The National Ballet of Canada cerró su primera noche en el Kennedy Center con “Piano Concerto #1” de Alexei Ratmansky. Foto: Karolina Kuras. Gentileza JFKC.

“The Vertiginous Thrill of Exactitude” de William Forsythe fue lo primero que irrumpió en el escenario del Opera House del Kennedy Center de Washington DC el martes 28 de enero cuando The National Ballet of Canada hizo su debut en esta temporada. Pero un segundo Forsythe siguió a esta obra cuya exactitud, como lo dice su título no deja de ser “vertiginosa” y atractiva. “Approximate Sonata 2016″ puso nuevamente la impronta indiscutible del coreógrafo estadounidense radicado en Alemania desde hace casi 50 años: belleza, armonía, estructura.

Esta obra, que intercala efectos audiovisuales y se interna en la música electroacústica con absoluta profundidad, muestra un grupo de bailarines convertidos en instrumentos de una partitura que se integra en una propuesta conceptual en la que cada elemento tiene una razón de ser.

Spencer Hack y Tina Pereira en “Petite Mort” de Jiří Kylián. Foto: Karolina Kuras. Gentileza JFKC.

En la segunda parte, un “casi” clásico de Jiří Kylián, “Petite Mort”. Una obra de fina construcción, filosófica y reflexiva, en la que esa pequeña muerte en el momento del sexo se convierte en una mirada sobre la condición y la belleza humana. Creada en 1991, para el Festival de Salzburgo con motivo del segundo centenario de la muerte de Wolfgang Amadeus Mozart, la pieza coquetea con el humor incorporando vestidos de miriñaque negros detrás de los cuales los bailarines juegan y se desplazan como en una “subtrama” de una historia paralela.

Para el final, “Piano Concerto # 1″ de Alexei Ratmansky. La última parte de una trilogía creada por Ratmansky en homenaje a Dmitri Shostakovich, que se impone como una metáfora sutil a las prohibiciones a la Avant-garde perpetradas en la época stalinista.

De hecho, en el diseño de escenografía, Ratmansky incorpora símbolos soviéticos pendiendo del techo, mientras los bailarines, con impecable precisión y técnica van desplegando estados emocionales controvertidos.

Con este caleidoscopio de obras contemporáneas abstractas e intensas, The National Ballet of Canada se planta en la escena como una compañía de sólida técnica y grandes bailarines.

“The Vertiginous Thrill of Exactitude”, de William Forsythe abrió el programa mixto de The National Ballet of Canada. Foto: Karolina Kuras. Gentileza JFKC.

Un cuento de hadas

“La bella durmiente” fue el segundo programa que trajo a Washington la compañía dirigida por Karen Kain. Este ballet, versión de Rudolf Nureyev sobre la original de Marius Petipa con puesta en escena de Kain, está ambientado en una corte que, perfectamente podría asociarse con la Francia de los Luises. Nureyev creó esta versión en 1966 para La Scala de Milán, y en 1972 tuvo su estreno con The National Ballet of Canada.

Una escenografía lujosa y vestuario, también lujoso, creados por Nicholas Georgiadis, caracterizan a esta puesta con desafíos coreográficos importantes tanto para los protagonistas como para el cuerpo de baile y solistas. En esta “Bella durmiente” el diseñador recurre a incontables plumas, oropeles, miriñaques, zapatos con taco y hebilla, pedrería y pelucas pomposas para dibujar, con sutil ironía, una corte opulenta y diferente a las que habitualmente se describen en este clásico.

Heather Ogden como Aurora y Harrison James en el rol del príncipe Florimund en “La Bella durmiente”. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

Pero más allá de la puesta y el diseño esta Bella y su séquito adquieren también características diferentes. La protagonista se aleja en parte de esa personalidad inocente y etérea que caracteriza a la princesa Aurora en este ballet y adquiere perfiles distintos en cuanto a su personalidad y actitud. Si bien la trama no escapa al clásico.

Radiante y segura de su rol, Heather Ogden hace una atractiva interpretación de Aurora. Con una línea clara, buenos equilibrios y musicalidad, la bailarina osciló entre los pas de deux y las escenas de conjunto con absoluta naturalidad.

Harrison James, como el Príncipe Florimund, fue un excelente partenaire y un bailarín sólido en sus variaciones, con buenos saltos y giros precisos. Ambos hicieron una interesante y atractiva dupla. Emma Hawes, en el rol del hada principal, mostró su solvencia y precisión técnica, y a su vez logró el tempo justo para la sexta variación del prólogo del Acto I.

El hada Lila, interpretada por Tanya Howard, adquirió un perfil más enigmático, casi como el demiurgo que entrelaza todos los hilos. Y para el final, en las bodas de Aurora con el príncipe, la compañía encuentra el lenguaje y los bailarines justos para un final de fiesta a toda pompa.

