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El regreso de Coppélia

mgueler — Thu, 27 Mar 2025 00:44:59 +0000

Megan Fairchild con Robert La Fosse en la producción del NYCB con coreografía de George Balanchine y Alexandra Danilova. Foto: Erin Baiano. Gentileza JFKC.

El New York City Ballet (NYCB), como todos los años, volvió al escenario del Opera House del Kennedy Center, y esta vez, con un ballet del repertorio clásico, “Coppélia”. La función comenzó con una presentación del director artístico, Jonathan Stafford, y de la directora artística asociada, Wendy Whelan, quienes recordaron la llegada a los Estados Unidos de los coreógrafos George Balanchine y Alexandra Danilova en busca de “libertad artística” fuera de Rusia. Y luego, ambos directores agradecieron al público por apoyar a la compañía.

Del 25 al 30 de marzo, “Coppélia” trajo un toque de frescura que, sin duda, apuntó a un público más amplio y diverso. Balanchine y Danilova, son los responsables de esta versión de 1974 basada en la puesta en escena de Marius Petipa de 1884, que contó con música del compositor francés Léo Delibes.

Este ballet, en algunas ocasiones conocido como “La Fille aux Yeux d’Émai” (La joven de los ojos de esmalte), se presentó por primera vez en 1870 en el Théâtre Impérial de l’Opéra. La protagonista fue la joven Giuseppina Bozzacchi que cubrió el papel principal de Swanilda, y la bailarina Eugénie Fiocre interpretó a Frantz, su enamorado. Coreografiado originalmente por Arthur Saint-Léon con música de Delibes y libreto de Charles-Louis-Étienne Nuitter, la trama tuvo como referente el cuento corto “Der Sandmann” (El hombre de arena) de E. T. A. Hoffmann.

En esta versión del NYCB, la puesta en escena tiene un toque naive, casi impresionista. Los bailarines del cuerpo de baile ponen todo su entusiasmo para dar vida a esta historia que hace referencia a la irrupción de los muñecos mecánicos del siglo XIX. Las escenas del primer acto, en el que los aldeanos se congregan en la plaza del pueblo en torno a la casa del Doctor Coppelius, incluyen una batería de danzas de estilo, con pasajes solistas y escenas grupales.

Megan Fairchild, como Swanilda, aportó todas las facetas que demanda el rol. Con estilo delicado y una enorme jovialidad, la bailarina transita por el personaje con naturalidad y energía. Sus juegos con Frantz, su enamorado, alcanzan un muy buen nivel de comicidad y le dan a la trama esa frescura necesaria.

Megan Fairchild, como Swanilda, y sus amigas, en el laboratorio del doctor Coppelius. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

KJ Takahashi, como Frantz, quizás necesita crecer y reafirmarse en su rol, en especial en su trabajo como partenaire. Por momentos ambos parecían desconectados uno del otro. Sus saltos y sus giros son precisos y sólidos, y su musicalidad es un elemento que enriquece su trabajo.

El segundo acto que transcurre en el taller del doctor Coppelius -escenificado y coreografiado por Danilova-, es una joya que recupera las características del ballet de acción, y pone al límite a la protagonista. Interpretación y calidad actoral, se funden con la técnica más exigente y refinada, al igual que el compromiso emocional de los personajes. Swanilda y sus amigas entran al laboratorio del doctor Coppelius y se encuentran con una colección de muñecos mecánicos que cobran vida. También descubren la naturaleza de esa muñeca que lee en la ventana y que parece real.

Danilova resuelve este acto con una delicada sutileza, y deja translucir el espíritu de la época. Una escena conmovedora, por momentos patética, intensa y resuelta con una magnífica genialidad. En el tercer acto, en cambio, se advierte el toque indiscutible de Balanchine, y el contraste de estilo queda al descubierto. Con un alto nivel técnico el cuerpo de baile, al igual que el grupo de niños de escuelas locales, y las bailarinas solistas, hacen que esta escena final se convierta en un encantador encuentro con la danza cuya culminación llega con el pas de deux final.

Un Balanchine auténtico

mgueler — Mon, 10 Jun 2024 13:14:11 +0000

Megan Fairchild y Anthony Huxley en “Rubies”, de George Balanchine en el Kennedy Center. Foto: Erin Baiano. Gentileza JFKC.

En el año de su 75 aniversario, New York City Ballet (NYCB) regresó, como lo hace cada temporada al escenario del Opera House del Kennedy Center del 4 al 8 de junio. Y lo hizo con uno de los grandes clásicos de George Balanchine, estrenada por la compañía en 1976: “Jewels”. Una obra abstracta, concebida en tres actos que involucran, a su vez, compositores distintos, y joyas, muy diferentes. “Esmeraldas”, con música de Gabriel Fauré, seguida de “Rubíes”, pieza signada por la partitura irreverente de Igor Stravinsky, y “Diamantes”, en la cual Peter Ilich Tchaikovski pone todo el rigor clásico. Con la Kennedy Center Opera House Orchestra, dirigida por Andrew Litton, la pieza adquirió gran esplendor, apoyada por el vestuario de Karinska y la escenografía de Peter Harvey.

Con energías renovadas, la compañía dirigida por Jonathan Stafford dejó aflorar sus jóvenes talentos. “Esmeraldas” abre este tríptico que solo confirma la maestría y minuciosidad de Balanchine para crear cada una de las secuencias de este ballet. Indiana Woodward cubrió el rol principal que, en la noche del estreno mundial estuvo a cargo de la inolvidable Violette Verdy. Woodward posee un encanto natural y, junto a su partenaire, Tyler Angle, logró encontrar una interpretación acertada y prolija. Ambos dieron fluidez y armonía a esta pieza que se caracteriza por su especial romanticismo.

Emilie Gerrity, con sorprendentes solos, en el pas de deux tuvo como compañero a Alec Knight, mientras que la variación del trío estuvo a cargo de Baily Jones, KJ TTakahashi y Alexa Maxwell. Frescos y ligeros.

En “Rubíes”, la música de “Capriccio” de Stravinsky cobra protagonismo en sí misma y la competencia con los bailarines es feroz. Esta vez, Mira Nadon asumió el desafío como la segunda bailarina. Sexy, seductora y precisa, se destacó del reparto con sus arabesques y su port de bras.

Megan Fairchild, que ha bailado esta obra durante largo tiempo, manejó con sutileza y oficio su rol principal. Más allá de su compañero, Anthony Huxley, a quien aún le falta ese espíritu desenfadado y chispeante que solía ponerle Gonzalo García hace ya varios años. Sus saltos, sus giros y su velocidad son impecables, pero con eso no alcanza para afrontar ese papel desafiante y hasta traicionero para cualquier bailarín. Huxley todavía está adherido a la coreografía y no deja aflorar al artista.

La tercera obra de este tríptico, que llega después de la explosión musical y coreográfica de “Rubíes”, pone en juego, con Tchaikovsky, la pureza clásica de la Rusia imperial. Sara Mearns, en el rol que asumió Suzanne Farrel la primera vez que se presentó “Diamantes”, y Chun Wai Chan fueron los protagonistas. Mearns es una bailarina expresiva, intensa, que escapa a la interpretación distante que generalmente adopta este ballet. En el pas de deux, Mearns hizo una bella interpretación, con solidez y magnífica línea.

Una presentación que hizo merecido homenaje a sus fundadores, George Balanchine y Lincoln Kirstein, quienes se arriesgaron a lanzar esta magnífica compañía, construida a lo largo de estos años por emblemáticos bailarines.

Un nuevo renacer

mgueler — Sun, 17 Jul 2022 21:41:02 +0000

Isaac Hernández pisó tierra azteca para compartir los pormenores de su espectáculo “Despertares”. Fotos: Gabriela Jiménez Bernal.

