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Un imprescindible de la danza

mgueler — Sun, 08 Feb 2026 22:12:59 +0000

Alvin Ailey American Dance Theater en “Revelations” en el Warner Theatre. Foto: Danica Paulos. Gentileza AAADT.

El Alvin Ailey American Dance Theater (AAADT) lanzó en Washington DC su gira 2026, que marca el comienzo de un recorrido por 20 ciudades de los Estados Unidos. Esta vez, la compañía fundada por el inolvidable Alvin Ailey inaugura una nueva era bajo la dirección artística de Alicia Graf Mack, reconocida bailarina y educadora, marcada por el legado de Ailey y originaria del área de Washington, D.C.

Desde el 30 de enero al 8 de febrero, las funciones promovidas por Live Nation se realizaron en el histórico Warner Theatre, reconocido desde hace más de un siglo como un emblema del espectáculo en la ciudad. Con un repertorio variado que incluyó clásicos del repertorio de Ailey tales como “Cry” o la emblemática “Revelations”, la compañía mostró, como lo viene haciendo todos los años, que el espíritu de Ailey está vivo en el alma de sus bailarines.

Esta temporada, concebida como un “legado en movimiento”, muestra nuevamente a los magníficos bailarines de AAADT y su innegable maestría artística y técnica. Cuatro estrenos mundiales: “Embrace”, de Fredrick Earl Mosley, “Difference Between”, de Matthew Neenan, “Song of the Anchorite”, de Jamar Roberts y “The Holy Blues” de Jawole Willa Jo Zollar en colaboración con Samantha Figgins y Chalvar Monteiro fueron parte de esta propuesta que culminó el 6 y el 8 de febrero con un especial de Ailey que incluyó fragmentos de obras memorables como “Night Creature”, “A Song for You”, “Pas De Duke”, “Hidden Rites” y “Cry”.

Jacquelin Harris y su magnífica energía en la interpretación de un clásico del repertorio de Alvin Ailey. Foto: Glyn Stanley. Gentileza AAADT.

El viernes 6, a pesar de la nieve y de las temperaturas que llegaron a 15 bajo cero, el público esperó calmo en una larga fila en la calle hasta el momento de entrar. La primera obra, que no hizo más que confirmar que Ailey es un indiscutible de la danza contemporánea internacional, fue “Night Creature” (Movimientos 2 y 3). El ballet se estrenó por primera vez en un especial de televisión en 1974, “Ailey Celebrates Ellington”, y dos años más tarde subió al escenario del Lincoln Center de Nueva York. Un homenaje al jazz y a Duke Ellington.
La reposición de Masazumi Chaya, con diseños de vestuario de Jane Greenwood recreados por Barbara Forbes, permitió recuperar en escena el espíritu de la danza de Ailey. La sutil iluminación de Chenault Spence hizo que esta pieza adquiera una magia especial. Movimientos ondulantes, felinos, acompasados, y bailarines estupendos hacen que esta obra se convierta en un todo de una enorme belleza estética.

Al despliegue extravagante y llamativo de “Night Creature” se sumó un fragmento de “Love Songs”, “A Song for You” (1972). La obra, constituida por tres partes en las que el virtuosismo técnico y dramático pone sobre la escena la calidad y solvencia de los bailarines de la compañía. Este solo lírico es una puerta hacia la emoción y la esperanza. Bello y profundo.

Luego, otro fragmento de uno de los clásicos pas de deux de Ailey, “Pas de Duke”. Creado originalmente en 1976 para Judith Jamison y Mikhail Baryshnikov, es una obra de un enorme virtuosismo y, al mismo tiempo, un intercambio de destrezas técnicas que requiere de un trabajo profundo de interpretación. Es una pieza especial, que se recrea con cada nuevo intérprete y a su vez permite descubrir el alma de cada bailarín que transita por ella. Ashley Kaylynn Green y Patrick Coker hicieron una estupenda interpretación de esta joya de la danza.

Alvin Ailey se refirió a “Hidden Rites”, otro de los fragmentos que interpretó la compañía, como una forma de acercamiento a los rituales ancestrales de seducción. Creada en 1973, fue uno de los ballets más experimentales de su carrera. Una fusión de jazz, danza moderna, neoclásico y tradiciones, Ailey construyó una obra compuesta por grupos, solos y dúos para un elenco de 19 bailarines que celebraba a los hombres, a las mujeres, al amor y a la muerte. El dúo integrado por Corrin Rachelle Mitchell y James Gilmer logró encontrar el lenguaje justo para una obra de esta naturaleza.

