“El canto de los pies”, de Casilda Madrazo, es una pieza visual, auditiva y sensitiva donde se funden distintas percepciones y experiencias. Foto: Silvio Margain. Gentileza INBAL.

Tras un profundo ejercicio de introspección sobre el lenguaje corporal y la búsqueda permanente de un estilo propio, la bailarina y coreógrafa Casilda Madrazo ha creado un singular trabajo coreográfico que podrá ser disfrutado de manera presencial.

“El canto de los pies” es el nombre de la propuesta dancística que la artista escénica interpretará en el Complejo Cultural Los Pinos como parte de la oferta programada por el INBAL, a través de la Coordinación Nacional de Danza. Las funciones serán el sábado 24 y el domingo 25 de abril a las 12:00 y 14:00 horas en el espacio conocido como La Pérgola de este recinto enclavado en el Bosque de Chapultepec.

Madrazo, que en el pasado mostró su talento como bailaora de flamenco, ha logrado destacar dentro del gremio dancístico por su peculiar estilo de explorar en diferentes géneros como la danza butoh, incursionar en otras disciplinas como el video y el performance, además de trabajar con artistas visuales, músicos y poetas.

En entrevista, la bailarina y coreógrafa compartió su sentir de regresar a la modalidad de funciones presenciales: “Es muy emocionante. La experiencia en vivo es algo que el cuerpo y el corazón piden. Ya se extrañaba”.

Asimismo, quien ha sido becaria por el Fonca en los programas Jóvenes Creadores y Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales, confesó que este regreso también le genera otro tipo de emociones: “Hay una sensación de nervios porque nos desacostumbramos a compartir esa energía con otros cuerpos. Como artista también será una sorpresa, de ver cómo me voy a encontrar con la escena después de estar más de un año fuera de ella. Para mí es una incógnita, un misterio”.

Sobre su solo dancístico “El canto de los pies”, Madrazo explicó que surgió de la intención de ordenar su cuerpo con respecto a las informaciones que ha recibido a lo largo de una búsqueda que lleva varios años. Después de un complejo proceso de separación del arte flamenco para encontrar su propio estilo, se encontró en una confusión formal y personal. Este proceso de introspección fue crucial para ella. Al respecto dijo:

“Fue hasta que regresé a caminar, tan sencillo como eso, y a sentir mis pies, que se abrió un panorama más claro. Un panorama que no sólo se revelaba con los movimientos, los gestos y las palabras sino también con el canto. Esta propuesta es la primera versión de una pieza que estoy creando a partir de dicho ordenamiento. Ordenamiento que a su vez resultó de una autoinvestigación o autolaboratorio al que yo misma decidí presentarme. De este modo, lo que aquí comparto es el estreno de lo que todavía no sé cómo nombrar”.

Afiche del ciclo programado por INBAL en el Bosque de Chapultepec. Gentileza INBAL.

Respecto a las emociones que quiere transmitir al público con “El canto de los pies”, su creadora señaló: “quiero compartir una pieza muy visual, auditiva y sensitiva porque así es el cuerpo en movimiento. Quiero que pensemos que todos somos cuerpo y que éste tiene muchas posibilidades. No hay movimiento sin espacio, ni cuerpo sin espacio”.

Finalmente, quien en 2006 ganó junto con Mari Paz Covarrubias el primer lugar para dueto en danza española en el I Concurso Interamericano de danza en Puebla, dijo que la pandemia ha generado muchos momentos de reflexión, por lo que su obra dancística puede ser muy empatía: “La sensación que nos ha dejado esta situación mundial es que la vida está para vivirla y que las acciones están para tomarse. Elegí esta pieza porque quiero tomar acción ante todo lo que descubrí en estos tiempos de resguardo”.

 Ficha técnica:

“El canto de los pies”

Dirección, danza, composición musical:
Casilda Madrazo
Diseño de vestuario: Casilda Madrazo
Realización de vestuario: María del Jesús Patricio
Asesoría de audio: Esteban Chapela
Producción: Casilda Madrazo.
Danza Compositor invitado: Andrés Guadarrama.

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# QuédateEnCasa

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“IMAGINARIOS XP [de flamenco masculino]” integra una investigación coreográfica y etnográfica realizada por Ricardo Rubio. Foto: La Rueda. Casa Productora. Gentileza INBAL.

Tal es el planteamiento que motivó al reconocido bailaor y coreógrafo Ricardo Rubio para iniciar una interesante investigación coreográfica titulada “De flamenco masculino, femenino y humano”, que realizará durante tres años como miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, Fonca 2019-2022, en la categoría de Coreografía /Danza folclórica, ética y/o tradicional.

