El grupo Batara Gowa, de Indonesia, hace su debut en Estados Unidos con “Lebonna”, una leyenda tradicional. Foto gentileza BDF.

Es el más antiguo de Nueva York. Su objetivo: conectar al mundo a través de la danza. Desde hace 42 años el Battery Dance Festival, con su oferta pública y gratuita, hoy atrae a un público combinado de más de 12.000 espectadores presenciales y 35.000 virtuales. El sábado 12 de agosto lanza su primera presentación con una propuesta que apunta a los creadores del futuro.

En la celebración de este nuevo aniversario, que durará hasta el 18 de agosto, el Battery Dance Festival presentará, en colaboración con Battery Park City Authority, actuaciones en vivo en Rockefeller Park, Battery Park City de Nueva York, a partir de las 7 pm (horario del Este), retransmitidas en directo cada noche. También se agregó un “día de lluvia”, el 19 de agosto.

Creado por Battery Dance como Downtown Dance Festival en 1982, antes de la pandemia, atraía cada noche a unas 2.000 personas en su emblemático escenario del parque Robert F. Wagner, Jr. Park. El Festival pasó a ser virtual en 2020, y llegó a reunir 30.000 espectadores de 206 países. En 2021 funcionó como un modelo híbrido con más de 10.000 espectadores presenciales y más de 21.000 virtuales.

“Cuando el huracán Sandy inundó la parte baja de Manhattan, Battery Park City Authority (BPCA) nos tendió una mano, y proporcionó un hermoso lugar para el Battery Dance Festival que todos hemos disfrutado cada verano desde 2013. Con la perspectiva de la subida del nivel del mar en el futuro, BPCA está promulgando un plan de resiliencia proactivo, con el propósito de elevar Parque Wagner hasta 12 pies. Pero ¡no teman! BPCA nos ha invitado a trasladarnos al Rockefeller Park este verano, donde nos beneficiaremos del amplio césped y de las vistas frente al río, mientras nos deleitamos con las actuaciones de compañías locales e internacionales.”, aseguró Jonathan Hollander, fundador y director artístico de Battery Dance.

“Miserere”, de Jennifer Muller, en el Battery Dance Festival se presenta el 17 de agosto. Foto: Steven Pisano. Gentileza BDF.

Con esta perspectiva, el 12 de agosto, en Rockefeller Park, se lanza con la primera presentación de una semana a pura danza, su nombre: Voces jóvenes en la danza (Young Voices in Dance). En esta propuesta, Battery Dance se asocia con el programa juvenil de The Bowery Mission, que ayuda a los niños de los barrios de bajos ingresos a prosperar y tener éxito. Un especial de Dancing to Connect que reunió 15 niñas de las escuelas secundarias de East Harlem y el Bronx para trabajar con Robin Cantrell, artista, docente y ex bailarina de la compañía. Cada una de ellas ha creado su propia coreografía, que formará parte de Young Voices in Dance este 12 de agosto. En su tercer año, este programa pone de relieve la curiosidad intelectual, la innovación y la excelencia artística de los jóvenes de 15 a 22 años. Se presentarán a dos grupos, Bowery Mission y Queensborough Community College que crearon nuevas obras a través del programa de intercambio educativo.

La noche inaugural del Festival, el 13 de agosto, marca el regreso de tres compañías y cuatro estrenos mundiales. Del hip hop al contemporáneo, de la danza folclórica tradicional a la fusión global moderna, el festival de este año comienza con una noche que muestra la diversidad en todos sus aspectos.

La oferta del festival de este año para el Día de la Independencia de la India se titula Purush, y celebra el poder y el arte de los bailarines masculinos de danza clásica de la India. La Fundación Rudrakshya, la célebre compañía y escuela de Odissi de Bhubaneswar, Odisha, presenta el programa del 15 de agosto. Bajo la dirección del gurú Sri Bichitrananda Swain, esta compañía de diez bailarines engalanará la ciudad de Nueva York con su asombroso virtuosismo. Complementarán el programa dos aclamados solistas, el bailarín de Kathak Durgesh Gangani, de Vadodara (Gujarat), y la bailarina de Kuchipudi Amaranth Ghosh, de Chennai (Tamil Nadu).

Y el 17 de agosto se realizará un homenaje a la inolvidable Jennifer Muller. Su compañía, The Works, que ya se había presentado en el Battery Dance Festival en 2015 y 2016, será la protagonista de la noche. Luego, el festival también rendirá homenaje a varios pioneros de la danza moderna estadounidense de principios del siglo XX como Isadora Duncan, Ruth St. Denis, Ted Shawn y Loïe Fuller. Además de presentar varias reposiciones de estas obras históricas, las compañías de esta velada interpretarán también una coreografía original actual, profundamente inspirada en estas cuatro leyendas de la danza moderna. “En medio de un mundo de innovaciones y cambios vertiginosos, es importante dedicar tiempo a rendir homenaje a nuestras raíces”, afirmó Hollander.

La directora artística de The Isadora Duncan Dance Company, Lori Belilove, interpretará “Tributo a Ucrania. Foto: William Mercado. Gentileza BDF.

Información

Visite: https://batterydance.org/battery-dance-festival/

Funciones gratuitas al aire libre: del 12 al 18 de agosto, 2023. De 7:00 – 9:00pm

Rockefeller Park – Battery Park City

Día de lluvia

Agosto 19: de 7:00 – 9:00pm

Rockefeller Park – Battery Park City

Cómo llegar. Hacer clic aquí

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Afiche Concurso Internacional Latinoamérica Danza 2021.

