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La clave es encontrar un equilibrio

mgueler — Mon, 07 Aug 2023 13:17:22 +0000

El Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque será el primero en recibir a Óscar Ruvalcaba Cía. con el estreno mundial de “Center”. Foto: Octavio Amador. Gentileza ORC.

“Frente a una época donde se vive una ruptura de valores, es necesario buscar un equilibrio con la conciencia clara de lo importante que es encontrar nuestro centro para no ser presa fácil de una sociedad en crisis”. Tal es la reflexión personal del maestro Óscar Ruvalcaba Pérez, destacado bailarín y coreógrafo mexicano, la cual fue plasmada en su más reciente creación escénica: “Center”. La obra se estrenará mundialmente dentro de una gran temporada que cobijarán tres importantes instituciones culturales mexicanas.

“Center” llegará primero al Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque (del 10 al 13 de agosto). Después arribará al Salón de Danza de la UNAM en el Centro Cultural Universitario (8, 9 y 10 de septiembre). Y culminará funciones en el Teatro Raúl Flores Canelo del Centro Nacional de las Artes (28, 20 y 30 de septiembre, y 1 de octubre).

El origen

El maestro Ruvalcaba Pérez -miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte-, explica que “Center” forma parte de la trilogía que propuso para ser beneficiario de este estímulo federal. La primera coreografía fue “Periferia” y la segunda “Travesía”. Con “Center” cierra el ciclo de este proceso creativo.

Cabe destacar que las tres piezas surgieron de las reflexiones del coreógrafo tras la emergencia sanitaria vivida a nivel mundial: “Al principio todos nos sentíamos desplazamos a la periferia de nuestras vidas, lo que originó la primera obra. Después vino la travesía que habíamos de protagonizar para encontrar el centro. Para finalmente llegar a un centro distinto del que habitábamos, pero un centro igual”.

“Center” es el último eslabón de la trilogía que integran “Periferia” y “Travesía”, creadas por Óscar Ruvalcaba Pérez. Foto: Octavio Amador. Gentileza ORC.

La propuesta

El maestro Ruvalcaba Pérez explica que en “Center” aborda la importancia de encontrar un equilibrio. Desde su punto de vista, “se trata de una reflexión que es prioritaria en la vida de los seres humanos, ya que es vital para su existir. Por desgracia -continuó-, es hasta que se ven inmersos en situaciones extremas que deciden actuar”.

“Regularmente no hacemos ejercicios de introspección hasta que aparecen circunstancias extraordinarias (como la pandemia), para que reflexionemos y evaluemos las cosas cotidianas de nuestra vida. Es entonces que nos damos cuenta de lo extraordinario que es nuestro entorno, nuestro hábitat, nuestra cotidianeidad, nuestro existir”.

Al preguntarle por qué considera que sería un tema actual, el creador escénico respondió: “Porque vivimos un momento de ruptura de valores, en donde todo ha adquirido estatus de igualdad: lo bajo es igual que lo alto y es subjetivo. Si bien hay verdad en esto, es también necesario tener un equilibrio con las certezas que no dependan de las subjetividades. Es crucial saber cuál es nuestro centro, pues no tenerlo claro nos hace presa fácil de la dura sociedad de mercado y del espectáculo que nos define en este momento”.

El relato

“Center” cuenta con una dramaturgia que está conformada por cuatro secciones coreográficas que representan cuatro imágenes o universos ideados por el maestro Ruvalcaba Pérez: la montaña sagrada, el árbol del fin del tiempo, el ombligo del cielo y café con leche en un día lluvioso.

Su autor explicó que cada sección tiene que ver con el centro: el centro como lugar mágico y de poder, sea geográfico, social o espiritual. Además, se construye una pequeña historia con cada una de estas imágenes que se da a través de la danza. A su vez, hay personajes que son interpretados por los siete bailarines invitados por el coreógrafo: Yazmín Rodríguez, Ana Paula Oropeza, Yaroslav Villafuerte, Òscar Michel Pérez, Zurisaday González, Paulino Medina y Rafael Gómez.

La coreografía está cobijada por un collage sonoro creado por el maestro Ruvalcaba Pérez para generar un ambiente musical sui generis. En tanto que se recurre a elementos básicos de iluminación y video, a fin de que la danza por sí sola emita el mensaje que se desea transmitir.

Balance trilogía

Finalmente, el creador escénico hace un balance de lo que representa su trilogía dancística, la cual representa un punto crucial dentro de su vasta trayectoria: “Ha sido una experiencia que me ha ayudado a cerrar casi 40 años de trabajo coreográfico y a abrir un nuevo ciclo en visión, entendimiento y deseo de realización del mismo. Estoy convencido de que mi entendimiento en torno a la coreografía y al sucedo dancístico es otro después de esta trilogía. Asimismo, ha significado abrirme a una nueva operatividad: la de trabajar ya no con un colectivo fijo de artistas sino con equipos formados exclusivamente para la obra, lo cual ha sido tanto un reto como una liberación”.