La primera parte de esta investigación se centró en el estudio de la identidad masculina dentro del flamenco, dando como resultado la coreografía “IMAGINARIOS XP [de flamenco masculino]” que tendrá dos funciones: viernes 16 y sábado 17 de octubre, a las 19:00 horas, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, ubicado en la calle de Donceles 36, Centro Histórico.

Acatando las medidas de Contingencia Sanitaria emitidas por el Gobierno de la Ciudad de México, a través de las autoridades del sector Salud, el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris está listo para recibir tanto al público como a los artistas tras previos protocolos de sanitación, desinfección, limpieza y mantenimiento de infraestructura de todas las áreas de trabajo involucradas para un retorno exitoso a este recinto de arte.

En ese sentido, el aforo para las funciones será de 300 butacas. Los interesados podrán adquirir sus boletos a través del sistema Ticketmaster con un costo de 163 pesos por boleto. También habrá un streaming para quienes deseen seguir el espectáculo desde la comodidad de su hogar.

El aniversario

INTERflamenca en Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Foto: La Rueda. Casa Productora. Gentileza INBAL.

Las funciones que tendrá INTERflamenca en el recinto de Donceles son simbólicas, ya que esta compañía fundada y dirigida por el maestro Rubio celebrará dos décadas de vida, consolidándose como una de las máximas exponentes de este género en México.

Sobre lo que han sido estos 20 años de trabajo continuo, el creador escénico comentó: “Ha sido un gran camino recorrido, el territorio se ha expandido. El balance de la compañía tiene que ver con los procesos que hemos emprendido a nivel nacional e internacional. Lo más importante que he percibido es la riqueza de compartir y de trabajar con artistas de otras latitudes. Definitivamente compartir ha sido de lo más importante y no sólo en el terreno del flamenco sino en otros contextos culturales. Hemos establecido diálogos muy interesantes entre el flamenco y otras artes contemporáneas”.

Otro gran logro de INTERflamenca -continuó su creador- es que ha generado artistas y ha sido un puente para que otros talentos puedan profesionalizarse: “Me siento agradecido con los artistas que han pertenecido a la compañía, que han caminado con nosotros, creciendo mucho con un sello especial y ahora, después de ser semillas, dando grandes frutos. Me ha gustado caminar con todos ellos, ser una guía, darles dirección”.

En torno a los nuevos retos que enfrentan como agrupación, el maestro Rubio consideró que compartir con otros artistas seguirá siendo el principal desafío: “Conectarse con nuevas generaciones implica mucho trabajo. En estos veinte años he dialogado con tres generaciones de artistas y trabajado en la búsqueda de nuevos horizontes creativos. Así que el gran reto es mantener el diálogo constante entre la tradición y lo contemporáneo”.

Por lo que se refiere al estilo de INTERflamenca, su director destacó que éste se mantendrá porque le ha permitido establecer un estilo único, que le ha permitido alcanzar sus objetivos estéticos: “Hace mucho tiempo yo dejé de pensar en el flamenco como el único lenguaje de mi cuerpo. Ya estamos inmersos en un contexto de contemporaneidad, dialogando desde otros lugares con la juventud. En ese sentido otro reto es expandirse para romper las fronteras flamencas y hacer un arte actual que se enfoque en lo social y compartirlo con el público. Tenemos que pensar en el espectador, en qué le podemos ofrecer desde el corazón, desde las emociones. Y en esto el flamenco tiene mucho que dar”.

El detonador 

El bailaor y coreógrafo Ricardo Rubio lanza la primera parte de “De flamenco masculino, femenino y humano”, como parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Foto: La Rueda. Casa Productora. Gentileza INBAL.

Como se mencionó en un principio, el maestro Rubio como miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fonca, realiza la investigación “De flamenco masculino, femenino y humano”, que consta de tres etapas que conformarán tres piezas coreográficas. Cada una de ellas son rutas de investigación etnográfica que permiten analizar los contenidos emocionales, históricos y culturales del flamenco, así como rasgos de identidad a través de las influencias ancestrales que existen en torno al cuerpo.

“IMAGINARIOS XP [de flamenco masculino]” es el resultado de la primera etapa de investigación, sobre esto el maestro Ricardo Rubio compartió: “Desde mis inicios como bailaor siempre se cuestionó el tema de la identidad en la danza. Me ha llevado más de 20 años tratar de entender las razones por las cuales uno elige cierta danza. Creo que uno entra a ciegas, dejándose llevar por la intuición y conforme vas caminando dentro de tu profesión te vas encontrando las razones por las cuales elegiste cierta actividad”.

Sobre el tema de género, el reconocido creador abrió su corazón para compartir momentos personales que lo hicieron reafirmar su decisión de bailar flamenco: “Siempre me gustó bailar, y me di cuenta de que el flamenco me resultaba social y culturalmente muy favorable porque podía expresarme a través del movimiento, pero también ocultar mi identidad sexual, mis preferencias sexuales y mis propios miedos hacia lo que es ser hombre”.