Una cocina acondicionada con piso especial fue el cubil donde el bailarín Isaac Hernández vivió una transformación interna y profesional durante el confinamiento sanitario que se vivió en el mundo. Y es que esa experiencia de confrontamiento consigo mismo le permitió convertirse en un mejor intérprete, pero, sobre todo, en un mejor ser humano, confiesa el mexicano dibujando una gran sonrisa en su rostro.

El destacado bailarín pisó tierra azteca para compartir los pormenores de su espectáculo “Despertares”, el cual ha logrado reunir desde hace una década a algunos de los mejores intérpretes de las compañías de danza más prestigiadas del mundo. El tapatío se muestró entusiasmado por bailar nuevamente en su país y hacerlo en el escenario que le abrió las puertas desde 2012: el Auditorio Nacional, que lo recibirá a él y a sus colegas internacionales el sábado 6 de agosto.

“Me siento encantado, emocionado, incluso un tanto nervioso de estar aquí. Todos hemos vivido momentos muy difíciles en los últimos años y ya es momento de reencontrarnos otra vez”, expresó el ganador del Benois de la Danse, el máximo galardón que se da a nivel internacional en el ballet y que le fue otorgado en 2018 en Moscú.

El legado del arte

Sumergido en una profunda reflexión sobre lo vivido durante la reciente pandemia, Hernández comparte lo que, en su opinión, aprendió sobre el valor de las artes: “En este tiempo me quedó más que claro la importancia de estar juntos y de compartir, pero también de los beneficios del arte, de ahí mi necesidad de darle continuidad a ‘Despertares’. Es valioso lo que nos da el arte, es lo que nos da esperanza”.

Considera que el confinamiento ha sido uno de los grandes retos que han enfrentado las artes después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello, el tapatío está convencido que hoy más que nunca se deben mantener los proyectos culturales que contribuyan a la sociedad, en especial a los nuevos talentos: “Estar alejado de mi proyecto me hizo ver que las nuevas generaciones de bailarines pueden perder la ilusión de seguir. Por ello, considero que ‘Despertares’ contribuye a que se sientan motivados viendo a grandes bailarines del mundo”.

También está consciente de que la industria del espectáculo cambió con el mayor uso de la tecnología, obligando a los artistas a proponer nuevas formas de creación y llegar a públicos diversos: “Estamos generando una mente más consciente de lo que tenemos que hacer, y cómo generar una industria cultural más accesible para nuevos espectadores”.

Una etapa de transformaciones

Los 14 números que integrarán el programa estarán protagonizados por destacadas figuras del Ballet Bolshoi y el English National Ballet. Fotos: Gabriela Jiménez Bernal.

Hernández, al igual que el mundo, vivió un confinamiento que lo llevó a innumerables momentos de introspección. En lo personal, aseguró que le permitió una madurez personal y profesional: “Todos experimentamos un peso emocional durante el encierro. Por fortuna, yo tuve mi refugio en la danza. Puse un piso especial en la cocina de mi casa y ahí me refugié. Incluso puedo decir que mejoré en mi técnica y cuidé más mi cuerpo y mi mente. Me aferré a lo que el ballet me da para ser mejor persona. Sin lugar a duda el ballet ha sido un beneficio personal y lo entendí en plenitud. De hecho, cuando no entrenaba la pasaba muy mal. Así que me di mucha esperanza a través de mi baile”.

El tapatío considera que está en su mejor momento como intérprete. Recuerda que durante la formación de cualquier bailarín evidentemente hay mayor preocupación por la técnica. Pero conforme pasan los años se adquiere una libertad física y emocional: “Antes existía una cierta obligación a nuestra profesión, pero ahora hay libertad para elegir el repertorio que deseas interpretar. Como ya hay dominio de la técnica comienzas a disfrutar más tu profesión. Te vuelves un adicto al escenario y buscas conectar con éste de manera única y diferente”.

La transformación que ha vivido el bailarín coincide con su debut como padre de familia. Sobre esta etapa crucial en su vida compartió: “Ser padre me ha cambiado mucho. Veo las cosas más claras y he entendido que es un privilegio estar en el escenario”.

Sobre la responsabilidad que está adquiriendo con su primogénito, Hernández confesó que esta nueva experiencia lo ha hecho apasionarse más sobre el tema de la infancia, por eso tiene una gran inquietud: “Hay mucha incertidumbre en el mundo; sin embargo, mi hijo está rodeado de arte y cultura que inspira a vivir. Quiero que tenga acceso a las expresiones artísticas y que se sienta un apasionado por la vida”.

Noche de estrellas

El tapatío está convencido de que la función de “Despertares” llega en un momento simbólico, ya que la humanidad requiere de experiencias estéticas que resulten una caricia al corazón: “Llegar a mi país con este espectáculo tiene un significado especial. Retomar la normalidad y revivir momentos que nos permitan sentir al público. Será una noche llena de emociones, de conectar a nivel humano. Me alegra llegar a mi país con un proyecto que es parte de la vida cultural de México”.

“Despertares” 2022 reunirá a 30 artistas en escena bajo la dirección del bailarín mexicano, con la producción de Soul Arts Productions, casa productora dirigida por su hermana Emilia Hernández y de la cual ambos son cofundadores.

Los 14 números que integrarán el programa estarán protagonizados por figuras de destacadas agrupaciones como el Ballet Bolshoi y el English National Ballet. Los bailarines internacionales que llegarán al coloso de Reforma son Natalia Osipova, Tamara Rojo, James Streeter, Jurgita Dronina, Chey Jurado, Michaela DePrince, Gabriele Frola, Sae Eun Park, Maria Alexandrova y Vladislav Lantratov, Emily Suzuki, Jason Kittelberger, Brooklyn Mack, así como el propio Isaac y su hermano Esteban Hernández. Sobresale la participación del grupo Guetto Funk Collective y de la cantante Geo Meneses que estará acompañada por los músicos Los Macorinos.

El repertorio reunirá piezas de los coreógrafos más reconocidos en la escena dancística internacional, como George Balanchine, Marius Petipa, Vakhtang Chabukian, Akram Khan, William Forsythe, Jason Kittelberger, Joseph Mazilier, Aszure Barton, Annabelle Lopez Ochoa y Stephan Toss.

Un futuro prometedor

Hernández está consciente que su carrera como intérprete es efímera: “Como bailarines, nuestra vida profesional es corta. Aún me quedan unos seis años para seguir bailando. Física y artísticamente me siento en un gran momento”.

Una vez que llegue el momento de retirarse de los escenarios, le gustaría seguir incursionando en la actuación, como lo hizo recientemente en la pantalla chica. Asimismo, le gustaría tejer más lazos de colaboración con comunidades latinas.

A su vez, le gustaría construir una plataforma digital a través del cual pueda seguir impulsando la danza clásica, género que lo ha llevado al éxito internacional.

El regreso postergado desde 2020

mgueler — Mon, 31 Jan 2022 01:08:05 +0000

Bailarines de The Washington Ballet, Adelaide Clauss y Gian Carlo Perez protagonizan “Lago de los cisnes”. Fotos: ©ProcopioPhotography. Gentileza TWB.

“Presentar ‘Lago de los cisnes’, el icónico ballet que posiblemente sea la columna vertebral de este arte es un momento muy emocionante para The Washington Ballet (TWB) -dijo Julie Kent, directora de la compañía-. Esta producción es el siguiente paso, lógico, en la construcción del repertorio. Todos los ballets románticos que hemos presentado en los últimos años como “Giselle”, “Les Sylphides”, “La Bella Durmiente”, han preparado a nuestros bailarines para este preciso momento”.

