Los integrantes de distintas agrupaciones cumplen las directivas de las autoridades sanitarias de acuerdo con los protocolos de la OMS. Foto gentileza RM.

Lo que parecía una inactividad temporal obligatoria con la cancelación de los espectáculos para evitar la propagación contaminante del nuevo Coronavirus COVID-19, y el ulterior cierre laboral de todas las compañías de ballet y danza, las de artes dramáticas, de teatro lírico -más adelante también museos y galerías de arte-, aplicada por decreto estatal a todos los estamentos de la vida social y comunitaria del archipiélago cubano, se ha convertido en una realidad sin término conclusivo definido, en cuanto a un retorno a las actividades culturales en calendarios normales.

En consecuencia, esto incluye a los artistas profesionales que practican y ejercen su actividad escénica con el dominio de sus cuerpos mediante el ejercicio cotidiano para evitar que su rendimiento muscular de vea mermado por la inacción. Es por ello que los bailarines -practicantes e intérpretes- de las diversas compañías o agrupaciones de cualquier tendencia y estilo, las cuales cerraron “sine die” se dieron a la tarea de revertir esta situación de manera privada en los domicilios donde mantienen disciplinadamente su “encierro” involuntario.

Sin importarle las limitaciones de los espacios disponibles, los danzantes se afanaron en el mantenimiento de sus tonos musculares, y se dedicaron a instalar un improvisado estudio de clases con el mobiliario a su alcance: sillas o butacas, mesas, alfombras o esteras, espejos colgantes en sus paredes y otros elementos. Allí cumplen, cotidianamente, los ejercicios en la barra y los de centro en días alternos por un promedio de dos horas, con descanso el domingo.

Este tipo “novedoso” de resiliencia ante la adversidad sanitaria provocada por el virus COVID 19, ha permitido conocer interesantes y positivas reflexiones de algunos jóvenes solistas del Ballet Nacional de Cuba o de la compañía Acosta Danza. Todos están conscientes de lo correcto en las medidas tomadas por las autoridades sanitarias cubanas, que siguen los protocolos fijados por la Organización Mundial de la Salud (OMS), aunque también lo están de una posible afectación de la técnica alcanzada o la merma de su rendimiento corporal y mental.

Aislados, los bailarines necesitan hacer una rutina de ejercicios, que les sirva de preparación física para cuando todo vuelva a la normalidad. Foto gentileza RM.

“Teniendo en cuenta que nos ejercitamos sobre el suelo duro de nuestras viviendas, es imposible ejecutar algunos pasos como se debe”, comentó Daniela Gómez (25) solista del BNC, por ejemplo, los “grand jetés”, las cabriolas, los tours en “l´air”, los “sisones”, u otros, empero si hacemos muchas “baterías”, los estiramientos de piernas, los calentamientos de tobillos y de empeines con o sin zapatillas de punta. Los muchachos entrenan como si estuvieran en un gimnasio improvisado (la mayoría posee sus propios artefactos), para fortalecimiento de sus musculaturas con suaves ejercicios de halterofilia afines con las cargadas, o se van a nadar para activar la respiración -los que viven próximos al mar, por supuesto-, como mi pareja Alex Silva, y su hermana Leticia, ambos solistas de Acosta Danza, apuntó.

Algo similar y contrastante ocurre en los Estados Unidos, igualmente abrumado por la rápida propagación del Coronavirus en todo su inmenso territorio. Un artículo publicado en “The NYTIMES”, firmado por Gia Kourlas, expone ampliamente la misma situación afrontada por los principales solistas del American Ballet Theatre y del NYCity Ballet. Son dos tipos de resiliencia hacia el mismo objetivo: teniendo en cuenta los avanzados recursos tecnológicos al alcance de estas importantes compañías de danza, los ballet masters emplean para dar sus clases una laptop con aplicaciones y video cámara conectados con los bailarines en sus respectivos domicilios, algunos de ellos en otros estados de la Unión con diferentes usos horarios. Por ejemplo, el maitre Carlos López en NYC explica los pasos y combinaciones a Tiler Peck en su casa de California. Y en NYC a los solistas Gonzalo García o Aran Bell…así ocurre con otros miembros de las dos compañías estadounidenses.

Sobre Cuba y la pandemia

Gentileza de Mercedes Borges Bartutis / CMBF, Radio Musical Nacional

Con las limitaciones de los espacios disponibles en sus propias casas, los danzantes improvisaron un estudio. Foto gentileza RM.

