“Core meu” es un tributo de Jean Christophe Maillot a su maestro Maurice Béjart y a la cultura mediterránea. Foto: Luis Joa. Gentileza BNC.

Les Ballets de Monte Carlo, bajo la presidencia de SAR Carolina, princesa de Hanover y Mónaco (presente con su hija Alexandra en esta gira a la Mayor de las Antillas) junto con su director y coreógrafo Jean Christophe Maillot, cumplió su promesa de bailar en La Habana la obra más entrañable del laureado coreógrafo francés: “Core meu”. La compañía debió posponer sus presentaciones programadas durante la edición 28 del Festival Internacional de Ballet que se realizó el pasado noviembre.

“Core meu” (Mi corazón), es un tributo de Maillot a su maestro Maurice Béjart, y a la cultura de los pueblos asentados por siglos en el Mediterráneo. A través de esta obra la afición cubana por la danza vio subsanada su previa frustración, y se precipitó a las taquillas de la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba con capacidad para tres mil espectadores. El resultado:  entradas agotadas en las tres únicas presentaciones. Una pieza sin pausas para los 50 bailarines del muy afiatado cuerpo de baile de esta singular compañía europea.

Carolina de Hanover y Mónaco recibió el Grand Prix Cubadisco 2025. Foto: Luis Joa. Gentileza BNC.

Estas representaciones se realizaron con el patrocinio del Instituto Cubano de la Música y el Ministerio Nacional de Cultura. Y las funciones fueron parte de la programación del Festival Cubadisco 2025, donde también se incluyó una excepcional y brillante discografía del autor de la música original de “Core meu”, el cantante y compositor italiano Antonio Castrignanó y su banda Taranta Sounds, que acompañó fervorosamente cada presentación del ballet. Esta participación fue altamente reconocida por los organizadores del Cubadisco 2025, quienes otorgaron el Grand Prix de Honor, a la princesa Carolina de Hanover y Mónaco, al igual que a Les Ballets de Monte Carlo.

Castrignanó se ha destacado como cantautor y tamborilero en la defensa de la música tradicional de Apulia para bailar la Pizzica, como se conoce a la tarantela salentina, con fuerte tradición musical, como es la conocida Notte della Tarantela.

La dimensión sonora de este colorido y vibrante folclor mediterráneo se vio acentuada con la variedad de estilos en la escritura del coreógrafo iconoclasta de la pieza: fusiones de danza académica con la contemporánea, salpicada con la fuerza del baile proveniente de la tarantela de Salento. Para conseguir la comunicación inmediata de este singular vocabulario, hubo contribuciones fundamentales en la producción escénica. Por un lado, un imaginativo vestuario realizado por el destacado diseñador español Salvador Mateu Andujar, y por el otro, los diseños de luces con tecnología avanzada de Samuel Thery. Ambos contribuyeron a destacar la riqueza visual deseada en cada una de las frases corales de los conjuntos, o en los primeros planos de los dúos y los tríos.

A juzgar por las respuestas exultantes del auditorio al concluir la pieza, se hizo evidente que las expectativas fueron logradas a partir de un espectáculo alejado de los clásicos decimonónicos del gran repertorio, tanto por la concepción general y como por las brillantes ejecuciones.

Originalmente este espectáculo fue concebido para satisfacer grandes públicos en espacios abiertos. Varios años después, el coreógrafo decidió rediseñarlo para la visión frontal de los teatros. Así nació esta versión revisada y enriquecida en 2023, que el público cubano pudo disfrutar y ovacionar de pie varios minutos.

Este “Core meu” ratifica el enfoque mantenido por Maillot -y que lo identifica- durante los 30 años al frente de esta valiosa agrupación monegasca. El coreógrafo logra fundir códigos propios del vocabulario académico con símbolos y códigos que están en sintonía con los tiempos y preocupaciones del mundo de hoy. A eso se suma, una compañía de ballet que logra expresar un encuentro, o diálogo, inteligente entre la tarantela y el tecnicismo de la danza académica con líneas renovadoras.

