El Centro Prodanza de Cuba, capitaneado por Laura Alonso, subió a escena “Giselle”, en la versión de su directora. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

El ballet “Giselle”, obra paradigmática de la danza en el período romántico del arte, ostenta una trascendencia capital en la historia del ballet cubano y, por extensión, en toda la cultura de la Mayor de las Antillas. Con esta pieza decimonónica y la versión coreográfica de la eximia prima bailarina Alicia Alonso y “su excepcional intérprete y repositora”, la marca Cuba adquiere una calificación de excelencia, por primera vez, en el parnaso internacional de la danza.

Estoy obligado a reiterar aquí algunos elementos históricos (en su mayoría de dominio público), como el caso de la anécdota de cómo Alonso sustituyó a la titular del rol en el entonces Ballet Theatre, Alicia Markova, por indisposición repentina, en la temporada de noviembre de 1943, lo que dio nacimiento a uno de los grandes mitos del arte coreográfico del siglo XX: Alonso-“Giselle”.

Esta producción adquiere un valor adicional, en cuanto a la veracidad de la versión realizada titánicamente por la experimentada maestra y antigua solista del BNC, Laura Alonso, heredera carnal de dos pilares de este arte: Alicia y Fernando Alonso, y heredera intelectual de las versiones reeditadas por su progenitora, hasta lograr una de las versiones más coherentes en el aspecto dramático teatral. Fue significativo que la propia Alonso fuera invitada a situar su “Giselle” en el repertorio del Ballet de la Ópera de París. En sus anales, “Giselle” o “Les Willis” (su título original), fue estrenada en el Teatro de la Academia Real de la Música (edificio destruido por un incendio) el 28 de junio de 1841. Este fue reemplazado por el actual Palais Garnier. La célebre Carlota Grisi fue entonces Giselle, con 89 representaciones.

Sin caer en el didactismo, pudiera sintetizar el argumento para enriquecer los conocimientos historicistas de los nuevos espectadores. El tema fantástico de “Giselle” proviene de la imaginación popular. Una antigua leyenda germánica relataba cómo las Willis eran los espíritus de las muchachas muertas antes de sus bodas, y emergían de sus tumbas para bailar a la luz de la luna. Unos seres fantasmales y aéreos que eran para los hombres tan peligrosos como irresistibles. A su permanencia contribuyó el poeta francés Théophile Gautier, al descubrir la leyenda de las Willis en la edición francesa del libro “Espíritus elementales” (1837) del poeta alemán Heinrich Heine. Con la contribución del libretista Jules Henri Vernoy, encontraron la fórmula exitosa de la ópera: engaño, locura y muerte. La música de Adolphe Adam, compositor de éxito en esa época, fue fundamental para hacer creíble la historia. Jules Perrot, excelente bailarín y amante de Grisi, concibió la coreografía con la contribución creativa de Jean Coralli, quien participó en escena como Hilarión, el rival de Albrecht. Perrot, varios años como maître de ballet en San Petersburgo, traspasó a su alumno y sucesor, Marius Petipa, sus saberes con respecto a “su obra maestra”. Desde entonces, el marsellés montó, revisó y readaptó la obra en numerosas ocasiones. La muy aplaudida variación de “Giselle”, en el primer acto, es de su autoría en 1887, con música de Ricardo Drigo.

Las juveniles bailarinas de los últimos años de la Escuela Nacional de Ballet integraron las filas en el ballet blanco. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

Es precisamente en la versión de Petipa que “Giselle” desembarca en Occidente, por medio de los ya célebres Ballets Russes de Serge Diaghilev. (El acucioso investigador y productor del mejor programa de televisión dedicado a la danza, Ahmed Piñeiro, nos desvela un dato fundamental: “la definitiva reposición que realizó Nicholas Sergeiev”, con “un gran cuidado filológico”, en 1924 para la Ópera de París, donde debutó en el titular la excelsa Olga Spessitseva. Es conocido que Sergeiev partió a Occidente llevando en su equipaje todos los carnets y apuntes de Petipa sobre sus creaciones, como consecuencia de la Revolución Bolchevique de octubre de 1917).

Puesta en escena en la versión de Laura Alonso

Laura Alonso encarna a Berthe, la madre de Giselle en esta puesta en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

La experimentada maestra de ballet y directora del Centro Prodanza de Cuba, Laura Alonso, ha diseñado su propia versión “Giselle”, a partir del evidente legado transmitido por sus padres y maestros formadores, Alicia y Fernando Alonso, incorporado a partir de años en la participación artística activa y profesional de los procesos creativos en el Ballet Nacional de Cuba, del cual fue miembro como solista principal y “coach”. La “grand ballet mistress” -como la califican las notas al programa de mano de su compañía-, y Premio Nacional de Danza 2021, ha expresado recientemente que “se trata de una producción renovada, que respeta y honra la coreografía de Alicia Alonso, a la que se le han añadido ciertos matices y ajustes sutiles en su construcción dramática visual”. La coherencia dramática lograda por AA, tan laureada y elogiada por la crítica internacional, está evidentemente aquí y ahora. Los momentos histriónicos de las pantomimas, que lo requieren en el primer acto, fueron enfatizados por la propia repositora, que personalmente subió a escena para encarnar el rol de Berthe, madre de Giselle (como vimos en una de las tres representaciones programadas). Observamos los matices definitorios del porqué de cada acción dramática, propios de la formación primera de Alonso en las escuelas coreográficas ruso-soviéticas, donde fue becaria en la pasada centuria.

