“De punta a cabo”, una icónica obra de Acosta Danza con coreografía de Alexis Fernández y Yaday Ponce. Fotos: Yuris Nórido. Gentileza Acosta Danza.

Después de una larga ausencia de los escenarios de la capital cubana, retornó a su Habana natal el ennoblecido Sir Carlos Acosta, eximio ídolo de oro del ballet cubano, para recibir los merecidos reconocimientos por haber mantenido con “alto voltaje” la compañía Acosta Danza. Fundada hace ya una década, la agrupación siguió demostrando, con pasión y sólida formación técnica, su rigor y ductilidad en la ejecución de la diversidad de propuestas coreográficas, no exentas de dificultades. Sin embargo, Acosta Danza ha logrado sostener la madurez profesional del elenco y el interés del público en el repertorio.

Carlos Acosta sorprendió con su espíritu artístico perseverante, si tenemos en cuenta que hace algunos años era director artístico de una importante compañía inglesa, el Royal Birmingham Ballet. Superado todo encumbramiento, Acosta se comprometió en ofrecernos (solo tres funciones) un programa sugerente conformado por reposiciones y estrenos, de creadores locales y foráneos, necesariamente interpretados por 14 bailarines bisoños, nacionales, recién egresados de la academia de la propia compañía.

En septiembre, el Teatro Nacional de Cuba acogió las presentaciones de “Una década en movimiento” en su sala mayor, la Avellaneda, con un aforo para unos tres mil espectadores, que desbordaron las capacidades y respondieron con ovaciones en pie cada noche, curiosamente un público juvenil, más allá de los fans habituales del género.

Carlos Acosta en el saludo final de su compañía exhibe un cuadro simbólico de una de las deidades cubanas. Fotos: Yuris Nórido. Gentileza Acosta Danza.

Sin embargo, hubo luces y sombras en las calificaciones del valor artístico y creativo de los títulos presentados, que se pudieron etiquetar de desiguales. Como dato curioso, se afirmaba en ellos el hecho del trabajo coreográfico coral, cuando en el programa de mano se omitió el apellido de los danzantes. ¿Acaso algunos de ellos serían los solistas del mañana?

La pieza de apertura, tal vez la de más altos quilates, “La Ecuación”, del notable coreógrafo cubano George Céspedes (también diseñador teatral), había sido estrenada previamente por miembros de Danza Contemporánea de Cuba. En ella, tres bailarinas y un bailarín demostraron con sólida técnica y precisión musical (música de X Alfonso) el apego del creador a los elementos matemáticos al elegir como base el cubo de Rudolf Laban, autor de la “Labanotation”, para transformarlo en la mente humana y, a partir de ahí, filosofar desde el movimiento: “sobre la existencia del ser humano y la eterna búsqueda de la verdad personal”. La iluminación, por el diseño de luces de Erik Grass, fue fundamental para su éxito.

A continuación, el público se enfrentó a otro discurso coreográfico minimalista, debido a un creador invitado de la península ibérica, el joven Javier de Frutos, en ascenso entre los talentos europeos del arte coreográfico de vanguardia, quien se mostró desafiante con su obra “98 días”, para conseguir una entrega lírica y conmovedora del poema “Son de negros en Cuba”, de Federico García Lorca, donde reflejó los momentos culminantes de sus 98 días en la mayor de las Antillas en 1920. La obra tuvo un acertado soporte musical donde intervino Estrella Morente, según versiones de Michael Nyman, sobre poemas de Juan de la Cruz: “El pregón de las moras” y “Calle del aire”. La iluminación diseñada por el propio Frutos y Pedro Benítez se transformó en protagonista. No obstante, su intención primaria de “imaginar” lo que había sucedido entonces, con total libertad, param entregarnos el “paisaje impresionista” de aquellos momentos, no fue conseguida.

Como segunda parte del programa, Acosta Danza ofreció la creación del español Goyo Montero, “Llamada”, con la cual retornó a la escena cubana con un discurso revelador de su fibra sensible, casi mágica, algo así como una segunda parte de su pieza precedente “Imponderable”, donde trajo a discusión el concepto de género, entonces “cada vez más diversificado”, donde se añadieron las múltiples maneras de vivir, al aceptar la diversidad sexual en todos sus matices. Su título mismo subrayaba “un término del baile flamenco que define el momento en el cual se producirá un cambio”. En la puesta en escena, con la manipulación eficaz del vestuario de Ángelo Alberto, se sugiere el interrogante: ¿por qué el mundo se sigue viendo masculino y femenino? ¿Hasta qué punto ser diferente es un ataque a las costumbres sociales?

Para el cierre, Carlos Acosta y su equipo de producción eligieron el título “De punta a cabo”, en versión de Yaday Ponce (bailarina y maestra principal) sobre la original de Alexis Fernández (Maca). Una suerte de movimientos vinculados a la fusión musical de la banda sonora, que fue desde lo más tradicional hasta lo actual (Kumer, Kike Wolf, a partir de “La Bella Cubana” de White, X Alfonso y Omar Sosa). Las realidades de lo cotidiano en la vida del cubano se vieron más sintetizadas, con su imbricación lograda con las proyecciones de imágenes en video de X Alfonso localizadas en el Malecón habanero, como contribución inteligente al ritmo dancístico urbano. Es decir, estuvimos en presencia de un coherente divertimento donde se reflejaron los conceptos fundamentales de esta agrupación, como la variedad de diferentes técnicas y estilos que dieron nacimiento a la compañía Acosta Danza. Su permanencia en la escena cubana e internacional depende de la vitalidad creativa de su fundador, Carlos Acosta, y de los futuros reconocimientos de sus coterráneos.

Acosta Danza abrió sus presentaciones con “La Ecuación”, del notable coreógrafo cubano George Céspedes. Fotos: Yuris Nórido. Gentileza Acosta Danza.

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DCC presentó “Coil”, de Julio César Iglesias, una coreografía coral mixta, con intervenciones de gran virtuosismo atlético. Foto: Adolfo Izquierdo. Gentileza DCC.

Con el patrocinio del Ministerio cubano de Cultura, el buque insignia de la danza contemporánea en la mayor de las Antillas, Danza Contemporánea de Cuba (DCC), tuvo la responsabilidad de producir un rotundo espectáculo con dos de sus obras más recientes. Siempre bajo la dirección general de Miguel Iglesias, ambas piezas realizadas por reconocidos creadores de su elenco se presentaron en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional para servir de artístico oropel a la entrega del Premio Nacional de Danza 2022. Esta distinción fue para el estelar diseñador teatral Eduardo Arrocha Fernández (1940), quien ostenta otros dos reconocimientos de igual envergadura, de Teatro 2007 y de Diseño 2013.

La dirección artística de la agrupación tuvo de hacer un “arqueo” entre las huestes en activo, en busca de los bailarines que quedaron indemnes de algún ataque viral, en un momento en el que muchas agrupaciones han quedado diezmadas por la segunda amenaza perniciosa que afecta a más de un conjunto. A eso se suma el éxodo de jóvenes talentos (algunos ya no tan bisoños) en busca de otros prósperos horizontes.

Ante este panorama, la compañía optó por presentar “Coil”, con coreografía de Julio César Iglesias Ungo, (residente en el extranjero), reconstruida al detalle por el bailarín Yoerlis Brunet. En la segunda parte, una pieza de George Céspedes, “La tribulación de Anaximandro”, estrenada en 2019 por su grupo Los hijos del director. Y en esta ocasión tuvo su ingreso en DCC merced a la reposición por Brunet y Aymara Vila.

