“Mondo”, presentado por Mi compañía, es una experimentación provocadora para hacer reflexionar al espectador. Foto gentileza de Mi compañía.

“Mondo” es la más reciente creación coreográfica de Susana Pous -española afincada en Cuba por más de dos décadas-, concebida para la compañía de “variadanza” contemporánea Mi Compañía que ella misma dirige hace varios años en su sede habanera. Es una pieza coral de danza-teatro para toda una noche, unos 55 minutos sin pausas, producida en el hermoso teatro Martí de la capital cubana, donde se desempeña un elenco mixto de cuatro parejas de virtuosos bailarines, dotados con una natural vocación dramática.

Afortunadamente, para este cronista, la maestra Pous concedió, previo al estreno, varias entrevistas a la prensa local, en las cuales nos iluminó las incógnitas del sugerente título de su obra, y así descartamos otras posibles interpretaciones erráticas. ¿Por qué eligió el término mondo para denominar a esta pieza? Propone en su discurso escritural “ir a la esencia” en su nueva coreografía, pues considera más importante el enfocarse en “lo auténtico” en un contexto en el cual los habitantes de este planeta “nos rodeamos constantemente de objetos para poder sobrevivir”. Y explicó que “Mondo” significa la esencia de todo aquello que está desprovisto de cosas superfluas, “es ir un poco a lo interno, a lo más profundo”.

En su catálogo coreográfico siempre está presente la experimentación provocadora para hacer reflexionar al espectador (generalmente pasivo ante lo que ocurre en escena) y que se emocione (una tesis ejecutada antaño por la icónica diva germana Pina Bausch). Bien es cierto que ninguna de sus piezas precedente se le parece, pues aquí tiene en cuenta objetos que “manipulamos en la escena en situaciones reales”, según ha confesado la creadora, que se tomó 5 años para retornar a las tablas con su agrupación.

Los logros de “Mondo” no están concentrados en el discurso coreográfico no lineal, están diseminados en los diversos talentos participantes de la producción general, como la excelente música original de Eme Alfonso (integrante de la afamada banda de música afro Síntesis), colaboradora de Pous en otras piezas precedentes, y la dupla formada con Guido Gali, responsable del diseño escénico y el vestuario, y el importante apoyo del actor y director  Caleb Casas en la asesoría teatral, en tanto que pieza poliédrica contó con la contribución para las proyecciones de fondo: ilustraciones y animaciones, de Sergio Valencia y Fabio Vázquez. Sin duda, para conseguir resultados de alto nivel artístico hubo que recurrir a los proveedores locales y foráneos, ante la crisis de recursos que golpea las artes escénicas nacionales, como admitió la autora.

El ímpetu en el “Mondo” de Pous

Con música original de Eme Alfonso, y diseño escénico y vestuario de Guido Gali, la coreógrafa de Susana Pous estrenó “Mondo”. Foto gentileza de Mi compañía.

En esta coreografía de Pous el ímpetu escritural es un destilado de las precedentes, donde el rigor y coherencia del discurso poético está subrayado por la provocación, por ello se nos antoja autorreferencial. En “Mondo”, el “juego” dramático cobra importancia por la interpretación conseguida por los danzantes. Sin duda, por el ingente trabajo del destacado actor-director escénico Caleb Casa, y no se diluye ante la demostración atlética desplegada por aquéllos en su finalidad de comunicar las distopías del mundo en su “hic et nunc”.

La producción escénica no se limita a los efectismos tecnológicos, que se convierten en colaboradores de los ejecutantes manipuladores, con la destreza y precisión indicada, de los objetos que componen el fantasioso mobiliario concebido por sus diseñadores, para provocar una mayor emotividad en las intenciones de los dos personajes con destacada ejecutoria, en medio de los asedios por figurantes en negro. Súbitamente, ocurre del desconcertante final abierto señalado por un “blackout” total, previo al cierre de telones. La audiencia tardó en replicar con nutridos aplausos en pie.

]]> https://www.danzahoy.com/home/2024/03/una-mirada-sobre-el-planeta-2/feed/ 0 https://www.danzahoy.com/home/2020/03/la-danza-desafia-al-coronavirus/ https://www.danzahoy.com/home/2020/03/la-danza-desafia-al-coronavirus/#comments Fri, 27 Mar 2020 19:13:54 +0000 mgueler http://www.danzahoy.com/home/?p=13998

“MurMuro”, la segunda creación del coreógrafo cubano Nelson Reguera para la Compañía Rosario Cárdenas. Foto: Yuris Nórido. Gentileza YN.