El director de INTERflamenca explicó que ponerse la etiqueta de “bailaor de flamenco” implicó ser nombrado de una forma que no lo hacía sentirse él mismo: “Muchas veces me preguntaron si yo era español porque me veía muy machito. Todas esas cosas tenían lógica y sentido en un principio por el contexto social y político que me tocó vivir, donde había una lucha de tradiciones y no sólo en el flamenco, sino en todas las disciplinas. Pertenezco a la generación de los ochenta y noventa, en la cual cuestionábamos mucho la identidad; ya no nos convencían los lenguajes tradicionales. Por fortuna, ahora en el 2020 el género se vive de una forma muy diferente, aunque hay muchos jóvenes bailaores que regresaron al flamenco tradicional y existe un debate en torno a la identidad del hombre”.

El maestro Rubio ha detectado que mucha gente en México baila flamenco con la finalidad de enmarcar sus preferencias sexuales dentro de un contexto masculino, panorama que difiere con lo que sucede en España, donde nació este género. Al respecto explicó: “En nuestro país aún estamos alejados de la evolución del flamenco en comparación a lo que sucede en España. Mientras nuestras aspiraciones consisten en vernos más flamencos, más masculinos, en aquel país hay una oleada de bailaores que se están preguntando qué es la identidad, qué es el género, qué es el cuerpo con relación a la danza y si el cuerpo tiene que estar cruzado por la sexualidad y la genitalización de la identidad. Frente a eso nos preguntamos ¿qué es verse hombre?”.

La propuesta 

Cabe destacar que dentro del montaje “IMAGINARIOS XP [de flamenco masculino]” los elementos prototípicos que se exaltan tienen que ver con el imaginario masculino dentro de este género: el sombrero, el bastón y el zapateado.

Sobre el escenario el público verá el trabajo de tres bailarines, es decir, tres formas de vivir el cuerpo, de utilizarlo y de formarlo. Es una propuesta escénica que permitirá cuestionar la imagen de los intérpretes más que la propia técnica: “A lo largo de la pieza los intérpretes nos van regalando información de ellos, lo mismo sensitiva que histórica: Nos dejarán verlos a través de su espejo y cómo dialogan con el lenguaje flamenco”, dijo el coreógrafo.

Si bien será hasta el próximo año cuando la investigación coreográfica se aboque a los imaginarios femeninos, para este primer montaje sí participan mujeres en el escenario como una forma de comparar las formas tradicionales de lo masculino y lo femenino.

Como ya es costumbre en el estilo de la compañía INTERflamenca, su montaje tendrá una fusión de disciplinas artísticas, sobresaliendo la música acústica en vivo intervenida con medios electrónicos.

El mensaje

Los elementos prototípicos que se exaltan en “IMAGINARIOS XP [de flamenco masculino]” son el sombrero, el bastón y el zapateado. Foto: La Rueda. Casa Productora. Gentileza INBAL.

“Considero crucial preguntarnos si es importante mantener la idea de masculinidad como la viven principalmente las danzas tradicionales, si estos imaginarios se tienen que renovar, y si acaso esta renovación brinda otras rutas de trabajo o nuevos campos expresivos para las danzas tradicionales que no tengan que ver con el género y cómo se ve el género en esta contemporaneidad”.

Para el creador, es fundamental que los bailarines se sigan cuestionando si realmente son ellos cuando bailan, si pueden conservar su esencia, si no pierden su identidad.

“El lenguaje corporal, en cualquiera de las modalidades de la danza, tiene la función de permitir que el sujeto se exprese. Y esto es curioso porque en las tradiciones el lenguaje se usa para reiterar lo que la propia tradición quiere decir. Así que la pregunta que nos tendríamos que hacer es cómo el lenguaje del flamenco habla de mí, de mi intimidad, y si puede admitir otras formas de utilizar el cuerpo que no necesariamente tengan que ver con esta imagen masculina”.

Protocolo sanitario

Los recintos pertenecientes a la Dirección del Sistema de Teatros de la Ciudad de México refuerzan acciones dirigidas a prevenir, así como evitar contagio y propagación del virus SARS-COV2 y siguen los protocolos establecidos por el Gobierno de la Ciudad en material de recintos teatrales. Para consultar las medidas sanitarias que se implementan, visitar la página:

https://medidassanitarias.covid19.cdmx.gob.mx/dHome/medidas_sanitarias/LINEAMIENTOS_TEATROS.pdf

El Ballet Folklórico Mexicano lleva a escena “¿Y a dónde irán los muertos?”, obra que aborda un tema clave en la cultura mexicana. Foto gentileza INBAL.