Otra pertinente decisión ministerial y del Consejo de las Artes Escénicas (CNAE) fue la de utilizar la obligada pausa entre los títulos mencionados para realizar la ceremonia oficial de entrega del Premio Nacional de Danza. Desde 1961, el maestro Arrocha Fernández ha desarrollado una destacada carrera por más de 50 años, en la hoy Danza Contemporánea de Cuba, donde se inició como jefe de escena. Su trabajo abarcó los ámbitos del cine, la televisión, el cabaret y los “musicales” (revistas musicales).

Un jurado de prestigiosas figuras, entre ellas la también Premio Nacional Laura Alonso, reunido el 29 de abril, Día Internacional de la Danza, después de evaluar las 23 propuestas recibidas de 53 instituciones y personalidades de la cultura cubana decidió nominar a cinco notables creadores. “Amparándose en la trayectoria, méritos y creaciones distintivas para la danza cubana”, el jurado aprobó por unanimidad conceder el Premio de 2022 a Eduardo Arrocha Fernández.

Previamente, Arrocha ha sido distinguido con el Grand Prix de la Ville de París por “Giselle” del Ballet Nacional de Cuba, en el IV Festival International de la Danse del Teatro de los Campos Elíseos, como obra integral; las medallas Alejo Carpentier y la Orden Félix Varela, la máxima condecoración del Consejo de Estado de Cuba. En 2019, publicó su libro “Palabra a los Diseñadores”. El discurso de elogio al galardonado correspondió esta noche a la teatróloga y profesora de la Universidad de las Artes, Marilyn Garbey.

Espectáculo de DCC

La segunda parte del espectáculo le correspondió a la integral de la obra de George Céspedes, “La tribulación de Anaximandro”. Foto: Adolfo Izquierdo. Gentileza DCC.

El programa comenzó con “Coil” (término anglófono que identifica al símbolo de infinito), de Julio César Iglesias, una coreografía coral mixta, con algunas intervenciones de gran virtuosismo atlético por algunos de los miembros masculinos del reparto, como es de destacar el solo de Idian Yosnier, en la impactante escena poética final.

El asistente del coreógrafo, en este caso Yoerlis Brunet y su ensayadora Xenia Cruz Monzón, trabajaron a brazo partido con los bailarines de reciente ingreso en el conjunto, egresados de la Escuela Nacional de danza, como proyecto estimulante de inserción y así evitar, en lo posible, sensibles deserciones. La mayoría de los catorce integrantes no conocía esta producción de Iglesias Ungo. Las evoluciones y contaminaciones de la llamada “street dance” o los delirios giratorios de los derviches turcos son realizados con apasionada entrega; los desplazamientos se realizan como reflejos de un conglomerado social distópico, donde aparecen pinceladas de escenas de “bullying” entre sexos.

El vestuario monocromático en tela cruda blanca –pantalones y blazer para torsos desnudos en los chicos y blusas para ellas-, produce efector ópticos de liquidez y reflujos según los diseños de luces creados por Fernando Alonso para la producción actual. Otro diseño fue realizado para el escenario de la sala García Lorca en ocasión de su estreno. La banda magnetofónica, por su variedad sonora inclusiva merece una mención particular: con intervenciones dramáticas sinegéticas como la de Nina Simone, provocadoras desconcertantes en el espectador.

La segunda parte del espectáculo le correspondió a la integral de la obra de George Céspedes, también de 35 minutos de duración, “La tribulación de Anaximandro” con un subtitulado: Hombre, Arché, Ápeiron, para orientar al espectador ignaro con ciertas pistas de las teorías filosóficas griegas del inventor del reloj de sol y de los mapas cósmicos de la Grecia A.C. Esta coreografía está estructurada y desarrollada matemáticamente siempre atenida a un canon arbitrario: marchas y artes marciales se imbrican con movimientos coloidales ejecutados por bailarines-partículas del cosmos. Un texto que se atribuye al propio Anaximandro nos dice: “El principio (Arché) de todas las cosas es lo indeterminado (ápeiron)- Ahora bien, allí donde hay generación para las cosas allí también se produce la destrucción. La injusticia se presenta según el orden del tiempo. Todo lo que sale del ápeiron: la individualidad, es considerado por otras religiones como pecado. …El mundo como un proceso lleno de injusticia: lo que el sol le roba a la luna, la luna se lo roba al sol”.

Céspedes demuestra su pericia para ejecutar movimientos corales mixtos apoyado con músicas marciales y tímbricas creadas para esta obra por Alexis de la O, que provoca alusiones a una lucha de géneros, una búsqueda por el poder de unos y el dominio del otro. El diseño de luces fue concebido por un equipo de jóvenes con intervención del propio Céspedes (también en los diseños unisex del vestuario) que incitan al público a disfrutar de momentos inesperados ejecutados por los bailarines con los port des bras hacia arriba como una imagen poética de seres humanos que reclaman libertad y paz. La ovación en pie del nutrido auditorio estalló como un resorte.

“Danzas del amor que se fue”, del británico Billy Cowie, sobre textos de Federico García Lorca. Foto: Adolfo Izquierdo. Gentileza DCC.

Los sistemas estéticos del posmodernismo y el minimalismo están presentes con evidencia en la programación que propone la compañía estandarte de la danza más actual, Danza Contemporánea de Cuba, siempre bajo la dirección del ex bailarín y premio nacional de danza Miguel Iglesias. En la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba se presentaron dos estrenos absolutos de coreógrafos nacionales y una reposición británica. Se trata de “Sacrificio”, un solo femenino de la joven coreógrafa Laura Ríos; la obra coral “Polvo, palabras, sombras, nada”, basada en un concepto coreográfico de George Céspedes, inspirado en la poética persa de Omar Khayyam. Como pieza de apertura, Iglesias eligió reponer “Danzas del amor que se fue”, del británico Billy Cowie, sobre textos de Federico García Lorca.

La joven coreógrafa y bailarina Laura Ríos produjo una conmoción en la amplia y diversa audiencia que colmó la sala mayor de este complejo teatral. Esta vez, con su aforo limitado al 50% debido a la situación pandémica. Con la creación sado-masoquista del solo para una bailarina, la virtuosa Stephanie Hardy, demostró poseer una especial resistencia, pues bailó –a fondo- las tres obras en cartel de esa noche. En la obra de Ríos, de doce minutos intensos, todos los músculos y articulaciones de la frágil anatomía de Hardy participan del discurso coreográfico ambivalente y de su intertextualidad, que hubiera satisfecho a la ensayista Julia Kristeva. Ella desarrolla, en su desempeño, una asombrosa dinámica; coherente, formada por movimientos explosivos y otros de carácter más líricos, donde las transiciones fluyen interconectadas con frases en “staccatos”. Para ello, se beneficia con el apoyo musical original electroacústico creado por Iván Fernández Real, quien por momentos recordó sonoridades de altos decibeles experimentados por Karlheinz Stockhausen en décadas pasadas.

El coreógrafo George Céspedes creó “Polvo, palabras, sombras, nada”, inspirado en la poética persa de Omar Khayyam. Fotos: Adolfo Izquierdo. Gentileza DCC.

Después de un breve intermedio, pasamos al mundo filosófico y matemático preferente en las creaciones coreográficas recientes de George Céspedes, autor del segundo estreno absoluto de esta temporada de DCC, “Polvo, palabras, sombras, nada”.

El programa de mano intenta dar la clave del título, aunque no es explícito para ayudar al espectador en las diversas lecturas que esta obra arriesgada e inquietante puede provocar al entregarnos una cita del filósofo, matemático, astrónomo persa del siglo XII, Omar Khayyam: “El vasto mundo: un grano de polvo en el espacio. La vana ciencia de los hombres: palabras. Los pueblos, las bestias y las flores de los siete climas: sombras. El fruto de tu continua meditación: nada”. El propio Céspedes desvela aquí la evidente participación activa de los bailarines en la creación y desarrollo de este trabajo de 53 minutos de duración, con la dirección de autor. De lamisma manera que el concepto del vestuario minimalista en negro ejecutado por Vladimir Cuenca.