En 1971, Alvin Ailey creó “Cry” como regalo de cumpleaños para su madre. Con el tiempo, se convirtió en una obra icónica de la danza estadounidense. Este solo de 16 minutos, interpretado por primera vez por Judith Jamison, está dedicado a “todas las mujeres negras del mundo —especialmente a nuestras madres—”, según expresó Ailey.

“A Song for You” (1972), obra que pertenece a la tríada de “Love Songs”. Foto: Paul Kolnik. Gentileza AAADT.

Con música popular y góspel de Alice Coltrane, Laura Nyro y Chuck Griffin, la obra se divide en tres partes que van marcando el periplo de una mujer a través de la agonía constante de la esclavitud hasta alcanzar su estado de gracia. Una obra con gran exigencia física y dramática que se convierte en algo así como la cima de toda bailarina. En el Warner Theater, la elegida fue Jacquelin Harris, cuya energía y solvencia técnica dejan sin aliento. Conmovedora y vibrante interpretación que hizo levantar de sus butacas a la platea.

Y para el final, la favorita del repertorio. La infaltable “Revelations” (1960). Un clásico necesario de la danza contemporánea. Una obra maestra de la narrativa coreográfica. Ailey la concibió cuando apenas tenía 29 años, “Revelations” es un tránsito hacia las emociones más profundas plasmadas en un lenguaje que funde la danza y el teatro a través de “negro spirituals” y una combinación perfecta de colores, vestuarios y escenografías.

La obra de Ailey trasciende tiempos y fronteras y, sin duda, abre el alma, la esperanza y las emociones propias del ser humano. Una síntesis de belleza, reflexión social y exploración de los límites del cuerpo y las emociones.

Una efervescencia que no cesa

mgueler — Sat, 17 Feb 2024 17:47:39 +0000

The Washington Ballet presentó “Coloring Silent Space” de Jessica Lang en el Eisenhower Theater de Washington DC. Foto: ©xmbphotography. Gentileza TWB.

En esta nueva producción de The Washington Ballet, “Jazz Icons: A Fine Romance”, que se estrenó justamente el 14 de febrero, día de San Valentín o el día del amor y la amistad, la compañía dirigida por Edwaard Liang presentó dos obras chispeantes y desenfadadas donde se funden el neoclásico, la danza contemporánea y el jazz. Antes de comenzar la función Liang sugirió a la platea que se preparara para “Ver la música… oír la danza”. Y así fue.

La propuesta, que subió a escena del 14 al 18 de febrero en el Eisenhower Theater del Kennedy Center de DC, abrió con “Coloring Silent Space”, la nueva obra de Jessica Lang. Una pieza colorida, ocurrente y encantadora, que combina con destreza y habilidad el jazz y la danza contemporánea a partir de la música de The Craig Davis Trio.

El vestuario de Jillian Lewis puso un toque incomparable en esta producción en la que el minimalismo estético, respaldado por la escenografía geométrica generada por Lang, se vio desbordado por la intensidad del movimiento y la energía de esos bailarines que disfrutaban cada instante. Los colores brillantes estampados sobre leotardos negros al estilo de Henri Matisse, según refiere Lang en el programa, generan un especial atractivo visual que se complementa con la velocidad de los movimientos y sutiles toques de humor.

Andile Ndlovu y Maki Onuki en un pas de deux de “Midnight Riff” con coreografía de Dwight Rhoden. Foto: ©xmbphotography. Gentileza TWB.

Secuencias grupales, dúos, tríos y solos componen esta obra que induce, por momentos, a la reflexión. Hasta que casi al final, la luz se posa sobre uno de los círculos del escenario y una luna imaginaria provoca una suerte de eclipse. Bella imagen que anuncia el final.

Quizás como la otra cara de la luna, “Midnight Riff”, de Dwight Rhoden, marcó un registro más dramático con poses recurrentes, vestidos de noche brillantes, y zapatillas de punta para las bailarinas.

Rhoden, cofundador de Complexions Contemporary Ballet, logra un particular ensamblaje con la música de la Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra y New York Voices. La claridad y transparencia de la danza se funde con magníficas interpretaciones musicales con temas de Mary Lou Williams, Duke Ellington y George e Ira Gershwin, entre otros clásicos del jazz.