Con una pandemia que continúa sin dar tregua, en este 2021 el “Concurso Internacional Latinoamérica Danza” (CILD) se realizará de manera virtual con la finalidad de posibilitar la participación de todos los interesados mediante videos registrados en presentaciones en salones de clases y/o escenario, y que la coreografía respete los requerimientos solicitados en las bases del concurso que convoca a un jurado de prestigio internacional. La inscripción y recepción de videos cerrará indefectiblemente el 1 de agosto de 2021.

Este concurso, que tuvo su primera edición en 2017 bajo la coordinación y organización de la directora Mgter. Laura de Aira, tuvo como objetivo mostrar el desempeño de diversos solistas y grupos, con la intención de abrir la posibilidad de obtener becas de estudio y perfeccionamiento en escuelas internacionales.

Habitualmente las semifinales se realizan en distintas ciudades de la Argentina y de Latinoamérica, y el certamen final, en el Teatro Lírico del Parque del Conocimiento de la ciudad de Posadas, Misiones, Argentina.

En 2019 el Grand Prix CILD® otorgó una Beca de Estudio con el 100% de cobertura en pasajes, alojamiento y clases por tres meses en la Vassiliev Academy of Classical Ballet (Nueva York – EEUU) al Mejor Bailarín/a de Danza Clásica de Repertorio del Concurso.

En su edición especial de 2020, en plena crisis sanitaria ocasionada por la pandemia del COVID- 19, el CILD® se destacó como el “I Concurso Coreográfico CILD® 2020”, propuesta destinada a coreógrafos consagrados y emergentes, donde se presentaron coreografías para grupos en danza clásica y neoclásica tanto del ámbito nacional como internacional. Su finalidad: promover y potenciar coreográficamente el concurso con propuestas innovadoras y de calidad artística.

El Concurso

Bailarines de diferentes países de Latinoamérica participan de esta competencia desde su lanzamiento en 2017. Foto gentileza CILD.

El registro del Concurso Internacional Latinoamérica Danza® está abierto a todos los bailarines, y las categorías se asignarán según modalidad, estilo y edad del participante. Las distintas divisiones serán determinadas por la edad cumplida al 8 de septiembre de 2021.

Concurso Modalidades: Clásico de Repertorio y Contemporáneo (1 variación):

Solistas y Dúos:

• División Jóvenes: 11 – 12 años;
• División Estudiantes: 13 – 14 años;
• División Junior: 15 – 17 años;
• División Senior: 18 – 26 años;
• División Máster: 27 años en adelante.

Tríos y Grupos:

• División Junior: 12 – 17 años;
• División Senior: 18 años en adelante.

Concurso Modalidades Clásico Libre, Jazz, Neoclásico, Danza de Carácter, Street Dance, Hip-Hop, Tango, Folklore Argentino y Folklore Internacional (Brasilero, Español, Paraguayo, Ucraniano, Árabe, otros) y Ritmos Libres (1 coreografía):

Solistas y Dúos:

• División Infantil: hasta 09 años;
• División Jóvenes: 10 – 11 años;
• División Estudiantes: 12 – 14 años;
• División Junior: 15 – 17 años;
• División Senior: 18 -26 años;
• División Máster: 27 años en adelante.

Tríos y Grupos:

• División Infantil: hasta 11 años;
• División Junior: 12 – 17 años;
• División Senior: 18 años en adelante.

Inscripción

La inscripción y recepción de videos cerrará indefectiblemente el 1 de agosto de 2021.

• Remitir al mail ballet.misiones@gmail.com – Asunto: “CILD® 2021”; los siguientes formularios:
• Presentar completado y firmado en mano en formato PDF la Solicitud de Inscripción.
• regCILD2021.pdf; el Formulario de autorización para menores de 18 años: menores.pdf y el Formulario de exención de responsabilidad: excención.pdf.
• Enviar el video en formato HD, mp4, horizontal, (con un mínimo de 1080p). Subir el mismo a una nube y enviar un link para su correspondiente descarga.
• Copia del comprobante del depósito o transferencia de la Inscripción al Concurso correspondiente según el siguiente detalle:

• Solistas: $ 1.200 (pesos un mil doscientos) por competidor (R$ 50 – U$D 30)
• Dúos: $ 900 (pesos novecientos) por cada competidor (R$ 45 – U$D 15)
• Tríos: $ 800 (pesos ochocientos) por cada competidor (R$ 40 – U$D 15)
• Grupos: $ 700 (pesos setecientos) por cada competidor (R$ 30 – U$D 10)
• Coreografías: $ 800 (pesos un ochocientos) por coreografía que compite (R$ 40 – U$D 30)

La organización enviará un mail confirmando la recepción de los fondos correspondientes.

Requisitos de video

Video debe ser en formato HD (mínimo 1080p ),de forma horizontal, con extensión mp4. El plano debe permitir ver el cuerpo entero del participante.

El o los videos deben contar al inicio con una placa con los siguientes datos:

• Modalidad y Categoría (edades)
• Nombre de la escuela / País, Provincia, Ciudad.
• Nombre del/los bailarines
• Nombre de la Coreografía

IMPORTANTE:
Los videos que no cumplan con estos requisitos, serán descalificados y sin derecho a reembolso.