En estos tiempos en que una pandemia nos obliga a permanecer quietos en casa…, uno de los sectores que más puede sufrir a nivel profesional, son los bailarines… 

Ya sabemos que la danza es movimiento y el cuerpo humano es su principal instrumento de trabajo…, para ello los bailarines se entrenan diariamente…, en rutinas muy parecidas a la de los deportistas de alto rendimiento.

Pero este aislamiento que vivimos hoy ha llevado a suspender en el país cualquier sesión de clases en los salones de danza, ballet y folclore, justamente porque es el salón el lugar donde más posibilidades de contagio existen por el nuevo coronavirus COVID 19….

Todos los ejercicios de clases tanto de ballet como de danza implican sudor, contacto físico, la utilización de la barra…, en fin, todo lo que está contraindicado para enfrentar los riesgos del COVID 19.

Es por eso que los bailarines al permanecer en casa, aislados, necesitan hacer una rutina de ejercicios, que les sirva de preparación física, y tratar de mantenerse en forma para cuando las cosas vuelvan a la normalidad que su cuerpo vaya respondiendo poco a poco a las exigencias de un montaje y de los ensayos.

Para brindarles más herramientas de trabajo a los bailarines de todo el mundo, varias figuras a nivel internacional han publicado en las redes sociales, productos que han surgido de sus iniciativas individuales y colectivas.

Por ejemplo, la bailarina española Tamara Rojo, una de las estrellas que hizo época en el Royal Ballet de Londres y que hoy dirige el English National Ballet, ha realizado varias trasmisiones desde el interior de su casa, donde utiliza la cocina como pequeño salón de clases… Así, la meseta donde habitualmente se cortan y preparan alimentos, ahora cumple la función de barra para realizar ejercicios que son dictados y hechos por esta hermosa bailarina que visitó Cuba en varias oportunidades.

En nuestro país también varios artistas de la danza se han mantenido activos en las redes sociales… Hoy en la mañana (30 de marzo), la coreógrafa Rosario Cárdenas posteaba en su perfil de Facebook el siguiente mensaje: 

“Bailarines queridos, en estos momentos en que hemos tenido que abandonar nuestros salones, ese no poder atender como debiéramos: la fuerza, la resistencia, la flexibilidad, y más que ello, ese también sutil estar con nosotros mismos dejando surgir nuestras sensaciones, escuchándolas y haciéndolas vibrar, no es justo que nos abandonemos, no es justo que dejemos a nuestros cuerpos vencerse por la gravedad y no dedicarle el tiempo que merecen. Tenemos que ser fuertes y alzar la voluntad, ser conscientes de lo que significa en nuestra carrera abandonarnos hacia el No entrenamiento, cualquiera que este sea como incluso esa parte que significa dedicarle minutos al cuerpo para estar con nosotros mismos. Un pedazo de nuestras casas será suficiente para que nuestra voluntad se eleve y edifique al nivel de la realidad en que vivimos.”

Este es solo un fragmento del mensaje que la coreógrafa cubana Rosario Cárdenas, enviaba estaba mañana, desde su perfil de Facebook, a los bailarines para que no descuiden su forma física en estos días de aislamiento, donde todos debemos quedarnos en casa.

En los 100 años del nacimiento de Jerome Robbins, un potpurrí de sus más reconocidos musicales en “Something to Dance About”. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Después de más de un año sin timón, sumido en escándalos legales y laborales, el New York City Ballet (NYCB) abrió sus funciones en el Opera House del Kennedy Center de Washington DC en una forma inusual. Los dos flamantes directores y ex bailarines de la compañía fundada por George Balanchine y Lincoln Kirstein en 1948, salieron a escena a modo de presentación oficial y con la intención de asegurar que la troupe no perdería su rumbo.

En esta nueva etapa, liderada por Jonathan Stafford como director artístico y Wendy Whelan como directora artística asociada, los dos programas mixtos que presentaron desde el 2 hasta el 7 de abril, trajeron a escena un potpurrí en el que se mezclaron obras históricas y nuevas piezas de jóvenes coreógrafos que armaron un interesante caleidoscopio.