Y en escena, los cantantes Kim Nazarian, Lauren Kinhan, Darmon Meader y Peter Eldridge, de New York Voices, haciendo scatt, mientras los bailarines insertan sus movimientos a “tempo” con deslumbrante precisión. El diseño de vestuario de Christine Darch y la propuesta de iluminación de Brandon Stirling Baker, le dan a “Midnight Riff” un toque dramático que se asocia con los clubes nocturnos llenos de humo, de luces y sombras y misterio.

Un programa que permite ver lo mejor de la compañía, con sus excelentes y dúctiles bailarines, cuyo talento y personalidad componen una magnífica amalgama. Ajenos al ballet clásico, esta vez volvieron a demostrar que se atreven a todo con absoluta libertad.

El duende siempre está

mgueler — Sun, 02 Apr 2023 21:51:32 +0000

Ballet Flamenco Sara Baras presentó “Alma” en el Eisenhower Theater del Kennedy Center en Washington DC. Foto: Sofía Wittert. Gentileza JFKC.

“Soy el alma que baila sin cadenas, soy el sueño insaciable de la luna, soy testigo en la sombra de la vida, soy la que aprende que las semanas tienen más de siete días si estoy contigo, … no hace falta que te diga que moriría por bailar contigo, no hace falta que te diga que es mi corazón flamenco el que tiene alma de bolero”, dijo la voz en off de Sara Baras. Esa voz que estremeció la platea mientras un haz de luz enfocaba un micrófono solo en el medio del escenario.

Después, la música y la danza. “Alma”, no solo es, como dice Sara Baras, “un abrazo enorme, donde el flamenco abraza al bolero, y el bolero se deja abrazar por el flamenco” es, realmente, un encuentro interior en lo más profundo del alma. Y es ese nombre el que da comienzo a este espectáculo, intenso, vibrante y conmovedor donde el duende del flamenco se apodera del alma del espectador y se la roba.

Con las estrofas del tango “Nostalgias”, letra de Juan Carlos Cobián, cantado por seguiriyas, Sara Baras se contonea y saca los tonos más delicados y aterciopelados de su zapateo. Luego, los boleros más reconocidos que, a su vez, eran los preferidos del padre de la artista, se van transformando a través de la música y el cante, en los distintos palos flamencos.

“Algo contigo” va por bulería, “Contigo aprendí”, adquiere ritmo de rumba; “Remolinos”, va por soleá; “Te extraño”, se fusiona en una caña; “Toda una vida” en soleá por bulerías. Una alquimia perfecta en la que ambos géneros se funden como si no pudieran separarse el uno del otro. Y a su vez, se amalgaman en una combinación de instrumentos no “tradicionales” en el flamenco como la flauta travesera o el saxo. Si bien desde hace más de dos décadas muchos de los bailaores contemporáneos empezaron a incorporar sonidos del jazz en el flamenco. Todo eso, dirigido por Keko Baldomero.

Sara Baras combina solos y bailes grupales donde también se incorporan cantantes como parte de la coreografía.

La danza se apodera del escenario con una fuerza y una presencia que no da respiro e incita a ir por más. Baras ha logrado un espectáculo de una sublime exquisitez, con un refinamiento y una delicadeza que conmueve a cada instante. A eso se suma la plasticidad y la belleza de una escenografía minimalista, despojada, que divide el escenario a través de un telón que se parece a una lluvia constante. El mismo minimalismo y sobriedad que se impone en el vestuario de Luis F. Dos Santos y la iluminación de Chiqui Ruiz.

Impecable el cuerpo de baile integrado por Chula García, Charo Pedraja, Daniel Saltares, Cristina Aldon, Noelia Vilches y Marta De Troya. Los solos de cada una de ellas muestran el alto nivel de preparación de las bailarinas, y los solos de Baras encuentran esa delicadeza y esa potencia que hacen que el flamenco estalle en toda su intensidad. Sus diálogos musicales con los cantantes y con el saxo (Diego Villegas) son absolutamente sublimes. Una bailaora que sabe manejar los silencios, los gestos, los interminables giros, y es ella el propio duende que sale a escena.

“Alma” es una combinación perfecta de ritmo, movimiento, sonidos, olores y colores. Un espectáculo que apunta a lo más profundo del corazón, desde la punta de los tacones hasta los maravillosos movimientos de brazos y esas manos que se proyectan hacia el infinito.