Esta creación de DCC (comisionada por Les Films Figures de Francia) cuenta con un dramático soporte musical debido al compositor francés Charles Camille Saint Saens (del cual se festeja su centenario), estructurado a partir de fragmentos pertinentes de varias obras sinfónicas, sometidas a una juiciosa edición musical por Alexis de la O Joya y de Céspedes.

Stephanie Hardy interpretó el solo “Sacrificio”, un estreno de Laura Rios. Foto: Yuris Norido. Gentileza DCC.

Empero todo lo dicho no basta. Céspedes se lanza en picada a desentrañar, con su peculiar estilo a veces gimnástico, los célebres “Rubaiyat” (cuartetos) de la mencionada inescrutable personalidad persa, Omar Khayyam, con acentuada sensualidad en el minimalismo. Se suma la espectacularidad proactiva de los bailarines de ambos sexos: cambios constantes de formatos en los diseños coreográficos articulados en duetos, cuartetos, dúos, tríos o numerosos grupos de todo el elenco.

Este programa presentó como pieza apertura, una reposición de 32 minutos, la obra del británico Billy Cowie “Danzas del amor que se fue”, una interpretación de textos poéticos de Federico García Lorca entregada con virtuosismo por un conjunto de diez magníficas bailarinas. Apoyadas musicalmente por una partitura original del mismo Cowie, acentuada por las armonías vocales de Rowan Godel y Deborah Hay, con participación destacada de la cantante Daphne Scott-Sawyer, que consiguen embriagarnos con sus interpretaciones del cante, de madrigales, de zapateados, de soleares, o pasodobles que nos sumergen en los dos ríos de Granada: “uno de sangre” y el otro “de llanto”.

El director de DCC, Miguel Iglesias, forma intérpretes con piel “camaleónica” y un entrenamiento específico. Foto gentileza CHRP.

Viene de: Parte I y Parte II

El proceso de montaje 

Mi primera coreografía con DCC, Cénit, es un trío de nueve minutos. Se trata, por tanto, de una pieza de corta duración y pequeño formato distinta de las obras corales de mediana o larga duración que últimamente suele presentar la Compañía.

La decisión de crear algo así no estaba basada en un capricho sino en una exploración personal. Yo sentía interés por sacar a los bailarines de su zona de confort enfrentándolos a una serie de movimientos en los que los extremos de sus cuerpos fueran esenciales, los músculos no estuviesen en una tensión que bloqueara las articulaciones, y la sensualidad se imbricara con la agilidad y la precisión. Pretendía encontrar en ellos, en mí, y en esta propuesta una cubanidad -otra-. Y la hallé. (LDA)

Es sin dudas en los procesos creativos donde evidencio el encuentro de identidades entre bailarín y coreógrafo. Creo que la selección de coreógrafos y piezas que forman el repertorio de DCC define el estilo de la Compañía y permite comprender su desarrollo y el de los bailarines que la han integrado. Mencionaré algunos ejemplos recientes: Comienzo por el montaje de “La consagración de la primavera” de los franceses Christophe Béranger y Jonathan Pranlas-Descours, creadores que, aunque propusieron una sólida estructura coreográfica basada en la técnica neoclásica y el riguroso conteo musical de la obra de Stravinski; se mostraron muy interesados en aprovechar elementos danzarios cubanos de raíz folclórica.

Billy Cowie, creador británico de Tangos cubanos y Danzas de amor que se fue; reconocido por crear coreografíascomo el más sublime de los escritores construye sus poemas, utilizó movimientos cadenciosos, aletargados, imperceptibles y refinados creados por él. Billy llegaba a los salones con la pieza estructurada. Cada detalle corporal, escenográfico, musical, él lo tenía resuelto de antemano. No había espacio para que el bailarín hiciera una propuesta;sin embargo, me atrevo a afirmar que este coreógrafo interactuó y aprovechó de modo único la cultura, el sarcasmo, el humor y el sentido festivo y nostálgico de mi ciudad.

Theo Clinkard, otro coreógrafo británico, creó The listening room en directa colaboración e intercambio con los bailarines. A Theo le apasionaba discursar sobre la vida, y mediante The Listening Room se propuso acentuar el componente individual y diverso de cada bailarín. Por ello proyectó desde la escena una suerte de vínculo entre el cuerpo cubano y una sólida estructura conceptual europea. Theo, en resumen, vistió elegantemente los cuerpos cubanos con una perspectiva inglesa.

He mencionado a tres coreógrafos internacionales elegidos al azar. Podría añadir mis experiencias de trabajo conAngels Margarit, Jan Linkens, Itzik Galili, Fleur Darkin, Annabelle López Ochoa; sin embrago, no puedo restarle espacio a los coreógrafos nacionales quienes son los mayores responsables de producir, promover y sostener la danza cubana actual y la identidad de DCC. Me refiero a George Céspedes, Julio César Iglesias y Laura Domingo. 

De George Céspedes reconozco que ha permanecido en mí el hábito de desborde corporal, de fisicalidad al límite ligado con la obsesión de profundizar en la memoria de la historia cubana y en temas de identidad, resistencia y transformación. Julio César me ha permitido siempre una maravillosa oportunidad para sumergirme en la confusión, lo irracional, lo indomable, lo absurdo. Julio posee gran influencia alemana y en sus piezas suele generar escenas que relatan micro-mundos con temáticas cotidianas y universales.

Trabajar con Laura Domingo ha sido todo un desafío, una reconfiguración corporal. ¿Cómo demostrar fragilidad desde una técnica específica y exigente?; ¿cómo discursar sobre lo más sublime de la existencia en circunstancias donde mi cuerpo se siente expuesto? Durante el trabajo con ella hice conciencia de la limpieza e importancia de misextremidades por vez primera. (CHRP)

Una cuestión de identidad 

A modo de balance general creo que el mayor acierto de DCC ha sido no convertirse en una compañía de autor y, en vez de eso, arriesgarse a la apertura no sólo de creadores extranjeros, sino, y sobre todo, de cubanos. Esto le ha permitido generar la identidad con perfiles definidos y a la vez contrastantes que la prestigia convirtiéndola en un caso único. Es por eso que, si decidiera reducir su abanico expresivo no sólo se desperfilaría, también dejaría de representar la complejidad coreográfica nacional, y dejaría de representar la complejidad coreográfica nacional en el mundo. (LDA)

El asunto es que el bailarín de DCC es un cuerpo trascendente y versátil que está en constante conciliación, incorporación, préstamos y rompimientos con técnicas, estilos y haceres artísticos. (CHRP)

Y tal identidad nos permite a coreógrafos y bailarines partir siempre de algo concreto, profundo, individual y colectivo, para moldearlo, aprovecharlo, negarlo. (LDA)

La verdad, había olvidado que atesoraba este saber, archivo, memoria que vuelve tan particulares a los artistas cubanos. (CHRP)

Es un valor, y como todo valor o estandarte, pesa y distingue. Y se le debe eterna atención y custodia. (LDA)

La puesta en escena de “Réquiem” correspondió a Miguel Iglesias, director general de Danza Contemporánea de Cuba por más de tres décadas y la coreografía a George Céspedes. Foto: Enrique Smith (Kike). Gentileza DCC.

Danza Contemporánea de Cuba ha estrenado  -a teatro lleno las seis funciones en el Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso-, su nueva súper producción “Réquiem”, sobre la excelsa obra maestra de W. A. Mozart, con la inestimable colaboración del Teatro Lírico Nacional (coro de 30 voces y cuatro destacados solistas) y la Orquesta sinfónica del GTHAA (siguiendo el esquema instrumental de finales del siglo XVIII, para el que fue compuesto) .