“Easy”, obra de Justin Peck, creada en 2018 para el New York City Ballet, subió a escena en el Kennedy Center del 2 al 7 de abril. Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

La primera noche comenzó con una propuesta juvenil, atractiva, dinámica, con elementos de danza jazz, de la coreógrafa Gianna Reisen, quien compuso esta pieza a los 18 años, cuando recién salía de la School of American Ballet hace apenas dos años. “Composer’s Holiday” con música de Lukas Fosses, es interesante y fresca, con una estructura clara y definida, bella y delicada, en la que los bailarines pueden lucirse tanto en grupo como individualmente. La interpretación en violín de Arturo Delmoni y de SusanWalters en piano, la pieza adquiere una magnífica armonía.

“Kammermusik No. 2”, de George Balanchine, una obra de 1978 que tuvo como protagonistas femeninas a Teresa Reichlen y a Abi Stafford. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

A la frescura de “Composer’s Holiday” se sumó “Kammermusik No. 2”, de George Balanchine, una obra que requiere gran velocidad y precisión, con una estructura compleja, en la que dos parejas y ocho bailarines transitan por intrincados pas de deux, duetos y dinámicas grupales. Esta obra de 1978 tuvo como protagonistas femeninas a Teresa Reichlen y a Abi Stafford, ambas ligeramente descoordinadas por momentos, y a un cuerpo de baile compacto.

También de Balanchine, y para cerrar el programa, una marca registrada: “Symphony in C”, creación que, a pesar del paso del tiempo sigue impoluta y en todo su esplendor. No obstante, el cuerpo de baile femenino mostró ciertas desprolijidades e imprecisiones sutiles. En tanto, las bailarinas principales, Ashley Bouder, en el primer movimiento, junto a Tyler Angle como partenaire, y Sara Mearns, en el segundo, con Jared Angle, así como las dos parejas que protagonizaron el tercer y cuarto movimiento, Baily Jones y Anthony Huxley, y Erica Pereira y Andrew Scordato, tuvieron un espléndido desempeño. Precisas y ajustadas en tiempo y estilo.

“Opus 19/The Dreamer”, de Jerome Robbins, con una pareja de lujo, Sterling Hyltin y el español Gonzalo García. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Pero sin embargo, el NYCB se mostró con su verdadera identidad y personalidad en “Opus 19/The Dreamer”, de Jerome Robbins, con una pareja protagónica de lujo, Sterling Hyltin y el magnífico  Gonzalo García, un bailarín que logra encontrar el tono justo en cada una de sus interpretaciones, excelente partenaire y de un talento muy especial.

Robbins incluye en esta obra, estrenada por primera vez en 1979, ciertas reminiscencias eslavas de su origen, y la convierte en una especie de delicada joya en la que los bailarines principales y cuerpo de baile entablan un diálogo delicado y sutil, intenso y con bellas imágenes

Robbins también protagonista del segundo programa, cuya tercera parte fue una suerte de homenaje al este multifacético coreógrafo que marcó la historia de la danza del siglo XX y ha servido de simiente para los nuevos realizadores.

“Easy”, obra de Justin Peck, creada en 2018, es un divertimento en el que los bailarines, con zapatillas y colorida ropa de calle, juegan con los movimientos. La pregunta sería, dónde está la sustancia. En el telón de fondo se proyecta un interrogante: “Who is the boss in a concerto, the soloist or the conductor?” Pero no hay respuesta.

Del coreógrafo Kyle Abraham el NYCB presentó “The Runaway”, una obra donde predomina el lenguaje contemporáneo.

Luego de una pausa, otro clásico de Robbins, “In the Night”, creación de una belleza sublime en una serie de duetos conmovedores. Sin duda, lo mejor de ese segundo programa donde el coreógrafo Kyle Abraham, tuvo su protagonismo en “The Runaway”, una obra donde predomina el lenguaje contemporáneo, con vocabulario de hip hop y “street dance”.

Al comenzar la tercera parte del programa, la imagen de Jerome Robbins vuelve a dominar la escena en “Something to Dance About”, y una sucesión de fragmentos de sus musicales más famosos para celebrar los cien años de su nacimiento. Bello final que apunta a la nostalgia.

El New York City Ballet en la obra de Gianna Reisen, “Composer’s Holiday”, que formó parte del primer programa mixto presentado por la compañía. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

“American Rhapsody”, obra que Christopher Wheeldon realizó en 2016 para el New York City Ballet. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

El New York City Ballet (NYCB) cerró su ciclo en el Kennedy Center de Washington DC con un segundo programa integrado por tres obras cuyas características difieren rotundamente unas de otras. Al abrirse el telón, los primeros compases de “Rhapsody in Blue”, de George Gershwing producen ese primer impacto mágico de una partitura inigualable. Sobre un fondo circular que transita con pequeños círculos en azul y oro, los bailarines entran a escena en tonos, también, azules.

