La primera noche de “Lago de los cisnes” tuvo como protagonistas a Isabella Boylston y al brasileño Daniel Camargo. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

“Lago de los cisnes” es, sin duda, uno de los clásicos a los que siempre se vuelve. Un acabado de la vida y sus contradicciones. Un ballet conmovedor que despierta todos los sentidos y se inserta en el alma.

La versión de Kevin McKenzie -sobre la de Marius Petipa y Lev Ivanov de 1895, estrenada en San Petersburgo- de este clásico en dos actos y dos escenas, que el American Ballet Theatre (ABT) trajo al Opera House del Kennedy Center de Washington DC desde el 21 al 25 de febrero, reúne todos los elementos necesarios para ser una de esas piezas insoslayables de la compañía. Un cuerpo de baile sólido y entusiasta, solistas impecables y comprometidos con cada rol, y protagonistas de alto nivel y sensibilidad integran esta ecuación cuyo resultado es una obra de gran intensidad y belleza.

Si bien hay una diversidad de versiones de este clásico, la de McKenzie, cuyo estreno mundial fue en el Metropolitan Opera House en 2000 con Susan Jaffe y José Manuel Carreño, narra en su prólogo la forma en que Odette fue capturada por el malvado hechicero von Rothbart quien, en su intento por obtener el amor de la princesa, la embruja y la convierte en un cisne que queda atrapado en sus dominios. La función de apertura, protagonizada por Isabella Boylston como Odette/Odile, y por el brasileño Daniel Camargo como Sigfrido, tuvo momentos intensos, que indudablemente se refuerzan con una bella coreografía y la música incomparable de Piotr Illych Tchaikowsky.

Boylston y Camargo hicieron un muy buen trabajo, con momentos conmovedores y de alto nivel técnico. No obstante, la profunda emoción que genera el pas de deux del acto blanco estuvo ausente. También estuvo ausente ese refinamiento y perfección en el suave braceo del cisne de Boylston.

Camargo interpretó un tibio Sigfrido, ajustado a las exigencias técnicas de una coreografía compleja. Preciso, a tempo, cuidado, pero sin emoción. Aún en el final del Acto III, cuando descubre la trampa de von Rothbart con el propósito de proteger el hechizo y mantener cautiva a Odette. Allí estaba en juego romper el maleficio a través del amor verdadero. No parecía lo mismo para este Sigfrido encarnado por Camargo.

Un excelente trabajo del cuerpo de baile en el acto blanco donde los cisnes, en la penumbra del lago, salen durante la noche bajo la luz de la luna.

El tercer acto situado en el palacio, durante el gran baile destinado a que Sigfrido encuentre a la princesa para casarse, incluye danzas folclóricas tradicionales como zardas, mazurcas, danzas napolitanas y españolas. Allí aparece von Rothbart, desdoblado aquí en un atractivo y maquiavélico personaje y encarnado por Jose Sebastian, un bailarín con fuerte personalidad y atractiva presencia. Con aire dramático y amenazador llega al palacio para quebrar el pacto de amor entre Sigfrido y Odette. Sebastian realizó una excelente variación y mostró su calidad como bailarín de la compañía.

La clave de este acto es el famoso pas de deux del Cisne Negro, encarnado por Odile, esta suerte de Alter Ego de Odette. Una coreografía que pone a prueba a cualquier bailarina tanto en la destreza técnica como en la interpretación. Boylston cubrió esas expectativas, si bien faltó algo de trabajo actoral sobre un personaje que difiere enormemente de Odette.

El hechizo de Herman Cornejo

El sábado matiné en el Opera House del Kennedy Center los roles principales estuvieron cubiertos por Herman Cornejo y Skylar Brant. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

El sábado matiné, tuvo como protagonistas de este “Lago…” a Herman Cornejo y a Skylar Brant. Una función cargada de emoción en la que ambos bailarines lograron un ensamble perfecto: técnica excelente, comprensión particular del drama de los personajes, emoción, sensibilidad y talento. Algo poco frecuente de encontrar.

Cornejo parece dibujar la música en el aire. Sus giros, sus saltos, silenciosos y perfectos, hablan de un bailarín con cualidades especiales. Excelente como partenaire, junto a Brant lograron un pas de deux conmovedor en el acto blanco. Brant con un port de bras magnífico, sutiles movimientos de cabeza, no hizo otra cosa más que asemejarse a un cisne en busca de su libertad a través del amor verdadero.

Fue en el tercer acto donde se lanzó con fouettes dobles que hicieron bramar a la platea. Allí su Odile fue la encarnación del mal, dispuesta a engañar a ese Sigfrido casi inocente y consternado. Cornejo y Brant, volvieron a deslumbrar en un acto en el que sí se advirtieron las diferencias entre ambos cisnes que, de alguna forma, representan la lucha entre las fuerzas del bien y del mal. Una función memorable que permitió observar el talento de varios solistas y cuerpo de baile.

Jake Roxander, como Benno, el amigo del príncipe se destacó con su actuación, con su personalidad entusiasta y su ajustada técnica. Su personaje fue sencillamente brillante al igual que el von Rothbart que compuso Andrii Ishchuk, cuya precisión en los saltos y en su variación fue impecable, al tiempo que puso un toque de humor displicente y malvado.

Una trama sumamente atrapante, elementos mágicos poderosos, dilemas morales y psicológicos, un gran despliegue escenográfico, danza pura, y belleza absoluta componen este “Lago de los cisnes” del American Ballet Theater.

