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Lo más nuevo, lo más osado

mgueler — Mon, 15 Jun 2026 00:42:07 +0000

El cierre del festival será el domingo 28 de junio con una Gala Final que reunirá a ocho compañías, entre ellas Company | E. Foto: Paul Gordon Emerson. Gentileza DDF.

El DUMBO Dance Festival (DDF), organizado por WHITE WAVE Dance, celebrará su 25º aniversario del 26 al 28 de junio en Nueva York con la participación de 35 compañías de danza contemporánea y más de 200 artistas provenientes de distintos puntos de Estados Unidos y de países como China, Corea del Sur, Hungría y el Reino Unido.

A lo largo de tres jornadas, el festival reunirá a creadores emergentes y consolidados en una programación que busca reflejar la diversidad de lenguajes, estéticas y búsquedas que caracterizan a la danza contemporánea del siglo XXI. Desde su creación, el DUMBO Dance Festival se ha consolidado como una plataforma de exhibición para coreógrafos y compañías independientes, al tiempo que ofrece al público una oportunidad para acercarse a las tendencias más recientes de la creación coreográfica internacional.

Abby Marchesseault Dance Collective de Indiana, se presenta el domingo 28 a las 4 pm. Foto:The Allied Centeer for the Performing Arts.

La edición 2026 comenzará el viernes 26 de junio con una Gala de Apertura que incluirá homenajes a dos figuras vinculadas al desarrollo de la comunidad artística neoyorquina. Serán reconocidos Nicky Paraiso, actor, músico, escritor y curador, responsable de la programación de The Club at La MaMa y del festival La MaMa Moves!, y Eunsil Kim, cuya labor filantrópica a través de Grace Charity Foundation ha contribuido al crecimiento de los programas impulsados por WHITE WAVE.

La gala contará además con presentaciones de cinco compañías: Carolyn Dorfman Dance, Yoshiko Chuma and the School of Hard Knocks, Buglisi Dance Theatre, Jennifer Muller/The Works y WHITE WAVE Dance.

“El DUMBO Dance Festival ofrece una plataforma para que más de 200 artistas puedan mostrar su trabajo, mientras brinda al público de Nueva York acceso a una amplia variedad de propuestas coreográficas a precios accesibles”, señala Young Soon Kim, directora artística de WHITE WAVE Dance y creadora del festival.

DUMBO Dance Festival

La programación continuará durante el fin de semana con cuatro funciones que reunirán compañías de diferentes regiones de Estados Unidos y del extranjero. Entre los participantes figuran Mollet Contemporary Ballet, Olivares Dance Company, Parisa Khobdeh Dance, Samaw Dance Company, Kim Namjin Physical Theater de Corea del Sur, Ceylon Dance Company de Inglaterra, Li Chiao-Ping Dance, Company | E de Washington D.C. y Alison Cook Beatty Dance, entre otras agrupaciones.

El cierre del festival será el domingo 28 de junio con una Gala Final que reunirá a ocho compañías, entre ellas Carolyn Dorfman Dance, Company | E y WHITE WAVE Dance.

Fundado en Brooklyn, el DUMBO Dance Festival nació con el objetivo de ampliar las oportunidades de exhibición para artistas independientes y fortalecer el vínculo entre creadores y audiencias. A lo largo de sus veinticinco años de trayectoria, se ha convertido en uno de los espacios más estables para la presentación de nuevas obras dentro del circuito de danza contemporánea de Nueva York.

La compañía de Nueva York, Feathers Dance Company, forma parte de la programación del sábado 27 a las 6 pm. Foto gentileza DDF:

Detrás de esta iniciativa está WHITE WAVE Dance, compañía dirigida por la coreógrafa Young Soon Kim. Nacida en Corea del Sur y radicada en Nueva York, Kim ha desarrollado una carrera internacional de más de cuatro décadas como intérprete, coreógrafa, productora y gestora cultural. En 2023 recibió el Bessies Angel Honoree Award por su contribución al desarrollo de la danza contemporánea, y desde comienzos de la década de 2000 impulsa festivales y programas destinados a la difusión de nuevas voces coreográficas.