“American Rhapsody”, obra que Christopher Wheeldon realizó en 2016 para la compañía dirigida por Peter Martins, rememora el título original que el compositor diera a esta obra. Con una sucesión de dúos, tríos, solos y trabajos grupales, Wheeldon apunta más a lo visual que a lo coreográfico. Cuenta con bailarines impecables, una dinámica que no cesa, y algunos estereotipos casi obligatorios. Una pieza efectiva en la que la interpretación de la New York City Ballet Orchestra, dirigida por Andrew Litton, junto con Elaine Chelton al piano, tuvo un rol protagónico.

El NYCB llevó al Kennedy Center uno de los clásicos de George Balanchine, “The Four Temperaments”, obra estrenada por primera vez en 1946. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

En la segunda parte, uno de esos clásicos de George Balanchine que siempre son bienvenidos, y que siempre parecen diferentes: “The Four Temperaments”. Esta pieza es una de esas obras maestras del estilo neoclásico a la que muchos coreógrafos intentan imitar, pero no lo logran. La coreografía se apoya en “Theme with Four Variations” para orquesta de cuerdas y piano, de Paul Hindemith, partitura que el compositor realizó por encargo de Balanchine. Estrenada por Ballet Society, en 1946, en Nueva York, la obra se reduce a la danza pura en su máxima expresión. Abstracta, bella, precisa, perfecta.

Apoyado en la antigua creencia médica de la existencia de cuatro temperamento, Balanchine diseñó una obra con una introducción, y cuatro piezas: Melancólico (un solista y cuatro bailarinas), Sanguíneo (una pareja y cuatro bailarinas), Flemático (un bailarín y cuatro bailarinas) y Colérico (una bailarina y toda la compañía).

Gonzalo García, un bailarín que puede combinar perfectamente interpretación con técnica impecable, tal como es usual en él, siempre deja en evidencia a ese artista magnífico que con su sola presencia se impone en escena. García abordó la primera variación de Melancólico con una destreza especial. En Sanguíneo, Sara Mearns y Jared Angle, mostraron una delicada musicalidad, mientras Ask la Cour, en Flemático dejó ver su excelencia y precisión. Y para el final, Teresa Reichlen, con un excelente trabajo, acompañada por el resto de la compañía en un final de deslumbrante perfección. ¡Gracias Mr.B!

Para cerrar este programa, el NYCB, trajo a escena una obra con dejos de Hip-Hop, Tap y Street Dance, con bailarines en zapatillas deportivas, trajes de calle y un estilo, también callejero. Creada por Justin Peck, “The Times Are Racing” se estrenó por primera vez en enero de este año en Nueva York. Los bailarines van componiendo y descomponiendo grupos a una velocidad incomparable, mientras aparecen chaquetas vacías flameando por los aires como si se tratara de algún ausente.

Con música electrónica de Dan Deacon, Peck propone algo diferente, aunque tal vez no haya encontrado aún la síntesis en su coreografía explosiva y juvenil. Una obra dinámica, energética, que sirvió para un desbordante final.

Hip-Hop, Tap y Street Dance, estilos que aparecen en la reciente creación de Justin Peck, “The Times Are Racing”, con música electrónica de Dan Deacon. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Paloma Herrera y Gonzalo García en la escena del balcón de “Romeo y Julieta”, con coreografía de Maximiliano Guerra en el Teatro Colón. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza TC.

Resulta difícil desprenderse de las innumerables Julietas que la argentina Paloma Herrera encarnó a lo largo de sus 25 años de carrera. También es difícil olvidar la pasión y la intensidad que Herrera siempre puso en este personaje delineado a la perfección por uno de los grandes popes del ballet del siglo XX, el incomparable Kenneth MacMillan. La misma pasión e intensidad que puso en esta Julieta creada por Maximiliano Guerra, actual director del Ballet Estable del Teatro Colón, y que marcó su despedida del Teatro Colón.

Esta versión de “Romeo y Julieta”, llegó para sustituir a “Onegin”, de John Cranko, obra con la que estaba prevista la despedida de Herrera. Pero cuestiones de contratos y derechos provocaron un cambio en la programación. No obstante, las funciones que comenzaron el 13 de octubre y cerraron el sábado 17, mantuvieron la sala llena de ávidos espectadores. Algo poco habitual en las funciones de ballet del Teatro Colón de estos últimos años.