Los protagonistas Heather Ogden y Harrison James con el cuerpo de baile de The National Ballet of Canada en “La bella durmiente”. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

“Gounod Symphony”, con música de Charles Gounod, una de las piezas presentadas en el Kennedy Center por The Suzanne Farrell Ballet. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Parece casi un absurdo, una burla del destino, que justo ahora, en un momento de gran esplendor para la compañía, el controvertido “romance” entre el Kennedy Center y la gran musa de George Balanchine haya llegado a su fin. En este mundo de la sinrazón, en el que el arte ha dejado el espacio a la violencia y al miedo, The Suzanne Farrell Ballet (TSFB), una de las grandes joyas del ballet, hoy, tiene un camino incierto. Lo único seguro, es que esta fue la última función bajo la “tutoría” del Kennedy Center Washington DC.

En su presentación de despedida en el Opera House, del 7 al 9 de diciembre, la compañía, como es costumbre desde hace 16 años, trajo una serie de “incunables”, pocas veces frecuentados por otros ensambles. Ni siquiera por el New York City Ballet (NYCB), compañía creada por Balanchine y Lincoln Kirstein en 1933, encargada de preservar la obra de Mr. B.

Farrell, con su estilo y con la pureza de su propuesta artística, ha logrado conquistar la fidelidad de sus bailarines a lo largo de todos estos años. Es casi un privilegio para los jóvenes del cuerpo de baile y para los principales poder aprender y trabajar con alguien que ha formado parte de la historia esencial de la danza en los Estados Unidos. Y allí están, a pesar de ser un ensamble temporal que los obliga a trabajar durante gran parte del año con otros estilos y otras compañías, siempre vuelven y asumen su compromiso con el arte.

Farrell optó para esta despedida, un título “casi” conmovedor y significativo: “Forever Balanchine: Farewell Performances”. Incluyo un repertorio magnífico en el que permitió el lucimiento de cada uno de sus solistas y también, de un cuerpo de baile que ha ido refinando su técnica, su calidad y su coordinación. Filas cuidadas, con un respeto de la pureza técnica pocas veces visto cuando se trata de Balenchine, y un entusiasmo fresco, son las mayores virtudes de este joven cuerpo de baile.

Natalia Magnicaballi en “Tzigane”, estrenada en 1975 por Suzanne Farrell, con coreografía de George Balanchine. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Dos programas que resumieron algunas de las mejores piezas que Mr. B creó para Farrell durante su paso por el NYCB, formaron esta última entrega en la que no faltaron los conflictos y las rispideces solapadas con el Kennedy Center. El 7 y el 9 de diciembre, subieron a escena “Chaconne” (Gluck/Balanchine), “Tzigane” (Ravel/Balanchine), “Meditation” (Tchaikovsky/Balanchine) y una de las obras más deslumbrantes de este gran maestro de la coreografía, “Gounod Symphony”, con música de Charles Gounod. Un derroche de precisión, claridad coreográfica, belleza y desafío técnico que pone a bailarines principales y cuerpo de baile en el límite de la concentración. Farrell, esta artesana de las artes escénicas, pudo recuperar y reponer de manera impecable.

En la primera noche, la argentina Natalia Magnicaballi y Michael Cook –quienes trabajan con Farrell desde que se creó la compañía– asumieron el rol de la pareja central con una enorme solvencia, calidad artística y técnica. Dos bailarines que juntos forman una pareja memorable con una comuinicación pocas veces vista.

Magnicaballi, una bailarina especial no solo por sus cualidades físicas sino por su compromiso en la interpretación y una capacidad particular para transmitir emociones, también asumió con intensidad, maestría y una enorme seducción, el rol central en “Tzigane”, obra que tuvo su estreno en 1975, creada especialmente para Farrell. Pieza corta, con fuerte acento moderno, donde las puntas intercambian espacio con movimientos de contracción de los pies, y un cambio importante en el port de bras. Con desplazamientos y movimientos ajenos a lo tradicional, esta gitana atractiva y esquiva, logra encontrarse con su amado, y al mismo tiempo, escaparse de él. Otra vez esta dupla –Magnicaballi-Cook– parece respirar al unísono.

La segunda de las dos piezas cortas, de la misma época, y también creada para Farrell, fue “Meditation”, en la primera noche a cargo de Elizabeth Holowchuk y de Kirk Henning. Una realización de una belleza singular, de profunda emoción, en la que lo abstracto se mezcla con lo real. Conmovedor trabajo de ambos bailarines.