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Herman Cornejo (ctro), Misty Copeland (izq.) y David Hallberg (der.), en “I Feel the Earth Move”, de Benjamin Millepied. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

El American Ballet Theatre (ABT) regresó al Kennedy Center de Washington DC con dos programas diferentes. El 30 y 31 de enero, la compañía dirigida por Kevin McKenzie, llegó al escenario del Opera House con un programa mixto integrado por obras de Alexei Ratmansky (coreógrafo en residencia), Jerome Robbins, Benjamin Millepied y Christopher Wheeldon. Del 1 al 4 de febrero, el ABT trajo un divertimento fresco, bello y atractivo: “Whipped Cream”, una recreación de “Schlagobers”, obra estrenada en Viena en 1924 con coreografía de Henrich Kröller. Esta pieza de Ratmansky, tuvo su premier en 2017, en Costa Mesa, California, con Daniil Simkin, Stella abrera, David Hallberg y Sarah Lane en los protagónicos.

La primera noche del ABT en DC abrió con “Serenade after Plato’s Symposium”, de Ratmansky. Una obra que intenta deshilar una dialéctica tan particular como la planteada por Platón en “El banquete”, donde los diálogos se enriquecen y juegan una constante pulseada con las ideas. Aquí, Ratmansky logra ese mismo ir y venir de las reflexiones de los comensales propuestos por el filósofo griego, hasta que finalmente llega el turno de Sócrates para llegar a la síntesis inevitable. Jeffery Cirio (con una brillante interpretación), Alexandre Hammoudi, Blaine Hoven, Calvin Royal (un bailarín interesante cuya danza impacta y atrae), Gabe Stone Shayer, Daniil Simkin yJames Whiteside, dialogan sobre el amor, la belleza, la verdad, hasta que en el final, aparece la encarnación perfecta de la belleza del amor a través de DevonTeuscher.

“Other Dances”, de Robbins, estrenada en 1976 por Natalia Makarova y Mikhail Baryshnikov, con música de Frederic Chopin, es uno de los más bellos pas de deux del repertorio neoclásico. Interpretada con corrección por Isabella Boylston y Cory Stearns, esta pieza careció de la pasión e intensidad que la hacen sublime desde todo punto de vista.

Para el final del programa mixto el ABT presentó “Thirteen Diversions”, de Christopher Wheeldon, con música de Benjamin Britten. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Con el escenario desnudo, el esqueleto de las torres de luz, las patas de las bambalinas y las paredes del fondo se convierten en parte de una escenografía donde bailarines y técnicos caminan por esos espacios de luces y sombras. “I Feel the Earth Move”, de Millepied, incorpora  palabras en la música y música en las palabras a través de una partitura del inefable e incomparable Philip Glass. Mientras, los bailarines van desplegando movimientos que combinan contact, con neoclásico y contemporáneo, carreras, saltos, giros, a través de una sucesión de tríos, dúos, cuartetos y escenas de conjunto. No obstante, la obra parece vacía, con bailarines, también vacíos, sin nada que decir. Sólo esa magia natural de Herman Cornejo despierta el interés por ver, al fin, danza de verdad. Su presencia en escena, sus saltos, sus giros, ponen a la audiencia frente a uno de los grandes bailarines de este siglo, capaz de recomponer una obra que se desvanece.

Para el final de este primer programa: “Thirteen Diversions”, de Wheeldon, con música de Benjamin Britten. La obra reúne cuatro parejas de bailarines, con un criterio minimalista y dinámico, que muestra una sólida estructura coreográfica que permite ver un cuerpo de baile atractivo y enérgico.

Un cuento de golosinas

Con música de Richard Strauss, “Whipped Cream”, de Alexei Ratmansky, estrenada por el ABT en 2017, es un ballet para los más pequeños. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC

“Whipped Cream”, un “dulce” divertimento creado por Ratmansky especialmente para los niños, no deja de encantar también a los adultos por su frescura, sus toques de humor y por los bellos diseños de vestuario y escenografía de Mark Ryden, y la iluminación de Brad Fields. A eso se suma la incorporación de muñecos encarnados por bailarines. Todo es gigante en esta puesta, menos la danza.

Con música y libreto de Richard Strauss, la propuesta coreográfica es simple, directa, pero no tan deslumbrante como los trajes y el despliegue escénico. Desde arqueros de mazapán a un príncipe café, una princesa de praliné y pequeñas cup cakes (interpretadas por graciosos y encantadores niños), a los que se suman una princesa de flor de té, un príncipe cacao, y copos de crema. Más personajes se integran como parte de esta tienda de repleta de golosinas que forman este enorme mundo de los dulces.

Pero la obra se queda sólo en ese gigantesco despliegue escénico, con buenos bailarines, una coreografía simple, y un argumento, también simple. Un niño que llega a una tienda de golosinas, come todo lo que puede, y termina en el hospital con una indigestión. En la segunda parte, llega el aspecto sombrío de la historia: el hospital, un médico alcohólico, enfermeras siniestras que le apuntan con enormes jeringas, y un escape inevitable. Otra vez, al mundo de los dulces. Solo eso.

El Nashville Ballet llevó al Kennedy Center “Concerto”, de Paul Vasterling, estrenada en 2014, en Nashville. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

Después de cuatro años de ausencia, Ballet Across America volvió al Opera House del Kennedy Center, esta vez, con una propuesta que apuesta a la diversidad de géneros y contenidos. La curaduría de este proyecto estuvo a cargo de Justin Peck, coreógrafo y bailarín del New York City Ballet (NYCB), y de Misty Copeland, principal del American Ballet Theatre (ABT). Ambos optaron por una selección ecléctica en la que se funde lo clásico y lo contemporáneo.