Jurado

El Jurado estará integrado por: Guido de Benedetti (Buenos Aires – Argentina), Alejandro Tulio Totto (Buenos Aires – Argentina), Anderson Santana (Bruselas – Bélgica), Eduardo Bonnis (San Pablo – Brasil) y Petronita Vinader (Asunción- Paraguay).

Premios:

Los premios serán informados en la Gala Virtual del sábado18 de septiembre de 2021, emitido por el Facebook del Ballet y del Parque del Conocimiento.

Primeros puestos en todas las Divisiones:

• 1º Premio: Certificados en formato PDF.

• 2º Premio: Certificados en formato PDF.

• 3º Premio: Certificados en formato PDF.

Contratos y Becas para clásico de repertorio y contemporáneo:

• Becas de estudio en el Ajkun Ballet Theatre (Nueva York – EEUU).
• Becas de estudio para el Summer 2022 en el Barcelona Dance Center (Barcelona – España).
• Becas de estudio para el Summer 2022 en Cuban Classical Ballet of Miami (Miami – EEUU).
• Beca de estudio para el Summer 2022 en el Pro Arte Center (Vancouver- Canadá).
• Becas para clases con la Compañía Estable PromoDança en enero 2022 (Marilia SP – Brasil).
• Becas de Estudio en Escuela Internacional de Ballet de Bruselas (Bruselas – Bélgica);
• Becas de Estudio en la Escuela de Arte XXI – Danza Clásica y Contemporánea (Bue.os Aires – Argentina).
• Becas de Estudio en la Escuela Andrea Martínez Tango Argentino (Nápoles- Italia).
• Becas de Estudio en la Escuela Lizt Alfonso Dance Cuba, danza Española (Habana- Cuba).
• Becas de Estudio para Summer 2022 Escuela Piso 21, danza jazz (Buenos Aires-Argentina).
• Becas de Estudio para Summer curse de Arts Ballet Theater of Florida (Miami-EEUU).
• Becas de Estudio en la Academia de Ballet de Moscú (Misiones – Argentina).
• Becas de participación con la Compañía Estable PromoDança en enero 2022 (Marilia SP – Brasil).
• Selección de participación en el Miami International Ballet Competition (Miami – EEUU).
• Selección de participación en Marília em Dança en 2022 (San Pablo – Brasil).
• Contrato 2022 con el Ballet Oficial del Parque del Conocimiento (Misiones. – Argentina).

Las becas de estudio y selectivos NO incluyen pasajes ni alojamiento.

Organización de Ronda UNICA

Los videos corográficos correspondientes a la modalidad de Clásico de Repertorio en todas sus categorías se emitirán a través del Facebook de la compañía el día jueves 09 de septiembre a partir de las 19 hs. de la Argentina. Los correspondientes a la Modalidad de Contemporáneo, Neoclásico y Jazz, se emitirán en el mismo horario el viernes 10.

Todas las demás modalidades, a saber: Clásico Libre, Danza de Carácter, Street Dance, Hip-Hop, Tango, Folklore Argentino y Folklore Internacional (Brasilero, Español, Paraguayo, Ucraniano, otros) y Ritmos Libres; se emitirán el sábado 11 a partir de las 17 hora argentina.

La Gala de Cierre se emitirá el sábado 18 a parir de las 20hs. Las coreografías a presentarse en esta función serán escogidas a criterio de la organización del evento. No necesariamente serán ganadores de premios y/o becas.

Informes:
Dirección General de Ballet y Formación Académica – Parque Del Conocimiento
Av. Ulises López (acceso Oeste) y Ruta 12 – Posadas – Misiones – Argentina
Tel. (376) 4597530

Email: ballet.misiones@gmail.com
www.balletmisiones.com

The Jukebox Dance Company cuenta la historia de una mujer que posterga sus sueños para dedicarse a su hijo enfermo. Foto: Señor Calavera. Gentileza INBAL.

La historia de una mujer mexicana abandonada, que deja a un lado sus sueños, es relatada a través del poder y la fuerza de la danza urbana del grupo The Jukebox Dance Company, que llegará al Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque el jueves 27 y viernes 28 de febrero, 20:00 horas, sábado 29, 19:00 horas; y el domingo 1 de marzo, 18:00 horas.

“Nunca dejes de bailar” es el nombre de la coreografía que cuenta la vida difícil de Yolanda, una mujer que decide dejar sus sueños para atender la enfermedad de su hijo. La protagonista es víctima de situaciones inesperadas como el descenso de su hijo y los sin sabores de ser inmigrante. Sin embargo, la aparición de un grupo de nuevos amigos “Pachucos” es el impulso para que ella logre regresar a su sueño y brillar en las noches del Kumbala.

Sobre el mensaje de la propuesta, Jenifer Pedraza Masegosa directora del grupo en colaboración con Fernando Martínez, explica que la pieza es una invitación a no permitir que ninguna razón sea más grande que los propios sueños y que la determinación, enfoque y pasión modifiquen el rumbo de vida alcanzando así la satisfacción personal.

The Jukebox Dance Company es compañía de danza urbana fundada en 2015. Ha implementado varias herramientas en un grupo de bailarines interesados por competir nacional e internacionalmente. Actualmente está integrada por trece grupos y 95 bailarines con un amplio rango de edad; todos encaminados por los integrantes con mayor experiencia del grupo.

A lo largo de cinco años han adquirido aprendizaje, experiencia y reconocimiento en los eventos que han participado, representando a México en varias ocasiones.  Algunos de sus integrantes han sido campeones mundiales en 2018 con un primer lugar y en 2019 con medalla de plata.