Para ejecutar los diseños del ballet blanco, la ballet mistress se vio obligada a importar las juveniles bailarinas de los últimos años de la Escuela Nacional de Ballet. Muchos ensayos consiguieron una digna entrega: las diagonales en arabescos del segundo acto fueron ovacionadas. También muy aplaudidas las variaciones de Myrtha, reina de las wilis, en cada función. Una digna entrega del icónico ballet blanco. Igualmente, para el vestuario, atrezzos y telones, hubo que recurrir a los almacenes de antiguas producciones, así como a generosas donaciones de academias foráneas. En resumen, podríamos calificarlo de una hazaña teatral con resultados plausibles.

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En el bosque de las Willis, el cuerpo de baile del ABT y Devon Teuscher (ctro.) en el rol de Mirtha en el Kennedy Center. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

“Giselle” es una de las obras clave de la historia del ballet, emblemática, y un desafío técnico y de interpretación. Cada bailarín pone su impronta personal, y quizás en ese punto se pueda distinguir esa sutil barrera que separa a los grandes bailarines de los verdaderos artistas.

A su vez, la pieza presenta una trama intrincada, con connotaciones psicológicas que ponen en juego los valores morales, la pasión y la entrega, deviene en un debate emocional entre el perdón, la justicia y el amor en todas sus aristas.

La versión que subió a escena el American Ballet Theatre (ABT) en su breve temporada -del 11 al 16 de febrero- en el Kennedy Center de Washington DC, con puesta en escena del director de la compañía, Kevin McKenzie, permite un desarrollo especial de sus personajes tanto principales como secundarios. Pero básicamente, abre una puerta para que los intérpretes se internen en lo más profundo de esos seres que, como Albrecht y Giselle crecen a través de la historia.

La noche del estreno de “Giselle” por el American Ballet Theatre tuvo como protagonista a la bailarina principal Hee Seo como Giselle. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Estrenada en 1841 en la Ópera de París, “Giselle” es un ballet en dos actos con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli, y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy. Basado en la obra “De l’Allemagne” (1835) de Heinrich Heine, la obra introduce a las Willis, esos personajes sobrenaturales que representan el espíritu de las doncellas que fueron traicionadas antes de su boda y murieron inmersas en la locura y la desolación.

El ABT presentó por primera vez este ballet en 1940 en el Center Theatre de Nueva York. Una segunda producción en 1946 en el Brodway Theatre, puso a Alicia Alonso en la cima de la danza de Nueva York. Finalmente, la compañía tuvo su sexta producción en 1987, estrenada en Los Ángeles con Marianna Tcherkassky como Giselle y McKenzie como Albretch.

La historia se centra en tres personajes fundamentales: Giselle la campesina enamorada de Albretch, un noble que pretende ser campesino para conquistar su amor; Hilarion, el joven aldeano que, despechado por el rechazo de Giselle, descubre el engaño de Albretch y provoca que la joven enloquezca y muera.

La noche del estreno tuvo en los protagónicos a Hee Seo como Giselle y Cory Stearns, como Albretch. Ambos impecables en la técnica y en la precisión. Hilarion, encarado en la noche del estreno en Washington por Roman Zhurbin se mostró como un bailarín sólido y expresivo. Al igual que Andrii Ishchuck, que cubrió el mismo rol en la noche del 13 de febrero en la que los protagonistas fueron Herman Cornejo y la solista Skylar Brandt. Ambos en una interpretación conmovedora e intensa.

En el primer acto, Seo y Stearns, hacen una pareja agradable, con un impecable despliegue técnico, y en el segundo, el acto blanco, cuando Albrecht, arrepentido, llega hasta la tumba de Giselle y juega con el espíritu de la doncella muerta, ambos muestran una gran solvencia. No obstante, la intensidad de la comunicación entre ambos bailarines estuvo ausente.

Una composición diferente, con otra óptica, fue la encarada por Cornejo para su Albrecht. Mientras Stearns parece acercarse a Giselle solo como una diversión y con sus gestos asegura a Mathilde, su prometida, que fue solo una locura, Cornejo no puede ocultar su enamoramiento hacia Giselle.