La puesta en escena correspondió a Miguel Iglesias (director general de DCC por más de tres décadas) y la dirección musical al maestro Giovanni Duarte (titular de la orquesta y director general del TLNC). La coreografía, inspirada en los textos latinos de la liturgia católica, se debe a George Céspedes, que nos ofrece una visión contemporánea de la última obra compuesta por Mozart (finalizada por su discípulo F. X. Sussmayr) con movimientos motivados en el transcurso de los siete bloques en que está dividida la pieza musical, cuyos danzantes interactúan con los cantantes solistas y el coro, para mostrarnos la fuerza expresiva y la belleza de esta partitura, destinada a los oficios religiosos por el fallecimiento de una encumbrada personalidad.

Según consigna el programa de mano, los creadores han producido “un concierto teatralizado en honor a los que fallecen cada minuto en el planeta. Un concierto en honor a la vida. Un espectáculo para sensibilizar a la humanidad en estos momentos que vive el mundo, por medio de la música más hermosa, dramática y reveladora que jamás se haya concebido…”.

Los efectos especiales que fueron proyectados sobre una pantalla transparente como ciclorama mostraban, según los pasajes del texto litúrgico, imágenes de nuestro planeta girando en la Vía Láctea; un ser humano desnudo en posición fetal flotando en el espacio sideral; explosiones telúricas; tropas en acciones bélicas; el mal trato de nuestra “casa común”; otros actos contaminantes de nuestra atmósfera.

En “Réquiem”, los bailarines de Danza Contemporánea de Cuba interactúan con los cantantes solistas y el coro del Teatro Lírico Nacional. Foto: Enrique Smith (Kike). Gentileza DCC.

La escritura coreográfica se identifica con otros trabajos precedentes de Céspedes –como su “Carmina Burana”- particularmente en el diseño escénico de las secciones grupales, siempre punteadas con un eclecticismo posmoderno, aleatorio, empero con rigor en las combinaciones matemáticas. En nuestra opinión, el discurso coreográfico triunfa en las secciones de mayor dramatismo donde intervienen dúos, tríos de combinaciones indistintas (una chica y dos chicos o viceversa), cuartetos (con diversas combinaciones genéricas), así como los solos, por bailarines de ambos sexos, todos exhibiendo la portentosa proyección de sus dinámicas musculares, adquiridas en su riguroso entrenamiento.

Las partes vocales ofrecieron una entrega de altos calibres, tanto la estelar soprano Milagros de los Ángeles, como las voces masculinas, especialmente el contratenor Frank Ledesma y el bajo Marcos Lima, por sus dones interpretativos y por la clara dicción apreciadas en dos de las representaciones  que este cronista pudo asistir. La orquesta del teatro –en el foso- y el coro sobre las plataformas iluminadas ad hoc (divididas las voces femeninas y masculinas en sendos laterales) lograron una ecualización natural insospechada –con la pericia de su directora Denise Falcón-, si tenemos en cuenta los limitados recursos en cuanto a los equipos de amplificación.

Otros elementos con desempeños esenciales en una producción de este tipo lo constituyen el vestuario y el diseño de luces. El primero, concebido por Paula Fernández, tuvo momentos felices en las secuencias finales, y Fernando Alonso Couzo demostró sus habilidades tecnológicas en el segundo elemento, siempre con avatares inesperados en ciertos momentos.

En resumen, la estruendosa respuesta del respetable público por varios minutos en pie, dio fe del triunfo artístico de este nuevo reto escénico de DCC. Esto confirma el éxito conseguido en la capital mexicana, con el estreno absoluto de este proyecto cubano el pasado mes de noviembre.

Sobre la música

El gran misterio de la música de Mozart estriba en que incluso en sus composiciones más trágicas, jamás está ausente la sensualidad más voluptuosa. (Céspedes lo supo entender).

El genio de Salzburgo tenía una percepción de la muerte (como puede observarse en su última carta al padre), que se desvela en un profundo pensamiento sobre “la inextricable vinculación entre la belleza y la muerte. Su música lo ha mostrado y demostrado del modo más poderoso.

En este espectáculo se justifican los ideales masónicos y la conversión de Mozart. El compositor del Réquiem, residiendo en Viena, está perdido y descarriado tras la muerte de su Pigmalión y progenitor, no pudo controlar el curso de los acontecimientos. Fue afortunado en su infancia de niño prodigio, en cambio fue desafortunado en su  condición errante de hijo pródigo.

Mozart abrazó nobles convicciones gnósticas cuando se convirtió a la masonería. Este es un punto importante para entender los últimos años de Mozart, y para comprender la excelsa música que entonces produjo, de marcada diferencia con toda su producción anterior.

Mozart daba a las cosas mundanas un tratamiento siempre humorístico y sarcástico, siempre un registro cómico, salvo cuando sobrevenía la presencia grave, terrible y deseada a la vez, de la Hermana Muerte, con su promesa de “eterna luz” y  de “descanso eterno”, que visita a algún ser querido (…). El compositor salzburgués impregnó toda su música de esa impresionante duplicidad de conciencia cómica y de conciencia trágica (ritualizada y hierática) al final de su vida, en sus piezas masónicas, como en la Misa de Réquiem.

Finalmente esa vecindad de la Hermana Muerte adquiere presencia y sensualidad en la Misa de Réquiem. Un único grandioso ritual masónico. De esta vecindad con la muerte brota la más depurada belleza. Ella invade y contamina todas sus obras, aquellas que corresponden a sus últimos años, entre ellas la Misa de Réquiem.

Fuente: “El canto de las sirenas”, del musicólogo español Eugenio Trías. Ed. Guttemberg, 2007.

La iluminación de “Réquiem” estuvo a cargo de Fernando Alonso Couzo, quien demostró sus habilidades tecnológicas. Foto: Enrique Smith (Kike). Gentileza DCC.

Danza Contemporánea de Cuba, presentó “La segunda piel”, de Julio César Iglesias, en la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso. Foto: Adolfo Izquierdo. Gentileza DCC.

Danza Contemporánea de Cuba, la compañía que hace más de tres décadas dirige el ex bailarín Miguel Iglesias (Premio Nacional de Danza), anunció el estreno de un nuevo título para su repertorio. Provenga de la creatividad local o foránea, cada nueva presentación provoca una sensación de inquietante asombro. Es el caso ahora de “La segunda piel”, del joven y talentoso coreógrafo cubano Julio César Iglesias. Una intrigante y polisémica pieza de poco más de 50 minutos para 13 bailarines de ambos sexos, con la participación fundamental del reconocido músico alemán Inhalt Der Nacht, presentada solamente un fin de semana en el prestigioso escenario de la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso.

Sendos creadores se afanan en entregarnos, en imágenes fragmentadas bajo códigos posmodernos, con la evidente influencia de las nuevas tendencias de danza germánicas, una metáfora agónica de las realidades contemporáneas que agreden y contaminan “nuestra casa común” (como califica el papa Francisco al planeta que vivimos). La multiplicidad de temas -abordados con pasión y desparpajo- que agobian los niveles sociales, ambientales y espirituales.

Esa “segunda piel” de los seres humanos del siglo XXI aflora, en los bailarines-actores manipulados diestramente por Iglesias, como bofetadas directas al espectador: las adicciones a la droga; la violencia de género; los abusos sexuales; los dobles raseros en las relaciones humanas; el abuso de poder; la homofobia, entre otras miserias que nos afligen. Recordemos lo que nos dice el evangelista Marcos: “…lo que hace impura a una persona es lo que sale de ella”.

“La segunda piel” es una obra para 13 bailarines de ambos sexos, con la participación del músico alemán Inhalt Der Nacht. Foto: Adolfo Izquierdo. Gentileza DCC.