“Center”

Temporadas de estreno

Teatro de la Danza Guillermina Bravo

Jueves 10 y viernes 11 de agosto, 20:00 horas

Sábado 12 de agosto, 19:00 horas

Domingo 13 de agosto, 18:00 horas

Ubicación: Centro Cultural del Bosque (Paseo de la Reforma y Campo Marte. Atrás del Auditorio Nacional)
Salón de Danza de la UNAM

Viernes 8 de septiembre, 20:00 horas

Sábado 9 de septiembre, 19:00 horas

Domingo 10 de septiembre, 18:00 horas

Ubicación: Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000)

Teatro Raúl Flores Canelo

Jueves 28 y viernes 29 de septiembre, 20:00 horas

Sábado 30 de septiembre, 19:00 horas

Domingo 1 de octubre, 18:00 horas

Ubicación: Centro Nacional de las Artes (Río Churubusco y Tlalpan, colonia Country Club)

Pasado y presente renuevan el mito

mgueler — Tue, 20 Jun 2023 16:01:40 +0000

VSS Compañía de Danza A.C. regresa a escena con la reposición de “Nahual”, obra significativa en la danza mexicana actual. Foto: Valeria Silvia Garza.

En medio de una mágica iluminación, surgen personajes misteriosos que, a través de sus movimientos, su inquietante danza sobre el escenario, buscan exaltar la grandeza del pasado y presente de un México enriquecido por su historia, su cultura y sus tradiciones.

Tal es la esencia del montaje “Nahual”, que ha regresado a la cartelera nacional para cautivar a nuevos espectadores y también para ofrecer una experiencia más íntima a quienes tuvieron la oportunidad de verlo antes. Se trata de una propuesta del reconocido bailarín, coreógrafo y maestro Vicente Silva Sanjinés, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

El Teatro Varsovia es el escenario que alberga este montaje desde el 14 junio, donde permanecerá hasta el 25 de esta mes, bajo la interpretación de VSS Compañía de Danza A.C., una de las agrupaciones emblemáticas de la danza nacional contemporánea en nuestro país, con más de tres décadas de trayectoria.

“Nahual” surgió a raíz de las visitas y recorridos que el maestro Silva Sanjinés realizó por diferentes entidades de nuestro país, admirando sus ruinas, sus códices y toda clase de manifestaciones artísticas, culturales e históricas; de estas experiencias nació su deseo por que mejore la situación de esta tierra.

Nuevo recinto, nueva experiencia escénica

El destacado coreógrafo, ganador en dos ocasiones del Premio Nacional de Danza, comparte el entusiasmo personal y el de su compañía de regresar con esta coreografía que ha sido tan significativa no sólo dentro del repertorio del grupo, sino de la historia actual de la danza mexicana.

Explicó que llegan al Teatro Varsovia con un montaje más depurado, con mayor conciencia del espacio y una experiencia más íntima: “En este recinto el impacto de la obra se magnifica. Se pueden ver mejor las expresiones de los intérpretes. Sin lugar a duda la cercanía con el público nos motiva más, logrando una conexión única. Me atrevo a decir que es la mejor puesta de ‘Nahual’”.

Más sobre “Nahual”

Es el maestro Silva Sanjinés quien busca adentrar al espectador en un universo mítico a través de la siguiente explicación: “Fuimos chamanes, casi dioses. Nuestro rugir se escucha aún perdido en la inmensidad de la noche oscura de este mundo que nos es ajeno, sin conmiseración. Somos mariposas nocturnas que vuelan torpes y chocan con estrellas que al poco se caen de tristeza. Lloran ellas, lloramos nosotros. No encontramos nuestros nahuales. Se han perdido ¿o ya no nos quieren? ¿Se avergüenzan de nosotros? Perdimos la ruta del delfín, somos como ballenas encalladas, acto suicida con el ojo abierto, contemplando el fin del mundo. Transfiguraciones sin esperanza. Un vuelo que nunca levantó, una carrera que nos alcanza. Somnolientos nuestros avances. Dopados de falsos paraísos que a menudo promueven banales alegrías y terminan desmembrando nuestras alas de búho, tecolote, murciélagos y de aves sin paraíso. Regresar el tiempo para enmendar, para aprender y recobrar el camino. Cada uno como deidad, entidad divina. Naturaleza acabada. Si pudiese dar giros y convertirme en recuerdo, haría mil o más hasta lograr encontrar mi animal, mi nahual. Nuestra guía”.

Sobre la idea de nombrar “Nahual” a su pieza y la connotación que busca darle, el coreógrafo explica que hay muchas teorías y creencias en torno a los nahuales, los buenos y los malos, pero él prefiere pensar en un nahual como el espíritu de cada persona, esa cosa invisible que te motiva a luchar, a pelear por lo que crees que es justo. Al respecto comenta: “En el montaje hay cantos y textos que lamentan nuestra suerte, movimiento de lucha, de fuerza, que no se conforma con el destino. Gente que cree que puede cambiar las cosas, que pelean, que son capaces de dar su vida por un ideal. Es mi manera de pensar, y si tuviese que dar la vida por un mundo mejor, lo haría, siempre y cuando se me permita luchar”.