El Washington Ballet estrenará la esperada puesta de “Lago de los cisnes”, del 9 al 13 de febrero en el Eisenhower Theater del John F. Kennedy Center for the Performing Arts de Washington DC. Una producción cuyo estreno en 2020 se postergó por el comienzo de la pandemia del Covid-19, cuyas restricciones aun siguen afectando el mundo de las artes escénicas.

Con puesta en escena y coreografía de Kent y Victor Barbee, director artístico asociado, la producción marca el regreso triunfal de la compañía al escenario del Kennedy Center. Con la poderosa partitura de Piotr I. Tchaikovsky, la trágica historia de amor de la etérea princesa cisne Odette y el príncipe Sigfrido promete magia, intriga, melancolía y suspenso.

Con coreografía original de Marius Petipa y Lev Ivanov, Kent y Barbee adaptaron este clásico, basándose en sus años de experiencia y en las notaciones de Vladimir Stepanov. Así como también, en una meticulosa investigación que contó con la asistencia de la becaria en residencia de TWB, Natalie Rouland. Completan esta puesta un vestuario y un diseño escénico especial, que cuenta con orquesta en vivo dirigida por el director Charles Barker.

La compañía dirigida por Julie Kent incorpora a su repertorio una nueva versión de “Lago de los cisnes”. Fotos: ©ProcopioPhotography. Gentileza TWB.

“Cuando nos encerramos hace dos años, ninguno de nosotros podía predecir lo que seguiría: la incertidumbre existencial, la pérdida de oportunidades, la pérdida de la unión que es la esencia de la actuación en vivo. Pero TWB se comprometió a seguir adelante, juntos y, a menudo, de manera innovadora. Ahora estamos al borde de marcar un hito artístico importante: nuestro propio ‘Lago de los cisnes’”, reflexionó la directora artística.

George Balanchine y Francis Mason en “101 Stories of the Great Ballets” describieron la trama desde un punto de vista sutil y particular. “La heroína de ‘Lago de los cisnes’ es una princesa de la noche; ella es toda magia, una criatura de la imaginación. Es la reina de los cisnes, un hermoso pájaro, excepto entre la medianoche y el amanecer, cuando el misterioso hechicero Von Rothbart le permite convertirse en una bella mujer. En el mundo del cielo y del agua se siente como en casa, pero en el mundo real, donde el romance es posible, parece estar irremediablemente perdida. El gran amor que llega a tener por un príncipe mundano está condenado desde el principio; ella no tiene control sobre su destino”.

La temporada 2022 de TWB continuará en la primavera con “Giselle” (del 28 de abril al 3 de mayo en el Warner Theatre) y NEXTsteps (del 22 al 26 de junio en el Sidney Harman Hall) con nuevas obras de los coreógrafos Brett Ishida, Mthuthuzeli November y Jessica Lang. A su vez, y fuera de escena, la compañía presentará Dance for All (del 21 de marzo al 8 de abril), una serie de eventos y experiencias gratuitos que se reslizarán en los ocho distritos de la ciudad.

Funciones:

The Washington Ballet presenta “Lago de los cisnes” en el Eisenhower Theater del Kennedy Center
Coreografía sobre la original de Marius Petipa y Lev Ivanov de Julie Kent y Victor Barbee
Música de Pyotr Ilyich Tchaikovsky
The Washington Ballet Orchestra, Charles Barker
Vestuario cortesía de Ballet West
Escenografía y vestuario: Peter Cazalet
Iluminación: Brad Fields

Miércoles 9 de febrero a las 20 h.

Jueves 10 de febrero a las 20 h.

Viernes 11 de febrero a las 20 h.

Sábado 12 de febrero a las 14 h.

Sábado 12 de febrero a las 20 h.

Domingo 13 de febrero a las 14 h.

www.washingtonballet.org

Salud y Seguridad
Para todas las actuaciones, TWB ha instituido varias políticas de salud y seguridad de COVID-19, incluida la prueba de vacunación para todos los espectadores mayores de 12 años, así como el requisito universal de usar de mascarillas.

Caleidoscopio virtual

mgueler — Wed, 20 May 2020 18:32:00 +0000

“Cervantes, el trágico sueño de la memoria”, presentada por Tándem, habla de la transformación del ser humano. Gentileza INBAL.

Protagonistas de la danza sigue en movimiento virtual. Para esta semana, artistas del cuerpo tanto consolidados como emergentes compartirán sus propuestas dancísticas a través de las redes @danzaINBAL para todos aquellos amantes de este arte.

Vanguardia, tradición e imaginación son los componentes que integran las cinco propuestas que estarán en línea del 18 al 24 de mayo. Se trata de creaciones que en su momento destacaron dentro de la escena nacional por la calidad de su propuesta e interpretación.

Las cinco propuestas y agrupaciones que las interpretan son: “Cervantes, el trágico sueño de la memoria” de Tándem; “The Joy of Evident” (Fragmento) de Convexus Ballet Contemporáneo; “Alina” (Memoria del multiverso) de Lagú Danza; “Animales 2081” de La Paradoja del gato y KaizenDanza, y “Recuerdo de una Infancia Duranguense” de la Compañía Infantil de Danza Folclórica de la Secretaría de Educación del Estado de Durango.

Por lo que se refiere a “Cervantes, el trágico sueño de la memoria”, la maestra Leticia Alvarado, directora del grupo Tándem, explicó que es una obra que invita a creer en la transformación del ser humano, en aquel quien vislumbra la posibilidad de un mundo ideal y demanda creer en el sentido de la lealtad y la justicia: “La pieza confronta al joven contemporáneo, aquel que cree en la posibilidad de la imaginación para cambiar su época y transformarla en aquello que ha deseado e imaginado desde siempre y para siempre”.

Piezas tradicionales en “Recuerdo de una Infancia Duranguense” de la Compañía Infantil de Danza Folclórica de la Secretaría de Educación del Estado de Durango. Gentileza INBAL.

Una interesante propuesta de fusión de ballet con contemporáneo es presentada por Francisco Rojas, director de Convexus Ballet Contemporáneo. A través de un fragmento de su pieza “The Joy of Evident” hace un homenaje a los creadores George Balanchine y William Forsythe, figuras que han inspirado al bailarín y coreógrafo. La propuesta representa distintos estados de ánimo cobijados con música clásica y electrónica.

La compañía Lagú Danza, de Erika Méndez, participa con su pieza “Alina” (Memoria del multiverso), que después de ser finalista en el Premio Nacional de Danza Guillermo Arriaga 2019 tuvo funciones exitosas en diversos recintos. La obra, inspirada en la física cuántica, se desarrolla en un departamento donde se cuentan muchas historias que parecen de distintos tiempos, pero en realidad suceden en el mismo instante; con esta idea la coreógrafa busca que más gente entienda que conocer sobre ciertas fórmulas del universo puede transformar su existencia.

“Animales 2081” de La Paradoja del gato y KaizenDanza es una pieza que ubica al espectador de manera intermitente entre lo que se relata y lo que se presencia, lo que se escucha y lo que se imagina. Sus creadores -Jennifer Moreno y Viko Hernández- presentan cuadros escénicos que piensan el mundo a través del movimiento entrelazan un relato inspirado en conceptos como el cautiverio, la felicidad, la libertad y el amor no humano.

Finalmente, los cibernautas pueden apreciar un recopilado de piezas tradicionales a través del espectáculo “Recuerdo de una Infancia Duranguense” de la Compañía Infantil de Danza Folclórica de la Secretaría de Educación del Estado de Durango.