Y tal como ocurrió en ediciones anteriores esta muestra, que reúne compañías de distintas partes del país, duró una semana, desde el 17 al 23 de abril. El programa formó parte de “A Centennial Celebration of John F. Kennedy”, que realiza el Kennedy Center durante 2017 como homenaje a los cien años del nacimiento del ex Presidente de los Estados Unidos. La propuesta estética Ballet Across America permite advertir la diversidad de caminos que conducen a los bailarines a expresar su propia libertad creativa.

Después de una noche de apertura en la que participaron invitados especiales y hubo dos estrenos mundiales: uno de ellos un cortometraje de Ezra Hurwitz y un nuevo ballet, “Garden of Dreams”, de Jeremy McQueen.

“Madiba”, de Jeremy McQueen, por The Black Iris Project, es un homenaje a Nelson Mandela. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

En la función del 19 de abril, curada por Copeland, subieron a escena tres compañías que hicieron su debut en el Kennedy Center, el Nashville Ballet, dirigido por Paul Vasterling; Complexions Contemporary Ballet, con dirección de Dwight Rhoden y Desmond Richarson, y The Black Iris Project, conducido por Jeremy McQueen.

“Now More Than Ever”, el corto dirigido por Ezra Hurwitz, protagonizado por Stella Abrera, Isabella Boylston, Marcelo Gomes, Calvin Royal III y James Whiteside abrió el programa. Realización bella y poética filmada en diferentes lugares del Kennedy Center, con música de Aaron Roche. Una exploración del movimiento a través de distintos espacios no convencionales donde los bailarines van explorando posibilidades y dinámicas.

El  Nashville Ballet, trajo una obra de su director, estrenada en 2014, en Nashville, sobre el “Concierto para piano y orquesta” de Ben Folds, interpretada por el pianista Joel Ayau y la Kennedy Center Opera House Orchestra, bajo la batuta de Nathan Fifield. La partitura, comisionada por el Nashville Ballet, la Nashville Symphony y la Minnesota Orchestra, lleva el sello indiscutible de Vasterling. Líneas de extrema perfección permiten descubrir una troupe de excelentes bailarines, de sólida y refinada técnica.

“Star Dust”, una coreografía de Dwight Rhoden sobre canciones de David Bowie, interpretada por Complexions Contemporary Ballet. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

Esta obra, en la que los bailarines se comportan como instrumentos de una orquesta, capaces de jugar entre la solemnidad y la frescura, apunta a un concepto minimalista, donde los intérpretes, despojados, se sumergen en la belleza de la danza pura. Con estructuras claras, concisas, y dinámicas diferentes, Vasterling despliega las notas de este “Concerto” con delicadeza y especial sentido estético. Atractivo y simple, el vestuario, también de Vasterling, se funde con la iluminación de Scott Leather, que va marcando cada uno de los tres movimientos de esta obra en la que los solos y los dúos se entrelazan con impactantes escenas de conjunto.

The Black Iris Project, llegó con “Madiba”, de McQueen, un ballet de acción que narra de manera sintética y concisa la vida del líder sudafricano Nelson Mandela, con partitura de Carman Moore. Protagonizado Andile Ndlovu como Mandela, Daphne M. Lee en el rol de Winnie Mandela, y Alex Aquilino como el carcelero, la obra apela a ciertos cliché narrativos para contar la historia desde un punto de vista coreográfico quizás, demasiado antiguo. Excelentes bailarines, de mucha fuerza expresiva, colaboran a enaltecer la obra.

Para el cierre del primer programa Complexions Contemporary Ballet, subió a escena “Star Dust”, una coreografía de Dwight Rhoden sobre canciones de David Bowie. La producción, con una estética casi punk se convierte en una suerte de desfile de bailarines diversos, bien entrenados, que se sumergen en una sucesión de movimientos, escenas y secuencias semejantes a las de un cabaret contemporáneo, pero no pasa de la estética. No obstante, sirvió para un final explosivo.

Ver segundo programa con curado por Justin Peck. Hacer clic aquí.

El Ballet Estable del Teatro Colón, repone la versión de “Sylvia”, de Sir Frederick Ashton. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza Teatro Colón.

Bajo la dirección de Paloma Herrera, el Ballet Estable del Teatro Colón, comienza la temporada 2017 con su primer título: ”Sylvia”, el ballet de Sir Frederick Ashton, con música de Leo Delibes, reposición coreográfica de Susan Jones, y dirección musical del maestro Emmanuel Siffert al frente de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires.

Las siete funciones programadas se realizarán el miércoles 5, jueves 6, viernes 7, sábado 8, martes 11 y miércoles 12 de abril a las 20:00 horas, y el domingo 9, a las 17:00 horas en la sala mayor del primer coliseo de Buenos Aires. Dos de estas presentaciones cuentan con la participación especial de la primera bailarina del American Ballet Theatre (ABT) Isabella Boylston, quien asumirá el protagónico femenino el viernes 7 y el domingo 9 de abril.

Los roles principales serán interpretados por Nadia Muzyca y Maximiliano Iglesias en las funciones del 5 y 8 de abril; Nadia Muzyca y Federico Fernández lo harán en la función del 11 de abril; mientras que Fernández y Boylston serán la pareja principal el 7 y 9 de abril, y Nahuel Prozzi y Karina Olmedo bailarán en las noches del 6 y el 12 de abril. El rol de Orión estará a cargo de Dalmiro Astesiano, Emanuel Abruzzo y Alejandro Parente en diferentes funciones.