Posadas sigue bailando

mgueler — Sat, 17 Jul 2021 20:40:45 +0000

Afiche Concurso Internacional Latinoamérica Danza 2021.

Con una pandemia que continúa sin dar tregua, en este 2021 el “Concurso Internacional Latinoamérica Danza” (CILD) se realizará de manera virtual con la finalidad de posibilitar la participación de todos los interesados mediante videos registrados en presentaciones en salones de clases y/o escenario, y que la coreografía respete los requerimientos solicitados en las bases del concurso que convoca a un jurado de prestigio internacional. La inscripción y recepción de videos cerrará indefectiblemente el 1 de agosto de 2021.

Este concurso, que tuvo su primera edición en 2017 bajo la coordinación y organización de la directora Mgter. Laura de Aira, tuvo como objetivo mostrar el desempeño de diversos solistas y grupos, con la intención de abrir la posibilidad de obtener becas de estudio y perfeccionamiento en escuelas internacionales.

Habitualmente las semifinales se realizan en distintas ciudades de la Argentina y de Latinoamérica, y el certamen final, en el Teatro Lírico del Parque del Conocimiento de la ciudad de Posadas, Misiones, Argentina.

En 2019 el Grand Prix CILD® otorgó una Beca de Estudio con el 100% de cobertura en pasajes, alojamiento y clases por tres meses en la Vassiliev Academy of Classical Ballet (Nueva York – EEUU) al Mejor Bailarín/a de Danza Clásica de Repertorio del Concurso.

En su edición especial de 2020, en plena crisis sanitaria ocasionada por la pandemia del COVID- 19, el CILD® se destacó como el “I Concurso Coreográfico CILD® 2020”, propuesta destinada a coreógrafos consagrados y emergentes, donde se presentaron coreografías para grupos en danza clásica y neoclásica tanto del ámbito nacional como internacional. Su finalidad: promover y potenciar coreográficamente el concurso con propuestas innovadoras y de calidad artística.

El Concurso

Bailarines de diferentes países de Latinoamérica participan de esta competencia desde su lanzamiento en 2017. Foto gentileza CILD.

El registro del Concurso Internacional Latinoamérica Danza® está abierto a todos los bailarines, y las categorías se asignarán según modalidad, estilo y edad del participante. Las distintas divisiones serán determinadas por la edad cumplida al 8 de septiembre de 2021.

Concurso Modalidades: Clásico de Repertorio y Contemporáneo (1 variación):

Solistas y Dúos:

División Jóvenes: 11 – 12 años;
División Estudiantes: 13 – 14 años;
División Junior: 15 – 17 años;
División Senior: 18 – 26 años;
División Máster: 27 años en adelante.

Tríos y Grupos:

División Junior: 12 – 17 años;
División Senior: 18 años en adelante.

Concurso Modalidades Clásico Libre, Jazz, Neoclásico, Danza de Carácter, Street Dance, Hip-Hop, Tango, Folklore Argentino y Folklore Internacional (Brasilero, Español, Paraguayo, Ucraniano, Árabe, otros) y Ritmos Libres (1 coreografía):

Solistas y Dúos:

División Infantil: hasta 09 años;
División Jóvenes: 10 – 11 años;
División Estudiantes: 12 – 14 años;
División Junior: 15 – 17 años;
División Senior: 18 -26 años;
División Máster: 27 años en adelante.

Tríos y Grupos:

División Infantil: hasta 11 años;
División Junior: 12 – 17 años;
División Senior: 18 años en adelante.

Inscripción

La inscripción y recepción de videos cerrará indefectiblemente el 1 de agosto de 2021.

Remitir al mail ballet.misiones@gmail.com – Asunto: “CILD® 2021”; los siguientes formularios:
Presentar completado y firmado en mano en formato PDF la Solicitud de Inscripción.
regCILD2021.pdf; el Formulario de autorización para menores de 18 años: menores.pdf y el Formulario de exención de responsabilidad: excención.pdf.
Enviar el video en formato HD, mp4, horizontal, (con un mínimo de 1080p). Subir el mismo a una nube y enviar un link para su correspondiente descarga.
Copia del comprobante del depósito o transferencia de la Inscripción al Concurso correspondiente según el siguiente detalle:

Solistas: $ 1.200 (pesos un mil doscientos) por competidor (R$ 50 – U$D 30)
Dúos: $ 900 (pesos novecientos) por cada competidor (R$ 45 – U$D 15)
Tríos: $ 800 (pesos ochocientos) por cada competidor (R$ 40 – U$D 15)
Grupos: $ 700 (pesos setecientos) por cada competidor (R$ 30 – U$D 10)
Coreografías: $ 800 (pesos un ochocientos) por coreografía que compite (R$ 40 – U$D 30)

La organización enviará un mail confirmando la recepción de los fondos correspondientes.