Funciones

“Nahual”
Del 14 al 25 de junio
Miércoles, jueves y viernes, 20:00 horas
Sábados, 19:00 horas
Domingos, 18:00 horas
Sede: Teatro Varsovia (Calle Varsovia 9, colonia Juárez, alcaldía Cuauhtémoc. A unas cuadras del Ángel de la Independencia)

Más de medio siglo con la danza

mgueler — Tue, 28 Mar 2023 16:54:35 +0000

Por su historia llena de logros y su contribución en la difusión del ballet, la maestra Reyna Pérez recibirá el Premio Xochipilli 2023. Foto gentileza Reyna Pérez.

Son su inigualable pasión, su entrega inconmensurable y su alto nivel de profesionalismo lo que han mantenido a la maestra Reyna Pérez (Ciudad de México, 1956) como una pieza clave dentro del movimiento dancístico nacional desde que comenzó a formarse en esta disciplina artística hace más de medio siglo.

Por una historia llena de logros personales e infinitas contribuciones en la difusión del ballet, la maestra Pérez será homenajeada con la entrega del Premio Xochipilli 2023, que se ha convertido en un reconocimiento entrañable dentro de la comunidad de bailarines y coreógrafos, el cual es otorgado por el Encuentro Nueva Danza y Nueva Música a figuras que contribuyen en la enseñanza, creación, difusión, apoyo a la danza y la música en México.

La distinción se llevará a cabo el próximo martes 28 de marzo, a las 19:00 horas, en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque, donde se ofrecerá una Función de Gala a cargo de la compañía Ardentía -fundada y dirigida por la maestra Pérez-, así como la Compañía Nacional de Danza. Se interpretarán fragmentos y piezas cortas de obras de ballet, así como obras contemporáneas y de género poco definido.

En entrevista, quien es egresada de la Academia de la Danza Mexicana y de la Escuela Coreográfica de Moscú, se dijo emocionada de recibir un premio tan significativo para la danza y que han recibido varios colegas suyos: “Siempre recibir un reconocimiento te hace sentir plena”.

Sobre lo que representa específicamente el Premio Xochipilli para ella comentó: “Es una distinción que se vuelve más simbólica para mí porque su nombre es muy poético y porque de alguna manera describe lo que ha sido mi vida en la danza. Xochipilli era el dios mexica del amor, los juegos, la belleza, la danza, las flores, las artes, las canciones; todo esto ha tenido cabida en mi historia dancística”.

La maestra Pérez, quien es ensayadora y docente de la Compañía Nacional de Danza, considera que este galardón llega en un momento determinante en su vida personal y profesional, ya que es resultado de arduos años de trabajo y dedicación al arte del cuerpo en movimiento: “Es fruto de una entrega total. Si bien mis condiciones físicas ya no son las mismas de antaño, la pasión sigue siendo la misma, retándome a seguir creando danza y seguir formando nuevas generaciones de bailarines”.

La Academia de la Danza Mexicana fue la escuela que vio nacer a la maestra Reyna Pérez como bailarina; ahí obtuvo la Licenciatura en Danza Clásica. Después realizó un posgrado en Pedagogía del Ballet en La Escuela Coreográfica de Moscú. Fue titular del Programa de Educación Continua de la Coordinación Nacional de Danza (2001-2006).

Escribió el libro “Alicia, el Ballet y yo”. Ha realizado coreografías para la Academia de la Danza Mexicana, las Coordinaciones Nacionales de Teatro y Ópera, así como para la Compañía Nacional de Danza, la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea y su Compañía Ardentía. Obtuvo un reconocimiento del Inbal por 40 años ininterrumpidos de trabajo y el Homenaje “Una vida en la danza” en el Palacio de Bellas Artes.

El derecho al conocimiento y al saber

mgueler — Tue, 18 Oct 2022 01:01:06 +0000

“Sor Juana Inés-erudita pasión” interpretada por Silvia Unzueta y su compañía Púrpura Danza Teatro. Foto: Gerardo Castillo Corona. Gentileza INBAL.

Una de las figuras más destacadas de las letras mexicanas, Sor Juana Inés de la Cruz, fue motivo de inspiración para el nacimiento de una propuesta coreográfica que describe aspectos claves del personaje, así como fragmentos de algunas de sus obras poéticas.

Se trata de la obra “Sor Juana Inés-erudita pasión”, creada por la maestra Silvia Unzueta y que su compañía Púrpura Danza Teatro bailará en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque del 20 al 23 de otubre (jueves y viernes, 20 horas; sábado, 19 horas y domingo, 18 horas), en el marco de la temporada Memorias corpóreas, organizada por la Coordinación Nacional de Danza del Inbal.

La maestra Unzueta explicó que su coreografía surge del interés personal por la famosa escritora novohispana en analogía con la obra literaria “Sor Juana Inés de la Cruz o las trampas de la fe” de Octavio Paz, un ensayo de carácter histórico, sociológico, literario y biográfico; dicho texto sirvió a la creadora como fuente de inspiración para el tratamiento escénico de tres aspectos de Juana de Asbaje.