México se ha distinguido en el mundo por su particular punto de vista en torno a la muerte. Forma parte crucial de su idiosincrasia. En las vísperas del 2 de noviembre, día que se celebra el Día de los muertos, y para enaltecer esta parte de la cultura del país, el Ballet Folklórico Mexicano de Guillermo González presentará un programa que incluye la coreografía “¿Y a dónde irán los muertos?” el miércoles 30 y jueves 31 de octubre, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque.

El maestro González, profesor, coreógrafo, investigador y conferencistas sobre danza regional mexicana, explicó que “¿Y a dónde irán los muertos?” aborda la historia conceptual que sobre la muerte han tenido los mexicanos de ayer y de hoy: “Este recorrido por el tiempo lleva a escena el sacrificio humano mesoamericano y la lucha de los dioses por el alma, también la lucha del bien contra el mal en la religión católica, y la simbiosis de estas dos visiones desde la independencia y hasta nuestros días. Tradición que tiene su mayor fuerza en el sector rural pero que en las grandes ciudades deja de ser temida y respetada por la población, para transformarse en una fecha festiva y burlona. Sin embargo, la muerte es fría y se hace respetar sola”.

Quien formó parte del Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández (1975-1979) comentó que, si bien esta es la pieza principal del programa, también sobresalen las otras tres coreografías que interpretarán y que tratan sobre el pueblo huichol, la revolución mexicana y la cultura africana en nuestro folklore.

Una de ellas será “Nayarit” (Los huicholes, San Juan Peyatán, región serrana, fiesta del esquite o maíz tostado), que muestra el mestizaje en su mínima expresión, así como a los coras y huicholes como las tribus más antiguas.

Otra coreografía importante será “Revolución Mexicana” (Zapata en la Revolución – segunda parte de la coreografía general “A zarandearnos tiranita”, beca del Fonca, 1996), inspirada en el baile aristocrático francés y el bailar de origen norteamericano en las fiestas de alta sociedad porfiriana, en contraste en la pobreza, tristezas y también alegrías del pueblo campesino en armas.

La tercera propuesta se titula “Jarocho” (primera parte de la coreografía “Pa’ goza’ mi negra”, estreno 2010), integrada por danzas de origen africano aportadas por los esclavos negros durante la colonización española, en combinación con la tradición dancística indígena y los zapateados españoles, que crearon un baile alegre y bullanguero: el son veracruzano.

El Ballet Folklórico Mexicano de Guillermo González se fundó en 1979. Ha colaborado con diversas instituciones culturales delegacionales, municipales, estatales y nacionales, a la vez que participado en diversos festivales y temporadas de danza en los mejores teatros de la Ciudad de México, como el Palacio de Bellas Artes, Teatro de la Ciudad Esperanza Iris y Sala Miguel Covarrubias. En el extranjero ha realizado giras a Japón, Venezuela, Argentina, el sur de Norteamérica y Alemania. Cuenta con un elenco artístico de treinta y seis bailarines y posee un repertorio de 14 montajes coreográficos, cuatro de los cuales han merecido la beca del FONCA.

Su director ha colaborado desde hace 37 años con las más importantes instituciones culturales delegacionales, municipales, estatales y nacionales, a la vez que participado en diversos festivales nacionales y temporadas de danza. Es creador de más de ciento cincuenta coreografías. Ha fungido como presidente de jurado en diversos concursos de danza regional mexicana, dictaminador de libros y miembro de la Comisión Dictaminadora de Creadores Escénicos 2015 del FONCA.

“Tratados de Lumínica”, de Óscar Ruvalcaba Pérez, ofrece una visión holística del ser humano. Foto: Lugo. Gentileza INBA.

¿En este momento histórico de revaloración general es posible seguir refiriéndonos a “mi cuerpo”, “mi mente”, “mi espíritu”, como entidades divorciadas?

Tal es la reflexión personal que llevó al maestro Óscar Ruvalcaba Pérez a crear la pieza “Tratados de Lumínica”, que busca reflejar lo absurdo de la tricotomía “mente-cuerpo-espíritu” y la necesidad de entender que no existe una mente o un espíritu divorciados de un cuerpo.

La propuesta del bailarín, coreógrafo y maestro se estrenó en La Caja de la Ex Esmeralda (San Fernando 14, colonia Guerrero) el 23 de mayo y continuará del 30 de mayo al domingo 2 de junio, a las 18:00 horas.

Ruvalcaba Pérez, quien fuera miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en 2006 y 2015, comparte que el detonador de su pieza es la imagen errónea que se tiene de cuerpo, mente y espíritu como entidades divorciadas. Al respecto, explicó: “Prevalece la idea de que el cuerpo es mecánico, perecedero, pero que la mente y el espíritu son eternos. La danza nos ha hecho evidente que no es así. Creo que una visión holística parecería más adecuada, pues cuerpo y persona, hoy día, son una sola entidad”.