Además de las funciones, la directora de la compañía ofrecerá dos clases. La primera es de Locking (Funk Styles), un estilo de baile que surgió a inicios de los años setenta influenciado por los bailes sociales afroamericanos de los sesenta. En clase se mostrará la esencia del baile, la historia y movimientos que se usaban en las fiestas y en los shows de televisión que hicieron que el Locking se convirtiera en un movimiento conocido mundialmente hasta la actualidad. Se impartirá el sábado 29 de febrero, de 16:00 a 17:30 horas.

La segunda clase será de Hip Hop ((Bounce y el Folw). Se explicará la diferencia entre bailes urbanos (Street dance) y los bailes que integran el Hip Hop como cultura (hip hop dance) partiendo de la historia. Se enseñarán pasos usados en fiestas (party steps o party dance) así como la música que se usaba para este movimiento, los alumnos podrán aprender secuencias coreográficas para utilizar el lenguaje visto en la clase. Se realizará el domingo 1 de marzo, de 16:00 a 17:30 horas. Ambas clases serán gratuitas y tendrán como sede la Plaza Ángel Salas del Centro Cultural del Bosque.

Las funciones en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo tendrán un costo de 80 pesos. Se mantienen los descuentos con credencial a estudiantes, maestros y gente del INAPAM.

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“No Enemies”, que trae el grupo Unik Breakers Crew, es una obra que exalta la esencia del hip hop en su relación con la pobreza y la violencia. Foto: Diego Morales. Gentileza INBAL.

Adentra al espectador en un mundo de transformación, donde lo negativo puede volverse positivo, donde la violencia puede ser superada por la paz, donde el caos puede alcanzar la unidad, es lo que motivó la creación de un singular espectáculo de hip hop titulado “No Enemies”, de la compañía Unik Breakers Crew.

La agrupación, dirigida por Miguel Rojas Luna -mejor conocido como Funky Maya-, es una de las propuestas más sólidas de la danza urbana en México. Por ello, su profesionalismo y calidad le permitirá presentar esta pieza en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque el jueves 13 y viernes 14 de febrero, 20:00 horas; sábado 15, 19:00 y domingo 16, 18:00.

El director de la compañía explicó que “No Enemies” es una obra que exalta la esencia del hip hop en su relación con la pobreza y la violencia que subyace el contexto histórico de la cultura. Desde su punto de vista es una coreografía que exhibe la relación humana del individuo con su universo y la cultura que crea para adaptarse y sobresalir cualquiera que sea la circunstancia.

Sobre la esencia y contenido de la propuesta comentó: “Sumergidos en un mundo rodeado por escombros de guerra, violencia y agresión, los BBoys se encuentran y crean sistemas de comunicación mostrando la esencia transformadora del hip hop”.

Unik Breakers Crew ha sobresalido en la danza urbana nacional porque su estilo parte de la filosofía de movimiento que ha desarrollado de la cultura BBoy, a través de un código que denominan 0 4 8. El código abarca desde la teoría del cero o “Zaifer,” que manifiesta la energía infinita del universo; El cuatro que representa “Cultura y libertad,” y el ocho que representa la energía que se regenera, una causa y efecto, o una energía que se destruye y recrea infinitamente.

La experiencia y trayectoria de su director Funky Maya ha permitido inyectarle al grupo un sello especial. Y es que él comenzó su carrera dancística bailando hip hop a los 14 años en Los Ángeles, California. Su formación inicial fue una combinación de reuniones de baile en los clubes más reconocidos de Los Ángeles, clases de danza moderna y entrenamientos de Artes Marciales.

Su desarrollo profesional en el extranjero le ha permitido ampliar sus horizontes estéticos. Empezó su carrera de bailarín en el Santa Monica College, obteniendo el “Associates in Arts Degree in Dance.” Asimismo, ha realizado numerosos cursos y diplomados dancísticos y ha sido parte de compañías profesionales de danza como Synapse Dance theatre, Folklórico de Santa Monica College, Ballet Nacional de Las Américas y Rumba Show Dance Company.

Como bailarín y coreógrafo Funky Maya ha trabajado en diversos comerciales, video clips, programas de televisión, películas, obras de teatro y conciertos con diversos artistas tales como Delinquent Habits, Nortec Collective, Moderato, Natalia la Forcade, Paty Cantú, Sam Smith y TorreBlanca. Como impulsor de la cultura hip hop ha impartido clases, talleres, y conferencias en Estados Unidos, Europa, Centroamérica, y México en varias escuelas y universidades.

En la actualidad, Funky Maya compite, baila y es invitado como jurado en competencias nacionales e internacionales, es gestor cultural promoviendo el hip hop en diversas instituciones culturales tales como la UNAM, CENIDID, CENART y el INBAL. Continúa su trabajo de investigación sobre el hip hop en la República Mexicana.

Cabe destacar que uno de los integrantes de la compañía, Gil Adán Hernández, mejor conocido como Dr. Hill Skills, ha participado en batallas de breakdance y ha ganado concursos internacionales en diferentes países del mundo como Holanda, Suiza y España. Está catalogado como uno de los pioneros de la cultura hip hop en América latina.

Además de las funciones en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo, la compañía Unik Breakers Crew ha preparado otras actividades que tendrán como sede la Sala CCB del Centro Cultural del Bosque.