Estrenada por Guerra en 2009 con el Ballet del Teatro Argentino de La Plata, la pieza basada en la obra de William Shakespeare sobre los amantes de Verona, pone una mirada liviana sobre la profundidad y la fuerza de una trama en la que el odio y el amor libran una batalla descarnada.

Dramático final de “Romeo y Julieta”, con Paloma Herrera y Gonzalo García en los protagónicos, en el Teatro Colón. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza TC.

Por otra parte, en la coreografía de Guerra, cada uno de los personajes clave de esta obra, como Mercuccio, Benvolio y Teobaldo, al igual que Romeo y Julieta, no encuentran la teatralidad necesaria para narrar cada una de las secuencias de esta obra.

No obstante, en el caso de los protagonistas principales, tanto Herrera como Gonzalo García, su partenaire, lograron, con experiencia y profesionalismo, rescatar la esencia de los jóvenes amantes y pusieron el alma para salvar una coreografía poco clara en cuanto a la intencionalidad y al mensaje. Especialmente en la escena del balcón.

La composición que Herrera hizo de su Julieta fue sencillamente conmovedora. Encontró a esa adolescente ingenua, candorosa, fresca y apasionada que se encamina a ese trágico final. Con sutilezas, y su solidez de gran bailarina logró encontrar los matices para dibujar a la Julieta imaginada.

García, primer bailarín del New York City Ballet, y uno de los más talentosos y brillantes de la compañía que dirige Peter Martins, se adentró en su Romeo con una naturalidad asombrosa y creíble. Gracía, convocado una semana antes del estreno debido a una lesión del bailarín principal Juan Pablo Ledo -quien debía cumplir el rol de Romeo-, mostró, una vez más su calidad y su sólida formación. Una línea perfecta, velocidad, y una magnífica sensibilidad como intérprete.

García y Herrera, que ya habían compartido escenarios juntos, hacen una bella dupla en la que se ensamblan a la perfección y, en este caso, logran describir la pasión y el amor de los jóvenes amantes.

Las escenas colectivas, por momentos carentes de carácter e intensidad, se hicieron evidentes en los encuentros entre Montescos y Capuletos en la plaza del mercado de Verona y en la escena del baile. La secuencia narrativa se debilita por momentos, pierde fuerza y hasta claridad.

Despedida de Paloma Herrera junto a Gonzalo García (der.), en el Teatro Colón de Buenos Aires el sábado 17 de octubre. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza TC.

Mercuccio, interpretado por Nahuel Prozzi, no logró encontrar el toque justo que define al personaje. Sin duda denotó una falta importante de un preparador que supiera guiarlo y entrenarlo en los rasgos desenfadados del personaje. Norma Molina, como la nodriza, hizo un buen trabajo, al igual que Vagram Ambartsoumian como Teobaldo

El cuerpo de baile, también denota la falta de un preparador minucioso, y algunos de ellos mostraron unos cuantos quilos demás, más apropiados para un Sancho Panza que para una escena con danzas de carácter. Algo que el director de la compañía debería observar y tener en cuenta a la hora de seleccionar los bailarines.

Para el final, cuando la tragedia llega y Julieta encuentra a Romeo muerto en su tumba, Herrera logra uno de los momentos más intensos de esta puesta con la que selló su adiós al público de Buenos Aires. Por más de veinte minutos, aplausos, lágrimas, flores volando hacia el escenario. Cada uno de esos espectadores se llevó en el alma los últimos pasos de una de las grandes bailarinas de este siglo. Y se resistía a decir adiós.

Paloma Herrera se despide del público argentino en el Teatro Colón de Buenos Aires el sábado 17 de octubre. Foto; Máximo Parpagnoli. Gentileza Teatro Colón.

El sábado 17, Paloma Herrera se despidió del escenario del Teatro Colón de Buenos Aires acompañada por el español Gonzalo García, primer bailarín del New York City Ballet y por las primeras figuras del Ballet Estable del Teatro Colón,  dirigido por Maximiliano Guerra. La bailarina hizo su última función en el teatro donde bailó por primera vez cuando era niña, interpretando el rol de Julieta, en la versión coreográfica de Guerra de “Romeo y Julieta”. Bajo una lluvia de pétalos, y una sala llena que no dejaba de aplaudir de pie, Herrera compartió este final con sus padres, en un intenso abrazo.

Luego de la función, el Director General y Artístico del Teatro Colón Darío Lopérfido le entregó una plaqueta a modo de reconocimiento a una trayectoria inolvidable de 25 años.