Este ballet, con partitura romántica del siglo XIX, narra la historia de amor entre el pastor Amintas y Sylvia, una de las ninfas de la diosa Diana. Secuestrada por el cazador Orión, Sylvia, gracias a su ingenio, embriaga a su captor, y con la ayuda de Diana logra escapar, para unirse con su amado Aminta bajo la buena voluntad de Eros y Diana. En este relato desfilan también personajes mitológicos de la tradición grecorromana como: Eros (dios del amor), Diana (diosa de la caza y de la castidad), náyades (ninfas de los ríos y las fuentes), dríades (ninfas que cuidan de los árboles y los bosques), faunos (o sátiros) y también, Endimión, pastor de Caria que había obtenido de Júpiter el privilegio de no envejecer, y del que Diana quedó prendada.

Este ballet en tres actos, se estrenó por primera vez en París en el Palais Garnier en junio de 1876 con coreografía de Louis Mérante y música de Delibes. Sus orígenes se remontan al poema “Aminta” (1573) de Torquato Tasso, y posteriormente Jules Barbier y el Barón de Reinach la adaptaron para la Ópera de París. En su primera presentación la obra fue ignorada, y recién en 1952, a través de la coreografía de Sir Frederick Ashton se popularizó y ganó un espacio importante en el repertorio de la mayoría de las compañías clásicas.

El ABT abre el ciclo de primavera en el Metropolitan Opera House de Nueva York hasta el 2 de julio. Foto: Gene Schiavone. (Misty Copeland en “Pájaro de fuego”. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

La nueva temporada del American Ballet Theatre (ABT), dirigido por Kevin McKenzie comienza oficialmente el lunes 16 con la gala de apertura en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Si bien las funciones comenzaron el lunes 9 de mayo con “Silvia”, de Frederick Ashton. Las funciones se extenderán hasta el 2 de julio, y se anticipa el estreno mundial de una nueva obra de Alexei Ratmansky, coreógrafo en residencia del ABT.

A las 6:30 pm está previsto el comienzo de esta función extraordinaria de este ciclo número 76 del ensamble fundado por la legendaria Lucia Chase. La gala presentará fragmentos de las obras que se verán a lo largo de las ocho semanas previstas para esta primavera. Luego se realizará la tradicional cena-baile a la que asistirán benefactores, bailarines y figuras reconocidas del medio en el Promenade del David H. Koch Theater, Lincoln Center.

La primera dama Michelle Obama será presidenta honoraria, distinción que compartirá con Pamela Ford, Mary Elizabeth Snow, Sutton Stracke y Caryn Zucker. También asistirán los primeros bailarines Herman Cornejo, Marcelo Gomes, Gillian Murphy, Veronika Part, Hee Seo, Daniil Simkin, Cory Stearns y James Whiteside, y las bailarinas principales recién ascendidas, Stella Abrera, Isabella Boylston y Misty Copeland.

El programa de la función está integrado por fragmentos del Acto II de “La bella durmiente”, y de la nueva obra de Ratmansky, ” Serenade after Plato’s Symposium”; escenas de obras de Frederick Ashton, “Sylvia” y “La Fille mal gardée”. A las que se suma la versión completa de “Pájaro de fuego”, que estará a cargo de Misty Coopelan, obra con la que la bailarina, por su interpretación, captó la atención de la prensa especializada y del público.

Alessandra Ferri, que regresa como invitada al ABT, luego de su retiro hace casi 10 años, interpretará el solo “Pie Jesu”, del “Requiem”, de Kenneth MacMillan con música de Gabriel Fauré, cantada por la soprano Ying Fang.

El resto de la semana continúa con dos programas exclusivos de Ratmansky: Shostakovich Triloy, integrado por “Symphony #9″, “Chamber Symphony” y “Piano Concerto #1″, y Ratmansky Tripple Bill, en el que se verá el estreno mundial de “Serenade after Plato’s Symposium”, “Seven Sonatas” y “Firebird” (Pájaro de fuego). Y en la última semana de mayo, “La Fille…” será protagonista.

Información sobre la temporada:

www.abt.org.
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http://facebook.com/AmericanBalletTheatre

En la noche de la premiere, el 27 de enero, Isabella Boylston y Joseph Gorak fueron los protagonistas de “La bella durmiente” de Alexei Ratmansky en el Kennedy Center de DC. Foto: MIRA. Gentileza JFKC

El miércoles 27 Washington fue un caos después de la tormenta de nieve que azotó la ciudad un par de días atrás, y paralizó actividades y tránsito. Y en medio de ese pandemónium: el estreno de “La bella durmiente” de Alexei Ratmansky en el Opera House del Kennedy Center. Muchos, llegaron después del primer intervalo para formar parte de esta nueva producción del American Ballet Theatre, dirigido por Kevin McKenzie.

Una puesta espectacular, magnificente, con un despliegue exuberante de lujo y oropeles que sitúa la pieza en el siglo XIV. La opulencia de la escenografía y del vestuario se traduce en pesados decorados, sedas, brocados, lamé, plumas, inmensos e incómodos sombreros y pelucas estilo Luis XV, producto de la realización de Richard Hudson, ganador de un premio Tony por la escenografía y vestuario en “The Lion King”. Basada en los decorados creados para la puesta de 1921 de Leon Bakst para Ballets Russes, la producción está despojada del clásico tutú, que cambió su aspecto en una suerte de falda tipo campana armada por varias capas de tela, pesada, pero bonita. El cuerpo de baile, ataviado con zapatos de tacón y colorido vestuario, en algunas secuencias.