“Core meu” por Les Ballets de Monte Carlo en La Habana. Foto: Luis Joa. Gentileza BNC.

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Les Ballets de Monte-Carlo llevó al Kennedy Center una puesta de “Cenicienta” creada por Jean-Christophe Maillot. Foto: Alice Blanguero. Gentileza JFKC.

Esta Cenicienta no es igual a todas. Ni siquiera a las más modernas. Tampoco pretende ser una adaptación de un cuento tradicional para niños en el siglo XXI. Esta Cenicienta no solo rompe con esos códigos, sino que también se anima a mirar el mundo desde otra perspectiva. Quizás rebelde. Quizás no convencional. Quizás desde una óptica más psicológica.

La nueva versión de “Cendrillon” (“Cenicienta”) que Les Ballets de Monte-Carlo presentó en el Kennedy Center de Washington DC del 17 al 20 de noviembre, transita por senderos diferentes el drama de la huérfana despreciada por su madrastra y sus hermanastras malditas y horribles. Con coreografía de su director, Jean-Christophe Maillot, la compañía trae una propuesta de alto nivel de sofisticación, cuyo estreno fue en 1999 en la Salle Garnier Opéra de Monte-Carlo. No obstante, y más allá del tiempo transcurrido, la obra no deja de ser absolutamente vanguardista.

Un vestuario imaginativo, exuberante desde su minimalismo, de Jérôme Kaplan, y una escenografía asombrosamente creativa y sencilla de Ernest Pignon-Ernest, se ensamblan con la puesta de luces, sutil y sugerente de Dominique Drillot. Tutús ocurrentes y disociados en partes, vestidos de seda, y graciosas pelucas ponen un toque de originalidad en una suerte de escenario móvil en el cual las escenas se determinan por el movimiento de paneles que se desplazan y van generando diferentes espacios.

Allí, el polvo de oro se convierte en el narrador silencioso que entreteje la trama a través de un hada que no es otra que el espíritu de la madre de Cenicienta. Ella es la que, como un extraño demiurgo va delineando el destino de la muchacha sumergida en el recuerdo de una felicidad perdida. Un cuestionamiento recurrente en la obra de Maillot, que apunta a las formas en las que los que se van de este mundo marcan el rumbo de la vida de quienes se quedan.

En esta “Cenicienta” no hay zapallos que se convierten en carrozas, ni lagartos que se transforman en lacayos. Ni tampoco zapatos de cristal. Aquí, otra magia es la que va envolviendo a los personajes a través de la música de Serge Prokofiev. Y aunque Maillot se ciñe a los fundamentos de la historia de “Cenicienta”, profundiza en las emociones y en las tribulaciones de los personajes desde una búsqueda interior. Su padre, Jaeyong An, un bailarín de gran musicalidad y precisión, se debate entre el deseo de protegerla y los deberes para con su nueva esposa, Anna Blackwell.

Cenicienta y sus hermanastras en una escena del primer acto de la obra de Jean-Christophe Maillot. Foto: Alice Blanguero. Gentileza JFKC.

Cenicienta, interpretada por Ekaterina Petina, encarna una deliciosa y conmovedora joven que, sin exageraciones, compone un personaje especial. Quizás la Cenicienta que todos imaginaron en la realidad. Petina es una bailarina delicada y de excelente técnica.

Un detalle que Maillot se ocupó de destacar: su cenicienta baila descalza. Eso la vuelve más atractiva aún y carga de simbolismos al personaje. Sin embargo, la fuerza del relato y de la trama se centra en la madre de Cenicienta, Laura Tisserand, reencarnada, después de su muerte, en el Hada. Envuelta en su polvo dorado el hada brilla y resplandece dentro de un traje de una belleza deslumbrante, con un tutú plato transparente y rígido. Impecable en su técnica, bello port de bras y sólidas piernas.

En el segundo acto, cuando Cenicienta, guiada por su madre o por el hada, llega al palacio a encontrarse con el príncipe, tiene los pies cubiertos de polvo dorado, ese polvo mágico que provoca la transformación. Lleva el vestido de seda blanco de su madre y la ilusión de una adolescente. Maillot apela a momentos de humor, y hasta hace alguna crítica sutil a la banalidad de una sociedad superficial y ostentosa. La contrapone con esta Cenicienta sencilla y despojada de atavismos.