Despedida Paloma Herrera, sábado 17, transmisión desde la Plaza del Vaticano. Foto; Máximo Parpagnoli. Gentileza TC.

Más de 70 mil personas disfrutaron de esta histórica despedida a través de www.teatrocolon.org.ar en todo el país y el mundo, y superó la cifra del concierto brindado por Daniel Barenboim, Martha Argerich y la Orquesta West-Eastern Divan en el marco del Festival de Música y Reflexión que había obtenido un total de 62.636 conectados concurrentes.

Además, la función pudo seguirse en vivo por la pantalla gigante de la Plaza del Vaticano que estuvo colmada de espectadores que se acercaron a disfrutar de este evento, gracias a la predisposición y generosidad de Herrera que autorizó e impulsó a compartir junto a todo su público esta transmisión en directo de su función despedida.

El Director General del Teatro Colón, Darío Lopérfido, entrega una plaqueta a a Paloma Herrera. Foto; Máximo Parpagnoli. Gentileza TC.

Herrera comenzó sus estudios de danza clásica con Olga Ferri y se graduó con las más altas calificaciones en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. A los 15 años fue contratada por el American Ballet Theatre (ABT), y fue la bailarina más joven en alcanzar a los 19 años el rango de Principal Dancer de la compañía, en sus 75 años de la historia. Como primera bailarina del ABT fue estrella invitada de compañías tales como el New York City Ballet, el Tokio Ballet, el Kirov Ballet de San Petersburgo, , el ballet del Teatro Alla Scala de Milán, entre otros. Y la revista Dance Magazine la destacó entre los 10 mejores bailarines del siglo.

En la Argentina recibió los premios Konex de Platino, María Ruanova y Clarín, entre otros y fue declarada Personalidad Destacada de la Ciudad de Buenos Aires en el Teatro Colón. En 2010, el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires le entregó la Medalla del Bicentenario 1810-2010.

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Paloma Herrera y José Manuel Carreño en la edición 22 del Festival Internacional de Ballet en La Habana. Foto: Nancy Reyes. Archivo Danzahoy.

La primera figura del American Ballet Theatre (ABT) Paloma Herrera difícilmente haya olvidado cierto corte de electricidad durante su última visita a La Habana, y no porque en su natal Buenos Aires o en su ciudad de residencia, Nueva York, existan pocas probabilidades de vivir uno, sino porque ocurrió en pleno Festival Internacional de Ballet de La Habana mientras ella bailaba el clásico pas de deux de “Cascanueces”, al compás de la música de Tchaikovski. El apagón sorprendió a todos, la solidaridad del público brotó al instante, quienes tenían teléfonos celulares los prendieron, alzaron y agitaron, al estilo de un recital de música, para que Herrera y su partenaire Cory Stearn se sintieran acompañados. Y más importante aún, valorados. La pareja aguardó media hora al retorno del fluido eléctrico y continuó el espectáculo por decisión propia.

Los “bravos” a Herrera le llueven cada vez que sube a un escenario cubano y este Festival, que comenzó el 28 de octubre y continuará hasta el 7 de noviembre, tendrá una connotación especial porque será el último al que asista como bailarina, pues planea retirarse de la escena en 2015. La argentina, fue la profesional más joven en alcanzar el rango de primera figura en el ABT, a los 19 años. En aquella etapa vino al Festival de La Habana de 1996 de la mano de José Manuel Carreño, a bailar “Don Quijote” y el pas de deux “Diana y Acteón”. Aquí fue proclamada como una promesa del ballet mundial y las predicciones no tardaron en cumplirse. En los Estados Unidos, recibió hasta la Medalla de Oro de las Artes y dentro de unos meses cumplirá dos décadas en la cima de la compañía más célebre del país.

En esta edición XXIV del Festival, Herrera se presentará con el español Gonzalo García, bailarín del New York City Ballet. Ambos interpretarán “Tchaikovsky Pas de Deux”, de George Balanchine.

Herrera regresa Cuba junto a otra estrella del ABT, la cubana Xiomara Reyes, que igualmente ha actuado en los Festivales de 2010 y 2012. Comenzó su carrera en el Ballet Nacional de Cuba (BNC) y la continuó en el Real Ballet de Flandes, en Bélgica, el Joven Ballet de Francia, la compañía de Ballet del Sud, en Italia, el Nafsika Dance Theater, de Grecia, entre otras. En 2001, ingresó en el American y dos años después obtuvo la categoría de primera bailarina. Al igual que Herrera, Reyes anunció su retiro profesional para la primavera de 2015 y este será su último festival en la tierra Patria.