Impactante fue el “opening”, apenas abierto el telón, dos bailarines se instalan en el proscenio, uno en cuclillas y el otro de pie de espaldas al público, acto seguido, el primero baja los pantalones y el slip al que está parado, se lo coloca sobre sus rodillas y comienza a ejecutar una rumba utilizando sus glúteos como si fuera un bongó (instrumento cordófono de origen africano), y entonces el Dj inicia sus frases electrónicas. Las carcajadas de la audiencia fueron sonoras también.

Julio César Iglesias, actualmente, es coreógrafo residente de DCC y en Alemania, del Tanzhaus NRW de Dusseldorf. En el tránsito de su carrera como creador ha sido premiado en varias ocasiones y ha trabajado en proyectos con diversas personalidades internacionales de la danza, tales como Wim Vandekeybus, Susana Linke, Samir Akika o Helder Seabra, entre otros.

El autor alemán de la música, quien la ejecuta en vivo desde una tribuna-consola ad hoc en un lateral del escenario, se desempeña como productor desde hace ocho años, ha grabado ocho discos con grandes casas discográficas, como Seelan, Interstate Records, Modul, así como la realización de “remixes” con otras productoras. Su calificación técnica alcanzó niveles inesperados en breve tiempo, al punto que sus “tracks” son tocados además por grandes DJ´s en importantes clubs europeos.

Sobre la puesta en escena pudiera señalar, antes que todo, la afortunada posibilidad de contar con importantes recursos escenográficos y de luces (diseños del propio César Iglesias): una especie de diorama similar a una plaza de toros, con una puerta central polisémica, según lo requerido por la dramaturgia asignada a los danzantes que la atravesaban. Todo funcionó con eficacia de efectos escénicos, hasta lograr un final impactante, con el resultado deseado: aplausos cerrados en pie, la noche del estreno.

Tras un prolongado intermedio, el programa cerraba cada noche con la reposición de una lograda y bien recibida coreografía de George Cespedes, “Identidad menos 1”, una pieza coral para una veintena de espléndidos bailarines de ambos sexos, en la que se destacan las prestaciones de Arelys Hernández, Arletis Viera, Lilliet Orozco, Alejandro Miñoso, Heriberto Meneses, José Elías entre otros. La música es un factor imprescindible para el éxito de esta pieza, compuesta por Alexis de la O Joya y Edwin Casanova, y el aporte del diseño de luces por Fernando Alonso.

Danza Contemporánea de Cuba presentó “Consagración” pocos días antes de la fecha de la primera audición de la pieza de Stravinski con coreografía de Vaslav Nijinski, hace 150 años. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza DCC.

Una nueva temporada de Danza Contemporánea de Cuba (DCC), la compañía alma mater del género en la isla, en la Sala García-Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso tuvo esta vez el gran incentivo de un “intrigante” estreno absoluto de “Consagración”: una coreografía con el soporte musical de la celebérrima partitura de Igor Stravinski, Rito de primavera. Se trata de una versión particular o idiosincrática de una dupla formada por los jóvenes creadores franceses Jonathan Pranlas-Descours y Christophe Béranger, fundadores de la agrupación Sine Qua Non Art.

En la génesis de la realización de este proyecto artístico entre Cuba y Francia, está el fuerte apoyo de varias instituciones culturales de ambas naciones, teniendo en cuenta los notorios aniversarios que confluyen durante este año, tales como la tercera edición del Mes de la Cultura Francesa (instituido por el entonces presidente galo Francois Hollande); el aniversario 180 del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso (donde se estrena la pieza); los 90 años del estreno del ballet “La Rebambaramba” (1928) del compositor Amadeo Roldán con textos del novelista Alejo Carpentier, así como las celebraciones  por los 50 años del debut en Cuba del Ballet del Siglo XX, con la presentación habanera del “Rito de primavera” de Maurice Béjart; y como dato curioso del reforzamiento de los nexos cubano-franceses, recordaré que el debut internacional de DCC (como se la conoce hoy) fue en el Festival de Teatro de las Naciones de París (1961), y una de las coreografías presentadas fue precisamente “La Rebambaramba” cuya creación, como señalara el propio Carpentier en su paradigmático libro “La música en Cuba”, tiene muchos nexos con la admiración del cubano –nacido en París- Roldán  por la música de Stravinski y su innegable influencia “en la vanguardia musical cubana de los años veinte y treinta” de la pasada centuria.

Danza Contemporánea de Cuba rescata en “Consagración” las peculiaridades estéticas del contexto cubano. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza DCC.

En los orígenes de “Consagración” está presente la obra de Alejo Carpentier, Premio Cervantes de las Letras, como autor de la elogiada novela “La consagración de la primavera”, con la que se consagra como “el más grande cronista de la cultura francesa en Cuba y de la cultura cubana en Francia” (después del 1960 hasta su deceso, se desempeñó como diplomático en la embajada cubana en París). El título de su novela, según ha confesado públicamente, fue un homenaje dedicado a la tan admirada partitura homónima de Stavinski.

Esta versión de Béranger y Pranlas-Descours tiene otros dos antecedentes que no llegaron a cuajar, por diferentes motivos, o fatalidades humanas. En 2004, junto al coreógrafo cubano Iván Tenorio (fallecido en años recientes), DCC quería crear una “Consagración de la primavera”, a partir de la visión carpenteriana, en el año del centenario del novelista (por “oscuras razones no fue posible”, según Brooks Gremps, en el programa de mano); y a inicios de 2005, la ex bailarina y ballet mistress  Menia Martínez (residente en Bruselas) llegó al DCC con el sueño de Béjart no realizado de montar su obra con el conjunto cubano, empero otra vez se frustró el empeño por el deceso del francés en 2007.

En vísperas del aniversario 60 de DCC, (primeramente Danza Moderna), en 2019, esta “Consagración” se estrenó pocos días antes del 29 de mayo, fecha de la primera audición de la pieza de Stravinski con coreografía de Vaslav Nijinski, hace 150 años, “Cuando fue aplaudida y abucheada, hasta la turbamulta, en el Teatro de los Campos Elíseos”, en la avenida Montaigne de París.

La escritura coreográfica que nos entregan ahora los creadores galos no está inspirada en la novela de Carpentier, según ellos han expresado ante los medios. Lo que han tratado es de apresar escénicamente las intenciones de la bailarina rusa Vera afincada en la isla, personaje protagonista de dicha novela, quien pretendía “llevar a la escena la fuerza, la armonía y el espíritu del cubano cuando danza”.

Gran reto afrontaron los coreógrafos de esta singular versión, al buscar -por supuesto- una distintiva autenticidad y originalidad en la concepción general de su proyecto, cuando existen más de una decena de versiones coreográficas sobre esta música, tales como las iniciáticas de Nijinski, Léonide Massine, Lester Horton, Miloss, las más recientes: de Richard Alston, Tetley, pasando por Kenneth MacMillan, John Neumeier, Hans Van Manen, así como las más representadas de Pina Bausch, Mats Ek o Angelin Preljocaj (sin olvidar la mencionada de Béjart). Este cronista ha podido, con fortuna, testimoniar algunas de ellas en vivo o en filmaciones o vídeos.

Mis consideraciones al respecto de esta “revisitación” de la partitura stravinskiana (ejecutada con acierto en vivo por la Orquesta sinfónica del GTH AA, dirigidas por su titular Giovanni Duarte y su asistente César E. Ramos), al conectarla con las peculiaridades etno-estéticas del contexto cubano, en sus raíces africanas, ofrece un resultado exento de folclorismos a ultranza, sin menoscabo de las intenciones primigenias. Sin duda, a ello ha sido fundamental la contribución humana, antes que todo, la excelente formación técnica y proyección física de los miembros del cuerpo de baile mixto elegido, con un ajustado atletismo ritualista, matizado con la sensualidad al linde del erotismo de la sección femenina. En la ejecución precisa de las evoluciones, observamos un austero uso del contact y elegantes pasos de saltos y poses provenientes del “clásico”.

