable de la partitura de Peter Salem en torno al cual se desarrolló la obra tampoco sirve a la producción.

Los solos, dúos y tríos bailados que forman el núcleo de la obra son generalmente exitosos, pero las escenas con grupos más grandes que tratan de crear el ambiente de un determinado tiempo y lugar, son mucho menos exitosas. El axioma bien considerado de George Balanchine que no hay suegras en el ballet, habría sido bien aplicado aquí.  Al menos la mitad del ballet, sobre todo el segmento del baile swing, que surge como un homenaje tibio a las obras de Jerome Robbins y Paul Taylor, parecía como relleno vacío en aras de lograr una función de dos horas de duración.

En lugar de evocar la tristeza teñida de sepia que quedó tras el suicidio del marido de Blanche en sus recuerdos íntimos, como se hace en la obra teatral, la producción del Scottish Ballet periódicamente resucita su cuerpo ensangrentado, como una especie moderna del fantasma de Banquo, durante los momentos de crisis que ella sufre.

La nota más discordante de la noche llegó con el único uso de las palabras de Williams por Erik Cavallari, en el papel de Stanley, el violento cuñado de Blanche.  Su famoso grito demandando el regreso de su esposa Stella, Sophie Martin, al lecho conyugal exige un actor de la talla de Marlon Brando – cuya actuación cinemática del papel está claramente referenciada en la coreografía de López Ochoa.

Mientras que muchos bailarines se mueven con la intensidad requerida, no se vio ningún bailarín que también pueda actuar con la misma fuerza.  La violación bailada de Stanley a Blanche al final del ballet era completamente brutal, y diestramente evitó la trampa de caer en la depravación que se documenta.

Eve Mutso, como Blanche DuBois, y Erik Cavallari, como Stanley, del Scottish Ballet, en “A Streetcar Named Desire”. Foto: Andrew-Ross. Gentileza JFKC.

Confesaré una preferencia por la perfección alcanzada mediante la eliminación de todo lo que es innecesario a la realización visual de una idea artística. Limitado a las escenas metafóricas bailadas por Blanche cuando ella esta atraída por la luz de pasión como una polilla a una llama, parece que hay una obra  verdaderamente trascendente enterada en esta obra de teatro que obviamente complació la gran mayoría de su público.

Cuando Mitch, el pretendiente de Blanche, bailado por Lewis Landini, arranca la luz hacia el rostro de Blanche para obligarla a reconocer su pasado como prostituta, se logra una violencia psicológica tan devastadora como la violación física hecha por Stanley.

El ballet de cuentos parece tener una especie de renacimiento en el siglo XXI, aunque parece que muchas de las lecciones aprendidas durante el apogeo de la forma en el siglo XIX sobre la necesidad de tramas simplificadas, se necesita, en muchos casos, volverse a aprender.

El elaborado desfile de Mardi Gras hacia la locura y el extraño campo humano de flores para los muertos al final de la obra eran poco más que distracciones irritantes en este Tranvía. La Blanche de Mutso, bailando en medio de las luces de una casona en ruinas, es el corazón poderosamente palpitante de la obra. Esto fue todo lo que se necesitaba para lograr la poesía de la idea original de Williams.

Julie Kent y Marcelo Gomes, en “Manón”, durante la gala de los 75 años del American Ballet Theatre en el Metropolitan de Nueva York. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

En las tres horas que duró la función, los asistentes, ataviados con sus mejores galas, pudieron conocer la historia fascinante del American Ballet Theatre (ABT), desde su fundación en 1940 por Lucia Chase, hasta llegar al presente.

Alfombra roja mediante, en esta gala de los 75 años, que se realizó en la temporada de primavera del Metropolitan Opera House de Nueva York, nadie faltó a la cita el lunes 18 de mayo, una semana después de la apertura de la temporada, uno de los acontecimientos más importantes que todos los años se apodera de la ciudad.

El programa incluyó igualmente, una variedad de épocas y coreógrafos, entre los que pudieron contarse los antiguos como Bournonville, o los modernos como Twyla Tharp. Cerca de 460 obras de más de 150 coreógrafos, desde Marius Petipa, George Balanchine, Aaron Copeland, Antony Tudor, Agnes de Mille, Jerome Robbins, Paul Taylor, Jiri Kylian y Alexei Ratmansky, entre otros tantos, formaron parte del repertorio de la compañía en estos 75 años.

Entre los bailarines que, una vez más, brillaron durante el programa, cabe mencionar a dos de los pocos hispanos que van quedando en la compañía, Herman Cornejo, siempre exquisitamente clásico, y el potente Marcelo Gomes, quien muchos llaman el mejor partenaire del ABT. Y las tres ballerinas que ya  se retiran en esta temporada -quizás indebidamente-: Paloma Herrrera, Jullie Kent y Xiomara Reyes.

Cuando cae el telón, una ovación para Paloma Herrera, que se despide de la compañía. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Herrera, descolló con sutileza en “Tchaikovsky Pas de Deux”, de Balanchine. Mientras Kent, interpretó una Manón como pocas, en el dueto del dormitorio de la obra del mismo nombre de Kenneth MacMillan. Junto a Gomes, ambos estuvieron sencillamente conmovedores. Xiomara Reyes, puso gracia y humor en la Cowgirl de “Rodeo”, de de Mille.

Quiénes serán las sustitutas? Al parecer, si antes en  el ABT se hablaba español, ahora se oye demasiado ruso o ucraniano.
Una larga lista de fragmentos de obras que fueron clave en el repertorio de la compañía formaron parte del programa de esa noche. Misty Copeland, una de las estrellas ascendentes, interpretó Odette/Odile de “El Lago de los cisnes”, un rol que bailará por primera vez en esta temporada.