Luciana Paris mostró su calidad como bailarina en el Pas de Paisan del primer acto en la primera noche, y como Moyna el 13 de febrero. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

El cuerpo de baile de la compañía, atractivo y dinámico en el primer acto, fue sublime y bello en el acto blanco, donde las Willis, en arabesque, se desplazan, en ese bosque hechizado en el que los hombres que osan entrar en él mueren atrapados por las Willis vengativas. Devon Teuscher y Christine Shevchenko (el 11 y el 13 respectivamente), como Mirtha, hicieron un excelente trabajo, al igual que Katherine Williams y Luciana Paris (Moyna) y Stephanie Williams y Cassandra Trenary (Zulma). Paris también volvió a mostrar su calidad como bailarina y su habitual vitalidad en el primer acto (el 11 de febrero) cuando junto a Gabe Stoine Shayer interpretó el Pas de Paisan.

Brandt, quien reemplazó a Misty Coopeland debido a una lesión, conformó una dupla entrañable con Cornejo en el primer acto el 13 de febrero. Frescos, jóvenes, enamorados, ambos bailan juntos con enorme soltura. Partenaire impecable, Cornejo puso especial cuidado en la joven bailarina con potencial para estos roles. Brandt se sumergió en el acto de la locura, clave en este primer acto, con intensidad y fuerza expresiva.

Cornejo, en una interpretación memorable, deja fluir la danza con precisión, cuidado, perfección y gozo. En el acto blanco, Brandt y Cornejo transitaron con sutileza impecable el pas de deux y cada una de las escenas en el reino de las Willis.

Ver a Cornejo en escena confirma, una vez más, que los verdaderos artistas, los que dejan huella, los que son capaces de despertar las emociones más profundas de iniciados y neófitos, son pocos. Y Cornejo es uno de ellos.

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El Ballet Nacional de Cuba presentó “Giselle” en la Opera House del Kennedy Center durante el ciclo “Artes de Cuba”. Foto: Nancy Reyes. Gentileza JFKC.

Constituye un reto para este cronista, en tanto que único crítico de danza llegado de la isla y testigo presencial de este histórico acontecimiento artístico para las dos naciones involucradas – Cuba y Estados Unidos de América-, el expresar con justas palabras desprovistas de todo chauvinismo, o apasionamientos nacionalistas a ultranza, las mágicas noches desplegadas por el Ballet Nacional de Cuba (BNC) en la Opera House, el principal escenario del Kennedy Center for the Performing Arts, al borde del río Potomac en la capital de los Estados Unidos.

Estas presentaciones coincidieron con una efeméride significativa no solo para los cubanos sino para el mundo de la danza en general: se cumplían, en esa fecha (30 de mayo), los 40 años desde la última vez que el BNC bailó en el Kennedy Center con Alicia Alonso en su paradigmático rol de Giselle. Además, entre otras razones de peso, esta leyenda viva y gloria de la danza (su carrera llegó a la cima en los Estados Unidos durante los 40s y 50s de la pasada centuria), actualmente directora general de la compañía y prima ballerina assoluta, estaba presente con toda la augusta vitalidad de sus 97 primaveras.

Pude valorar las entregas diversas y notables (todas ovacionadas en pie) de los cuatro elencos seleccionados por la dirección artística del BNC, con el objetivo sincero de deslumbrar con su virtuosismo técnico a las exigentes audiencias cosmopolitas que concurrieron a esta importante institución, del 28 de mayo al 3 de junio.
El público celebró con espontaneidad y a veces exaltaciones extemporáneas, los múltiples giros; las cargadas desafiantes; los saltos con un “ballon” notable; los arabesques penchées sostenidos; así como los balances “en pointe”; los chenées  en las diagonales de vértigo; los tours o promenades á la seconde, entre otros. Paralelamente, se desarrollaba la pantamomima con claridad interpretativa, que en ciertos momentos, con pinceladas de humor, provocaron discretas risas, por ejemplo, en la escena del acto I cuando Giselle y el duque deshojan la margarita; o cuando éste se disfraza de aldeano y olvida la suntuosa espada en su cintura.

El argumento fue concebido por Théophile Gautier, inspirado por una popular leyenda alemana contada por Heinrich Heine. La reconstrucción coreográfica, realizada inteligentemente por la propia Alicia Alonso, fue realizada a partir de la original de Jean Coralli y Jules Perrot (según la versión estrenada en 1841 por el Ballet de L´Opéra de Paris), con el soporte musical de la música compuesta por Adolphe Adam. Sin duda, mediante el paso de la coreografía a otras compañías, ésta se enriqueció o contaminó con aportes de sus repositores, como los del eminente maestro Marius Petipa durante su preeminencia en los ballets de la Rusia zarista.

Tres principales alternaron el rol titular, Viengsay Valdés con Patricio Revé (foto), Sadaise Arencibia y Grettel Morejón. Foto: Nancy Reyes. Gentileza JFKC.