Requisitos de video

Video debe ser en formato HD (mínimo 1080p ),de forma horizontal, con extensión mp4. El plano debe permitir ver el cuerpo entero del participante.

El o los videos deben contar al inicio con una placa con los siguientes datos:

Modalidad y Categoría (edades)
Nombre de la escuela / País, Provincia, Ciudad.
Nombre del/los bailarines
Nombre de la Coreografía

IMPORTANTE:
Los videos que no cumplan con estos requisitos, serán descalificados y sin derecho a reembolso.

Jurado

El Jurado estará integrado por: Guido de Benedetti (Buenos Aires – Argentina), Alejandro Tulio Totto (Buenos Aires – Argentina), Anderson Santana (Bruselas – Bélgica), Eduardo Bonnis (San Pablo – Brasil) y Petronita Vinader (Asunción- Paraguay).

Premios:

Los premios serán informados en la Gala Virtual del sábado18 de septiembre de 2021, emitido por el Facebook del Ballet y del Parque del Conocimiento.

Primeros puestos en todas las Divisiones:

• 1º Premio: Certificados en formato PDF.

• 2º Premio: Certificados en formato PDF.

• 3º Premio: Certificados en formato PDF.

Contratos y Becas para clásico de repertorio y contemporáneo:

Becas de estudio en el Ajkun Ballet Theatre (Nueva York – EEUU).
Becas de estudio para el Summer 2022 en el Barcelona Dance Center (Barcelona – España).
Becas de estudio para el Summer 2022 en Cuban Classical Ballet of Miami (Miami – EEUU).
Beca de estudio para el Summer 2022 en el Pro Arte Center (Vancouver- Canadá).
Becas para clases con la Compañía Estable PromoDança en enero 2022 (Marilia SP – Brasil).
Becas de Estudio en Escuela Internacional de Ballet de Bruselas (Bruselas – Bélgica);
Becas de Estudio en la Escuela de Arte XXI – Danza Clásica y Contemporánea (Bue.os Aires – Argentina).
Becas de Estudio en la Escuela Andrea Martínez Tango Argentino (Nápoles- Italia).
Becas de Estudio en la Escuela Lizt Alfonso Dance Cuba, danza Española (Habana- Cuba).
Becas de Estudio para Summer 2022 Escuela Piso 21, danza jazz (Buenos Aires-Argentina).
Becas de Estudio para Summer curse de Arts Ballet Theater of Florida (Miami-EEUU).
Becas de Estudio en la Academia de Ballet de Moscú (Misiones – Argentina).
Becas de participación con la Compañía Estable PromoDança en enero 2022 (Marilia SP – Brasil).
Selección de participación en el Miami International Ballet Competition (Miami – EEUU).
Selección de participación en Marília em Dança en 2022 (San Pablo – Brasil).
Contrato 2022 con el Ballet Oficial del Parque del Conocimiento (Misiones. – Argentina).

Las becas de estudio y selectivos NO incluyen pasajes ni alojamiento.

Organización de Ronda UNICA

Los videos corográficos correspondientes a la modalidad de Clásico de Repertorio en todas sus categorías se emitirán a través del Facebook de la compañía el día jueves 09 de septiembre a partir de las 19 hs. de la Argentina. Los correspondientes a la Modalidad de Contemporáneo, Neoclásico y Jazz, se emitirán en el mismo horario el viernes 10.

Todas las demás modalidades, a saber: Clásico Libre, Danza de Carácter, Street Dance, Hip-Hop, Tango, Folklore Argentino y Folklore Internacional (Brasilero, Español, Paraguayo, Ucraniano, otros) y Ritmos Libres; se emitirán el sábado 11 a partir de las 17 hora argentina.

La Gala de Cierre se emitirá el sábado 18 a parir de las 20hs. Las coreografías a presentarse en esta función serán escogidas a criterio de la organización del evento. No necesariamente serán ganadores de premios y/o becas.