A pesar de la incertidumbre reinante y las severas regulaciones sanitarias establecidas por el Estado y ejecutadas por las instituciones dependientes del Ministerio cubano de cultura, ante el azote de la pandemia producida por el patógeno conocido como coronavirus Covid-19, la agrupación fundada y dirigida por la coreógrafa Rosario Cárdenas (premio nacional de danza 2018), logró estrenar “MurMuro”. Esta pieza del coreógrafo cubano Nelson Reguera (la segunda creación para esta compañía en la que fue bailarín antes de trasladarse a Europa), con la banda sonora original del compositor francés Norman Lévy, se presentó en la sala Tito Junco, principal espacio escénico del Centro cultural Bertold Brecht.

No obstante, y debido a las restricciones adoptadas en el ámbito global, el espacio quedó limitado a sólo cien personas en cada una de las únicas tres funciones autorizadas “in extremis” para evitar potenciales contagios virales, las cuales se realizaron del 13 al 15 de marzo.

Nelson Reguera propone una coreografía donde se funden movimientos de estilos diversos con la acrobacia y boxeo. Foto: Yuris Nórido. Gentileza YN.

El público quedó inmerso en medio de un discurso coreográfico-escritural posmoderno, a la vez proactivo y diatópico, que resultó un reto para la exigua audiencia, dadas las atrevidas e irreverentes provocaciones de la danza contemporánea.

Desde el título mismo, Reguena aguijonea las neuronas con el juego de palabras y sus significados (la intertextualidad a la manera de Julia Kristeva no es ajena). El autor, pues, orienta sobre esta astucia para ayudar a salir de un montaje críptico, eficazmente conseguido en poco más de una hora sin pausas. Allí, once bien entrenados bailarines regalan una entrega hermosa y atlética que circula entre lo dionisíaco y lo apolíneo (batalla de sexos, lo hetero y lo andrógino, según el caso).

El propio coreógrafo desvela -en el programa de mano- el sentido lato del vocablo “murmurar” y el significado de “mur” en francés: simboliza algo que está bien maduro, ora una fruta, ora una idea o una persona, pero también puede significar muro o frontera. Aún en esa área reducida, el movimiento sigue creciendo y “puede transformarse en una espiral”, tal una suerte de efervescencia del ser humano que no tiene límites, según explicó en una entrevista reciente concedida a un medio digital local.

Sorpresivamente, en los minutos conclusivos de esta pieza coral -donde se destacan interpretativamente algunos danzantes-, y se funden movimientos de estilos diversos con la acrobacia, boxeo (con la colaboración de un entrenador profesional); brota del conjunto como ave fénix, la maestra fundacional, la propia c al tiempo que ejecuta una serie de dramáticos port de bras (una evocación, quizá, a la Duncan o a la Bausch ?).

Rosario Cárdenas (der.) formó parte del elenco que subió a escena “MurMuro” en el Centro cultural Bertold Brech. Foto: Yuris Nórido. Gentileza YN.

Con esta pieza, Reguena rinde homenaje a la bailarina y coreógrafa, como reconocimiento a su permanencia en los escenarios y a su “trasmisión de saberes…el traspaso de conocimientos, de ideas, de cultura”.

La música adquiere aquí gran importancia, teniendo en cuenta las pretensiones del coreógrafo con su dramaturgia teatral. El joven compositor Norman Lévy -colaborador por segunda vez en una obra de Reguena-, ha conseguido una banda sonora electroacústica en la cual se fusionan sonidos del ambiente urbano de La Habana, con otros elementos especiales, tales como la voz de Nina Simone en “Stars” (1976); la colaboración del cantante chipriota Alkinoos Ioanidis; Octave Lissner y el Septeto Ohmero junto con tres excelentes percusionistas cubanos: Lázaro Ferrán, Juan Santana y Yandy Chang.

El diseño de luces de Guido Gali, la escenografía minimalista de Jean-Marc Vibert  y el variopinto diseño  del vestuario por el Proyecto Dador se constituyen en un valioso aporte a la producción general de esta nueva pieza.