La historia
En esencia, aquí se relata la historia de una chica campesina asediada o cortejada por dos pretendientes: uno de ellos es el Duque de Silesia disfrazado como un aldeano y el otro es Hilarión, el guardabosque. La bella Giselle escapa de su hogar en la temporada de la vendimia para divertirse con sus amigos y el pretendiente favorito: el disfrazado duque. Pero su madre, Bertha, está preocupada por la frágil salud, y, eventualmente la reingresa en su casa, al estar temeros que su hija se sobrepase y pueda transformarse en una willi, atormentadas almas de jóvenes doncellas que murieron antes de sus bodas. Desafortunadamente, cuando Giselle es coronada reina de la vendimia, la rivalidad entre el duque y el guardabosque se acalora, irrumpe en la aldea el séquito de una cacería real en busca de refrescos y reposo, entonces el duque es descubierto como miembro de la realeza por Hilarión, y Giselle pierde su mente porque descubre que el duque está comprometido con otra de su clase y muere.

En el acto II, la acción tiene lugar ante la tumba de Giselle instalada en un claro del bosque. Hilarión está sollozando sobre la tumba, mientras que algunos otros aldeanos tratan de alejarlo y de quitarle de su mente la pena. Entonces aparecen extrañas luces (como fuegos fatuos): las wilis así anuncian su llegada y los lugareños salen en estampida. Cuando Giselle emerge, Myrtha, la reina de las wilis, celebra su iniciación en la cofradía y le ordena bailar con el duque hasta que muera. Entre tanto, las wilis apresaron a Hilarión. Pero su amor por el duque ha sobrevivido a su muerte, y trata de salvarlo. La aurora anuncia su llegada, el duque es salvado, las wilis se disipan con la luz del día y Albrecht se lanza sobre la tumba penando por siempre.

Sin duda, el cuerpo de baile femenino reiteró su profesionalismo y disciplina en sendos actos, pero demostró ser incomparable, referencial, en sus elegantes “maniobras” del espectral segundo acto: impecables en el tránsito de las wilis en posición de arabesque -desde coté cour a coté jardín -; las dos diagonales con una asombrosa precisión y sincronía en sus port des bras y los port des tetes, que incitaron cerrados aplausos -por  sólo mencionar lo más relevante.

Los protagonistas

Sadaise Arencibia y Raúl Abreu interpretaron los roles principales en la primera función de “Giselle”, el 31 de mayo en el Opera House. Foto: Nancy Reyes. Gentileza JFKC.

Tres principales alternaron el rol titular, dos consagradas como Viengsay Valdés (electrizante por su fiabilidad en la ejecución y la pasión de su proyección escénica) y Sadaise Arencibia (un despliegue de lirismo y elegancia en la línea); además Grettel Morejón (juvenil debutante refinada y con una fresca y personal entrega). Cada una mostró sus distintivas personalidades al regalarnos a la aldeana traicionada en todos sus matices, en sus tesituras acordes con las demandas dramatúrgicas del rol: incluso en la figura espectral de la wili danzante hasta la muerte. Aquí, cada una exhibió su pericia en las difíciles batteries, o en los soubresauts italiano, o en los ligados petits battements.

El BNC demostró, en esta ocasión, que posee una infantería masculina de altos quilates, si bien interpretativamente algunos se revelan bisoños (con la madurez y el aprendizaje en este aspecto lograrán nuevos desarrollos). Notables  estuvieron los alternantes en el papel de Albrecht. Dani Hernández (el único “étoile” del BNC hasta hoy), con su porte de “danseur noble” y de hermosas piernas y trabajados empeines; los bailarines principales Raúl Abreu y Patricio Revé (talentos evidentes en ciernes, a un paso de la nominación como “principals”). Dos excelentes bailarines  “démi´charactére” alternaron en el desempeño del importante personaje de Hilarión, fue el caso de Ernesto Díaz, con confirmada veteranía, y el joven debutante Ariel Martínez, ambos revelaron sus cualidades histriónicas  y el atletismo propio de un guardabosques.
Destacaremos el notable rigor en la entrega de las variaciones virtuosas de Ginett Moncho (intimidante reina de las wilis con elevados grands jetés y puntas portentosas), o la dupla alternante formada por las wilis Moyna y Zilma, en la piel de las juveniles Chavela Riera, Ivis Díaz o Ely Regina y Bárbara Fabelo (deslumbrantes en los renversés o los assemblés respectivos).

En esta versión, Alonso ha remplazado el tradicional pas de paysain por un festivo y brillante “pas de huit”,  donde destacan los solistas por su técnica, justeza y musicalidad;  en tanto los personajes de composición adquieren una relevancia no otorgada por otras versiones, ora Bathilde, la prometida del duque  o Berthe, la madre de Giselle.
Reconozcamos, antes de concluir, que si bien algunos “props” y “costumes” del primero se muestran fatigados, susceptibles de renovación, ya sea en sus colores y sus figurines; el resto de la producción mantiene las adecuadas condiciones escénicas. En cuanto al segundo acto, la maestría de su factura sigue mereciendo el Grand Prix de la Ville de Paris, recibido hace varios lustros en el Festival de danza del Teatro de los Campos Elíseos.