Se proyectará la película Planeta BBOY el jueves 13 de febrero. Se llevará a cabo la mesa redonda Hip Hop en el Teatro, a cargo de los ponentes Dr. Hill Skills, Van T, JC Shoker, Myrna Moguel, Yuridia Ortega y Funky Maya el viernes 14 de febrero. Habrá dos conferencias: El Breaking en México: Cruce de identidades musicales y dancísticas impartida por Enrique Jiménez el sábado 15 de febrero; así como Fusiones de baile urbano y danzas tradicionales a cargo de Víctor Omar Sierra el viernes 21 de febrero. Todas las actividades serán a las 18:00 horas y serán de entrada libre, cupo limitado.

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Danza Contemporánea de Cuba presentó el estreno mundial de “Más allá del polvo”, de Miguel Altunaga, en el escenario de la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso. Foto: Buby Bode. Gentileza DCC.

Después de una década como residente en Londres, en tanto que solista de la afamada compañía británica Rambert, el joven bailarín y coreógrafo cubano Miguel Altunaga (34) retorna al redil de la que otrora fuera su primer cuerpo de baile durante 7 años. Ahora, en calidad de coreógrafo invitado por el director de Danza Contemporánea de Cuba (DCC) Miguel Iglesias, para crear una obra que ya comenzó a formar parte de su repertorio activo.

“Más allá del polvo” fue el estreno mundial de Altunaga bailado fervorosamente por la joven generación de bailarines de DCC en el vasto escenario de la Sala García Lorca del espléndido Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, como cierre de este programa, que incluyó la reposición de “Equilux”, de la coreógrafa escocesa Fleur Darkin (obra producida con el auspicio del British Council).

Altunaga, lógicamente, se aprovecha de la “fisicalidad” y destreza técnica de bailarines dispuestos a la entrega febril de sus interpretaciones respectivas, a veces con un exceso más allá del requerido, donde la madurez artística le pondrá bridas. El propio creador les ha sugerido que del 80 por ciento se reserven un 20 de esas desbordadas energías.

La música de “Más allá del polvo” es una fusión que reúne a Los Van Van, temas de Ernesto Lecuona, y del compositor Pouya Ehrsael. Foto: Claudio Peláez Sordo. Gentileza DCC.

Esta pieza es producto de las añoranzas de este artista emigrado, a espacios foráneos, donde pudiera satisfacer sus ansias de afrontar nuevos horizontes creativos; de retroalimentarse con otras tendencias estéticas que dominan la escena global actual. Sin embargo, no por ello se ha dejado asimilar por un esnobismo a ultranza. Altunaga se ha mantenido fiel a su legado cultural ante los nuevos retos que aguzaron sus sensibilidades.

Si bien estamos en presencia de un trabajo coral minimalista, sin una historia lineal, también nos sacude con introducciones metafóricas del día a día de “lo cubano”, que a veces por la estructura de ciertos conjuntos sucumben en la subliminal etiqueta del patriotismo –en el mejor sentido de la palabra–. Por ejemplo, antes que abra el telón de boca, uno de los bailarines solistas (Norge Cedeño) sale del foso de la orquesta portando un megáfono para emitir órdenes figuradas a los “otros”.

El autor, en una entrevista concedida a los medios, revela su desiderata: “que el público se sumerja en esta atmósfera, que conecte con su propia individualidad, se conecte con su propia experiencia. (…) se sumerja a través de la energía que la obra le regala”.

El éxito de este nuevo título para el repertorio activo de DCC se apoya en el notable diseño de luces –casi un protagonista– de Fernando Alonso, que delinea los contornos de los espléndidos cuerpos de los danzantes; la música popular cubana bailable, de ayer y de hoy, ensamblados en un inteligente collage que incluye ritmos soneros de la célebre orquesta Los Van Van de Juan Formell; o las notas líricas del icónico pianista-compositor Ernesto Lecuona, intercalados con música electrónica del compositor iraní  Pouya Ehrsael. Sin excluir los sabios figurines del vestuario diseñado por el experimentado Vladimir Cuenca: cuerpos enfundados en  unitardos blancos con manchas y rodilleras negras (las mujeres con piernas desnudas), evitando accidentes en giros hip hop.

El espectáculo comenzó con la obra de Darkin “Équilux”: sinónimo de vida en su fundamento primario, como de un éxtasis que, al decir de la coreógrafa, está vinculado a “un equinoccio donde coexiste la luz y la sombra”.

La creadora escocesa se vale de los bien entrenados bailarines a su disposición para elaborar unos extraños diseños corporales y espaciales en “terre á terre”, que nos transmiten sensaciones dramáticas  “psico” artísticas, a partir de las dinámicas provocadas por la excelente música de Torben Sylvest, la cual contribuye a vigorizar estas danzas, a ratos violentas o lánguidas, siempre con los bríos instrumentados con precisión. Igualmente señalaremos en valioso aporte de las luces creadas por Emma Jones, las cuales  ahora lograron sus propósitos originales y pudimos apreciar mejor la danza ejecutada por el cuerpo de baile mixto de DCC.

“American Rhapsody”, obra que Christopher Wheeldon realizó en 2016 para el New York City Ballet. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

El New York City Ballet (NYCB) cerró su ciclo en el Kennedy Center de Washington DC con un segundo programa integrado por tres obras cuyas características difieren rotundamente unas de otras. Al abrirse el telón, los primeros compases de “Rhapsody in Blue”, de George Gershwing producen ese primer impacto mágico de una partitura inigualable. Sobre un fondo circular que transita con pequeños círculos en azul y oro, los bailarines entran a escena en tonos, también, azules.

