El Ballet Español de la Comunidad de Madrid en “Sinfonía Española”. Foto: Ana Yáñez. Gentileza Teatros del Canal de Madrid.

Preservar y difundir el patrimonio histórico de la danza española en todo el mundo y la promoción de la Comunidad de Madrid como destino turístico y cultural fueron dos de los objetivos que arguyó Isabel Díaz-Ayuso, presidenta de la región, cuando anunció la creación del Ballet Español de la Comunidad de Madrid hace poco más de un año. Días después se comunicó que la dirección de la nueva compañía recaía en el bailaor y coreógrafo Jesús Carmona (Barcelona, 1985). Avalado por numerosos galardones entre los que destacan el Premio Nacional de Danza 2020 y el Premio Benois de la Danse 2021, el artista catalán asumía el reto de crear una compañía de danza española, es decir, un conjunto que bailara con solvencia los cuatro pilares de la danza española: Escuela Bolera, danza estilizada, folclore y flamenco.

El 12 de octubre, día de la Fiesta Nacional de España, y con la asistencia de la propia presidenta, echó a andar el Ballet Español de la Comunidad de Madrid, compuesto por 20 bailarines y tres músicos. Con ocasión de su debut, la compañía presentó un doble programa compuesto por las obras “Suite española” y “Epifanía de lo flamenco”, del que ofreció un total de doce funciones que finalizaron el 27 de octubre.

El bailaor Jesús Carmona” en la pieza “Asturias”.  Foto: Ana Yáñez. Gentileza Teatros del Canal de Madrid.

Basándose en la partitura de Isaac Albéniz “Suite española. Op. 47” (1882-1889), Eduardo Martínez, primer bailarín del Ballet Nacional de España, Arantxa Carmona, directora del Real Conservatorio Profesional de Danza ‘Mariemma’ y experta en folclore, y el propio Jesús Carmona, firman las ocho coreografías de la obra: “Granada”, “Cataluña”, “Sevilla”, “Cádiz”, “Asturias”, “Aragón”, “Castilla” y “Cuba”. Con la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid bajo la batuta de Manuel Covés en el foso, “Suite española” ensambla los diferentes cuadros escénicos con una suerte de coreografías que mezclan la danza estilizada con danzas folclóricas, como la sardana catalana o la jota aragonesa. Sobre un linóleo rojo y un ciclorama en el mismo tono, el joven elenco, ataviado de blanco, en una buscada analogía con los colores de la bandera de la Comunidad de Madrid, mostró una ejecución desigual en la obra y claro está, el abismo es enorme cuando Jesús Carmona se sube al escenario para interpretar su versión de “Asturias”, considerada una de las coreografías emblemáticas de Antonio Ruiz Soler y cuyo original fue estrenado en los Jardines del Generalife por Antonio y su Ballet Español en el marco del V Festival Internacional de Música y Danza de Granada, el 30 de junio de 1956.

Si la primera parte quiso agradar a través del acercamiento a la danza española con una visión estilizada y con un acento folclórico, el segundo acto estuvo protagonizado por el flamenco, disciplina que en la oferta escénica ha engullido al resto de pilares de la tradicional compartimentación que realizara Mariemma. “Epifanía de lo flamenco” es una antología de palos flamencos, fraguados entre España y América, en lo que se denominan los cantes de ida y vuelta. Diez cuadros escénicos conformaron esta obra, que arrancó con una “Milonga” y finalizó con unos “Caracoles”, ya que, según señala el programa de mano, se trata del palo flamenco más representativo de Madrid. Al igual que hiciera en la primera parte, Carmona se reservó un solo, “Romance”, para demostrar por qué está considerado uno de los bailaores más destacados de la actualidad. La música en directo vino de la mano de Juan Requena en la guitarra y Kiki Morente en el cante. Queriendo ofrecer un buen surtido de palos flamencos en el debut del Ballet Español de la Comunidad de Madrid, Carmona no midió la duración de la obra, ya que la pieza hubiera estado mejor encuadrada si hubiera prescindido de parte de su metraje.

Siempre es una buena noticia la creación de una nueva compañía y máxime si ésta cuenta con el patrocinio de una institución pública. A excepción del Ballet Nacional de España -también compañía pública- y de algún que otro admirable ejemplo, paradójicamente España tiene un déficit de compañías que defiendan con solvencia la danza española en sus cuatro vertientes, siendo el flamenco el hermano mayor que ha fagocitado al resto de estilos. Por eso es loable el propósito de querer preservar el patrimonio dancístico común, más allá del cálculo político que pueda haber detrás de la decisión. En su deseo de contentar tanto a la institución que lo amadrina como al público de la capital, Jesús Carmona quiso abarcar en exceso en un programa muy ambicioso, perdiendo en parte su genuina esencia. Respecto al elenco, la juventud y bisoñez del cuerpo de baile marcó su interpretación, que aún necesita de la experiencia que dan las tablas para pulir asincronías, entre otros pequeños deslices. El tiempo da y quita razones, y será el tiempo el que dictará sentencia sobre la permanencia del Ballet Español de la Comunidad de Madrid. De momento, el público congregado en la función del 17 de octubre lo tuvo claro y premió la apuesta con una entregada ovación.

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La danza estilizada está representada por “Eterna Iberia”, con coreografía de Antonio Najarro. Foto: © Ana Palma.