No será ocioso apuntar la excelente entrega musical de The Kennedy Center Opera House Orchestra, esta vez bajo la batuta del maestro cubano Giovanni Duarte, el cual se benefició con las estupendas ejecuciones de la sección viento-metal y de la arpista solista Susan Robinson. Cada uno de los elementos que integraron estas funciones de “Giselle” colaboraron para que las imágenes de estos bailarines queden en la memoria para siempre.

The Washington Ballet presentó “Giselle” en el Kennedy Center de DC. Foto: media4artists, Theo Kossenas. Gentileza TWB.

Una historia de amor, traición y redención que, a pesar del paso del tiempo y de las infinitas veces que ha subido a escena a lo largo de tres siglos, “Giselle” es uno de esos clásicos que no se agota. Una obra de belleza y perfección indiscutibles que habla de conflictos morales de hoy y de siempre, con una cuota de mito y de leyenda.

Julie Kent, la nueva directora de The Washington Ballet (TWB) puso su sello propio en este ballet que la compañía estrenó en 2004 y que marca en el comienzo de su temporada de primavera en el Eisenhower Theater del Kennedy Center de Washington DC, abre una nueva perspectiva.

Kent logró refinar ciertos detalles de técnica clásica, enfatizar el trabajo de interpretación de los bailarines, ajustar el cuerpo de baile y forjar una producción que apunta hacia el futuro. Con un toque adicional: volver a la orquesta en vivo. Esta vez, la agrupación de TWB estuvo dirigida por Charles Barker, quien desde 1987 es director principal en el American Ballet Theatre.

Maki Onuki, Gian Carlo Perez y Rolando Sarabia (izq. a der.), de The Washington Ballet, en el primer acto de “Giselle”. Foto: media4artists,Theo Kossenas. Gentileza TWB.

Este ballet en dos actos, con música de Adolph Adam, coreografía de Jean Coralli y Jules Perrot, con libreto de Teophile Gautier, Vernoy de Saint Georges y Coralli, basado en una antigua leyenda alemana rescatada por Heinrich Heine, fue estrenado el 28 de junio de 1841 en la Académie Royale de Musique de Paris. Sus intérpretes principales fueron Carlota Grisi y Lucien Petipa. Casi cuarenta años más tarde Marius Petipá la estrenó en 1884 en el Teatro Imperial de San Petersburgo, versión que ha permanecido hasta hoy. Kent y Victor Barbee, director artístico adjunto de TWB, quienes estuvieron a cargo de la puesta en escena de esta “Giselle”, lograron desvelar ese mágico encantamiento de la obra.

La historia se sitúa en una aldea de la Renania medieval, donde Hilarion, un cazador que ama a Giselle, descubre que su rival, vestido como un campesino, esconde al duque Albrecht. Así comienza esta trama en la que el componente mágico llega en el segundo acto, donde la antigua leyenda de las Willis -jóvenes que murieron vírgenes por la traición de sus enamorados-, surge con un magnetismo inexplicable.

Maki Onuki (izq.) y Kateryna Derechyna, como Myrtha, en la producción de “Giselle” de The Washington Ballet. Foto: media4artists, Theo Kossenas. Gentileza TWB.

Kent y Barbee, eligieron tres elencos para protagonizar este clásico. En la noche del estreno, Maki Onuki asumió el rol de Giselle junto al cubano Rolando Sarabia -una reciente incorporación de la compañía- como Albrecht, quien tuvo como contrafigura a otro cubano, también salido de las filas del Ballet Nacional de Cuba, Gian Carlo Pérez. No obstante, el trío entre Giselle, Albrecht e Hillarion en el primer acto, no alcanzó a generar la tensión suficiente que anticipa el drama final.

Onuki, una bailarina con larga historia en TWB, adquirió presencia en la escena de la locura, mientras que en el comienzo de la obra no mostró una real conexión con su personaje. En el segundo acto, ya convertida en Willis, dejó ver su transformación y su refinada técnica. Y en el pas de deux final con Albrecht, quien llega a su tumba en busca de perdón y redención, Onuki parece acercarse un poco más a su partenaire.

Sarabia, en cambio, como Albrecht, hizo una búsqueda más profunda de su Albrecht, fue un excelente partenaire, contenedor y cuidadoso, y sacó su personajes desde su interior. Con una técnica indiscutible y un cuidado estilo, fue absolutamente convincente en las contradicciones morales de su Albrecht.

El cuerpo de baile, quizás, es el que ha evidenciado el mayor impacto, y especialmente se advierte en el acto blanco del la segunda parte, donde las filas mostraron una notable mejora, y el port de bras de las bailarinas tuvo cambios sustanciales. Impecable, el despliegue de las Willis en “arabesque penche” cruzando a través del escenario. Kateryna Derechyna compuso una excelente Myrta, la reina de las Willis, al igual que Ashley Murphy y Ayano Kimura, como Moyna y Zulma.