Así que, en “Tratados de Lumínica”intenta recuperar la dimensión metafórica y poética del cuerpo, a través de la evocación, soñándolo y ensoñándolo: “Tal vez podamos regresar a la inocencia primera, esa inocencia donde cuerpo, alma y espíritu aún no se dividían. Creemos que es en este estado de gracia, de beatitud, donde encontramos que somos polvo y sueño de estrellas. ‘Tratados de Lumínica’nos susurra que el cosmos está aquí, en nuestro cuerpo ensoñado”, dijo el artista.

En cuanto a la lectura particular que busca generar en el espectador, Ruvalcaba Pérez afirmó: “Quiero que amplíe su sentido de respeto y entendimiento hacia el cuerpo, que ya no se vea al cuerpo como una entidad inferior a la mente o al espíritu. Mente, cuerpo y espíritu son una entidad, es como el viejo adagio de: ¿Qué fue primero, la gallina o el huevo? Imposible de responder, absurdo pretender responderlo. Creo que el cuerpo es el gran campo de batalla del mundo contemporáneo: nos define, nos acota, nos da identidad, nos singulariza y nos hace reconocibles. Y la batalla ya no es por las almas de los individuos, es por sus cuerpos”.

Sobre el proceso creativo el maestro, quien ha presentado sus creaciones en foros internacionales y en los principales recintos culturales de México -entre ellos el Palacio de Bellas Artes-, comentó que los temas que aborda su compañía son cada vez más de corte filosófico mayor, casi religioso, y la madurez de los intérpretes es más evidente, lo que le ha permitido hacer de la danza una metáfora que busque la evocación poética.

Oscar Ruvalcaba, Cía., Danza Contemporánea, fue fundada en 1991 por el maestro, quien es su director general y artístico. Se ha presentado en el Palacio de Bellas Artes, Teatro de la Ciudad, Teatro de las Artes, Sala Miguel Covarrubias, Teatro de la Danza Guillermina Bravo, y ha sido invitada a varios de los principales festivales de danza de México. En 2011 recibió el Premio de la Crítica del XXXI Premio INBA-UAM por “Himnos de Ciudad” y en 2012 el EPRO Danza 2012 por “Los Reinos de Este Mundo”. En 2013 fue beneficiada por el FONCA en su programa “Rutas Escénicas” para apoyar su gira por España en el 2014. Entre sus obras, muchas ya desde su fundación, figuran “Himno”, “Carlota, la del jardín de Bélgica”, “Tres árboles altos contra un paisaje rojo”, “Personas desaparecidas”, “Héroes de guerra” y “Crónica desde mi cuerpo mutilado”. Se ha presentado en Europa, Centroamérica y EUA.

El maestro Óscar Ruvalcaba ha realizado obras para la Compañía Nacional de Danza del INBA, el CEPRODAC, Contempodanza, el Ballet Independiente, Nemian, Opus Nigrum, el Ballet del Nuevo Siglo, la ENDNyGC, entre otras. Ha colaborado con algunos de los coreógrafos más importantes de su generación y recibió la beca del FONCA en el rubro de ejecutante en el 2005 y la del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2006 y 2015. Igualmente, ha recibido numerosos premios y reconocimientos: del INBA por su trayectoria como Coreógrafo en 2010, el Premio de la Crítica del XXXI Premio INBA-UAM, 2011, el EPRO Danza 2012, etc. Ha sido invitado como jurado en diversos concursos de danza, de coreografía y de intérpretes, nacionales y estatales o locales, y ha sido miembro de las Comisiones de Dictaminación del FONCA en varios de sus programas. Actualmente es miembro del Consejo Artístico del CEPRODAC.

Dos presentaciones de la Compañía Tania Pérez-Salas con la premier de “Religare” en el Palacio de Bellas Artes. Foto: Humberto Romero. Gentileza INBA.

Festejar un aniversario, por más de dos décadas, no es un logro fácil ni un acontecimiento para brindar desde una frivolidad cultural, sino es la oportunidad de hacer una visita al pasado como agradecimiento, para entender el presente y poder vislumbrar el futuro.

Tal es el sentir que hay al interior de la Compañía Tania Pérez-Salas, que celebrará su 25 aniversario en el Palacio de Bellas Artes con un estreno y una obra de repertorio el sábado 16 de junio, 19:00 horas y domingo 17 junio, 17:00 horas. Con sus funciones se inicia la Temporada de Danza 2018 en el recinto de mármol.

El estreno lleva por título “Religare”, y es una pieza coreográfica que intenta indagar sobre el poder de la danza como ritual que propicia y reconcilia el vínculo de lo concreto con lo no concreto, del cuerpo con el espíritu. Para la creación de esta obra se tiene por objetivo conmemorar el origen y ciclo permanente del arte como abstracción y reconciliación con el misticismo: “Somos una especie anhelante de mundos utópicos que, en la religión, filosofía y arte, además de respuestas; buscamos experiencias esencialmente verdaderas”, comentó la directora del grupo, la destacada bailarina y coreógrafa Tania Pérez-Salas.