El inolvidable Mikhail Baryshnikov, que también fue director de la compañía antes de Kevin McKenzie, apareció en un video que hizo estallar a la platea. De la misma manera que Caroline Kennedy, desde su misión diplomática en Japón, dio el presente en una noche tan especial. Su madre, Jacqueline Kennedy Onassis, fue una de las figuras más importantes que bregó por la subsistencia del ABT a lo largo de los años. Al punto que la escuela lleva su nombre.

Al final, los aplausos y los homenajes llegaron también para despedir a Paloma Herrera, que hará su última función con el ABT el miércoles, matiné, con “Giselle”, junto a Roberto Bolle, el mismo partenaire que eligió Alessandra Ferri para dar su adiós al escenario del Met hace varios años atrás.

sssssaLa temporada continuará hasta el 4 de julio, que cerrará con el debut de la argentina Marianela Núñez, primera bailarina del Royal Ballet de Londres. Sólo resta desear a la compañía otros exitosos 75 años.

Suzanne Farrell Ballet ppresentó “The Concert”, de Jerome Robbins, con Elisabeth Holowchuk y Michael Cook. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

Hace casi 15 años, Suzanne Farrell asumió el desafío de reconstruir las piezas más olvidadas o poco frecuentadas del repertorio de su gran maestro, George Balanchine. Desde entonces hasta hoy, la compañía, que se nutre con bailarines de otros ensambles que trabajan con Farrell por cortos períodos, ha crecido en cantidad y en calidad.

En los tres días de funciones que el Suzanne Farrell Ballet presentó en el Opera House del Kennedy Center de DC, desde el 27 al 30 de noviembre, la ex primera bailarina del New York City Ballet optó por subir a escena tres estrenos: “Swan Lake” y “Allegro Brillante”, de Balanchine con música de Piotr I. Tchaikovsky, y “The Concert”, de Jerome Robbins, sobre fragmentos de preludios de Frederick Chopin. El resto del programa, “Monumentum Pro Gesualdo” y “Movements for Piano and Orchestra”, ambos del binomio Balanchine-Stravisnky, fueron estrenados por la compañía en DC en 2001.

Michael Cook y Elisabeth Holowchuk en “Movements for Piano and Orchestra”, en el Kennedy Center de DC. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

“Swan Lake”, creado por Mr. B en 1951, recupera el segundo acto de este clásico de Ivanov-Petipa. Farrell rescata esta puesta original, que luego Balanchine rediseñó en 1986, y en la que los cisnes blancos del cuerpo de baile se convirtieron en cisnes negros. Esta versión, más acelerada que la que habitualmente se ve en las puestas tradicionales, es un desafío aún mayor para la protagonista. Compleja, exigida, esta propuesta requiere de un alto nivel técnico, de un claro dominio del estilo Balanchine en los ataques y en la interpretación. Y si bien el cuerpo de baile mostró un interesante entusiasmo y delicada musicalidad, no dejó ver un ensamble compacto, dado que durante el año no trabajan juntas, las bailarinas reciben entrenamientos diversos.

La argentina Natalia Magnicaballi, en el rol de Odette, hizo filigranas con sus movimientos: cuidados, suspendidos, con una línea estupenda y una intensidad arrolladora. Con magníficos brazos, y sólidas piernas, logró transitar por los diferentes estados de este cisne etéreo y conmovedor. La expresividad de sus manos, delineada hasta el último detalle, y un cuello asombrosamente trabajado, mostraron a una bailarina capaz de lograr sutilezas profundas. En su dupla con Michael Cook, como Sigfrido, ambos logran un buen tándem.

Para la segunda parte del programa, Farrell eligió “Monumentum Pro Gesualdo” y “Movements for Piano and Orchestra”, dos clásicos de Balanchine, estrenados en 1960 y 1963 respectivamente, con un marcado toque neoclásico, interpretados por Ian Grosh y Elizabeth Holowchuk.

“Swan Lake”, interpretado en la noche del estreno del Suzanne Farrell Ballet por Natalia Magnicballi y Michael Cook. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

La tercera obra, “Allegro Brillante”, estuvo a cargo de una chispeante Paola Hartley junto a Brett Van Sickle. Hartley, una bailarina sutil, con intensos y delicados brazos, dejó translucir su inmensa y contagiosa alegría por bailar. Sin duda, en esta compañía, el plantel femenino, tal como viene ocurriendo desde su creación, es el más refinado, mientras que el ala masculina muestra flaquezas en cuanto al estilo y a la intensidad. Es precisamente en los trabajos de conjunto donde se advierte que la troupe carece de un trabajo constante bajo la misma batuta. No obstante, transmite un enorme entusiasmo, que no es poca cosa.

Un gran acierto fue “The Concert”, con la reposición de Kipling Houston y la participación en escena del pianista Glenn Sales, cuya veta actoral dio un toque especial a esta magnífica parodia de un concierto donde los personajes entretejen historias y situaciones graciosas. Allí, los bailarines se convierten en actores, y lo hacen estupendamente. Hartley, graciosa y desenfadada, pone un encantador sello de comicidad. Mientras que Cook, hace un despliegue de histrionismo en el que no deja detalle sin cubrir de su atractivo personaje.

La obra tuvo su estreno mundial en 1956 por el New York City Ballet, con Tanaquil LeClercq en el protagónico. Delicioso vestuario de Irene Sharaff y una puesta magnífica, hacen de esta obra un atractivo hallazgo para la compañía de Farrell que comienza su gira por todo el país.