La brillante iluminación de James F. Ingalls colabora en esta puesta pomposa en la que la gestualidad cumple un rol importante en la narración de la historia. Ratmansky se apoyó en las notaciones posteriores al estreno de 1890 en San Petersburgo, con música de Piotr I. Tchaikovsky, y recuperó esos elementos originales de la danza y la puesta. Muy pocas puntas, excepto en las variaciones de las hadas, las de las piedras preciosas y en las danzas de los protagonistas.

El príncipe Désiré, en el segundo acto, sólo se limita a hacer gestos y a servir de partenaire de Aurora en la escena de la aparición, y en el tercero, despliega una gran batería de complejos saltos. En ningún momento, durante el segundo acto, el rol masculino tiene alguna secuencia en la que el bailarín pueda lucirse en destreza y calidad.

La maléfica Carabosse cobra protagonismo especial en el primer acto de “La bella durmiente” en la producción del ABT: Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

En la noche del estreno, Isabella Boylston y Joseph Gorak fueron los protagonistas, mientras Marcelo Gomes, la malvada Carabosse. Quizás, una elección desafortunada para una noche de estreno, ya que quizás hubieran hecho falta bailarines con mayor presencia escénica para los roles principales. Gorak, fue un desangelado príncipe Desiré, y a Boylston, aún le falta un largo camino para hacer sentir su presencia en un rol principal y mostrar fluidez en su danza.

Durante la función del sábado 30 por la noche, Sarah Lane y Herman Cornejo se convirtieron en Aurora y Desiré, mientras que Nancy Raffa fue Carabosse, y Devon Teuscher, el Hada de las Lilas. Lane, si bien tiene cierto encanto y frescura, y es sólida como bailarina, aún le quedan por trabajar sus equilibrios (algo notorio en el famoso Adagio de la Rosa del primer acto), y ciertos aspectos actorales. Por fortuna estaba Cornejo como partenaire, un bailarín extraordinario que, aún en un costado del escenario y sin bailar, hace notar su presencia escénica. Brillante y perfecto en la variación del tercer acto, en la Boda. Con su magnífico estilo, sus saltos precisos y silenciosos como un terciopelo, Cornejo, al igual que Gomes, son casi una “especie” de bailarines que están en extinción. Ellos tienen esa conjunción que permite ver a un verdadero artista en el escenario, con una perfección que también ha caído en desuso.

De las bailarinas solistas que interpretaron a las hadas que llegan con sus regalos al bautismo de la recién nacida Aurora, Luciana Paris (el hada de la flor de trigo, o de la prosperidad), mostró esa refinada calidad como bailarina, y al mismo tiempo su maravilloso encanto y su intensidad en la interpretación. Para esta bailarina no hay papeles chicos o grandes. Tal como ocurrió en las funciones del 27 y 30 de enero, donde también se convirtió en una Condesa extremadamente comprometida con su personaje a la hora de intentar seducir al príncipe Desiré en el Acto II.

En la función del penúltimo día del mes, Stella Abrera y James Whiteside, estuvieron espléndidos en las variaciones de Pájaro Azul. Y Elina Miettinen hizo una encantadora y seductora gata blanca. El cuerpo de baile, aunque desparejo en algunas líneas, hizo un excelente trabajo. Y la puesta en sí, no dejó de deslumbrar. Pero habría que preguntarse hasta qué punto, logró conmover.

La gala de apertura del ABT llevará a escena la reposición de un clásico de Twyla Tharp, “The Brahms-Haydn Variations”. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Con la circular que el American Ballet Theatre (ABT) acaba de enviar  a la prensa sobre la temporada otoñal que ofrecerá en el Koch Theatre del Lincoln Center de Nueva York, se descorre la cortina de un nuevo ciclo. Desde el 21 de octubre hasta el 1 de noviembre, la compañía arremeterá con una troupe renovada. Aunque posiblemente se noten las ausencias de las tres principales que se retiraron en el verano, Julie Kent, Xiomara Reyes y Paloma Herrera.

La presencia de obras de afamados coreógrafos actuales y de algunos que ya forman parte de la historia de la danza y que han dejado su valioso  legado, forman parte de una programación compuesta por una diversidad de estilos. Muchas de las piezas que llegan al Koch son de “colección”, y tienen un valor incalculable

A esto se suman las promociones anunciadas al finalizar la temporada de verano, que abren un nuevo abanico de solistas y bailarines principales. Aunque el director de la compañía, Kevin McKenzie, también optó por conservar a algunas de las estrellas. Ese es el caso de Marcelo Gomes, partenaire como pocos, que ahora también está fijando su interés en la coreografía.

“Aftereffects”, con música de Peter I. Tchaikovsky, es una de las creaciones de Gomes incluida en la programación. Tampoco faltará en esta temporada otra de las estrellas del ABT, el argentino Herman Cornejo, que también está incursionando en la coreografía.