En la coreografía de “Religare” los movimientos se caracterizarán por la creatividad artística. El amor, la poesía y la esperanza trascienden su territorio e impactan en los lugares donde se ve, oye y siente. En el origen de la danza se reconoce esta trascendencia, el logro de expresiones estéticas y plásticas profundas, sensibles y trascendentes a pesar de que la danza es considerada un arte efímero, explicó su autora.

“Macho Man XXI”, pieza sobre violencia de género, que la Compañía Tania Pérez-Salas interpretará para festejar sus dos décadas y media de existencia. Foto: Humberto Romero. Gentileza INBA.

“Macho Man XXI” es la pieza de repertorio que la compañía también interpretará para esta celebración de dos décadas y media de existencia. Se trata de una obra con sentido del humor que toma como punto de partida la temática de violencia de género y de la violencia per se, vinculada a lo caótico, surrealista y exótica que puede ser nuestra cultura.

La Compañía Tania Pérez-Salas ha sido invitada a los festivales de más prestigio del mundo, como el Festival de Danza Latinoamericano en Montreal, la Biennale de la Danse de Lyon, el Festival de Oriente-Occidente de Italia, el Festival Internacional Cervantino, el Fall For Dance Festival del New York City Center y el Festival Internacional de Shanghái. Participó en la conmemoración del 50Aniversario de las Relaciones Diplomáticas entre México y Egipto presentándose en las Casas de la Ópera de El Cairo y de Alejandría. Fue convocada a participar en importantes giras por Estados Unidos de Norteamérica (entre 2006 y2015), presentándose en teatros como el Yerba Buena Theater de San Francisco, el Kennedy Center for the Prerforming Arts de Washington, D.C., y en el Music Center de Los Ángeles, entre otros. La compañía integra dentro de su propuesta coreográfica el talento creativo de reconocidos artistas escénicos provenientes de diversas partes del mundo.

Tania Pérez-Salas fue ganadora del primer lugar en el Premio Nacional de Danza, así como mejor ejecutante femenina, finalista como solista en el Concurso Internacional de Paris. Doblemente premiada como coreógrafa y bailarina en el concurso Virginia Fábregas. Ha sido becaria del Fonca como joven creador y como ejecutante. Forma parte del Sistema Nacional de Creadores. Ha realizado montajes para su compañía y para la Compañía Nacional de Danza y el Ballet Hispánico en Nueva York. Fue jurado del premio Ciencias y Artes, así como para otras becas del Fonca. También ha participado como Consejera Ciudadana en la CDMX. Ha sido portavoz de la danza contemporánea mexicana a través de tres diferentes series producidas por el Canal 22.

Irene Martínez Ríos, en “Augurios”, obra que trabaja sobre cuatro temas principales: nacer, crecer, reproducirse y morir. Foto: Gloria Minauro. Gentileza INBA.

El tiempo es siempre relativo, lo que verdaderamente permanece son los afectos. De ahí la relevancia de hacer una pausa y reflexionar sobre este tema en una época de cambios. Tal es la reflexión personal que llevó a Irene Martínez Ríos, fundadora y directora de la compañía Mandinga Mar, a crear la pieza “Augurios” (Medir el tiempo), que ella misma interpretará del jueves 14 al domingo 17 de junio, a las 18:00 horas, en La Caja (San Fernando 14, colonia Guerrero).

Fue hace casi 20 años cuando la maestra creó esta pieza y que hoy retoma por la atemporalidad de la misma. Y es que, en su opinión, persiste la necesidad de medir el -tiempo por el cambio de milenio: “Esta pieza la estrené en el año 2000. La época vivida me llevó a explorar la más relativa de todas las nociones: el tiempo. Hoy en día el tiempo parece una corriente vertiginosa que nos arrastra. Así que considero que es de suma importancia detenernos y reflexionar acerca de él”.

La directora de Mandiga Mar -quien fue miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2014- 2016 y del Colegio de Coreógrafos de México- explicó que la necesidad de medir el tiempo nace esencialmente de dos inquietudes: la búsqueda del hombre por comprender los ritmos de la naturaleza para interactuar con ella y facilitarse la lucha por la supervivencia; y la posibilidad de encontrarse, de tener acuerdos y recuerdos con los otros.

También remarcó que “Augurios” ha funcionado como un homenaje permanente a la maestra Gladiola Orozco, a quien define como un “ser humano inmenso, sabio y generoso, quien dirigió mis primeros pasos en la danza profesional. Ha sido una mirada prodigiosa que ha guiado mi camino a lo largo de 40 años como un faro nítido de luz suave y amorosa sin importar la distancia” (Cabe destacar que la creadora empezó a bailar profesionalmente justamente con Orozco y Michel Descombey).