Sin duda, en la construcción logran conectar los movimientos con las impresionantes sonoridades tímbricas, los ritmos complejos, los atonales acordes  de la partitura del autor ruso, con el evidente objetivo de “evocar los juegos primitivos de la Rusia pagana”.

“Consagración”, de los coreógrafos Jonathan Pranlas-Descours y Christophe Béranger, está presente la obra de Alejo Carpentier, Premio Cervantes de las Letras. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza DCC.

Esta puesta en escena minimalista se enriquece con los aportes creativos de los diseñadores de luces (protagonistas en cada instante dramático) y de los figurines (los propios coreógrafos con colaboración del cubano Vladimir Cuenca): todos en maillots negros con los rostros cubiertos con un largo velo grisáceo, que cumple su cometido al extender las gestualidades en algunos diseños circulares. Al final, una espléndida chica solista, como la elegida, se arranca el velo mostrándonos su verdadero rostro, acto seguido el resto de los miembros de este “ritual” repiten ese gesto: no más sacrificios solitarios de una fémina, es un signo final de rebeldía colectiva en pro de la equidad como metáfora poética lograda. En este punto, el “black out” total, luego el estallido de los aplausos cerrados como prueba de aceptación.

En esta temporada, siempre dirigidos por Miguel Iglesias, quien recibió el pasado mes de abril el Premio Nacional de Danza, se bailó otras obras del repertorio activo de DCC; como “El Cristal” y “Coil”, de Julio César Iglesias, que alternaron con la pieza coral de George Céspedes “Matria Etnocentra”.

El Conjunto Folclórico Nacional presentó “Dahomeñó”, obra de su director Manolo Micler, con música ritual en vivo. Foto: Buby.

El onomástico del francés Jean-Georges Noverre -considerado tradicionalmente como el creador del ballet moderno- el 29 de abril de 1727, ha sido establecido desde 1982 por el Comité de la Danza del Instituto Internacional del Teatro (ITI) como el Día Internacional de la Danza. Esta organización para las artes escénicas, la más grande del mundo, fue fundada por la UNESCO en 1948.

En este 2018 se produce un “azar concurrente” al arribar el ITI a su aniversario 70, igualando el aniversario de la nave insignia de la danza cubana, el Ballet Nacional de Cuba, fundado el 28 de octubre de 1948 por la icónica tríada de los Alonso: Alicia, Fernando y Alberto. Por este motivo, entre otros no menos importantes, fue seleccionada Cuba sede de esta anual cita planetaria.

El Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, el emblemático coliseo de la Antilla Mayor -con sus 180 años cumplidos el pasado 15 de abril-, fue la flamante tribuna donde se leyó al mundo el mensaje del Día Internacional de la Danza, ese lenguaje universal que une a todos los seres humanos “más allá de barreras políticas, culturales y étnicas”.

Empero, en esta oportunidad, para conmemorar aniversario tan especial y con el objetivo de enfatizar “el aspecto intercultural e internacional” del arte de Terpsícore, fueron elegidos cinco autores de mensajes correspondientes a cada una de las regiones definidas por UNESCO, los cuales viajaron a la capital cubana para, con sus voces amplificadas, reafirmar los objetivos primordiales de esta institución: el entendimiento entre los pueblos, la unión y la paz.

El director general del ITI, Tobías Biancone, expresó públicamente ante una prestigiosa audiencia, su satisfacción de estar en el archipiélago caribeño por vez primera –tercera ocasión que esta cita se celebra fuera de París, antes Shanghai en dos-, al tiempo que agradeció el total apoyo ofrecido por las autoridades culturales del país anfitrión para la organización del evento, así como a los directivos del Centro Cubano del ITI, presidido por el dramaturgo y teatrista Carlos Celdrán.

“Desde el punto de vista del ITI, las personas y el mundo no necesitan sanciones sino un diálogo creativo y positivo orientado a buenos resultados (…) se necesita del esfuerzo de todos para hace de este planeta un mundo mejor”, concluyó Biancone.

Con este motivo, también la Directora General de la UNESCO, Audrey Azoulay, envió su mensaje que fue leído en la Gala. Después de felicitar al ITI por la organización de esta edición de la efeméride, expresa que “ésta es (también) una celebración de los valores de este arte ancestral. Son valores de libertad: libertad de los cuerpos, sus movimientos, sus inclinaciones. También son valores de compartir y de comunión (…) Son valores de universalidad: el lenguaje de la danza es el de los cuerpos, que prescinde de las palabras (…), que se establece más allá de los idiomas particulares, las posiciones sociales, las diferencias nacionales y políticas”.

Y añadió: “Por esta razón, es una maravillosa introducción a la diversidad cultural. La Habana está muy consciente de esto, la ciudad anfitriona de este Día Internacional de la Danza que recibe a visitantes de todo el mundo, atraídos por la música y la danza cubanas. Un signo”, concluyó.

Posteriormente, ocuparon la escena de la Sala García Lorca las cinco personalidades elegidas para dar lectura a sus respectivos mensajes. Ellas fueron precedidas por el primer bailarín del Ballet Nacional de Cuba Dani Hernández, quien prestó su voz al mensaje de la eximia bailarina Alicia Alonso (presente en la Gala), en tanto que Embajadora d Buena Voluntad de la UNESCO y Embajadora Mundial de la Danza. En él, señala que “la danza ha sido, es y será, para el pueblo cubano una expresión natural y espontánea que brota desde lo más profundo de su espíritu y de su realidad corporal”.

“El encuentro que (hoy 29 de abril) celebramos en La Habana -apuntó la Alonso-, reúne el entusiasmo y el impulso creativo de personalidades de todo el mundo, para gloria de la danza, expresión que hunde sus raíces en la tradición, se expande por todas las épocas y transita por una amplia diversidad de caminos creativos.

Luego le sucedieron, por los países árabes, la bailarina/coreógrafa/escritora/educadora Georgette Gebara (Líbano); por África, el director/bailarín/coreógrafo Salia Sanon (Burkina Faso); por Asia Pacífico, el coreógrafo/director/educador Willy Tsao (Hong Kong, China); por las Américas, la bailarina/coreógrafa/maestra Marianela Boán (Cuba-República Dominicana), así como por Europa, el director/coreógrafo/creador del movimiento GAGA, Ohad Naharin  (Israel).

Alternando cada mensaje, subieron a escena una selección de grupos cubanos de excelencia, que ofrecieron piezas de éxito de sus repertorios activos: el Ballet Nacional de Cuba con “Don Quijote” (Suite) protagonizado por Viengsay Valdés y Patricio Revé, con solistas y cuerpo de baile junto con la Orquesta Sinfónica del GTH bajo la dirección de su titular Giovanni Duarte; Acosta Danza con “Twelve” del español Jorge Crecis para 12 bailarines; Danza Contemporánea de Cuba con “Coil” de Julio César Iglesias; Lizt Alfonso Dance Cuba con “Ella y Él…siempre” (fragmento de “Latido” de la propia Alfonso); el Conjunto Folclórico Nacional con “Dahomeñó”,  coreografía de su director Manolo Micler, con solistas, cuerpo de baile, coros y música ritual en vivo.

No podemos concluir sin señalar el espléndido auspicio de la empresa china Beijing Lv Dong Wu Xian Culture and Communication, con sede en Shanghai, sin el cual este evento no hubiera sido posible.

La víspera de la Gala, en el moderno teatro habanero Mella, tuvo lugar la entrega del Premio Nacional de Danza 2018 al exbailarín y maestro Miguel Iglesias, quien por más de tres décadas ejerce exitosamente la dirección de la compañía Danza Contemporánea de Cuba, que nos brindó una representación de “El Cristal” de J. C. Iglesias  y “Matria Etnocentra” de George Céspedes.