La argentina Luciana Paris, solista del ABT, en “Company B” de Paul Taylor. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

La gala de apertura llevará a escena la reposición de un clásico de Twyla Tharp, “The Brahms-Haydn Variations”, que tendrá como protagonista a Sarah Lane, Daniil Simkin, Gillian Murphy y Cornejo. Y también marca el debut en esta obra de Isabella Boylston, Alban Lendorf, Maria Kochetkova, James Whiteside, Christine Shevchenko y Joseph Gorak. Misty Copeland, Sterling Baca, Luciana Paris, Arron Scott, Stephanie Williams, Blaine Hoven, April Giangeruso, Calvin Royal III, Skylar Brandt y Craig Salstein interpretarán por primera vez la pieza de Tharp el 24 de octubre.

En la primera noche también suben a escena, de Frederick Ashton, “Monotones I and II”, con música de Erik Satie, y un estreno de Mark Morris, con música de Johann Nepomuk Hummel.

George Balanchine, con su “Valse Fantasie”, estará representado en esta temporada. A la lista de trabajos sobresalientes que componen la corta programación, un infaltable: “Espectro de la Rosa”, de Michel Fokine, con música de Carl Maria von Weber.

No obstante, hay más clásicos, y Alexei Ratmansky aparece entre estos con “Piano Concerto #1”, una coreografía sobre  el  Concierto de Piano No. 1 de Dmtri Shostakovitch.  Y entre los contemporáneos, se destaca  por derecho propio, Paul Taylor, con la simpática y entretenida obra “Company B”, que lleva el acompañamiento del trio de las Hermanas Andrews, quienes fueron famosas durante los años de la segunda guerra mundial.
Una pieza antibélica por excelencia, “La mesa verde”, del incuestionable director y coreógrafo alemán, Kurt Jooss, vuelve a la escena. Ganadora de grandes aplausos y buenas críticas, en el momento en que fue estrenada, 1932, su argumento hizo clara referencia a la complicada situación de la desigualdad entre los países de Europa, que no lograban ponerse de acuerdo, mientras los Nazis comenzaban a cobrar cierto protagonismo.

En 1933, la obra se presentó por primera vez en Nueva York. En 1940, Jooss llevó “La mesa verde” a La Habana, bajo contrato con Pro-Arte Musical; luego, volvió a los Estados Unidos en 1967 a través del Joffrey Ballet. Y en la temporada 2005, pasó a integrar el repertorio del ABT. En el rol principal, La Muerte, que en su estreno mundial fue interpretado por el mismo Jooss, en el teatro Koch aparecerá Gomes.

Las entradas ya están a la venta y muchos de los balletómanos ocuparon los primeros puestos en la fila frente a la taquilla.

Informes
www.abt.org.
212-496-0600

Xiomara Reyes, como la “vaquera”, en “Rodeo”, de Agnes de Mille, presentado por el ABT en el Kennedy Center. Foto: Gene Schiavone. Gentileza: JFKC.

En honor de su 75 aniversario, el American Ballet Theatre (ABT), dirigido por Kevin McKenzie, abrió su visita anual al Kennedy Center de DC con un trío de obras creadas durante su primera década por los coreógrafos principales asociados con la compañía en la década de 1940.

Las tres obras, “Theme and Variations” de George Balanchine; “Pillar of Fire” de Anthony Tudor, y “Rodeo” de Agnes de Mille, ofrecen un panorama atractivo de las tendencias dominantes en la danza teatral de la época en la que el ABT fue fundado. Y también, son una buena introducción al repertorio diverso que la compañía ha manteniendo como parte de su misión desde sus principios.

Isabella Boylston y Daniil Simkin bailan los papeles principales con una afabilidad notable, dando énfasis a la musicalidad inherente en la coreografía que Balanchine inventó para dar forma física a la composición de Tchaikovski en “Theme and Variations”.

La interpretación del New York City Ballet, que también mantiene la obra dentro de su repertorio, pone su enfoque en las substanciales demandas técnicas de la coreografía, resultando una obra de un virtuosismo deslumbrante. Sin faltar la rapidez y pureza que requiere su realización,  la interpretación de Boylston y Simkin hace más clara la intención de Balanchine de reinterpretar el mundo del ballet clásico para el público del siglo XX.  Casi podría visualizarse al coreógrafo sonriendo mientras estudia la partitura de Tchaikovski  para destilar todos los elementos de un ballet ruso imperial de tres horas en una versión condensada de 20 minutos para el acelerado mundo de posguerra de Nueva York.

“Pillar of Fire” uno de los ballets psicológicos de Tudor que fue vanguardistas en su época, comparte muchos puntos en común en forma y contenido con “La pavana del Moro”,  de José Limón, un clásico de la danza moderna que también forma parte del repertorio del ABT, junto con el ballet neoclásico de Balanchine que lo precedió.

La historia de la caída y la redención de una doncella “desflorada” ya no parece tan chocante sobre el escenario del ballet como lo fue en 1942.  A la vez, el marcado interés en expresar estados anímicos mediante el movimiento que Tudor compartió con sus colegas modernistas, ubica a la obra dentro de un marco histórico bien definido.  Por ser tan contemporáneo en la fecha de su creación, ya parece algo más antiguo en comparación con el neoclasicismo atemporal de Balanchine.

El hecho de que “Pillar of Fire” está firmemente enraizada dentro de un tiempo determinado, no invalida su lugar dentro del repertorio. Tudor representa fielmente la partitura de “Verklärte Nacht”, de Arnold Schoenberg, que marcó la trama de la obra. Aunque los resultados no son flamantes, consiguió crear unos momentos memorables sobre el escenario.  El solo de rechazo hecho por Stella Abrera en el papel de la solterona hermana mayor, y el culminante dueto del Hagar, danzado por Gillian Murphy y Alexandre Hammoudi –como el amigo– bajo la tenue luz de la luna, no necesitaban de una técnica llamativa para lograr sus efectos estéticos.