]]> https://www.danzahoy.com/home/2020/03/la-danza-desafia-al-coronavirus/feed/ 0 https://www.danzahoy.com/home/2019/07/llegan-a-los-gloriosos-30/ https://www.danzahoy.com/home/2019/07/llegan-a-los-gloriosos-30/#comments Sun, 21 Jul 2019 23:27:07 +0000 mgueler http://www.danzahoy.com/home/?p=13648

En el Teatro Mella la Compañía Rosario Cárdenas llevó a escena “Deseo”, creación del cubano Nelson Requera para nueve intérpretes. Foto: José Gabriel Martínez. Gentileza CRC.

Después de una larga ausencia de los principales escenarios habaneros, particularmente aquellos espacios enfocados a mostrar lo más creativo en danza contemporánea, la coreógrafa Rosario Cárdenas -Premio Nacional de Danza, fundadora y directora general de su propia compañía- propone ahora un re-visita a dos de sus más exitosas creaciones, así como un par de estrenos absolutos de su cosecha, en la primera semana, que comenzó el 12 de junio. Y como parte de las celebraciones de los 30 años de la compañía, también subió a escena el estreno en Cuba de una obra reciente de Nelson Requera, ex discípulo suyo, quien retorna a su redil cual apreciado hijo pródigo con una pieza coral para toda una noche, la segunda semana, siempre en el hermoso y estropeado teatro capitalino “Mella”.

El primer programa pudiera calificarse de un “todo Cárdenas”, al entregarnos fragmentos (muy revigorizados) de “María Viván” (1997), eligiendo escenas inspiradas en los textos del icónico dramaturgo cubano Virgilio Piñera, entre ellos “Lady Dadiva” (sic), “La cartomántica”, “Rosa Cagí” y “La carne de René”. Esta pieza recibió, entre otros reconocimientos, el importante Premio Villanueva de la Crítica (UNEAC) de 1998. Le siguió “Tributo a El Monte” (2013), un homenaje a la investigadora Lydia Cabrera, autora del libro homónimo, fuente seminal para los estudios de las religiones de raíz africana en el archipiélago cubano. En esta ocasión, las escenas presentadas de esta obra solamente conservan las estructuras coreográficas sin la escenografía, imágenes cinematográficas y fijas, utilizadas entonces en su estreno absoluto.

“Al final de cada lluvia”, obra de los intérpretes Gabriel Martínez y Aris Pino. Foto: José Gabriel Martínez. Gentileza CRC.

Sendas piezas fueron bailadas -hic et nunc- por una docena de nuevos bailarines recientemente incorporados al conjunto por la maestra Cárdenas, previa rigurosa audición -con excepción de la bailarina Karim Ortiz (del elenco original de “El Monte”)-los cuales se enfrentan valientemente, por vez primera, a los rigores y particularidades del estilo y técnicas combinatorias de la escritura de Cárdenas. En este título la coreógrafa se remite a la antropología de la danza, como herramienta, para “sacudir” al espectador adocenado con elementos de un provocador erotismo, inherente con aquello que –en la Mayor de las Antillas– se denomina “cubanía”.

Después de una breve pausa, al retornar a la sala, nos confrontamos con dos estrenos absolutos (de pequeño formato) de la directora y fundadora de la agrupación: “Trazos en aire curvo”, inquietante título para esta pieza con soporte musical de un mediático DJ local, Iván Lejardi, diseño de luces por Guido Gali y un fantasioso vestuario diseñado por un trio femenino: Raquel Janeiro, Ilse Antón y Lauren Fajardo. Esta vez, un  grupo mixto de ocho bailarines se esfuerzan atléticamente por mostrarnos este denominado “módulo coreográfico” -como lo define la autora- en una pieza construida entre la expansión de la lógica combinatoria y la sintaxis discursiva de la expresividad “en perpetua contingencia”.

Para el cierre, se decidió por “La Gaviota”, que la coreógrafa Cárdenas dedica a la diseñadora Lauren Fajardo Cárdenas, donde exhibe sus intenciones de construir una “invocación a la singularidad por desarrollar la capacidad de adaptarnos y elevarnos en defensa de la diferencia”. La coreógrafa nos regaló su mejor creación en el presente, según mi opinión, y aquí ella está apoyada artísticamente (en gran medida) por su equipo de producción. Particularmente distinguido por el compositor de la música original, Juan Piñera (uno de los más destacados de su generación), que eligió como formato un espléndido cuarteto de cuerdas, piano y clarinete, logrando un ajuste estético coherente con la atmósfera onírica de las luces diseñadas por Gali.