Sin duda, el segundo acto de “Giselle” fue lo más logrado de esta producción que, en apenas cinco meses, ha logrado una notoria transformación, y ha abierto una puerta hacia la pureza del clásico, sin alejarse de las propuestas contemporáneas.

El Ballet de Camagüey presentó “Giselle” en La Habana con Yanny García en el rol de Albrecht y un cuerpo de baile de jóvenes bailarines. Foto: Buby. Gentileza BC.

El Ballet de Camaguey, con sede en la homónima provincia, es considerada la más importante compañía clásica del país después del afamado Ballet Nacional de Cuba, y está bajo la conducción de la ex bailarina Regina Balaguer por más de dos décadas. Esta agrupación, después de superar muchos avatares y de realizar ingentes esfuerzos para conseguir los recursos necesarios, ha logrado presentarse con su producción de “Giselle” en el principal y codiciado escenario capitalino de la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana “Alicia Alonso” entre el 1 y el 3 de julio.

Su equipo promocional puso énfasis en los medios informativos –para atraer a la fanaticada habanera–, en el hecho de que, al bailar esta obra “en la casa del trompo”, se imponían un reto aquí, donde existe la referencia viva paradigmática de la notable versión coreográfica de Alicia Alonso. Pues ellos también bailarían sobre la original de este decimonónico ballet romántico en dos actos de Jean Coralli y Jules Perrot con música del francés Adolphe Adam. Basado en la leyenda popular recogida por el poeta alemán Heinrich Heine, la cual inspiró el libreto estructurado por Théophile Gautier, Vernoy de Saint-George y el propio Coralli.

Esta versión “otra”, está firmada por el bailarín y coreógrafo local José A. Chávez y fue estrenada hace más de una década, con la misma producción, algo retocada, entonces diseñada por Otto Chaviano, en los figurines del ya fatigado vestuario, y el artista Raúl Font, para la no siempre impecable escenografía.

El coreógrafo Chávez, también maestro de ballet del cuerpo de baile, se lanzó al ruedo corajudamente al realizar “su” versión en un verdadero “tour de force”. Presentarla en este teatro es comparable con “el foso de los leones” del ballet cubano. Antes de exponer nuestros criterios sobre esta puesta en escena, prefiero plantear algunas interrogantes (que comparto con lo comentado por algunos aficionados en la audiencia): ¿por qué realizar otra versión, si contamos con una icónica consagrada internacionalmente con lauros relevantes? Este ballet estrenado en París hace unos 175 años, premió la versión cubana de la Alonso y, por diez años, el Ballet de L´Opéra la incorporó a su repertorio activo? ¿Qué nos aporta ahora esta versión camagüeyana, en cuanto a creatividad y enriquecimiento cultural? Algunas escenas dramáticas muestran pantomimas bien elaboradas, pero otras se nos ocurre son algo “demodées”, o tal vez “old fashion”.

La puesta

En el primer acto, la dramaturgia transcurre fiel al original, en cambio los movimientos escénicos y la actuación los vimos sobreactuados en Hilarión el guardabosque; el duque Albrecht, la madre de Giselle, la Corte de Bathilde, o los campesinos exhiben variantes, al compararlos con las versiones de este título bailado por importantes compañías de ballet. El momento más desconcertante aquí se nos reveló en el Paisant pas de deux, tanto por los diseños coreográficos, como por la apoyatura musical. De este fragmento, la variante de Alicia Alonso con la inclusión de un “pas de huit”, fue muy eficaz e inteligente para la visión del espectador contemporáneo.

En cuanto al llamado ballet blanco del segundo acto, puedo decir que logró una entrega elegante y musical, donde los reproches no son perceptibles en gran medida en su ejecución técnica, aunque puedo señalar algunos acentos de mal gusto, y no muy impecables los port de bras “en couronne”, o en la búsqueda de las correctas alineaciones durante el ejercicio de las dos magistrales diagonales de las wilis.

La primera solista Sara de Miranda protagonizó a Giselle en la versión de este clásico que llevó a La Habana el Ballet de Camagüey. Foto: Buby. Gentileza BC.

Los intérpretes

En general, las interpretaciones fueron aceptables, si consideramos que el cuerpo de baile está integrado, en su mayoría, por bisoños efectivos, tanto en lo femenino como en lo masculino, si tenemos en cuenta las deserciones recientes de sus elementos más experimentados, hacia otros grupos del país o del extranjero. Particularmente, puedo elogiar la labor desplegada en sendos actos por la primera solista Sara de Miranda, y el galante soporte de su partenaire, Yanny García, único primer bailarín de la compañía, así como las notables intervenciones de dos intérpretes de Myrtha, reina de las wilis (Elizabeth Pagés y Oleydi Labrada). El propio coreógrafo Chávez, al encarnar el papel del príncipe de Courtland, demostró su veteranía en las posibilidades de algo tan breve.