“Rodeo”, una danza escénica más bien que un ballet propiamente dicho, fue el gran éxito de la noche. Esta recepción se debe en gran parte a la irreprimiblemente cómica interpretación de Xiomara Reyes como la muchachota, un rol que de Mille desarrollo por sí misma. A pesar de los esfuerzos impresionantes en el solo de claqué hecho por James Whiteside como el cordelero que roba el corazón de la muchachota al final de la baile, Reyes dominó el escenario por completo.

Esta obra otorgó a de Mille la invitación para coreografiar “Oklahoma !”, la musical que cambió la forma en que la danza se integraba en el teatro y el cine. A pesar de que las formas de baile folclórico que proporcionan gran parte de la estructura coreográfica del ballet están desapareciendo, los medios masivos de comunicación han creado un público que está plenamente familiarizado con el idioma de de Mille. Junto con la partitura energética de Aaron Copland, que se ha incorporado dentro de la cultura popular de la nación de forma independiente, “Rodeo” ha ganado un lugar duradero dentro del repertorio, aunque es, al final de cuentas, una obra menor.

El programa de obras mixtas, del 24 y 25 de marzo, fue seguido por “La Cenicienta” con coreografía de Frederick Ashton y música de Sergei Prokofiev. En el Opera House, sigue hasta el 29 de marzo.

K. Mitchell Snow. Nació en Boulder City, Nevada, Estados Unidos, en 1956.  Escritor apasionado del arte y la cultura latinoamericanas, obtuvo su licenciatura en comunicación en el Brigham Young University en Provo, Utah. Sus ensayos han aparecido en las revistas Américas, Latin American Art y Art Nexus/Arte en Colombia entre otros.  Es autor de los libros “Trevor Southey: Reconciliation, Bailando lo real maravilloso”, y “Movimiento, ritmo y música, la biografía de la coreógrafa mexicana Gloria Contreras”.

Hee Seo y Marcelo Gomes, del ABT, en el Koch del Lincoln Center de Nueva York. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

El comienzo no pudo ser más atractivo: un estreno y dos reposiciones modernas, con trazos de ballet clásico, — del cual son autores coreógrafos muy bien cotizados en el momento actual— , más un estreno mundial y ya con  eso no podía pedirse más.

La corta temporada del American Ballet Theater (ABT) en el amplio teatro Koch del Lincoln Center de Nueva York, para comenzar este programa, presentó una obra  original de Jiri Kylian, titulada “Sinfonietta· sobre música de Leos Janacek dividida en siete movimientos. La obra lleva un vasto coro de hombres y dos bailarinas; no obstante, son los bailarines los que se llevan la gloria al comenzar, lanzándose al tablado con extrema facilidad y elegancia, que mereció un fuerte aplauso.

En los movimientos que continuaron, aparecieron Julie Kent, próxima a retirarse, con magnifica sutileza, al bailar secundada por el varonil y elegante Marcelo Gomes, mientras prosiguieron en solos, el dinámico Daniil Simkin con la exquisita Luciana Paris —que ya merece tener una promoción—, y la pareja formada por Craig Salstein y Cassandra Trenary. A esto siguió un magnífico grupo en el que se destacaron James Whiteside, la exelente giradora Gillian Murphy, con Alexei Aboudine, José Sebastián y un pequeño grupo del cuerpo de baile que dieron a la obra un contexto muy especial  y relevante, sobre todo al sonido de las trompetas impuesto por su potente sonoridad.

La premier mundial de la pieza llamada “With a Chance or Rain” (Quizás haya lluvia) se debe al bailarín inglés Liam Scarlett, sobre música de Rachmaninoff, (diferentes Preludios y una Elegía) que tuvieron a su cargo cuatro parejas: Isabella Boylston con Cory Stears, Sarah Lane y Thomas Forster, Luciana Paris con Eric Tamm., y Stephanie Williams acompañada de Sterling Baca. Algunos con escasa ropa y otros con el vestuario regular de bailarines, que respondieron a la magnífica interpretación de Emily Wong al piano, con ardor y apasionamiento.

Poco se sabía del coreógrafo en estos lares, pero según notas del programa, se ha entrenado con excelentes profesores y coreógrafos. Ha recibido infinidad de premios, y ya, retirado de sus labores como bailarín desde 2012, ocupa la importante posición de Artista en Residencia del Real Ballet de Londres.

Fue importante denotar a los nuevos intérpretes, si bien no es de dudar con los cambios que ha sufrido la compañía, con el retiro de tres de sus mejores bailarinas principales — Paloma Herrera, Xiomara Reyes y Julie Kent— , no sea factor de duda que pronto, algunos de ellos, pasarán a principales, pues bien se lo merecen.

La noche terminó con “Fourteen Diversions”, de Wheeldon, otro de los nuevos y magníficos coreógrafos del momento actual. En esta pieza apareció en rol de importancia Misty Copeland, además de Joseph Gorak, Hee Seo, Marcelo Gomes, Stella Abrera, Thomaas Forster, DevonTeuscher. Calvin Royal III y un nutrido grupo del cuerpo de baile, en interesantes y muy buena interpretación sobre música de Benjamin Britten para mano izquierda, con la relevante maestría de Barbara Bilach al piano, y la orquesta bajo la batuta de Charkes Barker. Todo fue bello e interesante, como para no olvidarlo jamás.