Insertadas en dos momentos de este programa –como decisión riesgosa y loable de la directora artística– estuvieron dos miniaturas coreográficas debidas al incipiente talento de ambos novatos en el arte de esta escritura, al mismo tiempo bailarines de este conjunto. Como era de suponer, mostraron sus debilidades dramatúrgicas, las costuras y las consecuentes ingenuidades: en el solo masculino “Tres”, creado e interpretado por Osbiel Lazo –en un desnudo integral- con el soporte musical de una cinta magnetofónica que integró variados autores y diversidad de ritmos. Luego, subió a escena el dúo “Al final de cada lluvia”, donde se entregaron los juveniles autores e intérpretes en una demostración corporal “a lo Dalcroze”, Gabriel Martínez y Aris Pino. Este último, por su perturbadora presencia física, nos hizo pensar en el personaje de Tadzio, como fue acuñado por Luchino Visconti en su versión fílmica de “Muerte en Venecia” de Thomas Mann. En ello, podríamos interpretar su desiderata: entre el Tú y el Yo, el que guía y el guiado, el que mueve y el movido. La elemental y naif interpretación filosófica del dominador y el dominado en la relación de una pareja “queer”.

El segundo fin de semana, que culminó el 23 de junio, la compañía de Cárdenas presentó el estreno en La Habana de “Deseo”, creación coreográfica original del cubano Nelson Requera –hace más de una década afincado en Europa– con luces y vestuario diseñados por el propio coreógrafo, apoyado por una seductora música grabada, integrada por piezas de Norman Lévy, con el “Got to be Real de Cheryl Lynn. La escenografía minimalista, acreditada al francés Jean-Marc Vibert, está dominada –en un lateral del escenario- por una plataforma cuadrada en plano inclinado, donde se desarrolla la acción mixta de los nueve intérpretes-danzantes, con gran efectismo en su virtuosismo controlado su ductilidad física, adquirida en una insólita brevedad. El propio Requera expresa en sus notas al programa de mano, como posible lectura:(esto es) altar para explorar el deseo que aparece, desaparece, se trueca, desvanece los cuerpos para luego transfigurarlos en otra naturaleza. También aquí están presentes los desnudos integrales, justificados y sin caer en lo grotesco de posibles excesos: su empleo en el final fue impactante, para conocedores y legos.

Para el cierre de uno de los programas, Rosario Cárdenas optó por “La Gaviota”, pieza dedicada a la diseñadora Lauren Fajardo Cárdenas. Foto: José Gabriel Martínez. Gentileza CRC.

Texto de presentación al programa firmado por Rosario Cárdenas

Aniversario 30 de la compañía Rosario Cárdenas. Junio 2019.
“Inicié mi carrera profesional como bailarina en el Conjunto Nacional de Danza Moderna, hoy Danza Contemporánea de Cuba. La obra “Dédalo” de 1989, que coreografié y dirigí, me animó en su última función a dar el paso como creadora y directora de Danza Combinatoria, convertida ahora en Compañía Rosario Cárdenas. Era el momento ansiado de un cambio en el afán personal de continuar la búsqueda estética de la expresión del movimiento, del estudio del cuerpo y de transitar por un camino en el que podía potenciar mis entregas, antojos, desvelos, pérdidas y encuentros.”
(…)

Los ocho bailarines que protagonizan “Infinito”, de Susana Pous, pertenecen a distintas generaciones y resalta la importancia escénica de la mujer. Foto: Gabriel Guerra Bianchini. Gentileza Micompañía.

El espectáculo “Infinito”, en estreno absoluto el 26 de abril, es una pieza coral para ocho bailarines de ambos géneros creada por la bailarina y coreógrafa Susana Pous que podría calificarse como el debut escénico de una “nueva” agrupación cubana: Micompañía.