Informes:
Dirección General de Ballet y Formación Académica – Parque Del Conocimiento
Av. Ulises López (acceso Oeste) y Ruta 12 – Posadas – Misiones – Argentina
Tel. (376) 4597530

Email: ballet.misiones@gmail.com
www.balletmisiones.com

¡Todos a bailar!

mgueler — Mon, 25 Jul 2016 16:22:16 +0000

El National Dance Day convoca a D.C. Bhangra Crew, compañía dedicada a las danzas tradicionales de la India. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

El Kennedy Center de Washington DC, en colaboración con la Dizzy Feet Foundation y con la congresista Eleanor Holmes Norton presenta el National Dance Day (Día Nacional de la Danza-NDD) el sábado 30 de julio en el Grand Foyer del Kennedy Center y en la terraza del ala norte. Las actuaciones comienzan a la 1:00 PM y terminan a las 11 PM. Y a las 6:00 PM se realizará un show en el Milleniun Stage que será transmitido en vivo en el sitio web del Kennedy Center y quedará en los archivos de la institución.

Clases abiertas para todos los niveles, guiadas por reconocidos maestros. En este encuentro gratuito, dedicado al público de todas leas edades incluye actuaciones de artistas y grupos reconocidos en el área, como también clases sobre una variedad de estilos. Este año el NDD convoca al bailarín de tap, cantante y guitarrista Evan Ruggiero; a la reconocida compoañía de danza contemporánea, Bowen McCauley Dance; a la escuela de danzas irlandesas, The O’Neill James School of Irish Dance, y al estudio DIVAS. También darán su “presente” en esta celebración, la D.C. Bhangra Crew, compañía dedicada a las danzas tradicionales de la India; CapoeiraDC, que trae este tradicional estilo de artes marciales brasileñas, y el coreógrafo de Hip Hop dancer, Teren Dickson.

El grupo Dance Place Step Team también se pliega a esta celebración junto a las danzas latinas que llegan a través de Kat Kinnunen, como también, Native Pride Dancers, ensamble que mezcla las danzas nativas tradicionales con danza moderna. A su vez, el Dance Institute of Washington y la compañía de flamenco, Furia Flamenca Dance Company, se sumarán a las propuesdas de jazz-dance traídas por Helen Hayes, directora de Joy of Motion’s Youth Dance Ensemble.

Este encuentro con la danza también incentiva al público para que presente sus propios videos de danza. Las sedes oficiales para hacer las presentaciones este año son The Music Center, Los Angeles, CA; the Kennedy Center, Washington, D.C., y Dr. Phillips Center for the Performing Arts, Orlando, FL.

Fundada en 2009 por Nigel Lythgoe y el director Adam Shankman, todos los años la Dizzy Feet Foundation forma parte del NDD a través de la producción y distribución de videos instructivos que ofrecen rutinas de baile de todos los niveles para que el público pueda entrenarse antes de ir a las clases. Cada una de estas rutinas, al igual que el segmento “Dancing Under the Stars” y “So You Think You Can Dance (SYTYCD)”, estarán guiados por Alex Wong, reconocido bailarín que fue principal del Miami City Ballet. Hacer clic aquí para ver las rutinas preparadas para este año: https://www.youtube.com/user/dizzyfeetfoundation

Informes:
www.dizzyfeetfoundation.org
www.kennedy-center.org

Horarios
1:00 – 5:30 p.m.: Shows de danza y actividades en la plaza norte.
6:00 – 7:00 p.m.: Millennium Stage evento en el Grand Foyer.
8:00 – 8:30 p.m.: Dancing Under the Stars (clases de danza en la plaza norte).
8:30 – 9:30 p.m.: Música en vivo y baile en la plaza norte.
9:30 – 10:00 p.m.: Clases de danza en la plaza norte.
10:00 – 11:00 p.m.: Música en vivo y baile en la plaza norte.

Los modernos invaden la escena habanera

mgueler — Tue, 16 Feb 2016 15:05:53 +0000

Danza Contemporánea de Cuba presentó la premiere de una obra de contenido político, “Heterodoxo”, de Annabel López-Ochoa. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

La danza contemporánea acapara las carteleras de la capital cubana estos dos primeros meses del año que comienza. Primeramente, una compañía norteamericana residente en Minnesota y, luego, dos compañías locales con sede en La Habana conquistaron el entusiasmo de un público heterogéneo, mayoritariamente juvenil, ávido de novedosas propuestas. Los programas que se presentaron fueron acometidos con vigor, profesionalidad y pasión en cada uno de los variados títulos presentados. Ya sea por sus estilos coreográficos como por el discurso de los temas abordados en esta ocasión.