Son ocho las coreografías que integran esta pieza que trabaja sobre cuatro temas principales, nacer, crecer, reproducirse y morir: “En la línea del tiempo”, “Estudio de los meses y los años”, “El tiempo no se detiene”, “Caminos nuevos”, “Por la línea del tiempo”, “Alzar el vuelo” y “Danza del mediodía”.

¿Qué lectura busca generar en el espectador? “A través de mi exploración sobre el tiempo invito a los espectadores a su propia reflexión”, comentó quien fue asistente de Pina Bausch en las obras de nueva creación entre 1996 y 2001.

Finalmente, Martínez explica que “Augurios” forma parte de tres piezas coreográficas de exploración personal que ella realizó durante una pausa del trabajo de su grupo y que determinan todas las creaciones realizadas posteriormente.

Mandinga Mar es una compañía independiente que se ha caracterizado por la diversidad de sus propuestas, produciendo piezas coreográficas tanto para público infantil como para adultos, en teatros convencionales, espacios alternativos, plazas y jardines. Se ha presentado en los principales foros de danza de la Ciudad de México y participado en distintos festivales de la República mexicana, Alemania, España y Brasil. Ha recibido apoyo del Fonca, la Coordinación de Danza del INBA y México en Escena del Cenart. Organiza desde 2014, el Festival bienal de danza al aire libre para niñas y niños “Al din don de la dina de la danza”.

Realizando Ideas presenta “Alicia”, un espectáculo de danza para niños, con elementos audiovisuales, producido y dirigido por la coreógrafa Jessica Sandoval. Foto: Sandra G. Ordóñez. Gentileza INBA.

“Las cosas imposibles, resultan demasiado posibles. Sólo hay que saberse meter en la cabeza y el corazón de los niños y adultos”. Esta reflexión personal de la bailarina y coreógrafa Jessica Sandoval, la movió a crear su primer y único montaje infantil: “Alicia”, que ahora ha llegado al Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque, para presentarse los sábados 19 y 26 de mayo, así como domingos 20 y 27, a las 13:00 horas, en el Teatro de la Danza.

La productora, y también gestora cultural y directora de la compañía Realizando Ideas explicó que se trata de un espectáculo audiovisual interdisciplinario basado en el clásico de la literatura infantil “Alicia en el país de las maravillas” de Lewis Carroll.

En la propuesta de Sandoval sobresale la fuerza de sus personajes y la libertad de sus espacios oníricos. La protagonista de esta historia se muestra irónica y viaja a un espacio ocupado por los grandes elementos simbólicos del cuento, donde se desarrollan momentos fantásticos e ingeniosos representativos de este clásico de la literatura.

La coreógrafa y directora -quien posee más de 20 años de trayectoria y ha colaborado con importantes coreógrafos de teatro y ópera a nivel nacional e internacional-, comentó que buscó montar una pieza accesible y no condescendiente, justo para estimular la imaginación y creatividad de los menores. Al mismo tiempo, intenta despertar ciertos valores como la conciencia de sus actos, el respeto a los demás y la libertad de pensamiento.

Si bien la narrativa de “Alicia” es por mucho llamativa al estar cimentada en el texto de Carroll, se trata de un montaje atractivo visualmente para el espectador, ya que es cobijado por el uso de la tecnología que hace lúdica la escenificación. En la propuesta se hace uso de recursos audiovisuales y en escena se presentan cinco actores (que a su vez son bailarines) que cuentan la historia.

La directora de Realizando Ideas señaló que la propuesta (creada por Kay Pérez), es fundamental en este montaje porque logra que el escenario se transforme en cada uno de los lugares por los que transita la protagonista. Así, el espectador se deslumbra con la proyección de imágenes sorprendentes como un sombrero, una tetera y un hongo gigante. A esto se suma la escenografía y el vestuario de la obra en blanco y negro, la cual busca simular un libro para colorear en el que cada niño decide cómo pintar las figuras.

Sandoval, también fundadora y directora del espacio Un Teatro Alternativa Escénica, está convencida de que el teatro y la danza contribuyen a que los menores pongan en práctica la imaginación, de ahí su interés de crear este espectáculo y llevarlo al mayor número posible de teatros y de espacios al aire libre, como plazas y parques.

Finalmente, la creadora -quien ha recibido apoyo para producciones y funciones de parte de la UNAM, INBA, Centro Multimedia del CENART, UNESCO-ASCHBERG, Fonca, Conaculta, la Cámara de Diputados, la SRE e Iberescena- se dice satisfecha de seguir escenificando “Alicia”, ya que es una forma de abrir la puerta a esa posibilidad de cambiar las cosas para tener el mundo que soñamos.