Otro de los programas ofrecidos esa noche, comenzó con “Raymonda Divertissements”, en el cual, como pareja principal, se distinguieron por su excelente trabajo Hee Seo y James Whiteside.

“Bach Partita” de la muy moderna Twyla Tharp, que siguió, es un trabajo clásico a la vez que moderno, con una novedosa pareja principal, Misty Copeland y James Whiteside, y otra formada por la Gillian Murphy y el no menos excelente Marcelo Gomes.

El programa dio fin con una reliquia del pasado: “Gaité Parissienne”, sobre música de Offenbach y coreografí de Leonide Massine para el Ballet Russe de Montecarlo, hace ya varias décadas. Un ballet de mucho colorido para divertir. Los muchos personajes que incluyen tuvieron esa noche a Veronica Part como The Flower Girl (La Joven de las Flores). Part es una bailarina que le da a los roles que interpreta cierta calidad dramática muy acertada, sin caer en melodrama.

El simpático papel del Peruano estuvo a cargo del estupendo Herman Cornejo, muy simpático, como el rol y la obra requerían. Hubo un Can Can, por el excelente coro femenino que el ABT posee. La temporada resultó demasiado corta, de solamente dos semanas. Ahora los amantes de ese divino arte que es la danza clásica, tendrán que esperar ansiosamente a la primavera para ver al ABT en el Met del Lincoln Center.

El ABT presentó en el Metropolitan Opera House de Nueva York a Paloma Herrera, Isabella Boylston, Julie Kent y David Hallberg, en “Chamber Symphony”, de Ratmansky. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

En la tercera semana de su temporada, el American Ballet Theatre (ABT) cumplió lo que el coreógrafo Alexei Ratmansky había prometido, con la presentación de “Trilogía Shostakovich”, tres obras sobre música del compositor Dmitri Shostakovich. Varios meses atrás, ya había subido a la escena “Sinfonía #9”, un magnífico trabajo que lleva numeroso cuerpo de baile, además de cinco solistas, todos bailarines muy aplaudidos. Esta vez, al igual que la noche del estreno en el  City Center de Nueva York, aparecieron Simone Messmer, con Craig Salstein, junto a la pareja formada por la incomparable Polina Semionova y el atractivo Marcelo Gomes, a quienes seguiría Herman Cornejo, precedido por derecho propio de un adjetivo en mayúsculas: “¡magnífico!”

El Met parecía reverberar aquella noche. Merece calurosos aplausos el trabajo excelente del corps de ballet en esta pieza. Cuando las notas marciales de la orquesta, incitan a la marcha en pie de guerra, muy pronto aquella avanzada de hombres y mujeres, ocupó el vasto escenario del Met en su totalidad, como si estuvieran listos para la lucha.

Para la segunda obra del programa, Ratmansky escogió la partitura titulada “Chamber Symphony” (Sinfonía de Cámara). El telón de fondo, original de George Tsypin (autor de los diseños para el trio en cuestión), claramente sugiere oscuridad, incitando a la somnolencia. ¿Serían recuerdos o sueños, los que David Hallberg expeprimenta? Eso parecían indicar sus intercambios con las tres solistas femeninas, Paloma Herrera, Isabella Boylston y Julie Kent, vistiendo trajes originales de Kesso Dekker, con sayas de suaves colores en tonos pasteles, y corpiños en negro. El intercambio de Hallberg con ellas no llega a una resolución; todas tuvieron su momento, pero ninguna obtuvo el resultado que deseaba. La soledad de Hallberg continuaría.

Para el tercer estreno, el más excitante de la noche, se reunieron en la escena cuatro colosos de la danza clásica: Diana Vishneva, Natalia Osipova, Ivan Vasiliev y Cory Stearns. Los colores estridentes del vestuario femenino, extremadamente sencillo, resaltaban por el brilloso color rojo de la tela. Para los hombres, no obstante, el diseñador optó por unitards en color oscuro.

Shostakovich cayó en desgracia con los gobernantes de la Unión Soviética tiempo después de la composición de las tres piezas que inspiraron a Ratmansky en su “Trilogía”. Pero en esta última, sobre el “Concierto de Piano #1” (con el magnífico pianista Alan Moverman), es en la que se acerca el coreógrafo a insinuar, aunque muy ligeramente, la falta de libertad existente en los países que practican aún esas doctrinas.

Vishneva, resaltando su belleza en la suavidad de sus movimientos, y Osipova, con agresiva coquetería, añadieron lo mejor de sus respectivas técnicas, a los segmentos coreográficos que Ratmansky les ofrecía. Estilos diferentes, pero cada cual, con “lo suyo”, impresionaría.

Medirse en un escenario con el virtuosismo de Vasiliev, no es tarea fácil; no obstante, Stearns mantuvo su categoría de bailarín principal, mostrando no solo habilidad para manejar a Vishneva, sino que añadiría imperceptibles toques de romanticismo a su impecable trabajo.

No podían faltar algunos pasos de virtuosismo técnico, para que el dinámico Vasililev le diera al público lo que siempre espera de él: Un grand jeté por aquí, algunas vueltas en dobles assemblés y unos cuantos grand pirouettes para completar, y el teatro explotó en aplausos y gritos de aprobación… .

Con dos directores en el podio de la orquesta –Charles Barker y Ormsky Willkins– el acompañamiento a las funciones del ABT, suena mejor en cada nueva función.