“Coil”, de Julio César Iglesias, bailada por Danza Contemporánea de Cuba en las celebraciones del Día Internacional de la Danza en La Habana. Foto: Buby.

Fragmentos de los mansajes 2018

Por la libanesa Georgette Gebara: “Este & Oeste: Diálogo de danza. Traducido del inglés.
(…) Los movimientos y gestos de la oración se consideran una forma de danza espiritual. Sus orígenes pueden viajar más allá de lo que podemos rastrear, pero sin duda son las expresiones más puras, más antiguas y más misteriosas  del cuerpo humano. (…) De hecho, ya sea que nos sentemos en el piso, nos agarremos de una barra, volemos en el aire, pateemos nuestras botas sobre el pico de alguna montaña, si agitamos nuestras caderas lascivamente debajo de una tienda de campaña o en algún club nocturno, ¡Nuestro lenguaje nos une! Porque el baile no es solo una expresión de sentimientos, la danza es una declaración. Una declaración que habla más elocuentemente que cualquier lenguaje hablado, ya que somos uno.” 

Por Willy Tsao, Hong Kong - China:
El mundo parece estar en constant disidencia y en problemas. Hemos sido testigos, especialmente en los últimos años, de incesantes conflictos entre países, etnicidades y culturas. Como prácticamente de danza, no puedo evitar el preguntarme si el arte puede d algún modo convertirse en un antídoto para prevenir o contrarrestar algunos trastornos que amenazan la paz y la armonía mundiales. (…) confío en que China se acelerará para convertirse en una fuerza importante para abogar por puntos de vista individuales, defender cambios innovadores y fomentar la tolerancia…  

Por el coreógrafo israelita Ohad Naharin:
La danza se trata de estar en el momento. Se trata de escuchar el alcance de las sensaciones, permitiendo que esa escucha se convierta en el combustible de todos los sentimientos, formas y contenidos. Sin embargo, siempre debemos recordar de donde venimos. (…)En el mejor de los casos, la danza puede ser sublime, incluso si está lejos de ser perfecta. Tenemos que resistir al pensamiento conservador y convencional que tiene sus raíces en gran parte de la educación y la capacitación en danza, y dejar de lado las viejas ideas para obtener ideas nuevas y mejores. Y siempre debemos recordar danzar un poco todos los días… Y nunca frente a un espejo.

Por Marianela Boán, exbailarina y coreógrafa cubana residente en República Dominicana:
Tu cuerpo empieza antes que tú mismo y es el lugar de todos los rituales que te pertenecen.
Cuando escuchas tu cuerpo a través de la danza, escuchas también los cuerpos y los bailes de seducción y celebración de tus antepasados y tu especie.
En tu cuerpo llevas las danzas que te salvarán.(…)Ser coreógrafa en Cuba y República Dominicana, las islas mágicas donde habito, rodeada del mar Caribe y de gente que baila ante de nacer, es un privilegio innombrable.
Danzar es el gran antídoto para la locura de la humanidad.
A cada desplazado, refugiado y exiliado del mundo, le digo: tienes un país que va contigo y que nada ni nadie podrá arrebatarte; el país de tu cuerpo.

Por la región de África, Salia Sanou, bailarín, educador y director de compañía en Burkina Faso: con el título Danza o sentido del futuro.
¿Cómo transmitir este mensaje a toda la comunidad de humanos sin pensar en todos esos cuerpos migratorios, obligados a viajar y a exiliarse en todo el mundo?
Como coreógrafo y bailarín, habiendo viajado por todos los continentes para presentar mi trabajo y tener experiencias enriquecedoras en contacto con otros. ¿Puedo apartar mi vista del caos que sacude al mundo y en particular, el peligro migratorio? No, lo miro con la oscuridad, la brutalidad, pero también con todas las oportunidades, las oportunidades que la danza contemporánea me ha permitido descubrir para ser parte de una era.(…) !Sí, lo expreso en voz alta, la danza puede inventarse y reinventarse a sí misma, aquí, ahora y en cualquier otro lugar! (…) Danzar para engañar a la soledad, la espera, el dolor, danzar para dar luz a una mirada, danzar para protegerse del miedo, danzar y danzar nuevamente.(…) Es una fuente de significado. Para mi, es el arte de la vida, la poesía y la esperanza, es el coraje y el principio para “luchar contra el destino, para sorprender el desastre con el poco miedo que nos produce, a veces para enfrentar el poder injusto, a veces para insultar la victoria del borracho, para aferrarse, ponerse de pie; este es el ejemplo que la gente necesita, y la luz que los electriza”, una magnífica cita de “Los Miserables” de Víctor Hugo, que les entrego y les comparto.

Danza Contemporánea de Cuba llevó “Cármina Burana” a la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana con 34 bailarines en escena. Foto gentileza DCC.

Por vez primera, los cubanos han podido ser testigos presenciales de la portentosa puesta en escena de la archiconocida cantata escénica “Cármina Burana” del compositor alemán Carl Orff (1895-1982); una respetable superproducción equiparable con aquella creada en la capital mexicana en 2008, siempre con la coreografía de George Céspedes para la compañía Danza Contemporánea de Cuba (DCC) y la participación de dos coros y una orquesta sinfónica.

En meses pasados, la DCC retornó al país vecino para producir este magno espectáculo en el Auditorio Nacional de México y en dos funciones consiguió apoderarse del favor de unas 20 mil personas, y recibir el codiciado premio Luna que concede este coliseo por considerarlo lo mejor del año. Igualmente, en La Habana, un jurado de la Sección de críticos de las artes escénicas de la UNEAC decidió -por unanimidad- otorgarle el Premio Especial Villanueva.

Este monumental espectáculo ha sido producido en la flamante Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso –a teatro lleno durante sus tres únicas funciones, con asistencia de altas autoridades gubernamentales-, con el concurso de gran despliegue de recursos técnológicos: un impresionante diseño de luces, con empleo de equipos led, entre otros. La pantalla gigante de fondo mostraba una serie de imágenes móviles ajustadas a los textos goliardos de los siglos XI, XII y XIII, según los 24 poemas “puestos en música” por Orff.

“Cármina Burana” de Carl Orff es una cantata escénica que reúne 24 poemas musicalizados. Foto gentileza DCC.

Para su estreno cubano, bajo la dirección general de Miguel Iglesias, los 34 hermosos y atléticos bailarines de DCC contaron con el eficaz soporte musical de los Coros nacional e infantil (unos 66 coristas), ataviados cual monjes medievales sobre elevadas plataformas ad hoc- no así los infantes-dirigidos por la laureada maestra Digna Guerra, y en el foso los 60 músicos de la reputada Orquesta Sinfónica Nacional bajo la batuta de su titular, el maestro Enrique Pérez Mesa, con una atinada entrega. Fue una demostración de los talentos locales, con sólida formación académica, al vencer el reto de asumir esta compleja partitura en un breve tiempo posible.

La coreografía de Céspedes, esta vez, nos pareció adquirir una mejor definición de sus conceptos atenidos a las matemáticas, a la llamada teoría de los números, visible en la recurrencia de las series en las variedades compositivas de su creativa escritura coreográfica de conjunto, aunque atenida a conseguir una traducción escénica de poemas y música, con su peculiar gestualidad.

Apreciamos positivamente la articulación de los lenguajes: danza, música, canto, vídeos, luces, escenografía y vestuario (este último debido al experimentado diseñador Vladimir Cuenca), los cuales logran una seductora belleza a partir del ritmo trepidante, tales como las escenas de apertura y final con su popularizado tema “O Fortuna”. En el cual se manifiesta visualmente la intención expresa del autor: lo erótico-pasional, mediante el virtuosismo físico e interpretativo de los bailarines (vale destacar a dos de ellos: Norge Cedeño y Penélope Morejón). Hay aquí atisbos de un autor que ha incursionado en los estudios recientes de antropología de la danza.