“American Rhapsody”, obra que Christopher Wheeldon realizó en 2016 para la compañía dirigida por Peter Martins, rememora el título original que el compositor diera a esta obra. Con una sucesión de dúos, tríos, solos y trabajos grupales, Wheeldon apunta más a lo visual que a lo coreográfico. Cuenta con bailarines impecables, una dinámica que no cesa, y algunos estereotipos casi obligatorios. Una pieza efectiva en la que la interpretación de la New York City Ballet Orchestra, dirigida por Andrew Litton, junto con Elaine Chelton al piano, tuvo un rol protagónico.

El NYCB llevó al Kennedy Center uno de los clásicos de George Balanchine, “The Four Temperaments”, obra estrenada por primera vez en 1946. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

En la segunda parte, uno de esos clásicos de George Balanchine que siempre son bienvenidos, y que siempre parecen diferentes: “The Four Temperaments”. Esta pieza es una de esas obras maestras del estilo neoclásico a la que muchos coreógrafos intentan imitar, pero no lo logran. La coreografía se apoya en “Theme with Four Variations” para orquesta de cuerdas y piano, de Paul Hindemith, partitura que el compositor realizó por encargo de Balanchine. Estrenada por Ballet Society, en 1946, en Nueva York, la obra se reduce a la danza pura en su máxima expresión. Abstracta, bella, precisa, perfecta.

Apoyado en la antigua creencia médica de la existencia de cuatro temperamento, Balanchine diseñó una obra con una introducción, y cuatro piezas: Melancólico (un solista y cuatro bailarinas), Sanguíneo (una pareja y cuatro bailarinas), Flemático (un bailarín y cuatro bailarinas) y Colérico (una bailarina y toda la compañía).

Gonzalo García, un bailarín que puede combinar perfectamente interpretación con técnica impecable, tal como es usual en él, siempre deja en evidencia a ese artista magnífico que con su sola presencia se impone en escena. García abordó la primera variación de Melancólico con una destreza especial. En Sanguíneo, Sara Mearns y Jared Angle, mostraron una delicada musicalidad, mientras Ask la Cour, en Flemático dejó ver su excelencia y precisión. Y para el final, Teresa Reichlen, con un excelente trabajo, acompañada por el resto de la compañía en un final de deslumbrante perfección. ¡Gracias Mr.B!

Para cerrar este programa, el NYCB, trajo a escena una obra con dejos de Hip-Hop, Tap y Street Dance, con bailarines en zapatillas deportivas, trajes de calle y un estilo, también callejero. Creada por Justin Peck, “The Times Are Racing” se estrenó por primera vez en enero de este año en Nueva York. Los bailarines van componiendo y descomponiendo grupos a una velocidad incomparable, mientras aparecen chaquetas vacías flameando por los aires como si se tratara de algún ausente.

Con música electrónica de Dan Deacon, Peck propone algo diferente, aunque tal vez no haya encontrado aún la síntesis en su coreografía explosiva y juvenil. Una obra dinámica, energética, que sirvió para un desbordante final.

Hip-Hop, Tap y Street Dance, estilos que aparecen en la reciente creación de Justin Peck, “The Times Are Racing”, con música electrónica de Dan Deacon. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

El National Dance Day: Dance for Everybody convoca a AXIS Dance Company, una de las más aclamadas compañías que integra bailarines con discapacidades. Foto: David DeSilva. Gentileza JFKC.

El Kennedy Center de Washington DC, en colaboración con la Dizzy Feet Foundation, presenta el National Dance Day: Dance for Everybody (Día Nacional de la Danza: Danza para todos). Esta celebración gratuita que es parte de la 25/40 Celebration, en honor del 25 aniversario de la Ley de discapacidad (Americans with Disabilities) y el 40 aniversario de VSA (Visual Special Arts).

El el National Dance Day: Dance for Everybody se realizará el sábado 25 de julio en el Grand Foyer del Kennedy Center. Las actuaciones comienzan a las 4:30 PM seguidas de un evento de dos horas en el Milleniun Stage del ala norte, desde las 5 hasta las 7 PM.

Con clases abiertas guiadas por Ciro “Glitch” Spencer, subcampeón de la novena temporada de “So You Think You Can Dance” (SYTYCD) los asistentes podrán participar de las clases y de las rutinas propuesta para ese día.

El encuentro, en el que el público también es protagonista, incluye actuaciones de artistas y grupos reconocidos, como también clases sobre una variedad de estilos a cargo de artistas como Baakari Wilder, un bailarín de claqué famoso por su papel en Broadway en ” Bring in da Funk”,” Bring in da Noise”.

Evan Ruggiero, bailarín de tap con una sola pierna, cantante y guitarrista, formará parte de los shows del National Dance Day: Dance for Everybody en el Kennedy Center de DC. Foto gentileza JFKC.

Antoine Hunter, coreógrafo y bailarín sordo; Culture Shock, grupo de hip-hop con base DC, y Evan Ruggiero, bailarín de tap con una sola pierna, cantante y guitarrista, formarán parte de los invitados a esta cita con la danza.

Desde California, llega AXIS Dance Company, una de las más aclamadas compañías que integra bailarines con discapacidades. Y se suman, ClancyWorks Dance Company, un grupo de danza contemporánea de DC, Bhangra Crew, danzas tradicionales de la India con sede en DC, y Move this World, organización sin fines de lucro que utiliza la expresión creativa para combatir la violencia y la intimidación.