# QuédateEnCasa

Cabe recordar que para acompañar a la población mexicana durante la Jornada Nacional de Sana Distancia, la Secretaría de Cultura y el INBAL, cuentan con diversos contenidos en línea que permiten conocer y disfrutar el patrimonio cultural y artístico desde casa, a través de la plataforma Contigo en la distancia, a la cual se puede acceder de manera gratuita a través de contigoenladistancia.cultura.gob.mx

Se pueden seguir las redes sociales del INBAL a través de Instagram (@INBAMX) Facebook (/INBAmx) y Twitter (@bellasartesinba). Sigue las redes sociales de la Secretaría de Cultura en Twitter (@cultura_mx), Facebook (/SecretariaCulturaMX) e Instagram (@culturamx).

Siempre es tiempo para recordar

mgueler — Fri, 14 Feb 2020 05:47:16 +0000

El Ballet Nacional de Cuba presenta “Double bounce”, de Peter Quanz, un pas de deux neoclásico con chispeante humor. Foto: Nancy Reyes. Archivo Danzahoy.

El Ballet Nacional de Cuba (BNC), Patrimonio Cultural de la Nación, en el año del Centenario de Alicia Alonso, desde el 7 al 16 de febrero ofrece un programa tributo en el Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso.

La compañía cubana que dirige Viengsay Valdés, ha invitado al coreógrafo canadiense Peter Quanz, para la reposición de sus obras “Le Papillon” y “Double bounce”, existosas piezas que integran el repertorio del BNC.

Al decir de Peter Quanz, “Le Papillon” es el único ballet coreografiado por Marie Taglioni. Fue creado en 1860 para su alumna Emma Livry como un regalo a la bailarina más joven y sobresaliente de su tiempo. La versión que he realizado para el Ballet Nacional de Cuba no tiene conexión con el libreto original, pero está centrada en la relación entre Marie Taglioni y Emma Livry. En su época, Taglioni inspiró a las nuevas generaciones de bailarines, de la misma forma que Alicia Alonso abrió su corazón a los artistas de Cuba y de todo el mundo».

“Double bounce” con música de David Lang y vestuario de Anne Armit, es un pas de deux neoclásico con rápidos cambios sincopados de ángulos con poses precisas y malabares chispeantes de humor alegre, como lo definió el crítico ruso Alexander Firrer. El programa lo integran también “Suite géneris” de Alberto Méndez, inspirado en la música de Haendel y Haydn, que deviene en un agradable juego coreográfico. El pas de deux del ballet “Las intermitencias del corazón”, que en 1974 creara el coreógrafo francés Roland Petit, está inspirado en fragmentos de “En busca del tiempo perdido” de Marcel Proust, esta obra alterna con “Double bounce”.

Cierra el programa “Tema y variaciones”, uno de los más famosos ballets de George Balanchine. Su estreno tuvo lugar en 1947, en New York, a cargo de Alicia Alonso e Igor Youskevitch, quienes hicieron una inolvidable creación de esta obra. Desde su estreno en el Ballet Theatre, “Tema y variaciones” ha pasado a enriquecer el repertorio de las más famosas compañías del mundo. Siguiendo la música de Tchaikovski, el estilo balanchiniano logra en esta obra un singular concierto formal de rejuegos coreográficos, que exige de los intérpretes un gran virtuosismo técnico y una depurada sensibilidad artística.

Los roles protagónicos de estas presentaciones estarán a cargo de Viengsay Valdés, Anette Delgado, Sadaise Arencibia, Grettel Morejón, Dani Hernández, Rafael Quenedit, Ginett Moncho y Yankiel Vazquez, secundados por solistas y cuerpo de baile.

Una nueva era con retos y optimismo

mgueler — Sun, 01 Dec 2019 22:25:37 +0000

Yansiel Pujadas y solistas del BNC interpretaron “Poema del Fuego”, de Alberto Méndez, estrenado en 1983 por Jorge Esquivel. Fotos cortesía BNC.

El baluarte cubano de la danza académica, el Ballet Nacional de Cuba, nos entrega la primera temporada post-Alicia Alonso –la sempiterna prima ballerina assoluta y cofundadora–, ahora con la primera bailarina Viegnsay Valdés con la responsabilidad plena como directora artística (no obstante, en los programas de mano aparece aún con el prefijo “sub”), en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana que lleva el nombre de la eximia Alonso, recientemente despedida físicamente con todos los honores populares y oficiales.

En dos atractivos y optimistas programas, el BNC nos permitió valorar una acertada elección de títulos, ora por su variedad de estilos ora por sus novedades creativas. En sucesivos fines de semana, presentaron dos estrenos y tres reposiciones, debidos a destacados coreógrafos con evidentes valores ideo-estéticos, pero de generaciones y culturas disímiles. Algo que considero de suma importancia para el enriquecimiento formativo profesional de un cuerpo de baile -en el presente- mayoritariamente integrado por jóvenes que apenas superan la veintena.

Entre las reposiciones pudimos disfrutar la exhumación de una admirada pieza del coreógrafo cubano Alberto Méndez, actual asistente de la dirección artística-, como es el caso de “Poema del Fuego” inspirada por la música homónima de Alexander Scriabin. Este ballet en un acto fue estrenado en 1983, y en el rol principal figuraba el estelar bailarín Jorge Esquivel. Después de su defección de la compañía, nunca más se repuso esta obra. Actualmente, la obra se reciente por la carencia de un bailarín que supere tal referencia, con la alternancia de dos bailarines del cuerpo de baile con biotipos distintos asumieron con fuste y sólida técnica al dios mitológico del fuego, empero sin la madurez interpretativa requerida. Ciertamente, algunos ballets centrados e inspirados por un bailarín o bailarina “fuera de serie”, es mejor dejarlos dormir hasta que aparezca ese ser irrepetible (recordemos aquellos creados para Nijinsky, y los guiños al “Apolo” de George Balanchine)

Luego, retornó “Celeste” (2014), de la coreógrafa colombo-belga Annabelle López-Ochoa, ballet neoclásico coral inspirado por el Concierto para violín y orquesta en Re mayor de P. I. Tchaikovsky, para tres parejas solistas y reducido cuerpo de baile, donde el vestuario y el diseño de luces nos transporta a un mundo azul celeste. Esta creación para la compañía fue posible gracias al apoyo del British Friends of BNC.

Del coreógrafo brasileño Ricardo Amarante se presentó “Love, Fear, Loss”, ballet de estilo neoclásico ejecutado al piano por Marcos Madrigal. Fotos cortesía BNC.

Para la semana siguiente, acometieron la valiente tarea de reponer uno de los emblemáticos títulos de danza académica en el repertorio activo, con el rigor estilístico que requiere esta joya del ballet del siglo XX, precursor de la modernidad, “Las sílfides” (1907) –también conocido como “Chopiniana”- en un montaje de Alicia Alonso según la versión original de Mikhail Fokine (como ella misma ha revelado, trabajó en el ABT con el autor en 1942, poco antes de su muerte). El propio Fokine emprendió cambios para una reposición de 1908 (entonces fue rebautizado en francés como “Réverie Romantique”, siempre con música de Chopin), para convertirlo en un ballet sin argumento, pero cargado de símbolos y “con un estilo de profundo lirismo, alejado de todo amaneramiento…”.

La orquesta sinfónica del GTHAA estuvo en el foso bajo la dirección del maestro Giovanni Duarte con un soporte musical ajustado a las circunstancias. El poeta fue encarnado con sobriedad y justeza por el primer bailarín Rafael Quenedit, con una Anette Delgado estilísticamente modélica, arropados por una sobrevalorada ejecución del cuerpo de baile femenino. En no pocos momentos provocó el aplauso merecido de la audiencia.

Dos coreografías por autores foráneos recibieron sendos estrenos por el BNC, y fueron bailados en dos fines de semanas por elencos alternantes. Estas piezas, de disímiles culturas y escuelas de ballet, contribuyeron a elevar la temperatura en el entusiasmo del numeroso público que colmó a tope el hermoso coliseo de la capital (en su medio milenio de fundación). En lo fundamental se debió a la entrega artística de los elencos debutantes: ambas eran demandantes de talentos interpretativos que fueran más allá de las demostraciones del virtuosismo técnico. Estas novedades los obligaba a salir de su zona de confort.