Pous, la destacada creadora catalana afincada por más de dos décadas en la Mayor de las Antillas, ha fundado -en marzo de 2018– este conjunto bajo la insólita y ambigua denominación de Micompañía, y su pieza, representada en el habanero Teatro Martí tras una flamante recuperación de su aforo decimonónico, es una positiva celebración de su primer aniversario.

Esta compañía de danza marca el rompimiento de Pous con la antecesora DanzaAbierta; fundada en los años 90 de la pasada centuria por la bailarina y coreógrafa cubana Marianela Boán (actualmente residente en República Dominicana y directora de su Compañía Nacional de Danza), que luego fue remplazada por el productor teatral Guido Gali, con el cual Pous colaboró por largo tiempo.

Los frutos de aquella colaboración dejaron una impronta estilística evidente, producto de una seria investigación en el entorno del teatro musical cubano, de ahí surgieron sus más reconocidas piezas, tales como “Malson”, Showroom” o “Welcome”.

Ahora, con“Infinito”, se desmarca de la escritura coreográfica de entonces. Los ocho bailarines que la protagonizan son de distintas generaciones, yla autora intenta equilibrar la importancia escénica de la mujer con las implicaciones solísticas de la sección masculina, en una contundente participación dialógica. Su estructura dramatúrgica mantiene su interés en el espectáculo de una sola noche –con apenas una hora de duración sin pausas-de modo que los bien entrenados bailarines “no se vean obligados a cortar sus energías”.

Su discurso conceptual ha sido desvelado aquí por la propia coreógrafa ante los medios locales de comunicación. “Al indagar hacia adentro en mi persona -ha dicho Pous-, me doy cuenta de que no puedo continuar avanzando si no miro hacia atrás, si no hurgo en el pasado, si no intento comprender a mis familiares, al contexto cultural y social en el cual nací y me crié”.

“Infinito” tiene música de la compositora y cantante Eme Alfonso y cuenta con animaciones proyectadas sobre un ciclorama negro. Foto: Gabriel Guerra Bianchini. Gentileza Micompañía.

En sus creaciones hay una evidente voluntad de estilo, donde trata de mostrar sus sentimientos, o lo que le preocupa, empero, sin imponerles una etiqueta: “Ahora se mueven con más libertad -explica-, con la fluidez de un filme de ficción, evitando el staccato en la línea narrativa de los danzantes, los cuales aparecen todo el tiempo en escena, como si vivieran ‘ese viaje’”.

En materia de producción, tanto la música original como la iluminación y las animaciones proyectadas sobre un ciclorama negro, resultaron un soporte esencial para el éxito final de “Infinito”. La elección por Pous de la compositora y cantante Eme Alfonso fue un acierto, pues aportó coherencia al resultado. Y en el aspecto imágenes, como conductoras de la narración, contó con el talento del minimalismo escenográfico, mientras que Guido Gali demostró su experiencia en los diseños de luces.

Esta pieza continuará su andadura local e internacional, por lo tanto se verá confrontada con otros públicos de la isla cuando Micompañía viaje a los adecuados espacios teatrales de las provincias orientales. Además, en junio próximo, viajarán a Canadá, para ofrecer varias presentaciones en la edición 25 del Festival internacional de Danse Encore, donde participarán compañías de todo el mundo y habrá una “noche cubana” donde compartirán escenario con la agrupación isleña Rakatán.

“Historia del soldado” de Igor Stravinsky se presentó en la apertura del Festival Bienal Mozart-Habana, organizado por el Liceo Mozartiano. Foto: Kike Smith. Gentileza CUBARTE.

Los conciertos inaugurales de dos festivales internacionales de música: Mozart-Habana y Habana Clásica, utilizaron importantes obras de la danza del siglo XX, con música del ruso Igor Stravinsky como pórticos de lujo para sus sucesivas programaciones diarias en varias salas de la capital cubana. Contó con la participación de talentosos artistas locales y afamados intérpretes extranjeros en el género de la música de cámara.