Afiche de “Sor Juana Inés-erudita pasión” obra que recupera textos de Sor Juana Inés de la Cruz y de Octavio Paz. Gentileza INBAL.

Quien ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores considera que la peculiaridad de su propuesta es el tratamiento del personaje, ya que se representa en tres diferentes aspectos, con una simbología en los gestos y movimientos que une a los tres solos y se vuelve una obra redonda, conectada por símbolos que describen al personaje. Asimismo, exalta la música del son veracruzano con los versos de Sor Juana Inés de la Cruz, compuesta por el grupo Los Parientes, que crea un sincretismo particular de la época.

Al preguntarle cuál sería la lectura que busca compartir con su montaje, la merecedora del reconocimiento “Una Vida en la Danza” expresó: “Más que dar a conocer a Sor Juana, la obra pretende darla a sentir, así como crear una analogía con el poder femenino en época del oscurantismo y que también la conecta con una realidad que permea la actualidad con relación a las mujeres en una sociedad patriarcal y machista”.

En “Sor Juana Inés-erudita pasión”, el espectador se confrontará con los momentos de tribulación y contradicción que caracterizaban a la “décima musa”, así como fragmentos de sus obras poéticas que describen las particularidades de cada solo, utilizando las analogía y simbolismos de su obra literaria, así como las reflexiones de Octavio Paz. Son tres solos, unidos por transiciones, que representan “el enigma de la monja mexicana, su conflicto, pasión y lucha por la defensa de los derechos de la mujer, el derecho al conocimiento y el saber, en una época de oscurantismo”.

Finalmente, la maestra Unzueta aseguró que este espectáculo es simbólico para su compañía Púrpura Danza Teatro, ya que se han dedicado al tratamiento, investigación y representación de diversos personajes icónicos, como Agustín Lara en “Rapsodia en Rojo”; “La Llorona”, obra que llego a las 100 representaciones continuas en el Museo del Carmen y “Heterónimos”, que giró alrededor del poeta Fernando Pessoa, entre otras piezas.

A más de treinta años de su creación y bajo la dirección de la maestra Unzueta, Púrpura Danza Teatro es una de las agrupaciones artísticas que estuvieron influenciadas por la fusión de otras disciplinas artísticas en los años ochenta. La compañía se inserta en esta corriente, en la búsqueda de recursos que dieran una mayor expresión a los contenidos mediante un lenguaje escénico multidisciplinario, un multigénero que definimos como la danza teatro. En sus proyectos escénicos explora la fusión de la emoción, el texto y el movimiento que es lo que define el sentido y la secuencia de las obras de su repertorio.

Un abuso que no acaba

mgueler — Wed, 05 Oct 2022 03:29:40 +0000

La compañía Proyecto IgualDesigual lleva a escena “Un lugar sin fin” que se integra a la estrategia #VolverAVerte. Foto: Héctor Lara. Gentileza INBAL.

Frente a los casos de mujeres en situación de vulnerabilidad, la bailarina y coreógrafa Sara Montero preparó una pieza dancística donde se refleja cada una de las historias de abuso que ha sufrido este sector de la sociedad.

“Un lugar sin fin” es el título de la propuesta que será interpretada por la compañía Proyecto IgualDesigual en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque (CCB), del 6 al 9 de octubre, jueves y viernes a las 20:00 horas; sábado a las 19:00 y domingo a las 18:00 horas.

Como parte de la estrategia #VolverAVerte de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México y del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, Sara Montero —codirectora del grupo con Antonio Soria— explicó que la obra surge de la necesidad de reflexionar, disentir y expresar la realidad cotidiana de la situación que contiene a todas por la condición de ser mujer.

Sobre esta problemática, comentó que es alarmante que, a pesar del avance tecnológico, el acceso a la educación y los medios informáticos, en la mayoría de los sectores sociales en países de América Latina, y en todo el mundo, mueren muchas mujeres de manera violenta cada día. “No hay un diálogo crítico, en ningún espacio de nuestro día, respecto a la situación en la que estamos inmersos todos y, al seguirse tratando como tema tabú, poco agradable, ya desgastado, parece imposible de contener, menos de erradicar.

“Me afecta y me impacta el que, sin importar la condición social, económica, política, educativa, geográfica o la edad, el hecho de ser mujer significa un peligro. Si bien es un tema del que hemos hablado mucho, y parece gastado o trillado, no se acaba. No hemos logrado bajar las cifras. Es urgente seguir hablando, hacerlo visible y tangible por todos los medios posibles”, dijo.

Egresada del Centro Nacional de Danza Contemporánea y de la Universidad Autónoma de Querétaro, Sara Montero refirió que la obra “Un lugar sin fin” busca generar una experiencia sensorial a través de elementos visuales y sonoros. Además de considerar importante que no necesariamente se visualiza a una víctima mujer y un victimario hombre como una verdad inamovible, ya que somos parte de un todo, y tenemos la urgencia de reeducar y construir una nueva forma de relacionarnos.