Según el editor y teórico de danza estadounidense, Francis Mason, existen muchos importantes ballets en la historia: el ballet en el cual la bailarina principal se despojó por vez primera de sus zapatos de tacones; el ballet en el cual ella se paró por primera vez sobre la punta de sus dedos y el ballet en el cual saltó peligrosa y cómodamente desde una altura de 20 pies, para luego ser atrapada en los brazos de su amado. Pero estos ballets, a pesar de todas sus innovaciones, nunca han llegado hasta nosotros; son importantes en un sentido estrictamente académico. “Giselle”, en cambio, ha llegado a nosotros, ha sido interpretado por sucesivas compañías de ballet, desde su primera representación (1841), porque combina la innovación con el drama y el baile, que nos hacen olvidar lo que cuenta su argumento.

La innovación de “Giselle” reside en su síntesis de lo que conocemos como ballet romántico. Para que esto ocurra requiere de la magia. Los poderes misteriosos y sobrenaturales que la poesía romántica invocaba para asegurar su ideal, súbitamente convertido en algo natural al teatro (…). Para Balanchine y Mason, “Giselle” es al ballet,  lo que “Hamlet” es para el teatro dramático.

Paloma Herrera y Juan Pablo Ledo protagonizan “Giselle” con el Ballet Estable del Teatro Colón. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza JPL.

Con un clásico insoslayable, Paloma Herrera se presenta nuevamente en el Teatro Colón de Buenos Aires, Argentina, con “Giselle”. Después de anunciar su retiro en 2015, Herrera, que a los 19 años fue bailarina principal del American Ballet Theatre (ABT) ha comenzado su despedida. Y esta vez, su partenaire será el argentino Juan Pablo Ledo. Junto al ensamble del Ballet Estable del Teatro Colón, Herrera se presentará el 2, 4, 8 y 11 de octubre.

“Giselle”, ballet en dos actos con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli, y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy, se basa en la obra “De l’Allemagne” (1835) de Heinrich Heine. En la versión que sube a escena en el Colón, la música estará a cargo de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires dirigida por Emmanuel Siffert, el diseño de iluminación de Rubén Conde, y la versión coreográfica sobre la de Marius Petipa es de la directora del Ballet Estable del Teatro Colón, Lidia Segni.

En las funciones del 3, 5 y 9 de octubre, Giselle será interpretada por Nadia Muzyca, primera bailarina del Ballet Estable del Teatro Colón, y el 3 y el 5, el rol de Albrecht estará a cargo del primer bailarín Federico Fernández. En la función del 9 de octubre, Edgardo Trabalón será Albrecht.

“Estoy feliz de poder hacer ‘Giselle’ en el Teatro Colón. Es un ballet que quiero y que lo he bailado muchísimo, y cada vez ha sido única. Igual en los ensayos, porque siempre es diferente”, dijo la bailarina. Esta es la primera vez que Ledo y Herrera bailan juntos, un proyecto que empezaron a planear hace varios meses.

“Giselle”, una obra de la era romántica por excelencia, se estrenó en 1841 en la Ópera de París convirtiéndose en pieza pura y fundamental de la danza clásica, tanto por el tratamiento de los ideales románticos como por sus características de ballet d’ action propias siglo XIX.

La trama se desarrolla en una aldea de la Renania medieval, donde Hilarion, el cazador, ama a Giselle y muere de celos por el duque Albretch quien, con ropas de campesino, enamora a joven campesina. Hilarion descubre la mentira y la joven enloquece y muere.

Paloma Herrera comenzó a bailar a los 7 años y a los 19 fue bailarina principal del ABT. Foto gentileza
Galicia-Éminent.

En la temporada de primavera del ABT en el Metropolitan Opera House, Herrera le dijo adiós a “su” Kitri en “Don Quijote”, y bailó su última “Bayadera”. Todos estos ballets la acompañaron en su carrera y como siempre confesó, le dieron los mejores momentos de su vida profesional.

Al terminar “Giselle”, Herrera volverá a Nueva York para la temporada de otoño del ABT donde interpretará un repertorio mixto. Y a fines de octubre hará su despedida en el Festival Internacional de Ballet de La Habana que se realiza desde el 28 de octubre hasta el 7 de noviembre.

Cuando en mayo de este año Herrera anunció que dejaría de bailar en 2015, “con gran emoción y sentimientos encontrados”, aseguró que esta carrera es su vida, su pasión, su burbuja, su amor. “Ni el sueno más increíble hubiese imaginado que pudiera vivir esta vida, esta carrera maravillosa es muchísimo más de lo que pude haber imaginado, y por eso sólo agradezco. También siempre supe que quería retirarme joven exactamente con la misma pasión, ganas y energía que tenía a los 7 años, cuando empecé. ¡¿Y por qué no seguir cumpliendo mi sueño?!
Siempre supe que esta carrera era corta (sin embargo al empezar tan temprano para mí fue larga) y por eso disfruto cada segundo”.