El cuerpo de baile y los personajes secundarios de esta compañía fundada en 1985 por iniciativa de la Princesa de Hannover, y que tuvo directores como Ghislaine Thesmar, Pierre Lacotte y Jean-Yves Esquerre, mostró no solo una excelente técnica sino también una enorme capacidad para abordar diferentes estilos. Capaces de transmitir el mensaje sugerido, el no evidente, los bailarines logran magníficas escenas de baile y de interpretación.

Una propuesta coreográfica ingeniosa y dinámica que muestra otros aspectos de un relato que permite una diversidad de interpretaciones. Pero por sobre todo, una mirada despojada de toda superficialidad con un acertado equilibrio entre lo neoclásico y lo contemporáneo.

“Cenicienta”, con vestuario original de Jérôme Kaplan y escenografía de Ernest Pignon-Ernest. Foto: Alice Blanguero. Gentileza JFKC.

Lauren Cuthbertson y Edward Watson, de The Royal Ballet, ofrecieron un fragmento de “Romeo y Julieta” de Kenneth MacMillan. Foto: Jack Devant. Gentileza Jack Devant.

El cuarto centenario del fallecimiento de William Shakespeare (1564-1616) fue el eje temático escogido por el Festival Internacional de Ballet Benois de la Danse, para la gala que reunió a galardonados en diferentes ediciones. Cómo han visto los ojos de diferentes coreógrafos a lo largo de la historia del ballet las obras de “El Bardo de Avon” es un buen punto de partida para un espectáculo más comedido en su duración que el día anterior. En apenas tres horas, desfilaron por el escenario del Teatro Bolshoi de Moscú, cuatro versiones coreográficas de “Romeo y Julieta”, dos de “La fierecilla domada”, “Otelo” y “Hamlet”, y una de “Macbeth”, “La tempestad” y “As you like it”.

Honrando la memoria de Leonid Lavrovsky (1905–1967), autor de la primera versión coreográfica de “Romeo y Julieta” sobre la partitura de Sergei Prokofiev (estrenada en Brno, en 1938 y en el Teatro Kirov de la entonces Leningrado, en 1940), Anastasia Soboleva y Victor Lebedev (Ballet del Teatro Mikhaikovsky) abrieron la gala con los enamorados de Verona. En contraposición, “La tempestad” de Mauricio Wainrot agitó la escena, gracias a Sol Rourich y Rubén Rodríguez (Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, Argentina). La ambición y la traición de “Macbeth” vinieron de la mano de Yulia Stepanova y Denis Rodkin (Bolshoi Ballet), en una intensa interpretación de la creación de Vladimir Vasiliev. Para aligerar la densidad de tragedias, “La fierecilla domada”, en versión de Jean-Christophe Maillot (Les Ballets de Monte-Carlo), puso un punto de humor, gracias a la conjunción de Olga Smirnova y Semyon Chudin (Bolshoi Ballet).

Continuando con el intenso y extenso homenaje al septuagenario coreógrafo John Neumeier, que lleva cuatro décadas al frente del Ballet de Hamburgo, se presentó un dúo de “Otelo”, interpretado con vehemencia por los bailarines de su compañía Anna Laudere y Carsten Jung. El mayor contraste de la noche procedió de los dos extractos de piezas del fallecido Maurice Béjart. Su “Romeo y Julieta”, en la piel de Katerina Shalkina y Julien Favreau (Béjart Ballet de Lausanne), sonó con un swing diferente gracias a la música de Duke Ellington. La primera parte finalizó con los aclamados por el público Silvia Azzoni y Alexandre Riabko (Ballet de Hamburgo), con un extracto del “Hamlet” de Neumeier.