Para abrir la segunda parte del programa, vino Love, Fear, Loss (2012), del coreógrafo brasileño Ricardo Amarante (responsable igualmente del vestuario y las luces). Es un ballet para tres parejas, de estilo neoclásico e inspirado en la vida de la gran cantante francesa Edith Piaf (1915-1963), así como en sus “antológicas interpretaciones de tres obras que, de alguna manera, son fiel reflejo de su trágica vida amorosa”. Esta pieza (deudora de otros referentes creados por Jerome Robbins), tuvo su premier en 2012 por el Ballet Real de Flandes, en Amberes, y por cuya creación recibió el premio de la Asociación Francesa de la Danza. Su estreno cubano tuvo un IVA en el soporte musical, pues contó con la privilegiada ejecución al piano en escena de Marcos Madrigal considerado uno de los más talentosos músicos cubanos de su generación del siglo XXI, residente en Italia actualmente. Ejecutó con pasión y rigor las transcripciones para piano realizadas por Natalia Chepurenko, que incluye temas de Jacques Brel, Charles Dumont y de la propia Piaf. Hubo distinguidas interpetaciones, como las de Chanell Cabrera y Sadaise Arencibia, pero la más descollante interpretativa y técnicamente fue la pareja formada por Claudia García y Adrián Sánchez (el auditorio los gratificó en pie).

Para el cierre, llegó el plato fuerte de la noche: el celebrado ballet “Concerto DSCH”, del coreógrafo ruso-norteamericano Alexei Ratmanski, que fuera creado originalmente para el New York City Ballet en 2008, inspirado en el Concierto para piano, No.2 en F mayor, Opus 102, del afamado compositor ruso Dimitri Shostakovich. Dado el éxito conseguido por esta obra, ya ha ingresado en los repertorios de otras grandes compañías: Ballet del Teatro alla Scala de Milán, en 2012, y el Ballet del Teatro Mariinski de San Petersburgo, en 2013.

La entrada de esta obra, en 2019, en el vasto repertorio del BNC resulta un acontecimiento significativo, entre otras cosas, porque es el primero bajo la dirección artística de Viengsay Valdés (que baila en él, como solista), así como primero después de la desaparición física de Alicia Alonso.

En segundo lugar, porque constituye un reto para los noveles bailarines de la compañía, ya que se enfrentan al estilo muy particular de Ratmaski; por sus atrevidas audacias dentro del neoclasicismo balanchiniano, donde lo abstracto se funde con “sutilezas y sugerencias” narrativas, donde transpira el optimismo y la euforia al bailar.

Si la construcción de sus bailes son totalmente diferentes, los aficionados al ballet podrían hallar claras referencias con “Concerto” (1966) del inglés Kenneth MacMillan (particularmente en el movimiento lento), así como derivaciones de otro maestro predecesor, George Balanchine, en su canónico “Ballet Imperial”, de 1941, actualmente conocido como “Tchaikovsky Piano Concerto No.2”, al utilizar a dos primeras bailarinas y tres solistas masculinos, quienes bailan todos en sucesivos episodios del primer movimiento. Ratmanski aprehende recursos de sus precursores, empero en tanto que un maestro, los recrea con libertad y frescura.

Es evidente que domina las formas puras del ballet académico, mas también nos muestra fuertes elementos de lo que popularmente calificamos como danza de carácter o démi carácter. Además, no abandona importantes aspectos de la caracterización en las interpretaciones dramáticas.

El final de “Concerto DSCH” se convierte en un despliegue abrumador de círculos por separado y de giros como un tornado por parte de la bailarina principal, a la vez mezclados con espectaculares saltos. No obstante, es necesario señalar que los bailarines del cuerpo de baile no son grupos de mero apoyo o reflejos multiplicados de los solistas: ellos se manifiestan como sus “partners”. Fue una participación esencial como ensayador del destacado bailarín español Joaquín de Luz, que formó parte del elenco original de esta obra como miembro del NYCBallet, y en el presente es director artístico de la Compañía Nacional de Danza de España.

El desempeño del elenco cubano estuvo a gran altura, por su brillantez y el poderío técnico, particularmente las primeras bailarinas Anette Delgado, Gretel Morejón y Viengsay Valdés, el primer bailarín Dani Hernández, así como los solistas: Diego Tápanes, Narciso Medina o Chanell Cabrera, con apoyo eficiente del cuerpo de baile mixto.

Para esta producción el BNC obtuvo el generoso patrocinio de la Cuban Artists Fund y de la American Girls for Cuban Dance, con sede en los estados Unidos.

“Concerto DSCH”, del coreógrafo Alexei Ratmanski, tuvo como solistas femeninas a Anette Delgado, Gretel Morejón y Viengsay Valdés. Fotos cortesía BNC.

La última diva dice “Adiós”

mgueler — Mon, 04 Nov 2019 01:44:02 +0000

Viengsay Valdés y los bailarines del Ballet Nacional de Cuba acompañan a líder y mentora considerada una de las grandes bailarinas del siglo XX. Foto gentileza BNC.

Con honras fúnebres nacionales y manifestación popular de duelo en las principales arterias de La Habana, los cubanos dieron el último adiós, con lágrimas y vivas a su admirada, inconmensurable e irrepetible prima ballerina assoluta, Alicia Alonso (née, Alicia de la Caridad Martínez del Hoyo -21 de diciembre de 1920-19 de octubre de 2019), considerada como la última diva de la danza del siglo XX.

Una extraordinaria capilla ardiente, presidida por la enseña en nacional, fue instalada en medio de hermosas y espléndidas decoraciones florales con predominio de sus rosas favoritas, al pie de la importante escalinata de mármol del gran vestíbulo de la Sala Federico García Lorca del Gran Teatro de La Habana, que hace pocos años fue bautizado pertinentemente “Alicia Alonso”. Allí estaba la diosa de la danza “dormida” en su magnífico ataúd plateado, ataviada con un soberbio vestido y bandeau de su color favorito, el azul del cielo de su amantísima patria. (Viene a colación, un apotegma que utilizó en varias entrevistas: “el arte no tiene patria pero el artista sí”).

Con emoción visible -durante ocho horas-, un desfile de admiradores y personalidades formaron largas filas en las calles aledañas al coliseo habanero para ingresar al recinto y ofrecerle su silencioso tributo con flores y un beso al vuelo. Apreciamos entonces la diversidad e inclusión de estos, desde diplomáticos, miembros del clero secular, militares, amas de casa con sus niños, funcionarios, obreros, ancianos hasta con discapacidades motoras, y esa diversidad que tiene nuestro pueblo. Seguramente algunos no vieron bailar a la Alonso, mas era su icono o paradigma nacional.

La salida del cortejo fúnebre estaba fijada a las cuatro de la tarde, para dirigirse al Cementerio Colón donde sus restos mortales reposarían finalmente en humilde panteón de granito, junto a los restos de sus progenitores. Seis elegantes jóvenes solistas del BNC tuvieron el privilegio de llevarla en andas con sutil marcialidad hasta las grandes puertas principales del imponente coliseo del antiguo Paseo del Prado, arropados con la música de Adam correspondiente a la escena final de su antológica versión de “Giselle”. Momento indescriptible cuando la multitud que esperaba en las aceras del parque Central estalló al unísono con aplausos y ovaciones de viva Giselle-Alicia. Luego, conmovedoras escenas se repitieron a lo largo de los varios kilómetros del trayecto de los coches fúnebres, previamente elegido para llegar hasta su última morada.