Herrera, comenzó a bailar con Olga Ferri, su maestra y su mentora, para luego ingresar a los 15 años al cuerpo de baile de la compañía a la que siempre quiso pertenecer, el ABT. Por allí había pasado uno de sus ídolos, Mikhail Baryshnikov, y llegar hasta ahí fue parte de su sueño.

El Bolshoi Ballet llegó a Washington DC con su versión de “Giselle”. Foto: Damir Yusupov. Gentileza JFKC.

Una historia de amor donde las diferencias de clase se hacen insoslayables, y el engaño es la clave de un desenlace trágico. “Giselle”, el emblema del ballet romántico del siglo XIX, conjuga todos estos elementos, y deja entrever aspectos psicológicos y morales de cada uno de los personajes protagónicos.

Basado en la obra “De l’Allemagne” (1835) de Heinrich Heine, este ballet, incomparable en su género, muestra a la joven aldeana Giselle enamorada de un “supuesto” campesino, que es en realidad el Duque Albrecht, prometido de Bathidle, hija del Duque de Courtland. Y en el otro lado del triángulo, el guardabosques, Hilaríon, también enamorado de Giselle, que descubre el engaño del noble y lo desenmascara. Traicionada en sus sentimientos, la joven pierde la razón y muere en brazos de su madre.

El Ballet Bolshoi, dirigido por Sergei Filin (director al que hace algunos años, miembros de la compañía le tiraron ácido en la cara por no estar de acuerdo con su forma de conducir el ensamble) trajo al Kenendy Center, su versión de “Giselle”. Con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli, Marius Petipa, y Yuri Grigorovich, quien fue director de la compañía durante la era soviética, este ballet dejó ver una nueva generación de bailarines.

Svetlana Zakharova y David Hallberg –desde 2011 principal del Ballet Bolshoi–, fueron los protagonistas en la noche del estreno en el Opera House. Ambos compusieron una buena dupla, no sólo desde lo visual sino también, por el nivel de comunicación entre ambos.

Zakharova, deslumbra con sus magníficos pies y sus asombrosas extensiones en las que sus piernas, literalmente, llegan a rozar su oído. No obstante, su port de bras no logra el mismo refinamiento que sus piernas. Por momentos, sus brazos se alejan del clásico estilo que siempre caracterizó la escuela rusa.

Musical y más enérgica que etérea, la Giselle de Zakharova, cobró encanto en el acto blanco, donde la doncella engañada, convertida en Willi, salva de la muerte a su amado Albretch.

Con una puesta en tonos ocres, el primer acto, que se desarrolla en una campiña renana, tuvo como principal atractivo el trabajo de los bailarines solistas y del ensamble. Dinámicos y frescos, mostraron un cuadro campesino atractivo, pero estuvo ausente ese compromiso actoral particular del Bolshoi de otros tiempos.

Daria Khokhlova e Igor Tsvirko, en el pas de deux de los campesinos, hicieron un fantástico trabajo. Con energía, convicción y estilo. Khokhlova, precisa y vital, encaró sus variaciones con solidez y consistencia. Tsvirko, a pesar de algunas imprecisiones en los cierres, mostró sus habilidades para los saltos y los battements.

En esta versión de Grigorovich, Hilarion, convertido en Hans, el guardabosques enamorado de Giselle, no tiene demasiado lucimiento como bailarín. Su Hans, requiere a un actor. Vitaly Biktimirov, cumplió su rol con poca convicción, pero en el segundo acto dejó vislumbrar al bailarín.

Y fue también en el segundo acto donde la tradición de perfección de la compañía marcó su presencia para componer un acto blanco sublime. Si bien al comienzo, en la tumba de Giselle, unas luces intermitentes (que asemejaban a un arbolito de navidad) rompieron la magia de ese bosque sombrío donde moran las almas de las jóvenes doncellas traicionadas antes de su boda.

Luego, todo fue encantamiento. Especialmente en el pasaje de entrada de las willis, en arabesque penchée, cuya perfección y sincronización fueron parte del embrujo.

Zakharova, quizás demasiado enérgica para ser un espíritu, pero deslumbrante en sus posiciones. Maria Allash, como Mirtha, reina de las willis, magnífica en sus saltos, hizo una precisa composición de su personaje, sin exageraciones ni excesivas asperezas. Mientras Hallberg, por su parte, ha logrado, desde su incorporación en el Bolshoi, encontrar al actor y al partenaire comprometido con su compañera.

Con la conducción de Pavel Klinichev, la Opera House Orchestra del Kennedy Center, hizo sonar la música de Adam con maestría y calidez, y convirtió cada pasaje de este ballet en un momento particular y único.