Dos compañías con historia

La cubana Xiomara Reyes vuelve a presentarse en el Festival de La Habana. Foto: Rosalie O’Connor. Archivo Danzahoy.

El ABT y el BNC tienen caminos entrelazados. Dos de los fundadores de la compañía cubana integraron el conjunto estadounidense en su primera década. La historia hubiese sido distinta si Alicia y Fernando Alonso no hubiesen apostado por el desarrollo de una carrera como bailarines en los Estados Unidos. La emigración fue una necesidad para la pareja pues en Cuba, en plena década de 1930, no existía ninguna institución donde se estudiase la danza con fines profesionales.

“En aquella época había que ser médico o doctor en leyes, arquitecto, ingeniero, cualquier cosa menos bailarín. Eso era una locura. Eso no era una carrera”, explicó tiempo antes de morir, el maestro Fernando Alonso durante una entrevista.

En los Estados Unidos, él y Alicia se vieron obligados a actuar en comedias musicales de Broadway, experiencia que si bien les aportaba artísticamente no eran su perfil ni propósito. Pero tras el nacimiento del Ballet Theatre en 1940, en Nueva York, la pareja proveniente del Ballet Mordkin y el Caravan vio los cielos abiertos. Allí, ambos artistas terminaron de formarse como profesionales y aprendieron en el intercambio con muchos de los más importantes maestros, bailarines y coreógrafos del siglo XX: Leonid Massine, Anthony Tudor, Jerome Robins, Mikhaíl Fokin, Georges Balanchine, Agnes de Mille, entre otros nombres ya históricos.

Dentro de aquella compañía, Alicia Alonso protagonizó por primera vez el clásico “Giselle”, el 2 de noviembre de 1943. Además, ella y Fernando bailaron en creaciones como “Fancy free”, de Jerome Robbins, una de las piezas que el ABT repuso en su visita a La Habana en 2010, y que debido a su éxito inicial en los Estados Unidos fue llevado al musical “On the Town”, que popularizó en el cine Gene Kelly.

En 1948, los directores de ABT, Lucia Chase y Rich Pleasant, suspendieron las actividades de la compañía por seis meses para buscar en ese plazo un nuevo presupuesto económico que les permitiese continuar. Fue esta la oportunidad que aprovecharon los jóvenes Alicia y Fernando para regresar a su país y fundar el Ballet de Cuba. A propósito del vacío de trabajo, la pareja propuso a sus colegas viajar a La Habana y la mayoría aceptó. Según los Alonso, el 80 por ciento del Ballet Theatre vino con ellos, incluyendo los dos directores de orquesta, Ben Steinberg y Max Goberman, y el director de escena, Joseph Bastien.

La historia del Ballet Nacional de Cuba (BNC) nació en ese momento. La mayoría de sus fundadores provenían del ABT y a Nueva York regresaron poco tiempo después. También lo hizo Alicia. Y apoyaron con sus talentos el desarrollo de la danza clásica en Estados Unidos.

Por mucho que absurdas políticas abogaran por la distancia entre una institución y otra, y de hecho, evitaron que el ABT visitara la Isla en 50 años, los lazos entre el ballet americano y el cubano comenzaron a tejerse en el corazón de Nueva York en la primera mitad del siglo XX.

Sin el ABT, la historia del ballet cubano sería distinta, y aún de existir los Festivales Internacionales probablemente se realizarían en otra fecha.

Marta Sánchez Martha Sánchez. Licenciada en Periodismo en la Universidad de La Habana. En la actualidad dirige la redacción de Cultura de la Agencia Informativa Latinoamericana Prensa Latina y publica en distintos medios de prensa dentro y fuera de su país.

En la gala de bienvenida a José Manuel Carreño, la Members of Ballet San Jose School dio el presente con un gran desfile. Foto: Dalia Rawson. Gentileza BSJ.

Más que mostrar el talento de su propia compañía, el 16 de noviembre la gala del Ballet San Jose (BSJ) en el Center for the Performing Arts, reunió una galaxia de estrellas de las capitales de la danza, muy lejos de su hogar de Silicon Valley, para dar la bienvenida a su nuevo director artístico, José Manuel Carreño.