Sobre la propuesta escénica, la bailarina indicó que la pieza se creó sobre una base dramatúrgica sólida que ofrece al espectador la posibilidad de adentrarse en el universo de cada uno de los personajes que habitan la escena, y que justamente lo que ha caracterizado desde sus inicios a Proyecto IgualDesigual es su discurso narrativo. Se cuenta una historia por medio del cuerpo, la teatralidad, el gesto, y propone a cada intérprete un abanico de posibilidades, texturas y calidades para dar vida a su personaje.

Finalmente, Montero expresó su satisfacción por los resultados obtenidos con “Un lugar sin fin”, porque, desde los inicios de la compañía en 2017, su intención como creadora ha sido investigar y adentrarse en el universo femenino en sus muchas posibilidades y facetas; buscar las posibles atmósferas del imaginario, de la pisque, de las emociones y de las necesidades de la mujer: “El simbolismo de esta obra dentro de la historia de la compañía es la voz, el espíritu y la fuerza femenina de Proyecto IgualDesigual. Si bien el grupo se integra de un equipo mixto, el carácter femenino, el propósito de levantar la voz, defender y buscar la coherencia del discurso es algo presente en nuestro trabajo”.

En México y con estrenos

mgueler — Mon, 27 Jun 2022 16:27:03 +0000

El programa de Hubbard Street Dance Chicago está integrado por cuatro coreografías. Foto gentileza INBAL.

Una de las agrupaciones más importantes de danza contemporánea en Estados Unidos, la Hubbard Street Dance Chicago, llegará a nuestro país gracias a la residencia artística que sus primeros bailarines hicieron al interior de la compañía mexicana Danza Visual. Se presentará el lunes 27 y martes 28 de junio, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo con apoyo del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal), a través de la Coordinación Nacional de Danza.

La Hubbard Street Dance Chicago está considerada como una potencia de la danza contemporánea en Estados Unidos, ya que se mantiene en gira por ese país durante todo el año. Fundada hace 44 años, se ha presentado en célebres salas de baile en 44 estados y 19 países bajo la dirección de Jacqueline Burnett y David Schultz.

El programa que se presentará en este recinto estará integrado por cuatro coreografías, de las que sobresale el estreno mundial de “Three´s a Crowd | Tres son multitud”, resultado de la residencia que Burnett y Schultz hicieron con el grupo mexicano codirigido por Patricia Marín Escutia, Leonardo Beltrán y Rogelio Marín.

Sobre el interés de trabajar con los artistas estadounidenses, Patricia Marín explica en principio que uno de los objetivos de Danza Visual es realizar proyectos internacionales que permitan cortar fronteras, idiomas y dejar que la comunidad mexicana aprenda sobre otros procesos culturales. En segundo lugar, comenta que ella los conocía de manera personal cuando vivió en Chicago y habían planeado trabajar juntos en un futuro.

En “Three´s a Crowd | Tres son multitud” los coreógrafos Burnett y Schultz crean un paisaje sonoro con una mezcla ecléctica de música y sonidos tanto del interior como del exterior de una casa, mientras que los bailarines evocan fragmentos de experiencias que revelan su conexión con la naturaleza y la existencia humana cotidiana. Cabe destacar que dicha pieza formará del repertorio de Danza Visual y la Compañía Danza Joven de Sinaloa.

Las otras piezas que integrarán el programa son “Romans, excerpt from Echo Mine” y “Connection, excerpt from Dichotomy of a journey”, que forman parte del repertorio de la Hubbard Street Dance Chicago y que sus directores permitieron fueran interpretados en México. En tanto que Danza Visual participará con la pieza “El principio de Incertidumbre padre nuestro, nuestro”, danza contemporánea que realiza una reflexión en torno a dos estados epistemológicos de conciencia.

Patricia Marín -autora y directora de dicha obra- explica que a través de una mirada al libro tibetano de la vida y la muerte se erige una interpretación móvil y corporal sobre la percepción de la vida, la muerte, la impermanencia y el umbral incomprensible entre ellas: “Es una investigación escénica sobre procesos de la vida, la muerte y el duelo. Mediante una revisión al principio de incertidumbre de Heisenberg nos adentramos en las profundidades infinitas que llenaban el vacío al comienzo de los tiempos y el espacio; esto con una elucubración imposible e improbable: la vida”.

Donde se encuentran los recuerdos

mgueler — Fri, 22 Oct 2021 14:25:52 +0000

El Cuerpo Mutable / Teatro de movimiento, dirigida por Lidya Romero, interpretará en el Munal “Vidrio obscurecido” una de sus más recientes creaciones. Foto gentileza INBAL.

La Secretaría de Cultura y el INBAL, a través de la Coordinación Nacional de Danza en colaboración con el Museo Nacional de Arte (Munal), han programado la presentación de la Compañía El Cuerpo Mutable / Teatro de movimiento, la cual interpretará una de sus más recientes creaciones coreográficas: “Vidrio obscurecido”, la cual cobrará vida en diferentes rincones de este inmueble, desde sus escalinatas y pasillos, hasta sus salas de exhibición.