Las actividades se desarrollarán en el John Ryan Theater de DUMBO. Las entradas para las funciones del festival tienen un valor de 30 dólares anticipadas, 35 dólares en puerta y 25 dólares para estudiantes y adultos mayores.

Fechas y horarios:
Taylor Dance East Theater
551 Grand Street New York, NY 10002

Viernes 26 de junio de 2026, a las 6:30 p. m. – Noche de Gala de Apertura
Sábado 27 de junio de 2026, a las 4:00 p. m.
Sábado 27 de junio de 2026, a las 6:00 p. m.
Domingo 28 de junio de 2026, a las 4:00 p. m.
Domingo 28 de junio de 2026, a las 6:00 p. m. – Gran Función de Clausura
Más información y programación completa: www.whitewavedance.org.

Una apuesta a la diversidad

mgueler — Fri, 11 Aug 2023 12:01:44 +0000

El grupo Batara Gowa, de Indonesia, hace su debut en Estados Unidos con “Lebonna”, una leyenda tradicional. Foto gentileza BDF.

Es el más antiguo de Nueva York. Su objetivo: conectar al mundo a través de la danza. Desde hace 42 años el Battery Dance Festival, con su oferta pública y gratuita, hoy atrae a un público combinado de más de 12.000 espectadores presenciales y 35.000 virtuales. El sábado 12 de agosto lanza su primera presentación con una propuesta que apunta a los creadores del futuro.

En la celebración de este nuevo aniversario, que durará hasta el 18 de agosto, el Battery Dance Festival presentará, en colaboración con Battery Park City Authority, actuaciones en vivo en Rockefeller Park, Battery Park City de Nueva York, a partir de las 7 pm (horario del Este), retransmitidas en directo cada noche. También se agregó un “día de lluvia”, el 19 de agosto.

Creado por Battery Dance como Downtown Dance Festival en 1982, antes de la pandemia, atraía cada noche a unas 2.000 personas en su emblemático escenario del parque Robert F. Wagner, Jr. Park. El Festival pasó a ser virtual en 2020, y llegó a reunir 30.000 espectadores de 206 países. En 2021 funcionó como un modelo híbrido con más de 10.000 espectadores presenciales y más de 21.000 virtuales.

“Cuando el huracán Sandy inundó la parte baja de Manhattan, Battery Park City Authority (BPCA) nos tendió una mano, y proporcionó un hermoso lugar para el Battery Dance Festival que todos hemos disfrutado cada verano desde 2013. Con la perspectiva de la subida del nivel del mar en el futuro, BPCA está promulgando un plan de resiliencia proactivo, con el propósito de elevar Parque Wagner hasta 12 pies. Pero ¡no teman! BPCA nos ha invitado a trasladarnos al Rockefeller Park este verano, donde nos beneficiaremos del amplio césped y de las vistas frente al río, mientras nos deleitamos con las actuaciones de compañías locales e internacionales.”, aseguró Jonathan Hollander, fundador y director artístico de Battery Dance.

“Miserere”, de Jennifer Muller, en el Battery Dance Festival se presenta el 17 de agosto. Foto: Steven Pisano. Gentileza BDF.

Con esta perspectiva, el 12 de agosto, en Rockefeller Park, se lanza con la primera presentación de una semana a pura danza, su nombre: Voces jóvenes en la danza (Young Voices in Dance). En esta propuesta, Battery Dance se asocia con el programa juvenil de The Bowery Mission, que ayuda a los niños de los barrios de bajos ingresos a prosperar y tener éxito. Un especial de Dancing to Connect que reunió 15 niñas de las escuelas secundarias de East Harlem y el Bronx para trabajar con Robin Cantrell, artista, docente y ex bailarina de la compañía. Cada una de ellas ha creado su propia coreografía, que formará parte de Young Voices in Dance este 12 de agosto. En su tercer año, este programa pone de relieve la curiosidad intelectual, la innovación y la excelencia artística de los jóvenes de 15 a 22 años. Se presentarán a dos grupos, Bowery Mission y Queensborough Community College que crearon nuevas obras a través del programa de intercambio educativo.