La compañía Zenon Dance, fundada y dirigida desde 1983 por Linda E. Andrews en Minneapolis, Minesota, pudo presentarse en el rescatado teatro Martí, poseedor de una hermosa sala de estilo italiano decimonónico. Esta agrupación estadounidense cuenta con un variado repertorio.

La presentación surgió a raíz del éxito de la obra “Coming Home” (Volver a casa), del coreógrafo cubano Osnel Delgado en agosto de 2014 en Minnesota. La compañía, a su vez, aprovechó su estancia habanera para “profundizar la conexión artística y cultural” con Delgado y su compañía Malpaso, como también con el público cubano.

La pieza de Osnel Delgado fue la más relevante (y aplaudida) del programa presentado aquí. En este “proceso creativo” entre un creador cubano y bailarines foráneos que recién se conocían, en solo diez días, fue acertado utilizar el pretexto de “jugar a la pelota”, es decir el baseball. Juego que, si bien nació en los Estados Unidos llegó a enraizarse en la isla a mitad del siglo XIX. Sin embargo, no constituye el tema central de “Coming Home”. En este desafío personal de Delgado, las tradiciones están presentes en las articulaciones del fraseo coreográfico, de enorme exigencia física, a la pasar del lirismo y lo vertiginoso, con la intención de recrear metafóricamente las posturas arquetípicas en la práctica del béisbol. Delgado utiliza un soporte musical elaborado por él mismo.

En este programa se destaca también el dúo “My Very Empty Mouth” (Mi boca muy vacía), con coreografía de Wynn Fricke en colaboración con los bailarines, sobre música original de David Lang. Fricke entrega una pieza de claras referencias erótico-lésbicas de gran fuerza dramática, no exenta de una hermosa sensualidad y dominio corporal. El diseño de luces de Mike Grogan, mostró las astucias necesarias para delinear, en la brevedad de la obra, las sugestiones de Fricke.

La última obra fue una coreografía grupal de Danny Buraczeki, de 1999, con el sugerente título bíblico de “La Rueda de Ezequiel” (Ezekiel´s Wheel), donde deslumbró la solista Mary Ann Bradley por su interpretación dramática y ejecución precisa al recrear corporalmente la voz icónica del poeta James Baldwin. La pieza se basa en una grabación en off de su elegía “Another Country”, apoyada por la banda sonora de Peter Jones a partir de los “Baldwin Blues” de Philip Hamilton. A pesar de los esfuerzos, las debilidades técnicas del cuerpo de baile no lograron hacer trascender la imagen bíblica sugerida por el coreógrafo. El movimiento circular de lucha y la búsqueda de la tolerancia en el discurso de Baldwin no llegó en toda su elocuencia.

Zenon Dance, de MInnesota, Estados Unidos, llevó a Cuba “Coming Home” de Osnel Delgado. Froto: Buby. Gentileza Buby.

Compañía de danza Malpaso

Nuevamente, el teatro Martí acogió el siguiente fin de semana a la compañía Malpaso, fundada hace menos de un lustro por el bailarín y coreógrafo Osnel Delgado. La agrupación, de corta andadura, ya es reconocida allende los mares, a tenor de la buena repercusión en los medios de comunicación especializados, dentro y fuera del país. Está auspiciada por la filial cubana de la germana Fundación Ludwig, por la Embajada de Noruega en Cuba, y otras entidades afincadas en la isla.

De las tres obras programadas para esta la primera temporada del grupo en 2016, “Bad Winter” del coreógrafo invitado Trey McIntyre era la novedad. McIntyre se formó como bailarín en la Academia de Ballet de Houston, pero muy pronto, en 1989, se desempeñó como coreógrafo aprendiz en esta misma institución. Después, al integrarse de lleno a la coreografía, desde 1995 logró estrenar piezas en compañías profesionales importantes de los Estados Unidos, hasta que decidió fundar en 2005 el Trey McIntyre Project. Actualmente, ha enfocado su carrera hacia la experimentación en las artes visuales como documentalista.