Realizando Ideas es una compañía autogestiva de creación escénica multidisciplinaria fundada en 2006 por Jessica Sandoval. La agrupación está dedicada a producir y difundir las diferentes manifestaciones del arte, principalmente teatro y danza contemporáneos. Se ha presentado en teatros y festivales en México, Costa Rica, Panamá, Colombia, Senegal, Estados Unidos, India y Finlandia.

En el 2011, se fundó Un Teatro Alternativa Escénica, la sede de la compañía. Este es un espacio dedicado a la cultura que presenta danza, teatro, música, performance, exposiciones de arte, talleres, conferencias y residencias artísticas. Dentro de sus actividades destaca que, cada año, la organización otorga el Premio a la Creación Escénica, el cual busca impulsar nuevos proyectos interdisciplinarios dentro de la comunidad artística.

“¡Mi abuela flamenca!”, obra de la compañía Caña y Candela Pura , se presenta en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque. Foto gentileza Caña y Candela Pura.

La agrupación Caña y Candela Pura continuará presentando su espectáculo infantil “¡Mi abuela flamenca!” en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque. Las próximas funciones serán el sábado 4 y domingo 5 de noviembre a las 13:00 horas.

El montaje gira en torno de las vivencias de una niña que reside en una provincia de España, absorbida por los medios tecnológicos. Su familia, en especial su abuela, harán todos los esfuerzos necesarios para que la pequeña piense en asuntos trasversales relacionados con los valores humanos.

Sobre el detonador de esta pieza que se estrenó en abril de este año, Lourdes Lecona, bailarina, coreógrafa, docente, investigadora y promotora, explicó que como artista sentía la responsabilidad y compromiso de hacer una obra que exaltara valores sociales, como respeto, tolerancia e inclusión, por medio de una propuesta que les genere a los niños un gozo espiritual.

Desde el punto de vista de quien es becaria del FONCA en la categoría de Creadores Escénicos con Trayectoria, el público infantil es un sector poco atendido, de ahí su interés de hacer un montaje de flamenco dirigido especialmente a los chicos:

“La niñez es un tema que de manera personal me preocupa y ocupa –aseguró Lecona-, no sólo como docente, madre o abuela, sino como artista y como parte de la sociedad civil que se cuestiona sobre ese mundo que estamos heredando a las próximas generaciones y a lo cual por supuesto tenemos que responder. De ahí mi deseo poder compartir con los niños y niñas de nuestro país mi afición y amor por la danza -la cual inicié desde niña-, así como mis otras grandes pasiones como son la música y la literatura”.

La intención de la obra es sensibilizar y acercar a los niños y niñas al mundo de la danza y de la música como binomio esencial, así como la motivación para el disfrute y gozo del teatro y todos los elementos que involucra. El mensaje implícito se encuentra en el rescate de los valores y de los elementos esenciales de la convivencia social. Por otra parte, la obra apunta a rescatar el respeto a la diversidad cultural y la valoración de las tradiciones de los pueblos del mundo, con el fin de fomentar una cultura para la paz. “Se suma a esto –agregó Lecona- la re-significación del valor de respeto a los abuelos y a personas de la tercera edad, como generadores de amor y aprendizajes, que debemos considerar también como un capital cultural valioso para los nuevos tiempos”.

La obra de la creadora Lourdes Lecona se estrenó en abril de este año con la intención de acercar a los niños al mundo de la danza. Foto gentileza Caña y Candela Pura.

Lecona, satisfecha por los resultados alcanzados con “¡Mi abuela flamenca!”, enfatizó que para su diseño se tomó en consideración el eje de la educación y su vinculación con el arte, en donde, a su parecer, se requiere haber sido docente durante muchos años en escuelas para niños, además de adentrarse al mundo infantil desde otras dimensiones, como lo hizo justamente ella, quien a su vez posee 60 años de vida artística.

Otro aspecto que la hace sentirse orgullosa de su propuesta es que, durante el espectáculo, se promueve la comunicación y convivencia de los menores con los personajes de la obra para que, de manera paralela, los niños puedan descubrir ese mundo mágico que es el espacio teatral. Un lugar donde entran en juego otros lenguajes de la representación escénica, como iluminación, escenografía y utilería, además del uso de textos y elementos audiovisuales y sonoros: “De esta forma se incentiva la creatividad y la imaginación de forma amena y divertida, con apoyo de recursos didácticos y un tinte humorístico”, dijo la creadora.

Finalmente, Lecona -miembro de la Sociedad Mexicana de Coreógrafos-, afirmó: “Si logramos provocar que algunos de estos niños y niñas se acerquen al mundo de las artes y que se promueva la convivencia sana, armónica y gozosa en familia, habremos puesto un granito de arena en este proceso de fomentar o generar valores con aquellos que algún día tomarán el timón de la vida”.