Otro “Romeo y Julieta” muy contemporáneo y diferente inició el segundo acto. En esta ocasión, en versión del francés de origen albanés Angelin Preljoçaj, cuyos bailarines Virginie Caussin y Redi Shtylla corporeizaron de nuevo a los desdichados enamorados. Y nuevamente sonó Duke Ellington, eta vez, para un dúo de “Hamlet”, salido de la imaginación de Béjart e interpretado por la pareja Shalkina-Favreau. El trabajo de John Neumeier recuperó presencia en escena con un dúo de “As you like it”, también interpretado por el tándem Azzoni-Riabko. El coreógrafo Lar Lubovitch firmó el segundo “Otelo” de la noche, ofrecido por Victoria Jaiani y Fabrice Calmels (The Joffrey Ballet, Chicago). Con esa actitud de revisar clásicos de forma poco ortodoxa, Mats Ek creó su propia lectura de “Juliet and Romeo”, de la que se ofreció un pequeño dúo por Mariko Kida y Anthony Lomuljo (Real Ballet de Suecia). El espectáculo finalizó con una pequeña suite o fragmento de una extensión superior a un paso a dos, de “La fierecilla domada” del creador galo Maillot, interpretada con solvencia por ocho bailarines del Bolshoi Ballet.

La gala de laureados con el Benois de la Danse resultó más amena que el espectáculo del día anterior, pese a que cuatro versiones de “Romeo y Julieta” pueden crear saturación de enamoramiento adolescente. Aún y todo, se echó de menos la aportación coreográfica de John Cranko, tanto en “Romeo y Julieta” como en “La fierecilla domada”. También contribuyó al éxito que la duración fue un poco inferior y que la combinación de piezas en el programa resultó más acertada, amén de un público más efusivo que la víspera en cuanto a aplauso. Con los Benois de la Danse –‘Óscar’ del ballet- en la vitrina de sus respectivos ganadores y con dos mega espectáculos en cuanto a su duración, el Teatro Bolshoi de Moscú piensa ya en los festejos de celebración del 90 cumpleaños del legendario Yuri Grigorovich. No obstante, no hay que perder de vista la próxima edición del Festival Internacional de Ballet Benois de la Danse, que celebrará sus bodas de plata, y, a buen seguro, que volverá a ofrecer espectáculo de ballet en su nivel más excelso y extenso. Ser una de las reconocidas cunas del ballet, a fuerza obliga.

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Jean-Christophe Maillot, director de Les Ballets de Monte-Carlo, presentó su versión de “Cenicienta” en el Teatro Nacional de Cuba. Foto: Abel Rojas Barallobre.

Invitados para clausurar el XVI Festival de Teatro de La Habana –donde participaron 74 agrupaciones artísticas provenientes de 22 países, de ellas 35 nacionales–, llegaron los Ballets de Monte–Carlo con “Cenicienta”, coreografía de Jean–Christophe Maillot, su director desde 1993. La troupe llegó acompañada por su presidenta desde 1985, S.A.R la princesa Carolina de Mónaco y Hanovre, junto con su hijo Pierre Casiraghi y su esposa, la condesa Beatrice Borromeo. Al arribar al balcón presidencial la noche del debut, la primogénita de los Grimaldi –Raniero y Grace (Kelly)–, fue ovacionada espontáneamente por el público que colmaba la sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, antes de ocupar asiento a la derecha del Ministro cubano de cultura.

Las tres representaciones de esta innovadora, ecléctica y rompedora reformulación coreográfica de “Cenicienta” –siempre basada en el cuento original de los hermanos Grimm–, consiguieron la aprobación mayoritaria de los sectores menos tradicionalistas del público habanero amante del ballet. Era de suponer que un minoritario grupo del público más conservador reaccionara negativamente, como detractores de la versión monegasca. No obstante hubo unanimidad al apreciar la pieza y, en general, la impactante y refinada puesta en escena: los diseños minimalistas de escenografía y vestuario, el riguroso e inteligente trabajo de luces, así como la excelente grabación de la música original de Sergei Prokofiev.