El Festival Bienal Mozart-Habana está organizado por la oficina habanera del Liceo Mozartiano, con el patrocinio de su homólogo austriaco en Salzburgo y el auspicio fiel de varias instituciones locales y foráneas, entre ellas la Oficina del Historiador de la Ciudad, la Universidad de las Artes (ISA), el Ministerio cubano de Cultura y la New World Symphony, entre otros. Sus curadores eligieron para su concierto inaugural una obra en las antípodas de Mozart: nada menos que “Historia del Soldado” del ruso Igor Stravinsky, en una versión adaptada al reducido escenario del decimonónico Teatro Martí, con puesta en escena concebida por el director teatral Raúl Martín y la directora orquestal cubano-holandesa Libia Hernández, que dirige una pequeña orquesta de cámara compuesta de ocho músicos cubanos y extranjeros (violín, contrabajo, clarinete, fagot, trompeta, trombón y percusión (donde interviene el holandés Lodewyk Johannes Bles) y el narrador a cargo del destacado actor cubano Freddy Maragoto.

Este conjunto fue un vital soporte para una pareja de bailarines, Tahis Suárez y Norge Cedeño, ambo de fuste, carismática presencia, formados en la danza contemporánea. Cedeño es responsable igualmente de la original y creativa escritura coreográfica, donde la improvisación se atiene a la traducción fiel de los textos franceses, para esta afortunada ocasión.

“Historia de un soldado” tuvo su estreno cubano por el Ballet Nacional de Cuba durante las presentaciones en un festival de ballet de La Habana, hace la friolera de dos décadas aproximadamente, en un montaje poco menos que azaroso realizado por Olivier Patey, entonces solista del Ballet de L´Opéra de Paris; tal una reconstrucción vinculada al texto del poeta suizo C. F. Ramuz e inspirada en la coreografía original de 1918, debida a Ludmila Pitoev. La primera represenación en América tuvo lugar en el Jolson Theatre en 1928. Existe en DVD otra versión más reciente creada por el célebe coreógrafo Jirí Kilyan.

Esta composición dodecafónica está escrita para ocho instrumentos, un narrador y bailarines. Todos instalados sobre la escena, empero los bailarines deben desempeñarse en un área central separada. Para ello, es necesario contar con la pericia de un diseñador de luces, considerado un artista de las artes visuales.
La historia de esta pieza fue tomada de un cuento de hadas ruso, que narra cómo un soldado entrega al Diablo el violín que carga en su mochila que era para él un instrumento que “hablaba como su propio corazón”. El soldado regresa de una misión militar a su casa en una aldea en medio de un bosque, después de una larga caminata.

Existe también otro notable ballet, entre los muchos que se han creado con esta partitura, es del norteamericano Eliot Feld, quien abandonó el libreto original por uno nuevo, donde se enfoca en la iniciación sexual del joven soldado al ser manipulado por un proxeneta. Esta obra fue estrenada por el American Ballet Theatre en 1972, y luego, en 1976 fue revisada por Feld para el Shakespeare Festival Public Theatre de Nueva York. Allí se revela el tema de la corrupción con fuerte declaración antiguerrerista. El estilo de la danza fue estilizada al extremo sin devenir mimética.

La responsabilidad de la excelencia en la entrega de la música de Stravinsky en esta inquietante pieza del pasado siglo recayó en directora musical Libia Hernández, poseedora de una formación altamente calificada, quien actualmente, comparte su tiempo en Países Bajos, Estados Unidos y Cuba, como Asistente/Directora de la Sinfónica de Nueva Jersey y Directora/Coordinadora del Proyecto Holanda-Cuba, con la participación de la Fundación Mozarteum de Salzburgo; el Real Conservatorio de La Haya; la Academia Sinfónica Nuevo Mundo, de Miami, y la Universidad de las Artes de La Habana.

Festival Habana Clásica

El Festival habana clásica abrió con “La consagración de la primavera” en versión para piano a cuatro manos y solo del bailarín cubano Abel Rojo. Foto: Kike Smith. Gentileza CUBARTE.

En las Salas de Concierto del Centro Histórico de la Habana Vieja, desde el día 11 de noviembre, se han desarrollado las jornadas musicales internacionales Habana Clásica, bajo la dirección artística y musical del reconocido joven pianista cubano Marcos Madrigal, actualmente con residencia en Italia, quien es también su protagonista y dramaturgo, en eficiente coordinación con el Gabinete de Patrimonio Musical Esteban Salas (dependencia de la Oficina del Historiador de la Ciudad) bajo el liderazgo de la musicóloga Miriam Escudero. El maestro Madrigal ha resultado ser un real mecenas del arte, al convocar a amigos de talento afirmado hasta la Mayor isla de las Antillas, bajo el amparo de múltiples instituciones y personas amantes de la buena música.
Según Escudero, esta temporada de conciertos (más de dos semanas) se fundamenta en la excelencia del “performance”, en la habilidad de convocar y presentar música de alta factura, protagonizada por intérpretes de gran competencia.