La producción del dúo llamado “Bad Winter” estuvo encargado a un equipo estadounidense de experiencia y dominio de las nuevas tecnologías, eligiendo como soporte musical eficaz creaciones del The Cinematic Orchestra Arthur Tracy. Lo cual contribuyó a otorgar la adecuada relevancia a una serie de reiterada gestualidad, y así potenciar la interpretación de los solistas, a pesar de la brevedad de la pieza en cuestión.

Ha sido muy gratificante para los numerosos aficionados como a los especialistas rencontrarse y disfrutar de “Ocaso”, uno de los primeros dúos creados por Osnel Delgado para su agrupación, donde se lo vio en todo su potencia como intérprete. Junto él, la juvenil Daite Carrazana, elegante y precisa, sin menoscabo de su fuerza expresiva en su baile. Como cierre del espectáculo, otra obra apreciada de Delgado (con la colaboración de sus bailarines), “24 horas y un perro”, con el estupendo soporte musical del laureado pianista y compositor Arturo O´Farrill junto a su ensamble jazzístico, con arreglos de conocidos ritmos cubanos. Esta obra, estructurada en siete momentos rítmicos, es el resultado de una colaboración y complicidad artística entre el coreógrafo y el músico.

Danza Contemporánea de Cuba

El director de DCC, George Céspedes, recuperó para el repertorio su creación “Matria Etnocentra”. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Después de poco más de tres años ausentes de su escenario habitual, la Sala García Lorca del Gran teatro de La Habana Alicia Alonso -por los motivos conocidos de su restauración y renovación-, la compañía Danza Contemporánea de Cuba (DCC), siempre bajo la exigente dirección general del ex bailarín Miguel Iglesias, retorna con un atractivo programa. En esta primera temporada presentaron dos estrenos mundiales y tres reposiciones. Así como también, una nueva hornada juvenil de bailarines recién egresados de la Escuela Nacional de Danza, que -con urgencia- cubren las plazas abandonadas por una docena de antiguos miembros.

La joven coreógrafa colombo-belga Annabel López-Ochoa (actualmente requerida por varias importantes compañías de las cuatro esquinas del planeta), estuvo invitada para el montaje de una nueva pieza, e invirtió parte de su tiempo en el rescate de su precedente título, “Reversible”, asistida por la cubana Yoerlis Brunet. Esta última trabajó, igualmente, junto al coreógrafo George Céspedes en la recuperación para el repertorio de dos de sus creaciones: “Identidad – 1″ y “Matria Etnocentra”. Ambas con diseños grupales articulados matemáticamente, los cuales trascienden los tópicos al uso de los avatares de género, los juegos entre rivales, o las concepciones acerca del sentido de pertenencia nacional.

“Heterodoxo” (estreno mundial), según su autora López-Ochoa, es una pieza motivada por los recientes ataques cometidos en París, el pasado diciembre, por los grupos islamistas radicales vinculados al ISIS, que están insertados en la sociedad civil francesa, u otras de Europa.

Sobre la escena iluminada, están en pose 16 bailarines solistas de ambos sexos uniformados con vestimenta militar de camuflaje, los cuales se agitan vertiginosamente, luego en cámara lenta o con pasos marciales, diseñados por Vladimir Cuenca. En apenas 27 minutos, la atmósfera creada mantiene en vilo al espectador, con una mezcla de emociones angustiosas e inquietantes en desarrollo, hasta su desenlace imprevisible. El eficaz soporte musical resultó de un collage que incluyó piezas corales en creole, cubanas, y temas de películas, entre otras. La respuesta del público fue positiva, mas con un evidente acento de desconcierto.

El segundo estreno anunciado, “Cenit” de Laura Domingo –egresada de la Escuela nacional de ballet y dotada de un real talento para la escritura poética-, logra convencer con su talento para la creación de este trío de sólo siete minutos. Los tres bailarines, un hombre y dos mujeres, desarrollan coherentemente su discurso cual un ménage á trois. Si bien la paleta de su vocabulario revela su formación clásica, no se muestra encorsetada, y consigue explayarse a la hora de comunicar sentimientos, pasiones íntimas en esta concentrada miniatura coreográfica cargada de virtuosismo. Un punto a su favor ha sido la elección de la pieza para guitarra “La catedral”, del desaparecido genio paraguayo Agustín Barrios “Mangoré”.