La agrupación, fundada y dirigida hace casi cuatro décadas por la maestra Lidya Romero -miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte-, se presentará en este recinto de la calle de Tacuba del Centro Histórico de la Ciudad de México del 23 de octubre al 28 de noviembre (sábados y domingos, 13:00 h).

Sobre el simbolismo de regresar con funciones presenciales, quien es ganadora de la Medalla de Bellas Artes y Premio Nacional de Danza José Limón, comentó: “Estamos emocionados de hacer comunidad entre la obra y los espectadores. Recordemos que la danza se genera y se presenta en comunidad. Es importante la presencia del público y este tipo de espacios públicos permiten un contacto más cercano con el espectador, así como un diálogo único entre la obra y el inmueble, muy diferente al que ocurre en un espacio tradicional”.

Acerca de “Vidrio obscurecido” la destacada coreógrafa e intérprete explicó que es una propuesta que surgió de un proyecto artístico y social que llevó a cabo en salas de esperas de hospitales y que llevaba por título “Reconfortarte”. Antes del inicio de la pandemia, la creadora y los integrantes de su grupo impartieron talleres en estos espacios de los nosocomios, dando como origen una obra que parte de la evocación, la nostalgia y la memoria. Cabe recordar que esta propuesta forma parte del proyecto “Mutantia: irrupciones y disrupciones”, beneficiario del Programa MEGA, México en Escena Grupos Artísticos del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, del Programa de estímulos a la creación artística de la Secretaría de Cultura.

“Vidrio obscurecido” surgió de un proyecto artístico y social realizado en las salas de esperas de los hospitales. Foto gentileza INBAL.

Para las funciones en el Munal, la maestra Romero explicó que se hizo una versión trabajada a partir de la original y redimensionada como intervención al espacio de este inmueble: “Nos da mucha ilusión presentar una versión especial para este museo porque la hicimos pensando en sus espacios y en el tránsito del público. Es un montaje itinerante porque vamos a ocupar diferentes lugares del inmueble, como salas, pasillos y escaleras. Esto genera una expectativa muy grande porque no sabemos cuál va a ser la reacción del público”.

La maestra destacó el trabajo de experimentación en esta pieza desde un modo de producción distinto, el cual permite al intérprete / creador investigar individualmente para generar una propuesta, que en el concierto y la yuxtaposición con los diferentes materiales se entona para armar el entramado de la pieza. Diversas voces confluyen para abonar a una idea: el recuerdo, dijo.

Sobre la esencia del montaje, la coreógrafa describió: “La obra se articula alrededor de los recuerdos, la memoria y la nostalgia que vivimos en eta época de confinamiento. Todos, al estar recluidos en nuestras casas, hemos tenido la oportunidad de tener momentos de introspección, como ver álbumes fotográficos, leer cartas, revisar prendas de vestir. Venimos de un encierro forzado donde hemos revisitado y reflexionado sobre muchas cosas. Estamos rodeados de recuerdos y esta obra es un ejercicio de memoria. Así que queremos que la obra encuentre resonancia en el espectador”,

Los intérpretes/creadores que hacen posible este montaje son Ramsés Carranco, Rocío Flores, Max Flores, Luisa González, Cinthia Portes, Elisa Rodríguez, Emmanuelle Sanders, Luis Valderrabano y Martha Elena Welsh; todos cobijados con la música original, musicalización y diseño sonoro de Mauro Gómez.

Las presentaciones de la Compañía El Cuerpo Mutable / Teatro de movimiento darán inicio con el Taller Intersticios dirigido para todo público, seguida de la obra itinerante “Vidrio obscurecido”, para finalizar con un conversatorio que tiene la intención de intercambiar experiencias con los espectadores, así como compartir el proceso creativo de la obra.

La soledad en tiempos inciertos

mgueler — Mon, 11 Oct 2021 23:39:06 +0000

“Shymphonia para ser 1”, de Fóramen M, surge del encierro que vivieron los bailarines durante la pandemia. Foto gentileza INBAL.

Tras el confinamiento, los integrantes de la compañía Fóramen M., se sumergieron en un proceso creativo donde pudieron compartir ideas y experiencias en torno a la soledad en época de crisis mundial. Dichas inquietudes serán plasmadas en una trilogía que abordará diversos sentimientos humanos.

La primera parte de esta trilogía lleva por nombre “Symphonia para ser 1” y se presentará en la sede de la agrupación: el F4 Libre Espacio Cultural Multidisciplinario, ubicado en Cuernavaca Morelos. Las funciones serán del 14 al 17 de octubre.

Sus presentaciones forman parte de la iniciativa Travesías Corporales. Teatro de la Danza ¡Más cerca de ti!, impulsada por la Secretaría de Cultural y el INBAL, a través de la Coordinación Nacional de Danza para mantener activa su programación dancística en espacios alternos, en tanto se lleva a cabo la segunda etapa de remodelación de este recinto emblemático del Centro Cultural del Bosque de la Ciudad de México.

Esta iniciativa buscará detonar a corto, mediano y largo plazo un movimiento permanente en espacios alternos con programación propia, lo que ampliará su campo de acción y la posibilidad de llegar a nuevos públicos. Se contempla que esta acción cruce las fronteras de la capital mexicana y llegue a más entidades del país.