El evento comenzó con un desfile de los estudiantes de la escuela de BSJ, recientemente certificada para enseñar con el plan académico del American Ballet Theatre. La elección representa más que un gesto para honrar el futuro del ballet al reconocer a los estudiantes de hoy en día. La relación hermana con el ABT será reafirmada con planes para las coproducciones y la distribución de otros recursos previstos por las dos compañías.

“Tarantella”, de George Balanchine, bailado por Megan Fairchild y Daniel Ulbricht. Foto: Alejandro Gómez. Gentileza BSJ.

Un pas de deux de Christopher Wheeldon “After the Rain” bailada por bailarines del New York City Ballet Rebecca Krohn y Ask La Cour introdujo el programa con una nota suave. Fue seguido por Ana Sophia Scheller y su partenaire Gonzálo García de NYCB, bailando el “Tchaikovsky Pas de Deux” con su gama completa de movimientos, tempi y variaciones expertamente entregados.

Un extracto de  “Glow- Stop” del coreógrafo residente del Boston Ballet, Jorma Elo, desafió la compañía de San José para cumplir los requisitos de la coreografía no intuitiva y musicalmente temperamental de Elo. Los bailarines vestidos con trajes de color bordó, hicieron una demostración bastante espectacular.

A pesar de un conductor, que parecía tener el pie en un acelerador invisible, Gillian Murphy y Thomas Forster del ABT, ofrecen una fascinante pas de deux de“Cisne Negro”.

Uno de los momentos culminantes de la noche fue la presentación de Marcelo Gomes y Julie Kent del ABT de la escena del balcón de ” Romeo y Julieta”. Kent, con su ligereza, y Gomes, con su exuberancia siempre presente, pero nunca excesiva como para socavar la técnica y otros detalles que llevan a la relevancia artística.

Esto fue seguido por un magistral  pas de deux de”El Corsario” por Adiarys Almeida y Joseph Gatti del ABT. Del NYCB, Joaquín de Luz pareció positivamente eufórico a bailar “Cinco variaciones sobre un tema” de David Fernández, que lo hizo jubilosamente y con brillante comunicación.

En San José, California, Marcelo Gomes y Julie Kent del ABT en la escena del balcón de “Romeo y Julieta”. Foto: Alejando Gómez. Gentileza SJB.

La pieza mejor recibida por el público, y con razón, fue el jugueteo diabólicamente difícil de George Balanchine en “Tarantella”, bailada por Megan Fairchild y el infatigable Daniel Ulbricht. Lorna Feijóo y Nelson Madrigal del Boston Ballet trajeron la sensibilidad de estilo y puesta en escena cubana, heredada en parte del Ballet Theatre, con su encantador pas de deux del segundo acto de “Giselle “.

Gomes regresó con la ultra -versátil y siempre elegante Misty Copeland a bailar “Sinatra Suite”. Del San Francisco Ballet, Maria Kochetkova y Taras Domitro hicieron un tour de force, con el Grand Pas de Deux del acto III de “Don Quijote”, la última pieza de la gala.

Cuando el telón cayó, quedó la sensación de que la compañía estaba verdadero momento de recuperación, después de haber resistido más de dos décadas de tormentas “geopolíticas”. El costo humano ha sido significativo, con dos directores artísticos (una no reconocida como tal) que llevaron el timón durante largos o cortos plazos y decisiones de elenco que causaron estragos entre los bailarines. A eso se suman gastos desmesurados en artistas invitados que parecen asombrosos cuando se considera el número de compañías de danza que han estado peleando por su subsistencia, o cuántas zapatillas de punta se hubieran podido comprar para el Ballet Nacional de Cuba.

Estos problemas representan dolores de crecimiento,  pero rozado el espectro de violación de la confianza pública.  Todo eso dio lugar a problemas de liderazgo artístico y relaciones de poder que, para ser justos, parecen estar alcanzando el punto máximo, no sólo a nivel local, sino en el mundo de la danza aquí en los Estados Unidos y en el extranjero.

Si pensamos de otra manera, tenemos que preguntarnos por qué una compañía de danza de tamaño mediano emprendería un enfoque de este tipo, lindando con los militares. Sólo tiene que dar la bienvenida a su ciudad a un nuevo y reconocido director en el mundo artístico.

La gala marcó una noche memorable, un buen presagio para el más distinguido miembro de la familia Carreño. No perdamos de vista, sin embargo, a quiénes y a cuántos han contribuido e incluso sacrificado para hacer posible una gala como esta, ya sea en San José, California, o La Habana, Cuba.