Esta particular versión de “Cenicienta” por Maillot –subrayo ahora la usencia del artículo “la”–, está estructurada en prólogo, tres actos, un epílogo y nueve escenas. Fue estrenada en abril de 1999 en la Ópera de Monte–Carlo –condiciones técnicas y de facilidades para viaje tan largo y costoso desde el Principado de Mónaco, evitaron la elección del ballet “Romeo y Julieta”–, pero el ex bailarín francés y director creyó que era la producción más ajustada para esta primera presentación cubana: tan soñada y ahora realidad, dijo a la prensa.

Les Ballet de Monte Carlo ensaya la pieza “Cenicienta” que se estrenó por primera vez en ‪‎Cuba en el XVI Festival Internacional de Teatro de La Habana. Foto: Abel Rojas Barallobre.

El propio coreógrafo ha explicado que sus pretensiones primeras eran otorgarle a la danza “una realidad contemporánea, hacerla lo más humana posible”. Él está en las antípodas  de lo creado al respecto por Walt Disney –“lo odio”, declaró–, y ha querido evitar, en este caso, las “caricaturas” de Disney.

Por supuesto, Maillot está en la búsqueda de la persona más pura del mundo, en medio de una sociedad más preocupada por la apariencia, es decir “en busca de lo imposible”. De ahí que la pieza comienza con un hermoso y dramático pas de deux por los padres de Cenicienta, mostrándonos sin eufemismos el drama de la muerte de la madre.

Además, veamos las peculiaridades desconcertantes introducidas  de manera justificada en la dramaturgia –hay que decirlo, algo complicada que no aporta claridad a la narración–, como la presencia de la bailarina protagonista descalza (una exquisita y lírica Anja Ballesteros), con sus hermosos pies maquillados con polvo dorado, descartando la trillada argucia de la zapatilla de cristal.
Igualmente, nos presenta a un príncipe atípico, según los clisés de otras versiones, nada interesado en sus funciones reales.  Aquí admiramos a un joven (notable Stephan Bourgond), díscolo y de juergas con sus amigotes, en escenas sugerentes de imaginarios erotismos propios de adolescentes en medios de alto nivel social.

Cual un sociólogo, Maillot  se nos exhibe en su discurso ideo–estético, para enrumbar su escritura coreográfica, como intérprete de la sociedad europea contemporánea. Utiliza estos elementos como claves para demostrar que “este ballet  es un espectáculo festivo, alegre, donde también se dicen cosas serias”. Sin duda que desconcertó a no pocos entre una audiencia conocedora de esta historia desde la niñez.

No obstante, es el personaje del padre, magníficamente caracterizado por el sólido actor-bailarín Álvaro Prieto durante la hora y 40 minutos de este tránsito por un universo mágico, debido a los diseños escenográficos – pantallas en practicables móviles–, creados por el afamado artista Ernest Pignon-Ernest.

En esta compañía no encontramos una distribución del elenco del cuerpo de baile como en otras compañías clásicas. Todos los más de 50 miembros, de 22 nacionalidades diferentes, deben interpretar cualquier papel. Ellos deben ser capaces de una buena ejecución técnica por su formación, pero prima en Maillot  la expresividad dramática, antes que el virtuosismo técnico. Prefiere a los actores-bailarines  que logren delinear las caracterizaciones de cada personaje, algo imprescindible en este tipo de piezas narrativas.

Sin estas cualidades no hubiera sido posible lograr un espectáculo donde se conjugan lo sicológico, lo onírico con las gestualidades posmodernas, tal es el caso con la maravillosa presencia de Mimoza Koike, al interpretar al Hada, como un factótum de esta evocadora “Cenicienta”.

El estreno mundial de "Choré", con coreografía de Jean-Christophe Maillot e interpretada por los Ballets de Monte-Carlo, tuvo lugar en la Sala de los Príncipes del Grimaldi Forum. Foto: Hans Gerritsen.