Los maestros Beatriz Madrid y Marcos Ariel Rossi, directores de Fóramen M, Danza que invita a la acción -nombre completo del grupo-, explicaron que “Shymphonia para ser 1”, surge del encierro que ellos vivieron tras la pandemia. Sobre la esencia de su propuesta dijeron: “Esta primera pieza de la trilogía habla de personajes que coinciden en el mismo espacio, pero no en el mismo tiempo. Cada relato sucede en tiempos diferentes”.

Afiche de la obra creada por la compañía Fóramen M, “Shymphonia para ser 1” que sube a escena en Morelos. Foto gentileza INBAL.

El tema central desarrollado en escena es el sentir del individuo en estos tiempos inciertos: “Cinco personajes comparten el mismo espacio, pero no el mismo tiempo. La soledad la confiesan y la dejan depositada allí. Solo se desarrollan motivados por una mesa y algo que desde adentro los inquieta… El encuentro con nosotros mismos nos refiere a un signo de soledad. A la vez, es el encuentro con el deseo y el sueño. Una danza de cada una y cada uno de nosotros que marca en el espacio una huella para que pueda seguir transitando nos. Los textos de Benedetti y los relatos de cada una y cada uno nos llenan de emoción ante esta verdad. Y al final, inesperado, un brindis y una voz de aliento. La esperanza. La fuerza de la vida. Nunca estaremos realmente solos ya que estamos con la danza, en el cuerpo de esa sinfonía.”

Acerca de la lectura que buscan detonar con su creación, comentan: “Queremos que el público reflexione en cuanto a nuestras soledades. Y, sobre todo, que hay muchas otras que padecen y gozan lo mismo”.

Sobre la propuesta escénica, el espacio es delimitado por un recuadro blanco que marca el lugar en donde se encuentran los personajes. Cabe destacar que la compañía decidió romper la llamada “cuarta pared” e invitará al público a sentarse alrededor del hecho escénico. Para los maestros Madrid y Rossi es simbólico mencionar que para estas presentaciones utilizarán la mesa de su obra de repertorio “Réquiem” de Mozart (2005) que bailaron hace más de una década y media; este hecho los emociona: “La retomamos en esta época de auto reclusión para compartir estos relatos”.

El F4 Libre Espacio Cultural Multidisciplinario se ubica en la calle Tabachín 13, colonia Tlaltenango, Cuernavaca, Morelos. Los horarios de las funciones serán: jueves 14, a las 12h y del viernes 15 al domingo 17 de octubre, a las 20h. Cabe destacar, que la función del 14 de octubre, será dirigida a los estudiantes de la ciudad de Cuernavaca, en una acción que lleva a cabo la compañía de manera frecuente.

Con las emociones a flor de piel

mgueler — Fri, 23 Apr 2021 20:35:54 +0000

“El canto de los pies”, de Casilda Madrazo, es una pieza visual, auditiva y sensitiva donde se funden distintas percepciones y experiencias. Foto: Silvio Margain. Gentileza INBAL.

Tras un profundo ejercicio de introspección sobre el lenguaje corporal y la búsqueda permanente de un estilo propio, la bailarina y coreógrafa Casilda Madrazo ha creado un singular trabajo coreográfico que podrá ser disfrutado de manera presencial.

“El canto de los pies” es el nombre de la propuesta dancística que la artista escénica interpretará en el Complejo Cultural Los Pinos como parte de la oferta programada por el INBAL, a través de la Coordinación Nacional de Danza. Las funciones serán el sábado 24 y el domingo 25 de abril a las 12:00 y 14:00 horas en el espacio conocido como La Pérgola de este recinto enclavado en el Bosque de Chapultepec.

Madrazo, que en el pasado mostró su talento como bailaora de flamenco, ha logrado destacar dentro del gremio dancístico por su peculiar estilo de explorar en diferentes géneros como la danza butoh, incursionar en otras disciplinas como el video y el performance, además de trabajar con artistas visuales, músicos y poetas.

En entrevista, la bailarina y coreógrafa compartió su sentir de regresar a la modalidad de funciones presenciales: “Es muy emocionante. La experiencia en vivo es algo que el cuerpo y el corazón piden. Ya se extrañaba”.

Asimismo, quien ha sido becaria por el Fonca en los programas Jóvenes Creadores y Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales, confesó que este regreso también le genera otro tipo de emociones: “Hay una sensación de nervios porque nos desacostumbramos a compartir esa energía con otros cuerpos. Como artista también será una sorpresa, de ver cómo me voy a encontrar con la escena después de estar más de un año fuera de ella. Para mí es una incógnita, un misterio”.