Los curadores han tenido el buen tino de inaugurar el evento con la presentación de la primera coreografía integral cubana de la bailarina y coreógrafa Sandra Ramy sobre la “Consagración de la Primavera” de Igor Stravinsky, donde se escuchó por primera vez en Cuba su versión para piano a cuatro manos.

En el mismo programa, ocupó la primera parte del concierto en el mismo escenario del Teatro Martí (1885) el estreno en Cuba de los Tres Preludios Sinfónicos para el “Edipo Rey de Sófocles” del italiano Ildebrando Pizzetti (1880-1968, en una transcripción para piano a cuatro manos de Mario Pilati.
El equipo de producción de este espectáculo único estuvo conformado por artistas muy comprometidos, que demostraron fehacientemente su potencial de talento creativo. Entre ellos, Luis Ernesto Doñas, cineasta autor de laureados documentales, quien puso su impronta en la original puesta en escena, con el efecto dialógico (con el piano sobre la escena) y el especular, con los grandes espejos instalados con pericia por el escenógrafo y diseñador de luces Guido Gali. Y sin duda, la elección de Abel Rojo, bailarín de danza contemporánea (invitado del grupo MalPaso), robusto y carismático, dotado de habilidades para la improvisación y la comunicación sin apartarse de los tempos y los armónicos endiablados de la magistral partitura de Stravinsky, en este material coreográfico minimalista.

Para el final, no por menos importantes, dos protagonistas de excepción, intérpretes relevantes en el Grand concert piano Steinway de este hermoso coliseo habanero, quienes entregaron su poderosa ejecución, coherente y precisa de esta obra portentosa y polémica del siglo XX. Son ellos: el italiano Alessandro Stella y el cubano Madrigal.

La poética conceptual que sostiene esta producción ha sido expresada en el programa de mano por la maestra Ramy: “No recordamos otro estado anterior a nuestro nombre. No conocemos más que ese acto de perpetuo sacrificio y consagración, una y otra vez nos entregamos a la dictadura de los otros, madres, padre, hermanos, amigos, enemigos, fantasmas. Todas ilusiones, entregadas cada uno al mismo gesto repetitivo frente al mismo espejo”. Esto está visualizado en el perpetuum mobile del danzante Abel Rojo.

Como dato curioso, hay otra versión de esta pieza, estrenada en 1980 y creada por Paul Taylor con el soporte musical de esta misma transcripción del autor para piano a dos manos, que denominó “The Rehearsal” (Rite of Spring), con abandono del rito pagano ruso, donde compone un melodrama detectivesco hollywoodense que fue muy bien recibido por la crítica y la audiencia norteamericana.

Malpaso estrenó en Cuba “Tabula rasa”, una de las tres primeras obras del coreógrafo Ohad Naharin, creada en 1986. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

La más joven compañía de danza contemporánea del archipiélago cubano, Malpaso -fundada hace solamente un lustro en la capital cubana por tres osados, testarudos e indomables  jóvenes lugareños-, sigue mostrando en cada representación la solvencia de las potencialidades físicas y técnicas de sus bailarines, empero están renuentes a menoscabar sus “estándares coreográficos”, que han sido los objetivos fundacionales de esta agrupación.

Para sustentar este objetivo confesado de la constante “renovación”, preferimos citar una nota en el programa de mano firmada por Fernando Sáez, director general y co-fundador de Malpaso, donde expresa: “no es (por tanto) obra del azar, de la pereza o el descuido, que el programa que presentamos (ahora en el habanero teatro Martí) incluya junto a las obras de coreógrafos célebres (o consagrados), las de (bailarines) debutantes en el oficio”.

La primera parte nos permitió valorar, “Ser”, una miniatura (10 min) firmada por la solista Beatriz García Díaz, escrita para dos parejas mixtas sobre la sugestiva música de Ezio Bossio (compositor mediático  en Europa), apoyado por inteligentes diseños de luces y vestuario de la propia coreógrafa y danzante de la pieza. De su coreografía reprochamos la ausencia aparente de un asidero conceptual que justifique las articulaciones atléticas, con la consiguiente disminución comunicacional con el auditorio. Esto será superado con la madurez de su talento.