La noche inaugural del Festival, el 13 de agosto, marca el regreso de tres compañías y cuatro estrenos mundiales. Del hip hop al contemporáneo, de la danza folclórica tradicional a la fusión global moderna, el festival de este año comienza con una noche que muestra la diversidad en todos sus aspectos.

La oferta del festival de este año para el Día de la Independencia de la India se titula Purush, y celebra el poder y el arte de los bailarines masculinos de danza clásica de la India. La Fundación Rudrakshya, la célebre compañía y escuela de Odissi de Bhubaneswar, Odisha, presenta el programa del 15 de agosto. Bajo la dirección del gurú Sri Bichitrananda Swain, esta compañía de diez bailarines engalanará la ciudad de Nueva York con su asombroso virtuosismo. Complementarán el programa dos aclamados solistas, el bailarín de Kathak Durgesh Gangani, de Vadodara (Gujarat), y la bailarina de Kuchipudi Amaranth Ghosh, de Chennai (Tamil Nadu).

Y el 17 de agosto se realizará un homenaje a la inolvidable Jennifer Muller. Su compañía, The Works, que ya se había presentado en el Battery Dance Festival en 2015 y 2016, será la protagonista de la noche. Luego, el festival también rendirá homenaje a varios pioneros de la danza moderna estadounidense de principios del siglo XX como Isadora Duncan, Ruth St. Denis, Ted Shawn y Loïe Fuller. Además de presentar varias reposiciones de estas obras históricas, las compañías de esta velada interpretarán también una coreografía original actual, profundamente inspirada en estas cuatro leyendas de la danza moderna. “En medio de un mundo de innovaciones y cambios vertiginosos, es importante dedicar tiempo a rendir homenaje a nuestras raíces”, afirmó Hollander.

La directora artística de The Isadora Duncan Dance Company, Lori Belilove, interpretará “Tributo a Ucrania. Foto: William Mercado. Gentileza BDF.

Información

Visite: https://batterydance.org/battery-dance-festival/

Funciones gratuitas al aire libre: del 12 al 18 de agosto, 2023. De 7:00 – 9:00pm

Rockefeller Park – Battery Park City

Día de lluvia

Agosto 19: de 7:00 – 9:00pm

Rockefeller Park – Battery Park City

Cómo llegar. Hacer clic aquí

Crónicas de viaje

mgueler — Fri, 30 Sep 2011 15:29:04 +0000

En junio, Jennifer Muller con su grupo The Works, presentó en el Cedar Lake theatre de NY, "The White Room". Foto: Paula Lobo. Gentileza The Work.

He disfrutado del mes de junio en los Estados Unidos, y particularmente en la ciudad de Nueva York. Ahora, hago un gran esfuerzo de síntesis para ofrecer a los lectores una visión exhaustiva de las artes escénicas en las carteleras de la Gran Manzana: sería como referirme solamente a la punta del iceberg.

Estas someras notas valorativas, al tener en cuenta la variedad –en géneros, estilos y calidades– de los eventos artísticos que presencié en junio, y que han quedado como sus “afterimages”, principalmente en las ciudades de Seattle y Nueva York; representativas de una sustancial experiencia nutricia para su acervo intelectual.

Reunión de críticos

La motivación primera para realizar este intensivo viaje a los Estados Unidos –gracias a los gentiles patrocinios de amigos e instituciones privadas, como la Fundación Amistad–, lo constituyó el cumplimiento de una invitación de la Dance Critics Association (DCA) para participar en su Conferencia anual, del 9 al 12 de junio, en uno de los paneles dónde analizaríamos las versiones del ballet “Giselle” y su figura paradigmática, Alicia Alonso. En esta ocasión, el anfitrión era el Pacific Northwest Ballet, bajo la dirección artística de Peter Boal (exprimer bailarín del NYCBallet), quien presentaba en su sede del Phelps Center de Seattle, su versión coreográfica– “quasi arqueológica”–, de “Giselle”, según las anotaciones de Stephanov de la producción de 1884.