El evento será transmitido en vivo en el sitio web del Kennedy Center y quedará en los archivos de la institución.

Cada año la Dizzy Feet Foundation produce y distribuye videos instructivos que ofrecen rutinas de baile de todos los niveles para que el público aprenda antes de la celebración. Hacer clic aquí para ver las rutinas preparadas para este año.

Este encuentro con la danza también incentiva al público para que presente sus propios videos de danza. Las sedes oficiales para hacer las presentaciones este año son: The Music Center, de Los Ángeles; el Kennedy Center, Washington, D.C.; Lincoln Center de Nueva York, y Monte Carlo Plaza de Las Vegas.

informes:

www.dizzyfeetfoundation.org

www.2540celebration.com

www.kennedy-center.org

La Compagnie Kafig en “Correria”, obra que presentan en el Kennedy Center de DC. Foto: Michel Cavalca. Gentileza JFKC.

La Compagnie Käfig/CCN Creteil et Val-de-Marne hace su debut en Washington DC con dos funciones en Eisenhower Theater del Kennedy Center, el 28 de febrero y el 1 de marzo. El ensamble se presentará, con dirección de Mourad Merzouki, “Correria” y “Agwa”, dentro del proyecto Explore the Arts. Esta compañía, integrada sólo por bailarines brasileños, funde estilos como hip-hop, bossa nova y capoeira.

“Correria” y “Agwa”, obras de  Merzouki, surgieron del encuentro del coreógrafo con once jóvenes bailarines de Rio de Janeiro en la Bienal de Danza de Lyon en 2006. El grupo, que tiene sus raíces en las favelas, compartía una pasión en común: la danza. Y también, un objetivo común: la firme determinación de hacer algo con sus vidas.

“Correria” se traduce en una en una carrera frenética e intensa que se asemeja a la vida cotidiana. “Agwa” (Agua), que fue un encargo para la Bienal de la Danza de 2008, encarna una especie de espejo existencial en el que el agua se observa como un recurso que se debe preservar y ahorrar, y a la vez, como un símbolo de renovación.

Merzouki tiene sus raíces en las artes marciales y el circo, disciplinas que practicó desde que tenía 7 años. Luego, el hip-hop se cruzó por su vida cuando tenía 15, y a partir de ese momento descubrió el mundo de la danza.

La compañía dirigida por Merzouki, cuyo nombre, Käfig, significa «jaula» en alemán, coincide con el título de la primera obra que el coreógrafo representó en los Rencontres Urbains de la Villette, en París. Con el apoyo de Guy Darmet (director de la Maison de la Danse de Lyon) y de Jean-Marie Bihl (director del Centre Culturel Théo Argence de Saint-Priest), la compañía ha producido obras con una fuerte impronta social.

Su primera aparición en escena fue en 1998, con el estreno de “Récital”, una fusión de hip-hop y concierto clásico. En 2001, la Maison de la Danse encargó al coreógrafo la creación de “Dix versions”. La obra plasmó la historia de Merzouki y del resto de los intérpretes a través de acrobacias, artes marciales, la danza callejera y técnicas de clown. La obra recibió la ovación de la crítica en el Festival Jacob’s Pillow.

Desde el año 2007, Merzouki trabaja con los once bailarines de la Companhia Urbana de Dança de Rio de Janeiro que llegan esta semana a DC. Los bailarines brasileños, con historias personales complejas hicieron que el coreógrafo reviva sus propias memorias. Todos ellos, luego de sobrevivir a una infancia socialmente marginada, encontraron en la danza un impulso atrevido para comunicarse con los demás.
Hoy, la compañía Käfig es una de las  más renombre del hip-hop francés, donde sobresale gracias a un estilo único, nutrido por una actitud abierta a otros lenguajes coreográficos y artísticos.

Stomp se presenta en el National Theatre con un show compuesto por ocho integrantes. Foto: Steve McNicholas. Gentileza Stomp.

Tal vez un callejón abandonado en donde se apilan tachos, señales de tránsito, columnas de metal o de madera, caños y otros elementos de desecho. Tal vez un set cinematográfico. Tal vez, el taller de un artista pop. Tal vez, Stomp.

De repente, entre esos objetos apilados, comienza una suerte de danza de escobillones que generan una acumulación de sonidos diversos, provocados por el roce de los cepillos en el piso polvoriento. De pronto, esos sonidos se convierten en música. Un crescendo de ritmos que se transforman en una explosión armónica, dinámica, intensa, con una energía contagiosa y deslumbrante.

Carros de supermercado, bidones de agua vacíos, cajas de cartón, forman parte del show de Stomp en gira. Foto: Steve McNichols. Gentileza Stomp.

En el escenario del National Theatre, Stomp irrumpió en su noche de estreno con un show que mantiene el sello indiscutible del grupo creado en Londres en 1991 por Luke Cresswell y Steve McNicholas. Y estará en cartel en Washington, DC, hasta el domingo 9 de febrero.

Desde aquellas primeras funciones de Stomp hace más de 20 años, el grupo, fue incorporando nuevos elementos a esta parafernalia de percusión urbana que es su marca registrada. Ahora, con compañías permanentes en tour por todo el mundo, una con sede en Londres y otra en el Orpheum Theatre de Nueva York, Stomp compone un show de una hora y media sin respiro.