Después de una breve pausa, subió a escena la creación de la coreógrafa canadiense Aszure Barton, “Vals Indomable” (27 min). Nos presentó una obra coral para diez bailarines mixtos co-comisionada por Dancecleveland y la Cleveland Foundation, producida merced al mecenazgo de la New England Foundation for the Arts´ National Dance Project y el apoyo de otras instituciones con sede en los Estados Unidos. Malpaso es una compañía asociada al Joyce Theatre Productions.
Aszure Barton, asistida por Jonathan Emanuel Alsberry, elaboró una pieza atrayente y dinámica donde hecha mano de la técnica del contact y de unos pocos elementos de ballet, para así aprovechar las posibilidades rítmicas y tímbricas que le proporcionan las diversas músicas elegidas  de compositores  tales como Alexander Balanescu, Michael Nyman y Nils Frahm, así como la producción escénica de Nicole Pearce, en las luces, y de Fritz Masten en los figurines. La solvencia ejecutoria de los danzantes quedó probada con creces, particularmente en las intervenciones de Daile Carrazana, Osnel Delgado y Fernando Benet.

Solo para bailarín, “El piso a cuestas”, de Abel Rojo, protagonizado por Osnel Delgado, director artístico de Malpaso. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

Tras otra breve pausa, las cortinas abrieron para mostrar bambalinas negras y por iluminación, una luz cenital al centro (según diseño de Guido Gali) donde podemos distinguir a medias un atlético bailarín todo de negro sobre una losa blanca: Abel Rojo, el solista y coreógrafo del solo “El Piso a Cuestas” (10 min intensos e hipnóticos). Sobre ese piso desmontable se desarrollan las acciones de este carismático bailarín de especial proyección escénica. Su desempeño se vio mermado, según pudimos conocer, por una lesión muscular en el ensayo precedente, no obstante, las ovaciones no se hicieron esperar al final. Señalemos que un elemento a su favor fue su elección de Les Gymnopédies, de Erik Satie, como soporte musical, aunque la originalidad de la pieza de Rojo está por verse.

Finalmente, luego de un prolongado intermedio, llegó el plato fuerte de esta temporada: el estreno en Cuba de “Tabula rasa” (1986), del afamado coreógrafo israelita Ohad Naharin (residente director de Batsheva Dance Company y creador de un nuevo método de improvisación denominado GAGA con vocabulario propio), nacido en 1952 en el seno de una familia de artistas con formación musical, que comenzó en la danza con 22 años cumplidos . “Tabula…”, una de sus tres primeras creaciones, fue la pieza elegida en común acuerdo por los codirectores Malpaso y el creador, teniendo en cuenta varios aspectos logísticos y estéticos, para ser interpretada por diez de los más solventes danzantes de la joven agrupación.

Para lograr esto, viajaron previamente a La Habana dos de sus asistentes: Matan David y Bret Easterling, que se entregaron día y noche al montaje de la obra, hasta la llegada de Naharin, quien trabajó intensas jornadas con todo el equipo para revisar, pulir  y precisar matices y detalles actualizados en los movimientos requeridos para conseguir  claridad en las complejas imbricaciones de sus bien estructurados 27 minutos de duración, apoyados por una perturbadora música de Arvo Part.
La entrega artística del cuerpo de baile mixto -implicado a fondo en la profunda dramaturgia de “Tabula rasa” -,  logró apresar  y comunicar  su intensa carga dramática: angustias, desesperanza, dolor espiritual y físico. Son algunos de los elementos referenciales y autobiográficos en la vida del autor que transpira la pieza en su discurso coreográfico: un accidente óseo que detuvo su carrera de bailarín clásico (estudió primero con Martha Graham y luego en la School of American Ballet) o la trágica muerte en 2001 de su primera esposa y asistente. El éxito quedó sellado con largas ovaciones en pie.

Igualmente, esta obra fue posible gracias al director ejecutivo del Joyce Theatre Foundation; Jerome L. Green Foundation en honor a Karen Brooks Hopkins, así como el apoyo de Susan Dickler y Sig  Van Raan.