El lema general de la conferencia era Talking about “Re”, coordinada por el presidente de la DCA, Robert Abrams, con la asistencia de unos 40 miembros, entre historiadores, críticos, académicos, musicólogos, coreógrafos, y periodistas especializados en las artes escénicas, en particular la danza.

Allí discutimos acerca de la producción del PNB, con la presencia de sus ejecutores (la víspera asistimos a una representación de “Giselle”, con las brillantes interpretaciones de sus estrellas Carla Forbes y el cubano Karel Cruz, en los papeles protagonistas), posteriormente se trataron otros temas esenciales para el devenir de este arte y de la crítica de danza; las perspectivas del ballet “Giselle; las reconstrucciones de los clásicos por todos los medios disponibles hoy; las reconstrucciones de lo mejor del repertorio norteamericano de ballets del siglo XX; sobre los contínuos cambios en la práctica de la escritura sobre danza y el futuro de sus críticos; e igualmente cómo el acto curaturial –”Curiating History”– puede ser considerado como “crear el pasado”, ya sea en la literatura o en la coreografía, et al. Los resúmenes de las interesantes intervenciones aparecerán en las próximas ediciones del boletín trimestral DCANewsletter, bajo el cuidado editorial de Mindy Aloff.

Nueva York

Mi prolongada estadía en la Gran Manzana comenzó desde el 7 de junio. Luego de disfrutar de las programaciones balletísticas del Lincoln Center, decidí desviar mi curiosidad crítica hacia las carteleras de otros teatros de Manhattan.

Me resultaba una urgencia apartarme de las tentaciones balletísticas del Lincoln Center de Manhattan. Entonces enfoqué mi interés en las programaciones de los teatros en el Midtown y el Downtown. Algo importante era el estreno mundial anunciado por Pascal Rioult y su grupo en el The Joyce: “On Distant Shores (…A Redemption Fantasy), con música homónima bajo la dirección de su autor, Aaron Jay Kernis, sobre un pasaje de la Guerra de Troya y el rescate de Helena. No llegó a convencernos, si bien las interpretaciones fueron meritorias, sin embargo no logró superar las referencias con ciertas obras de Martha Graham. Más lograda, en mi opinión, fue el dúo femenino de la primera parte, “Black Diamonds” (2006), gracias a sus exquisitas interpretes de una proyección corporal notable, Penélope González y Charis Haines, con el soporte de la muy empleada pieza de Stravinsky “Duo Concertante” ejecutada con mucha calidad interpretativa y la inteligente iluminación diseñada por David Finley.

Jennifer Muller

Muy prometedor y estimulante era el anuncio de un estreno mundial por la eminente coreógrafa Jennifer Muller con su grupo The Works, y esto nos motivó a trasladarnos al Cedar Lake theatre de Chelsea, el mismo día de la premiere, en medio de las más distinguidas galerías de arte contemporáneo (la Malborough exhibe una muestra colectiva de excelencia, Living in Havana, con varios artistas reconocidos residentes en Cuba), y con la euforia de la comunidad gay neoyorkina tras la aprobación senatorial de los matrimonios del mismo sexo y la víspera de la Gay Pride Parade).

Ese 22 de junio, a teatro lleno, apreciamos The White Room, cuyo título es una metáfora del tema central de inocencia y corrupción, a partir de la violencia sobre una virginal jovencita vestida siempre de blanco, la “aprentice” Hsing–Hua Wang, quien muestra una calidad de movimientos destacados por su lirismo pero al mismo tiempo cargados de gran emotividad. La puesta en escena se desarrolla, en dos horas, con una estructura y diseño muy estudiada, siempre en la tendencia minimalista, apoyada en medios audiovisuales y en un eficaz diseño de luces.