Otra multitud de pueblo esperaba su arribo en el principal campo santo habanero; rompiendo a su entrada el ominoso silencio reinante con aplausos y vivas -esta vez no hubo ingreso en la Capilla central para efectuar el acostumbrado responso en el rito católico, siempre que los familiares lo soliciten previamente-, hasta llegar a la tumba familiar. La ceremonia dio inicio con las notas del Himno Nacional, cantada por todos los presentes, acto seguido la brillante facundia oratoria del Dr. Eusebio Leal, Historiador de la Ciudad de La Habana, nos embargó en la tristeza pero nos despertó la contradictoria sensación que produce la despedida de los que alcanzan por sus méritos la inmortalidad: la diva con su gloriosa y triunfal trayectoria artística entre los vivos, “ahora ya marcha hacia el olimpo” dijo Leal. Presentes estaban su esposo, el Dr. Pedro Simón, director del Museo nacional de la Danza, su nieto Iván Monreal, bailarín y profesor de ballet y una de las hijas de éste, así como el actual Ministro cubano de cultura.

No debo olvidar un bien pensado detalle previsto para estas Honras Fúnebres, al tratarse de la despedida física de una excelsa bailarina: la presencia constante -en el velatorio- de la música a través de la Orquesta sinfónica del GTHAA, con su director titular Giovanni Duarte, y el apoyo exquisito de algunos de los primeros solistas del Teatro Lírico Nacional, nos entregaron escogidos temas de las óperas favoritas de la Alonso, así como archiconocidos fragmentos de los grandes ballets clásicos que siempre llevarán la indeleble impronta de cubanía de esta excepcional intérprete.

Mito y leyenda

Toda esta conmoción cultural acontecida en el archipiélago cubano, con la desaparición física de una personalidad de la luz, que no deja de irradiar como ha sido Alicia Alonso, ha sido bien sustentada por el aluvión justificado de obituarios y artículos en los medios de comunicación del orbe, tanto los especializados como la gran prensa y las agencias informativas globales. Pudiera objetarse el tono apostrófico y reiterativo, y hasta pifias históricas, de algunos de éstos, con tópicos trillados al intentar desentrañar la magnitud de este “fenómeno” que emergió y se desarrolló en una pequeña isla del Caribe, por los años 20 de la pasada centuria, hasta convertirse -tras un largo recorrido de 98 años-, en la última diva de la danza del siglo XX (cubana y universal).

Fue el resultado del consiguiente y consecuente rigor y disciplina del trabajo cotidiano en los salones de clases y ensayos, al recibir los legados técnico-estilísticos de los entonces grandes maestros del género, tales como Michel Fokine, Anton Dolin, Antony Tudor, George Balanchine, por solo mencionar los más próximos, además los iniciáticos como Yavorsky o Fedorova. De ellos aprendió cómo interpretar los diferentes estilos; cómo administrar adecuadamente las energías; cómo oxigenar óptimamente el cuerpo y los músculos con métodos probados de manera empírica; la atención precisa para respetar la musicalidad según los tempos de una masa orquestal bien dirigida. Todo ello fue transmitido por la Alonso a las generaciones sucesivas de bailarinas y bailarines, con la contribución fundamental de los hermanos Fernando y Alberto Alonso, dando por creación conjunta el “milagro” de una nueva escuela de danza clásica en este lado de la luna: la Escuela Cubana de Ballet. Logros probatorios de su eficacia formativa fueron certificados con la lluvia de medallas de oro, plata o bronce ganadas en buena lid por los danzantes cubanos en los más importantes concursos de ballet de Europa o Estados Unidos. La cumbre de su reconocimiento mundial ocurrió con el otorgamiento del Grand Prix de la Ville de Paris a Alicia Alonso por su interpretación y puesta en escena integral del ballet “Giselle”. El Ballet de la Ópera de París incluyó en su repertorio la versión cubana de esta icónica pieza -que tuvo su premier mundial en 1841 por Carlota Grisi y el corps de ballet del teatro principal de la Ciudad Luz-, que la mantuvo en cartel durante una década.

Recordemos, por supuesto, los avatares personales para conducir y desarrollar su carrera en los Estados Unidos junto con Fernando Alonso en la School of American Ballet y luego su paso al cuerpo de baile del Ballet Theatre, con Lucia Chase al frente; el nacimiento prematuro de su hija Laura y, cuando comenzaba su ascenso a los primeros rangos del que luego fue ABT, sucede el lamentable accidente ocular del desprendimiento de retina en su período veinteañero. Recuperada, tras un reposo absoluto de poco más de un año, Alicia Markova enferma la eligió como la única solista capaz de remplazarla en “Giselle” junto a su primer partenaire: Anton Dolin.

Fue su primer gran triunfo en la escena del viejo Metropolitan Opera House , si tenemos en cuenta los elogios de los más importantes críticos de danza de aquel momento. Sobresaliente fue su memoria, como es reconocido públicamente por sus colegas estelares en el conjunto neoyorquino: era posible que Alonso bailara hasta tres diferentes obras coreográficas en un mismo programa para cada función según comentara su entonces colega Agnés de Mille.

La ceguera progresiva nunca la arredró ante la ejecución de nuevas obras o experimentar con nuevos compañeros de baile y coreógrafos. Siempre se las arregló para solucionar los posibles obstáculos en un nuevo baile o escenario. Cuando se aproximaba a la ceguera casi total, jamás aceptó se cambiara una producción o puesta en escena para evitarle un posible accidente en público: ella se reajustaba con nuevos movimientos, giros o saltos con ayuda de su compañero de baile al uso. Para los montajes de sus coreografías concibió un ingenioso sistema a base de cerillos y sus cajitas de cartón, y sus diseños eran asumidos por los respectivos asistentes.

Más allá de detalles acumulados a través de varias décadas, deseo plasmar su espíritu arriesgado para incursionar en otras manifestaciones ajenas a la danza clásica, era un afán de conocimientos sin límites, que muchas veces incorporaba a su labor creativa: por ejemplo, participar en expediciones espeleológicas, tratar de conocer los avances en los viajes al cosmos; los éxitos olímpicos de los atletas cubanos; las búsquedas creativas por los más destacados artistas de las artes visuales del país, entre otras
Además de sus incursiones en temas insospechados por el público balletómano: su amor a los animales domésticos particularmente los perros ( su padre fue médico en veterinaria, particularmente de la rama equina militar).

Alicia Alonso, según sus discípulos

Durante las penosas horas del adiós, tres destacadas figuras del ballet cubano confiesan su fidelidad y reconocimiento a la gran maestra. Viengsay Valdés, hace unos meses nombrada subdirectora artística y a la aurora de tomar las riendas de la compañía, nos desvela con franqueza sus sentimientos: “Hoy siento el deber y el compromiso aun más fuerte con su legado artístico. Sus consejos tan acertados en cada momento… Los que conocimos su obra y su pensamiento, nos sentimos en el deber de transmitirlo para que se mantenga vivo su ideario… La constancia, la exigencia, la calidad interpretativa y técnica, la pasión por la danza –contagiosa- y la determinación de Alicia, son cualidades que pocas personas reúnen… Todavía con 74 años su agilidad del movimiento de sus pies era asombrosa, cuando la vi haciendo sola la barra y un pianista tocando algunas melodías”.

Por su parte, la primera bailarina Anette Delgado comentó: “…Es difícil decirle adiós a esta gran mujer que junto a Fernando y Alberto Alonso crearon algo tan grande como la Escuela cubana de ballet, que gracias a su empeño por llevar la danza a todos los rincones de esta Isla me permitió llegar a ser la artista que soy hoy en día… Doy gracias a la vida por permitirme y permitirle a tantas generaciones de bailarines llegar a estar a su lado, escucharla, aprender y adquirir sus conocimientos, entender la razón del por qué y para qué danzamos…seguirá siendo nuestro faro… su lucha incansable y su perseverancia ante cualquier dificultad, su afán por poner en lo más alto el nombre del BNC y la danza a nivel mundial”, concluyó.