La Sala de los Príncipes del Grimaldi Forum acogió el estreno de “Choré” –abreviatura en francés de coreografía-, nuevo trabajo de Jean-Christophe Maillot (Tours, 1960) para los Ballets de Monte-Carlo. El espectáculo trata del surgimiento del teatro musical en Broadway, la Gran Depresión (1929) y el estallido de la II. Guerra Mundial (1939-1945), con la intención de afirmar la necesidad del ser humano de disfrutar de la alegría y del placer de bailar, aún en los momentos más difíciles de la existencia de la humanidad. Lejos de ser un ballet narrativo al uso, “Choré” se compone de cinco capítulos -“Esplendor y miserias”, “Silencio, se rueda”, “Se ha declarado la guerra”, “Paisaje de cenizas” y “Después de la danza, todavía existe la danza”-.

La trayectoria coreográfica de Maillot se divide en dos líneas de trabajo: de una parte, la revisión de los clásicos como “Romeo y Julieta” (1995), “Cenicienta” (1999), “La Belle” (2001) o “Lac” (2011) y, por otro lado, los montajes nacidos a partir de la suma de diversas pequeñas obras como “Miniatures” (2004), siendo esta última la opción de “Choré” (2013). Cercano a celebrar sus dos décadas al frente de los Ballets de Monte-Carlo, el coreógrafo-director francés ha sabido insuflar nueva vida a la compañía fundada por René Blum en 1936 y renacida casi medio siglo después a instancias de Carolina de Mónaco, actual Princesa de Hannover.

Comienza la velada con una elegante pareja de bailarines sin rostro flotando por el escenario, que bien podría ser la reencarnación de Fred Astaire (1899-1987) y Ginger Rogers (1911-1995), rodeada por otras parejas de armonioso baile. Actúa como contrapunto un bailarín de formas más rudas, que podría recordar a Gene Kelly (1912-1996). Implícitamente, se muestra la contraposición entre la danza elegante de Astaire y el baile más enraizado a la tierra de Kelly.

La segunda escena hace referencia a los inicios del cine, al mundo en blanco y negro, a iconos del séptimo arte como “King Kong” (1933), con la aparición de la protagonista Anna Darrow -la actriz Fay Wray, (1907-2004)-, a quien el gorila enamorado subía al Empire State Building. Inspirado en los patrones geométricos y en los trucos de caleidoscopio del coreógrafo de musicales Busby Berkeley (1895-1976), Dominique Drillot ofrece ingeniosas soluciones escénicas que transportan al espectador al Nueva York de los años 30. Un espejo suspendido sobre los bailarines y medianamente inclinado crea una sorprendente ilusión óptica al bailar los miembros de la compañía monegasca sobre diferentes linóleos que dibujan escenarios como una angulosa escalinata o los primeros rascacielos de la Gran Manzana.

El juego de un coro de intérpretes con grandes abanicos de plumas de marabú, que posee ciertas reminiscencias a “Mon truc en plumes” (1961) -coreografía de Roland Petit (1924-2011) para Zizi Jeanmaire-, sirve para ilustrar el desencadenamiento de la II. Guerra Mundial y, más concretamente, podría asemejarse a la inmensa nube surgida de la explosión de Hiroshima (1945).

Tras el estallido, la paz, la quietud y las cenizas. Etéreas, dos bailarinas –con un arnés y cuerdas muy difuminados por una espléndida iluminación- emergen suspendidas en el aire. El trabajo de ambos partenaires, situados sobre sendas plataformas cuadradas, debe cuidar la fuerza con la que dibujar los movimientos, para que la danza aérea se desarrolle en la cadencia adecuada. Un excelso ejemplo del deseo del hombre por volar y de la lucha constante del bailarín contra la gravedad. Magnífico recurso a la imaginación, sutileza y sensibilidad de Maillot para construir estos bellos y originales pasos a dos.

Y, finalmente, sólo queda la danza. “Choré” termina con una multitudinaria escena coral que es una verdadera invitación a bailar: danza de todas las formas, modos y maneras. Una exuberante muestra de color, porque aunque el horror se instale en la humanidad, el hombre siempre ha sentido el impulso interior de bailar, para celebrar su alegría, alejar los malos espíritus o sintonizar con su yo más ancestral. Contagiado por las buenas vibraciones de la trouppé monegasca, el público congregado aplaudió con ganas la propuesta de Jean-Christophe Maillot.