Sobre su solo dancístico “El canto de los pies”, Madrazo explicó que surgió de la intención de ordenar su cuerpo con respecto a las informaciones que ha recibido a lo largo de una búsqueda que lleva varios años. Después de un complejo proceso de separación del arte flamenco para encontrar su propio estilo, se encontró en una confusión formal y personal. Este proceso de introspección fue crucial para ella. Al respecto dijo:

“Fue hasta que regresé a caminar, tan sencillo como eso, y a sentir mis pies, que se abrió un panorama más claro. Un panorama que no sólo se revelaba con los movimientos, los gestos y las palabras sino también con el canto. Esta propuesta es la primera versión de una pieza que estoy creando a partir de dicho ordenamiento. Ordenamiento que a su vez resultó de una autoinvestigación o autolaboratorio al que yo misma decidí presentarme. De este modo, lo que aquí comparto es el estreno de lo que todavía no sé cómo nombrar”.

Afiche del ciclo programado por INBAL en el Bosque de Chapultepec. Gentileza INBAL.

Respecto a las emociones que quiere transmitir al público con “El canto de los pies”, su creadora señaló: “quiero compartir una pieza muy visual, auditiva y sensitiva porque así es el cuerpo en movimiento. Quiero que pensemos que todos somos cuerpo y que éste tiene muchas posibilidades. No hay movimiento sin espacio, ni cuerpo sin espacio”.

Finalmente, quien en 2006 ganó junto con Mari Paz Covarrubias el primer lugar para dueto en danza española en el I Concurso Interamericano de danza en Puebla, dijo que la pandemia ha generado muchos momentos de reflexión, por lo que su obra dancística puede ser muy empatía: “La sensación que nos ha dejado esta situación mundial es que la vida está para vivirla y que las acciones están para tomarse. Elegí esta pieza porque quiero tomar acción ante todo lo que descubrí en estos tiempos de resguardo”.

Ficha técnica:

“El canto de los pies”

Dirección, danza, composición musical:
Casilda Madrazo
Diseño de vestuario: Casilda Madrazo
Realización de vestuario: María del Jesús Patricio
Asesoría de audio: Esteban Chapela
Producción: Casilda Madrazo.
Danza Compositor invitado: Andrés Guadarrama.

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El 2 x 4 se apodera del bosque

mgueler — Sat, 10 Apr 2021 00:24:59 +0000

“Vibraciones del alma”, con dirección general de Carlos Blanco y Rey Flores, fundadores de Tango Queer MX. Foto: Annick Donker. Gentileza INBAL.

La búsqueda de la libertad y la inclusión es una filosofía que, a través de la danza, los bailarines Carlos Blanco y Rey Flores han compartido con los espectadores desde su aparición en los escenarios. Y este fin de semana lo harán a través de su programa “Vibraciones del alma”, con el que harán vibrar un rincón del Bosque de Chapultepec: el Complejo Cultural Los Pinos, donde se presentarán el sábado 10 y domingo 11 de abril, a las 12:00 y 14:00 horas.

Tango Queer MX es una compañía que se ha posicionado en la escena nacional por haber sido fundada y dirigida por Blanco y Flores, dos de los principales exponentes del tango queer, que es una nueva forma de bailar este género dancístico que rompe todos los esquemas tradicionales, como el intercambio de roles de género y que permite ver bailar a parejas del mismo sexo como ocurrió en los orígenes del tango a fines del siglo XIX.

En entrevista, Blanco comparte el sentir del grupo de poder regresar a ofrecer funciones presenciales: “Es una experiencia sumamente esperanzadora, que nos hace reflexionar sobre la importancia de las artes durante todo este tiempo de confinamiento, y en general para el desarrollo de una ciudad. Las artes vivas se han visto severamente afectadas durante este año de pandemia, así que un regreso de este tipo simboliza el reencuentro de la danza con el público”.

Blanco también enfatizó el agradecimiento de ser parte de una programación especial, en un lugar igualmente especial: “Quién hubiera pensado que los Pinos, un lugar que hace años era prácticamente infranqueable, ahora podemos compartir nuestra propuesta de danza. Celebramos que tanto El complejo Cultural Los Pinos tanto como la Coordinación Nacional de Danza tengan la apertura de proponer este espectáculo que toma como pretexto el tango, pero, sobre todo, habla sobre la inclusión”.

El programa que bailarán se titula “Vibraciones del alma”, cuya dirección general corresponde a Carlos Blanco y Rey Flores, en tanto que la dirección artística es de Elisa Rodríguez (Beneficiaria del Programa Creadores Escénicos, 2020-2023 del Sistema de apoyo a la creación y proyectos culturales (Fonca)

“Vibraciones del alma” está conformado por tres partes, donde a partir del tango se recrea un equilibrio de los sentimientos, ayudándose por las vibraciones internas del cuerpo y las acciones del alma para mostrar la manifestación de la existencia. Sobre las emociones que quieren compartir con estas danzas, Blanco explicó: “Nuestro vehículo es el tango-danza, así que deseamos transmitir con este espectáculo una reflexión sobre la búsqueda de libertad. Que no importan las etiquetas que nos han impuesto, que lo indispensable es bailar, con quién queramos y de la manera que lo queramos hacer”.

Carlos Blanco y Rey Flores dos de los principales exponentes del tango queer en México, bailan en el Bosque de Chapultepec. Foto: Pictoria. Gentileza INBAL.

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