Tres cantantes líricos cubanos defendieron los textos con solvencia, otorgando realce en sus prestaciones. Es el caso de la soprano Milagros de los Ángeles, en particular su interpretación de Amor volatundique , exquisita en Dulcissime, siempre en latín, la cual requiere de notas extremadamente altas (no obstante, Orff prefirió una soprano lírica y no de coloratura, para acentuar las tensiones). La parte del barítono estuvo a cargo de un esforzado Ulises Aquino (afectado por estado gripal, según conocimos), con arias exigentes para esta cuerda, por las notas altas y el falsetto necesario para Diesnoxomnia. En cuanto a la única aria para tenor, el joven diplomado Harold López Roche logró lucir sus posibilidades vocales futuras en el solo Olimlacuscolueram, generalmente cantada en falsetto para expresar el sufrimiento del personaje.

Una historia que lleva siglos

La pieza presentada por DCC, “Cármina Burana”, recibió en México el premio Luna como mejor espectáculo. Foto gentileza DCC.

Carmina Burana (como se escribe en latín sin tilde) es una cantata escénica compuesta por Carl Orff entre 1935 y 1936, y estrenada en Frankfurt el año siguiente, como parte de “Trionfi”, un tríptico musical que incluye “Catulli Carmina” y “Trionfo di Afrodite”.

En 1934, Orff encontró la edición del manuscrito de Carmina Burana realizada por Johann Andreas Schmeller, cuyo texto original data de los siglos XI y XII, con la inclusión de algunos del siglo XIII. Michel Hofmann, joven alemán estudiante en leyes y entusiasta del Latín y el Griego, asistió a Orff en la selección y organización de 24 de esto poemas en un libreto, fundamentalmente en versos latinos, con unas pequeñas partes en textos medievales de la Alta Alemania; del Provenzal antiguo y del Francés arcaico.

Esta selección cubre un amplio espectro de tópicos, tan familiares en el siglo XIII como lo son en el siglo XXI: la fortuna y el poder; la naturaleza efímera de la vida; el goce del retorno de la primavera; los placeres y peligros de la ebriedad; la gula; los juegos de azar o la lujuria, así como la crítica a las desviaciones de un sector del clero.

“Cármina Burana” significa en latín: Canciones de Beuern (de Bura, nombre del pueblo germano de Benediktbeuern). Por lo general, se escribe Carmine (sin tilde, como en el original latino), aunque se pronuncia /kármina/ Para evitar que un hispanoparlante la pronuncie erróneamente –los locutores radiales, por ejemplo-, la RAE sugiere colocar la tilde, como es aquí el caso.

“Equilux”, que se apoya en música electroacústica compuesta por Torben Lars Sylvest, fue la primera obra del programa presentado por Danza Contemporánea de Cuba. Foto gentileza DCC.

La compañía Danza Contemporánea de Cuba no disminuye su entusiasmo creativo al ofrecer inquietantes sorpresas dentro del proyecto Laboratorio coreográfico Islas Creativas, que la mantiene asociada desde hace tres años al British Council (Consejo Británico para las artes). En esta ocasión, se trata del estreno mundial de Equilux, la más reciente creación de la coreógrafa británica (de origen escocés) Fleur Darkin.

Darkin está considerada por los medios especializados de su país como una de las más teatrales coreógrafas de la nueva ola británica. Fue nombrada directora artística del Scottish Dance Theatre en el año 2012, con la cual ha realizado numerosas giras por los escenarios de cuatro continentes. Teniendo en cuenta el éxito de público y crítica de sus últimas obras, ha sido nominada y recibido premios tales como Jardin D´Europe, Linbury Trust, Jerwood, The Place Prize, entre otros. En esto momentos desarrolla proyectos en Tailandia, China y Japón.

Vuelve un estreno reciente

Nuevamente, después de varios años bailando en el prestigioso escenario principal del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, suben a las tablas del coliseo Mella del distrito habanero El Vedado, y deciden reponer otro estreno reciente, “Coil”, del coreógrafo cubano Julio César Iglesias, con soporte musical mixto: collage variado en cinta magnetofónica y música en vivo de Gaby Morales, como cierre del programa propuesto de dos partes con una larga pausa.

El creador –afincado hace varios años en Europa occidental y vástago de Miguel Iglesias, el veterano director general de DCC– entrega una escritura coreográfica novedosa, excitante y cargada de intenciones lúdicas, a partir del hic et nunc (el aquí y ahora) de la circundante cotidianeidad local o foránea.

En esta reposición, los tópicos mencionados arriba fueron ahora mejor definidos por los afiatados integrantes del conjunto (todos de blanco por Vladimir Cuenca), tanto desde la teatralidad como de la gestualidad. Igualmente, se los notó más cómodos durante sus desplazamientos en este vasto espacio escénico. No obstante, los diseños de luces aquí no superaron los logrados en la Sala García Lorca, en su estreno, por lo cual esta vez sus enrollamientos (coiling) casi fueron imperceptibles.

DCC repuso “Coil”, del coreógrafo cubano Julio César Iglesias, con soporte sonoro mixto de cinta magnetofónica y música en vivo de Gaby Morales. Foto gentileza DCC.

“Equilux” como plato fuerte

La pieza de Fleur Darkin, considerada el plato fuerte del programa, en esta oportunidad fue elegida para la apertura. Por una convincente razón técnica: la cascada de arena sobre dos bailarines en la escena final de “Coil”, un efecto imprescindible en la pieza de Iglesias. El cuerpo de baile de DCC defendió con su habitual dinámica y proyección muscular este original trabajo coral de Darkin, donde enfatiza el terre á terre sobre la verticalidad en los encadenamientos corporales, si bien su visualidad se hizo difícil por el negro del vestuario y la penumbra general producida por el diseño de luces.

La creadora británica, previo al estreno, sostuvo un limitado encuentro con la prensa local y allí expresó que lo más importante de su experiencia en Cuba “ha sido el intercambio con excelentes bailarines y el contacto entre seres humanos que comparten una pasión común: la danza”.

“Equilux”, que se apoya en música electroacústica compuesta por Torben Lars Sylvest, es una referencia “a la vida misma”. Un concepto que se clarifica a través de las palabras de la creadora: “la vida con su combinación de dolor y éxtasis se asemeja a un equinoccio, en el que coexisten luz y sombra. Es precisamente lo trascendental de estos procesos lo que deseo transmitir al espectador cubano”. Y agregó: “quisiera que el público entienda el balance entre éxtasis y su opuesto en mis intenciones, y que se sienta entusiasmado al conectar con la sangre en sus venas, sensuales y curiosos. En dos palabras: muy vivos, concluyó. El público respondió con nutridos aplausos de varios minutos en pie.

El proyecto Islas Creativas del British Council auspicia un espacio único y esencial de creación coreográfica, donde mentores y coreógrafos participantes dialogan, comparten y contribuyen al desarrollo y crecimiento mutuo como artistas. Su función –explican los representantes en la mayor de las Antillas– responde a la necesidad de propiciar encuentros que estimulen la creación coreográfica en la isla y el intercambio con modos de hacer en el Reino Unido y otras regiones del mundo.

Después de esta corta temporada habanera, Danza Contemporánea de Cuba –que en este 2017 se ha presentado en teatros del Reino Unido, Rusia y Estados Unidos d Norteamérica– viajará a México donde repone su espectáculo “Carmina Burana”, de Orff con coreografía de George Céspedes en el Auditorio Nacional el 22 y 23 de noviembre.