El reconocido bailarín Carlos Acosta, estaba con su compañía Acosta Danza en gira por Asia cuando recibió la infausta noticia, y envió este mensaje, del cual damos a conocer algunas líneas.

“No puedo dejar de pensar en todo lo que le debemos, en el extraordinario legado que Alicia nos ha dejado. Siendo hija de una pequeña isla del Caribe, Alonso se impuso a todas las barreras de los que decían que el ballet era un arte de países desarrollados, que el físico y el temperamento latino no se ajustaba a los requisitos de la danza clásica. Todos estos prejuicios fueron demolidos cuando Alicia Alonso entró en escena.

…Tuve la dicha de bailar con ella. En otro momento tuve el privilegio de que me tomara ensayos en “El espectro de la rosa”, de Michel Fokine. Fue una experiencia inolvidable… Ese día quedé deslumbrado por sus conocimientos y su memoria (como lo estuvo Agnes de Mille), y por el recuerdo de esas historias lejanas que al ella contarlas se hacían tan cercanas… Junto a los artistas de Cuba seguiré trabajando para que nuestro país siga creciendo. Creo que esa es la mejor manera de honrar su nombre”, sentenció Acosta al finalizar su mensaje.

Nunca será ocioso retornar al magisterio martiano, para ello lo cito: “la muerte no es verdad cuando bien se ha cumplido la obra de la vida”.

Con la mirada puesta en el futuro

mgueler — Sun, 06 Oct 2019 19:30:21 +0000

Lourdes López a punto de lanzar la programación de la temporada 2019-2020 que comienza en Miami y luego sale de gira por el Este y el Oeste de los Estados Unidos. Foto gentileza MCB.

Ballerina y maestra, Lourdes López, por poco más de un lustro directora artística del Miami City Ballet (MCB), con sede en un icónico inmueble art déco de la ciudad de Miami Beach. Privilegiada discípula de Georges Balanchine, tenía apenas un año cuando llegó de Cuba a Miami con sus padres. Después de superar ciertas anomalías congénitas de sus pies logró ingresar –primero en la Joffrey School– y luego a los 14 años consiguió una beca en la afamada School of American Ballet. Por su esforzado rigor en su formación técnica, fue seleccionada para formar parte del cuerpo de baile del New York City Ballet.

Su distintiva musicalidad y su especial calidad de movimiento, combinadas con su personal glamur, fueron fundamentales para que el todopoderoso Mr B decidiera sus promociones sucesivas en los rangos del NYCB, hasta culminar en el anhelado puesto de “principal” en 1984, el cual desempeñó con éxitos de público y crítica, hasta decidir su retiro de la escena. El ejercicio de ballet mistress y el de directora, desde 2013, la han colmado de satisfacciones personales, mediante los logros artísticos alcanzados por el MCB.

Con una apretada agenda de clases, ensayos y montajes, y ante el comienzo de la temporada 2019-2020 el 18 de octubre con “Slaughter on Tenth Avenue” de Balanchine, la directora, optó por varias reposiciones y estrenos, así como dos grandes “war horses”: “Don Quijote” y “El cascanueces”.

Danzahoy: Para comenzar, ¿cuáles fueron tus criterios para la elección, estética y temática de las obras?
Lourdes López: En esta temporada solamente tenemos estrenos de dos creadores vivos, Justin Peck y Christopher Wheeldon, y la reposición de una pieza de Alexei Ratmansky. Ninguno de ellos pudo venir a Miami, pero los repositores autorizados han estado al frente de los montajes.
En cuanto a la primera cuestión, programo no por temáticas, doy prioridad a las piezas que resultan buenas para el enriquecimiento cultural y estético tanto del público como de los bailarines. Me importa mucho saber cómo se ha de sentir el público después de verlas. Es así como las combino, en busca de un equilibrio con lo clásico y lo contemporáneo. De las reposiciones, opino que mientras más las bailan mejor será la entrega. Deben bailarlas en ocasiones sucesivas cada dos o tres años, para que las incorporen mejor, particularmente en el plano de los estilos. Los grandes ballets del repertorio clásico, preferimos que los vean cada cuatro o cinco años. En esta ocasión, tenemos “Don Quijote”, en la versión que baila el American Ballet Theatre, y “El cascanueces”, por supuesto, hacemos la coreografía de Balanchine.

D: ¿Cómo se incorporan a la compañía los nuevos talentos surgidos recientemente?
LL: Ahora hemos llegado a contar con 53 bailarines, el número más grande que jamás hemos tenido. Esta vez tendremos al excelente bailarín cubano Carlos Quenedit, que interpretará Basilio en nuestro “Don Q” con la primera bailarina mexicana Katia Carranza. Por otra parte, la distinguida solista Nathalia Arjase estrena en el pas de deux “Pájaro de fuego” (Balanchine/Stravinsky). También cuento con dos chicos y dos chicas, muy jóvenes (de 19 ó 20 años) que, en dos semanas de ensayo conmigo han demostrado progresos evidentes y especial talento.

Una de las elegidas de George Balanchine en el NYCB, Lourdes López asumió la dirección del Miami City Ballet en 2013. Foto gentileza MCB.

D: ¿Y la selección de las obras que ya pueden considerarse clásicas?
LL: Consideramos mucho los permisos del Balanchine Trust, pues nos autorizan a bailar por primera vez piezas del repertorio del NYCB. Entre ellas el pas de deux “Pájaro de fuego” con nueva puesta en escena y vestuario, que solamente lo baila la agrupación neoyorkina. Igualmente, “I´m Old Fashioned”, un homenaje de Jerome Robbins a Fred Astaire, uno de los grandes bailarines de entonces. Nuestros solistas bailarán ante las estrellas del famoso filme de 1941, que se proyectarán en una gran pantalla a sus espaldas, Astaire y Rita Hayworth, con su glamur hollywoodense “irresistible y conmovedor”. El público tendrá reales motivos para salir eufórico del teatro.

D: ¿Cuáles son los estrenos elegidos?
LL: “Rodeo: Four Dances Episodes” es una recreación de Justin Peck que rinde homenaje a la coreógrafa norteamericana Agnes de Mille (con la que se hizo famosa), siempre con la música original de Aaron Copland, realizada para el NYCB será representada por vez primera fuera de su compañía de ballet. El pas de deux “This Bitter Earth” de Wheeldon sobre la música seductora de Max Richter con la voz en off de Dinah Washington, es un dúo muy hermoso pero muy triste, conmovedor.

D: Si bien no es un estreno, reponen “Symphonic Dances” (2012) de uno de los más afamados coreógrafos del momento, el ruso Ratmansky, que coincidentemente ofreció su obra “ConcertoDSCH” (de 2008) al Ballet Nacional de Cuba, obra que también bailó el Ballet del Teatro Mariinski en el Covent Garden de Londres en 2014.
LL: Me alegra mucho que el BNC tenga un ballet de Alexei (Ratmansky) en un futuro cercano. El que bailamos en nuestro conjunto siempre es muy bien recibido por el público, y aportó mucho a nuestro elenco.

D: ¿Cómo se manifiesta el público de Florida con relación al ballet, y particularmente en cuanto a los programas del MCB?
LL: Realmente la respuesta del público ha sido muy buena en los últimos años, buena venta de subscripciones y de taquilla. El nivel de asistencia ha sido alto, a Dios gracias. Hemos superado una precedente apatía.
D: ¿Cómo se desarrolla su relación profesional y personal con la nueva dupla que rige actualmente el NYCB?
LL: Puedo decirte que muy buena. Tanto con Jonathan (Stafford) que no conocía antes de mi retiro, como con Wendy (Whelan), pues fuimos amigas cuando bailamos juntas en el cuerpo de baile del NYCB. Ambos siguen siendo buenos colegas.