Contó la Muller con intérpretes ajustados a las caracterizaciones, fue el caso de Pascal Rakoert, Gen Hashimoto y la imponente presencia de Susana Bozzetti, quienes evitaron el cansancio visual que pudiera producir las reiteraciones de pasos y frases de movimientos, algunos llevados a situaciones extremas; su lenguaje muestra una fuerza expresiva visceral, sobre una compilación musical irritante a veces, como soporte musical único. El mensaje de Muller aquí está claro: el poder corrompe.

Non-dance

También la non–dance está presente en NYC, y esto lo comprobamos en un espectáculo de 60 minutos –sin asientos–, en uno de los estudios del Baryshnikov Arts Center, denominado The Painted Bird: Amidst (Part II). Esta es la segunda parte de una trilogía de “performances” interactivas en vivo, basadas en una novela del polaco Jerzy Kosinski, con acciones situadas en los tiempos de guerra de la Europa del este.

El conceptualista, director escénico, bailarín y coreógrafo Pavel Zustiak (de origen checo e instalado en Estados Unidos desde 1999), pretende profundizar con su Palissimo Company en los temas de la otredad, los desplazamientos, las migraciones y la transformación. Zustiak, también bailarín en la pieza, trata de crear obras sofisticadas, multidisplinarias, con abundantes imágenes surrealistas, que agreden al público que circula en medio de ellas, y en ésta, entramos en un salón de clases sumergidos en una densa niebla y aturdidos por una música electrónica que rivaliza con un grupo “heavy metal” en vivo, para ser guiados por los rayos laser y los propios bailarines que se desplazan y cambian, reiteradamente, sus sucias vestimentas.

También ópera

El anuncio de una coreografía de Karol Armitage, como plato fuerte en la última presentación de la temporada en el Avery Fisher Hall del Lincoln Center por la Orquesta Filarmónica de New York, elevó mi interés por asistir al estreno en esta ciudad de “La zorrilla astuta” (The Cunning Little Vixen) de Janos Janacek. Se trata de una imaginativa y encantadora producción de esta ópera “antropomórfica” (como la califica un crítico musical neoyorquino), muy relacionada con las fábulas de Esopo, y que resultó ser una de las más audaces ideas de Alan Gilbert, el actual director musical de la Filarmónica.

Esta es la primera vez que una de las más importantes óperas de la pasada centuria es puesta en escena en New York, con todas las de la ley en cuanto a las excelentes voces de los solistas, los Coros y las escolanías, así como en recursos escénicos. (La Orquesta y los Coros estaban instalados, sobre la escena, dentro de un bosque de girasoles gigantes). Armitage concibió una simple empero ingeniosa coreografía para una docena de miembros de la Metropolitan Opera Children´s Chorus, quienes hicieron todo tipo de acrobacias, dentro y fuera de un escenario extendido hacia la platea, disfrazados de múltiples criaturas del reino animal, como ranas, mariposas, conejos, mosquitos, abejas, etc. El elenco protagonista cantó en forma excelente una traducción al inglés de Norman Tucker, a partir del libreto en checo del propio Janacek.

Sin ser un espectáculo de danza, en el sentido estricto del término, sería injusto no señalar la calidad y capacidad de maravillar al espectador de la nueva producción de dos horas inagotables de riquezas imaginativas, con estilo y buen gusto, del afamado conjunto canadiense Le Cirque du Soleil, y nada más y nada menos en el magnífico Radio City Music Hall, hito del art–déco neoyorquino.

El director teatral y cinematográfico Francois Girard, laureado por su serie televisiva de 1993), dedicada al iconoclasta genio canadiense del piano, Glenn Gould, y por dos filmes: El violín rojo (1998) y Silk ( 2007), ha recreado en “Zarkana” (su segundo trabajo para el Circo del Sol), el mundo mágico del mago Zark. Allí, la música pop y rock con notables voces solistas de ambos sexos, sirve de apoyo a las bien diseñadas “danzas” de los cientos de coristas y acróbatas. El polifacético Girard sorprenderá a los amantes de la ópera con su “Parsifal” de Wagner para la Metropolitan Opera House, la próxima temporada.