Con una mayor interacción con el público, que en los primeros tiempos se vislumbraba levemente, y con nuevas series de elementos de percusión, Stomp es capaz de generar música con lo que esté a mano. Una caja de fósforos, pelotas de básquet, caños flexibles y acanalados como un acordeón, encendedores o gigantescos tachos de aceite, sirven como instrumentos.

La cuota de humor, infaltable, hoy más exacerbada que en los primeros shows, agrega ciertos bemoles que, por momentos, distraen y quiebran el hechizo. Hay un engolosinamiento excesivo en la caracterización de uno de los personajes que juega el rol del “tonto”, y por ende, el “marginado” del grupo.

Stomp combina Breakdance, el Hip-Hop, el Tap y otros códigos de la danza callejera, sintetizada en la cultura del Graffiti. Foto: Steve McNichols. Gentileza Stomp.

Escobas, tachos de basura, encendedores, palos de madera, latas de pintura, diarios, bolsas plásticas, cajas de plástico, bolsas de papel, llantas de tractores, caños de diferentes tamaño, bidones de agua, piletas de cocina de metal, ollas, tapas de metal, tachos de basura, de pintura, arena, van apareciendo uno tras otro en el escenario, marcando secuencias y texturas diferentes. Todo sirve para generar situaciones teatrales, coreografías desafiantes que se funden con el Breakdance, el Hip-Hop, el Tap y otros códigos de la danza callejera, sintetizada en la cultura del Graffiti.

Stomp tiene la habilidad de transformar cualquier elemento en música. Y el cuerpo, también. En las distintas secuencias que componen este espectáculo sin intervalo, los ocho integrantes del grupo de gira, muestran una diversidad de habilidades individuales. En cada uno de ellos se advierte una formación artística esencialmente diversa. Pero lo que sí tienen en común es: coordinación, velocidad, expresividad, plasticidad y un asombroso sentido del ritmo.

El show, estructurado al milímetro, tiene la particularidad de dejar que cada uno de los integrantes muestre su propia personalidad y que cada uno juegue dentro de la estructura. Un reloj perfecto en el que la improvisación cumple un rol, sin dejar nada librado al azar. Efectos de iluminación interesantes y acertados de la dupla McNicholas y Neil Tiplady sirven como elementos escenográficos que generan climas, situaciones, escenas. Y van delineando una dramaturgia secreta que conduce a un final circular que se empalma con el comienzo: un hombre con un escobillón.

Once hombres en escena y música en vivo arman la propuesta artística de “Titanium”, el espectáculo que el Nuevo Ballet Español presentó en el festival Suma Flamenca en Madrid. Foto: Bernardo Doral. Gentileza NBE.

La mezcla de estilos diferentes en un mismo espectáculo no siempre da lugar a una propuesta estética interesante, más allá de la leve interacción de dos lenguajes coreográficos que, como dos extraños en la calle, no saben muy bien qué decirse.

Sin embargo, “Titanium”, el nuevo espectáculo del Nuevo Ballet Español, dirigido por Ángel Rojas y Carlos Rodríguez, logra crear un espacio de intercambio, de consanguineidad de dos danzas tan distintas como el flamenco y el hip hop.

La obra se presentó en los teatros del Canal de Madrid, España, dentro del festival Suma Flamenca que se realiza desde el 3 al 30 de junio.

El director de escena es el bailarín y coreógrafo Chevi Muraday, artista que fue Premio Nacional de Danza y que ha coreografiado para grandes compañías e instituciones de España como la Compañía Nacional de Danza, el Centro Dramático Nacional y otras.

El director de escena de “Titanium” es el bailarín y coreógrafo Chevi Muraday. Foto: Bernardo Doral. Gentileza NBE.

El encargado de la banda sonora original es el compositor Héctor González, En el marco de una puesta en escena telúrica, haciendo un uso sobrio e inteligente de la iluminación y de otros efectos escénicos (una serie de cables a los que se halla amarrado uno de los bailarines, rostro cubierto, por la espalda), la propuesta se desarrolla como una interacción entre las dos danzas.

Ambas, representadas por dos grupos de tres bailarines cada uno que, más allá de una lucha dialéctica de oposición y enfrentamiento, permiten crear algo así como una neo-lengua coreográfica en la que hay puntos de distancia y acercamiento entre los dos polos que se enfrentan. Pero también zonas de encuentro y de “fundición” (por retomar la imagen “metalúrgica” que preside todo el espectáculo. Una imagen que da lugar a un espectáculo de gran intensidad, más allá de la anécdota de la puesta en diálogo de los dos estilos.

Con una construcción escénica sólida y un guión donde todo es mena y nada es ganga, incluida la intervención y el acompañamiento de los músicos en directo, y donde cada uno de los bailarines y bailaores dan muestra de un virtuosismo técnico que deja francamente sin palabras.

Este estreno arrancó el aplauso unánime de todo el teatro, que acabó en pie al final del espectáculo ovacionando al reducido elenco de un Nuevo Ballet Español que presenta un rostro bien diferente al que ha mostrado en anteriores espectáculos. Aquí se destaca la incorporación del bailaor Manuel Liñán, recientemente galardonado con el Premio Max al Mejor Intérprete Masculino.

El resto del elenco está integrado por el bailarín de danza urbana Juan Montero, los bailarines de hip hop Fran Eliú, Alberto Montero, Elihu Vázquez y Omar Fraile y por Rojas y Rodríguez.

Cuatro músicos en vivo, el cantaor Juan Debel, el guitarrista Paco Cruz, el percusionista Karo Sampela y el violinista Roman Gottwald.