Lourdes López incluye en la programación del MCB clásicos de Balanchine, estrenos de Justin Peck y Christopher Wheeldon, y una reposición de Alexei Ratmansky. Foto gentileza MCB.

D: ¿Padece el MCB la carencia de nuevos talentos coreográficos, como se manifiesta en otras compañías de ballet? La programación de la nueva temporada está sostenida por nombres de gran reconocimiento…
LL: En cierta manera sí. Pero esto lo vamos paliando y superando con la participación de los estudiantes que participan en las escuelas de verano y de invierno. A la par, existe un taller coreográfico del cual han surgido dos jóvenes con promisores talentos coreográficos, que han creado piezas para los participantes de ambos cursos. Uno de ellos compone en la línea contemporánea y el otro (una chica) en la clásica… sin duda me parece muy clásica. En la temporada de 2020 le daremos oportunidad a un joven talento en lo contemporáneo, pues ha montado siete danzas muy creativas para los participantes.

D: ¿Cuál será su posición, en tanto que mentora de una institución estadounidense de ballet, con respecto a los cambios en la cúpula directriz del Ballet Nacional de Cuba?
LL: Me parece una elección positiva, es darle paso a generaciones más jóvenes. A Viengsay Valdés la he visto bailar de manera brillante, la he admirado por su baile. Estamos dispuestos a ayudarla en lo artístico y profesional. Para eso somos compañías homólogas como artistas de la danza y geográficamente vecinas.

D: ¿Cómo han programado las giras a corto plazo para 2019-2020, tanto locales como internacionales?
LL: Hasta ahora, nuestros planes de gira confirmados son los inmediatos: actuaremos en escenarios de varias ciudades del Sur de la Florida en 2019, aunque luego iremos a Washington DC, a California, y en 2020 a importantes ciudades de Canadá.

D: En 2020, en Cuba están preparando varias celebraciones para el centenario de Alicia Alonso, particularmente durante el bienal Festival Internacional de Ballet de La Habana, (octubre-noviembre). ¿Aceptaría una invitación para bailar en esas conmemoraciones?
LL: Espero que puedan celebrársele sus 100 años como ella se merece, y que esté mucho más tiempo entre nosotros. Y que sea posible estar presentes.

El homenajeado es Jerome Robbins

mgueler — Thu, 11 Apr 2019 21:32:12 +0000

En los 100 años del nacimiento de Jerome Robbins, un potpurrí de sus más reconocidos musicales en “Something to Dance About”. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Después de más de un año sin timón, sumido en escándalos legales y laborales, el New York City Ballet (NYCB) abrió sus funciones en el Opera House del Kennedy Center de Washington DC en una forma inusual. Los dos flamantes directores y ex bailarines de la compañía fundada por George Balanchine y Lincoln Kirstein en 1948, salieron a escena a modo de presentación oficial y con la intención de asegurar que la troupe no perdería su rumbo.

En esta nueva etapa, liderada por Jonathan Stafford como director artístico y Wendy Whelan como directora artística asociada, los dos programas mixtos que presentaron desde el 2 hasta el 7 de abril, trajeron a escena un potpurrí en el que se mezclaron obras históricas y nuevas piezas de jóvenes coreógrafos que armaron un interesante caleidoscopio.

“Easy”, obra de Justin Peck, creada en 2018 para el New York City Ballet, subió a escena en el Kennedy Center del 2 al 7 de abril. Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

La primera noche comenzó con una propuesta juvenil, atractiva, dinámica, con elementos de danza jazz, de la coreógrafa Gianna Reisen, quien compuso esta pieza a los 18 años, cuando recién salía de la School of American Ballet hace apenas dos años. “Composer’s Holiday” con música de Lukas Fosses, es interesante y fresca, con una estructura clara y definida, bella y delicada, en la que los bailarines pueden lucirse tanto en grupo como individualmente. La interpretación en violín de Arturo Delmoni y de SusanWalters en piano, la pieza adquiere una magnífica armonía.

“Kammermusik No. 2”, de George Balanchine, una obra de 1978 que tuvo como protagonistas femeninas a Teresa Reichlen y a Abi Stafford. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

A la frescura de “Composer’s Holiday” se sumó “Kammermusik No. 2”, de George Balanchine, una obra que requiere gran velocidad y precisión, con una estructura compleja, en la que dos parejas y ocho bailarines transitan por intrincados pas de deux, duetos y dinámicas grupales. Esta obra de 1978 tuvo como protagonistas femeninas a Teresa Reichlen y a Abi Stafford, ambas ligeramente descoordinadas por momentos, y a un cuerpo de baile compacto.

También de Balanchine, y para cerrar el programa, una marca registrada: “Symphony in C”, creación que, a pesar del paso del tiempo sigue impoluta y en todo su esplendor. No obstante, el cuerpo de baile femenino mostró ciertas desprolijidades e imprecisiones sutiles. En tanto, las bailarinas principales, Ashley Bouder, en el primer movimiento, junto a Tyler Angle como partenaire, y Sara Mearns, en el segundo, con Jared Angle, así como las dos parejas que protagonizaron el tercer y cuarto movimiento, Baily Jones y Anthony Huxley, y Erica Pereira y Andrew Scordato, tuvieron un espléndido desempeño. Precisas y ajustadas en tiempo y estilo.

“Opus 19/The Dreamer”, de Jerome Robbins, con una pareja de lujo, Sterling Hyltin y el español Gonzalo García. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Pero sin embargo, el NYCB se mostró con su verdadera identidad y personalidad en “Opus 19/The Dreamer”, de Jerome Robbins, con una pareja protagónica de lujo, Sterling Hyltin y el magnífico Gonzalo García, un bailarín que logra encontrar el tono justo en cada una de sus interpretaciones, excelente partenaire y de un talento muy especial.

Robbins incluye en esta obra, estrenada por primera vez en 1979, ciertas reminiscencias eslavas de su origen, y la convierte en una especie de delicada joya en la que los bailarines principales y cuerpo de baile entablan un diálogo delicado y sutil, intenso y con bellas imágenes

Robbins también protagonista del segundo programa, cuya tercera parte fue una suerte de homenaje al este multifacético coreógrafo que marcó la historia de la danza del siglo XX y ha servido de simiente para los nuevos realizadores.

“Easy”, obra de Justin Peck, creada en 2018, es un divertimento en el que los bailarines, con zapatillas y colorida ropa de calle, juegan con los movimientos. La pregunta sería, dónde está la sustancia. En el telón de fondo se proyecta un interrogante: “Who is the boss in a concerto, the soloist or the conductor?” Pero no hay respuesta.

Del coreógrafo Kyle Abraham el NYCB presentó “The Runaway”, una obra donde predomina el lenguaje contemporáneo.

Luego de una pausa, otro clásico de Robbins, “In the Night”, creación de una belleza sublime en una serie de duetos conmovedores. Sin duda, lo mejor de ese segundo programa donde el coreógrafo Kyle Abraham, tuvo su protagonismo en “The Runaway”, una obra donde predomina el lenguaje contemporáneo, con vocabulario de hip hop y “street dance”.

Al comenzar la tercera parte del programa, la imagen de Jerome Robbins vuelve a dominar la escena en “Something to Dance About”, y una sucesión de fragmentos de sus musicales más famosos para celebrar los cien años de su nacimiento. Bello final que apunta a la nostalgia.

El New York City Ballet en la obra de Gianna Reisen, “Composer’s Holiday”, que formó parte del primer programa mixto presentado por la compañía. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.