La primera entrega de la noche del estreno fue “Chaconne”, otra de esas obras de ingeniería coreográfica de Mr. B., que confirma su genialidad y que lo hacen incomparable, a pesar del paso del tiempo y la llegada de nuevos coreógrafos que apelan a la pirotecnia de la tecnología y se olvidan de la danza. Heather Ogden, otra de las bailarinas históricas de la compañía, y Thomas Garrett, asumieron los roles principales. Ogden, una bailarina de una sutileza y de una técnica indiscutible, y Garrett, un buen partenaire que logró acompañar con solvencia a Ogden.

Para el final del segundo programa, otro de los indiscutibles: “Serenade”, obra de 1934 realizada por Balanchine para la School of American Ballet cuando todavía no se había creado el NYCB. “Serenade” posee una magnificencia casi superlativa a la que el tiempo mejora y reafirma en su majestuosidad, y a la que Farrell llenó de magia, con bailarines excelentes, capaces de transmitir emociones, climas, texturas y, a su vez, convertirse en instrumentos perfectos de la belleza.

The Suzanne Farrell Ballet culminó su ciclo “Forever Balanchine: Farewell Performances” con “Serenade”, creada por el coreógrafo en 1934. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Suzanne Farrell Ballet, en el Kennedy Center, presentó “Walpurgisnacht Bellet”, de George Balanchines. Foto: Rosalie-OConnor. Gentileza JFKC.

A un día de la noche de brujas, Suzanne Farrell Ballet abrió su temporada en el Ópera House del Kennedy Center de Washington DC. El programa estuvo integrado por tres obras de George Balanchine, “Walpurgisnacht Ballet”, “A Midsummer Night’s Dream” y “Esmeraldas”, y la escena de amor de “Romeo y Julieta”, de Maurice Béjart. Las cuatro, fundidas en “Balanchine, Béjart, and the Bard”, llevaron a escena piezas históricas de la danza del siglo XX.

Farrell ha logrado llevar adelante, con esfuerzo, un proyecto que ya lleva 15 años. Rescatar las obras maestras del repertorio de Balanchine, y reponer algunas de las piezas de Jerome Robbins y de Maurice Béjart no es tarea fácil. Especialmente cuando no existe un presupuesto que permita mantener a una compañía trabajando a tiempo completo, puliendo detalles de estilo, y forjando una conciencia grupal compacta. Y esa carencia se advierte en la escena.

Heather Ogden y Kirk Henning de Suzanne Farrell Ballet, en “A Midsummer Night’s Dream”, de Balanchine. Foto. Rosalie-OConnor. Gentileza JFKC.

“Walpurgisnacht Ballet”, obra para 25 bailarines, fue originalmente creada para la ópera “Fausto”, de Goethe, con música de Charles Gounod. Su estreno mundial fue en 1980 en una función para la School of American Ballet. La troupe liderada actualmente por Farrell mostró cierta inmadurez y poca sutileza para abordar esta obra, aunque siempre es absolutamente valorable el esfuerzo que significa montar una coreografía grupal con bailarines que no trabajan juntos durante el año.

El pas de deux de “A Midsummer Night’s Dream”, que desde 2010 forma parte del repertorio de la compañía liderada por Farrell, encontró en sus intérpretes Heather Ogden y Kirk Henning, un prolijo recorrido por las sinuosidades de esta coreografía que data de 1962. Inspirada en la obra homónima de Shakespeare, ambos bailarines lograron momentos interesantes con un buen trabajo de Hennings como partenaire. La sublime partitura de Mendelssohn (Sinfonía No. 9) hizo el resto.

Bella e intensa fue la escena del balcón de “Romeo y Julieta” de Maurice Bejart dibujada con sutiliza por Natalia Magnicaballi y Michael Cook. Una pareja en la que la comunicación entre ambos bailarines adquiere profundidad, dramatismo y pasión. Las extensiones de Magnicaballi, sus delicados brazos y su fuerza dramática se ensamblan con Cook de una manera especial. Y la propuesta de Bejárt requiere de bailarines-actores que encuentren en la danza la poesía. Algo que Cook y Magnicaballi delinearon con profundidad en esta maravillosa pieza.

“Romeo y Julieta” de Maurice Bejart, interpretada por Natalia Magnicaballi y Michael Cook. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

“Esmeraldas”, una de esas obras maestras de Balanchine que integran la trilogía de “Jewels” (Joyas) se convirtió en una interesante propuesta para el final. Farrell tejió con refinamiento de estilo tanto al cuerpo de baile como a los solistas. Si bien aún quedan ciertas sutilezas por pulir, especialmente en los brazos de las bailarinas del cuerpo de baile. En la noche del estreno Ogden y Henning, y Magnicaballi y Cook cubrieron los roles solistas con un alto nivel de danza y crearon esa mágica atmósfera de “Esmeraldas”.

La excelente interpretación de la Opera House orchestra bajo la batuta de Scott Speck aportó un punto importante a “Balanchine, Béjart, and the Bard”.