El Ballet Nacional de España (BNE) clausuró la decimonovena edición del Flamenco Festival de Londres con “Invocación”, un programa que ofrece una panorámica de la danza española. Fue Mariemma quien estableció las cuatro formas de la danza española –Escuela Bolera, folclore, danza estilizada y flamenco- a finales de la década de los 60 del pasado siglo. Con el compromiso de mantener vivo ese legado, el BNE se esmera en confeccionar programas que mantengan la tradición de la danza española en toda su extensión. De esta manera, Rubén Olmo, director del BNE, se esforzó en mostrar una visión caleidoscópica, incluyendo piezas de Escuela Bolera, danza estilizada y flamenco. El numeroso público congregado en la sesión matinée en el Sadler’s Wells Theatre vibró con un espectáculo completo, que fue ‘in crescendo’ hasta la pieza final, un homenaje al bailarín y coreógrafo Mario Maya (1937-2008).

Comenzó la función con “Invocación bolera”, una creación de Rubén Olmo que condensa la esencia de la Escuela Bolera tradicional sobre la partitura de Manuel Busto. La vis expansiva del flamenco ha fagocitado los otros estilos de la danza española y la Escuela Bolera es una de las grandes damnificadas, siendo escasas las compañías y oportunidades de disfrutar de un estilo complejo que aúna los bailes populares dieciochescos y una base académica. Zapatilla y castañuela, unidas en una danza que requiere bailarines con una buena formación clásica. Esta pieza de Olmo brilla especialmente en los momentos corales como una demostración de la técnica clásica de la Escuela Bolera.

La Escuela Bolera revive en “Invocación Bolera”, creada por Rubén Olmo. Foto: © Javier Fergo.

Granada inspira “Jauleña”, un solo también firmado por Rubén Olmo y nuevamente con música original de Manuel Busto. Imbuida por el espíritu de mestizaje del programa, la propuesta mezcla en un crisol los estilos de la danza estilizada, la Escuela Bolera y el flamenco, adquiriendo especial relevancia la granaína y el zapateado. Del conjunto del espectáculo, se trata de la pieza más innovadora, a lo que contribuyen tanto la puesta en escena como la música e iluminación.

La primera parte finalizó con “Eterna Iberia”, creación del anterior director del BNE, Antonio Najarro, sustentada por la danza estilizada. Surgida gracias al descubrimiento de la partitura de Manuel Moreno-Buendía “Celtiberia” para la creación de Antonio Ruiz Soler “Eterna Castilla” (1963), la obra se compone de cinco movimientos – ‘Burlesca’, ‘Farruca’, ‘Danza festiva’, ‘El amor doliente de Ronda’ y ‘Danza con brío’-, que alternan solos, dúos y movimientos corales y, a su vez, emplean la castañuela, la capa española y el sombrero cordobés. La pieza responde al estilo y a la estética propia de Najarro, muy cuidadoso con líneas y formas.

Para el estreno de la Compañía Andaluza de Danza –actual Ballet Flamenco de Andalucía- en 1994, Mario Maya creó “De lo flamenco” y en su recuerdo, Rubén Olmo, quien también dirigió el Ballet Flamenco de Andalucía entre 2011 y 2013, incorpora la obra al repertorio de la BNE. Los textos de Salvador de Madariaga, Miguel Hernández, Federico García Lorca, entre otros, hilvanan la suite flamenca, ejecutada con garra por bailaores y bailaoras del Ballet Nacional, acompañados por música en directo.

“De lo flamenco”, un sentido homenaje a la figura de Mario Maya pone el punto final al espectáculo. Foto: © Javier Fergo.

La versatilidad del Ballet Nacional de España queda subrayada por el programa “Invocación”, un conjunto de propuestas que se apoyan sobre tres de los cuatro pilares de la danza española. Exigentes coreografías y estilos tan diversos requieren de un bailarín completo. La ejecución del elenco resultó impecable, amén del buen estado de forma en el que se hallan los bailarines al final de la temporada. Si el inicio con “Invocación bolera” puso en valor la joya de la Escuela Bolera, tan vibrante o más resultó “De lo flamenco”, el sentido homenaje a la figura de Mario Maya. El flamenco continúa ratificándose como el mejor embajador de la cultura española en el extranjero. Resulta curioso comprobar cómo un espectáculo de danza española puede atraer un lluvioso sábado a primera hora de la tarde a un público tan diverso, incluyendo a familias con niños pequeños. Y sobre todo, lo más llamativo es que la danza española, especialmente el flamenco, conecte con espectadores de culturas tan diferentes. Eso es lo que ocurrió en el Sadler’s Wells Theatre, donde el público ofreció una calurosa ovación de varios minutos de aplausos. Y el Ballet Nacional de España agradeció la entrega con un electrizante bis para finalizar el Flamenco Festival de Londres.

“Mi temple (O)” [poema escénico], del coreógrafo Ricardo Rubio basado en su poema “Prelude on love”. Foto: Gloria Minauro. Gentileza INTERflamenca.

¿Cómo habla el cuerpo? se cuestiona el maestro Ricardo Rubio, una de las figuras más destacadas dentro del flamenco en México. Esa inquietud personal por la escucha interior lo ha inspirado a crear una singular pieza coreográfica donde le dará voz a la sonoridad corporal para que los espectadores se unan a su reflexión sobre cómo nos escuchamos a nosotros mismos.

Se trata de la obra “Mi temple (O)” [poema escénico], que se estrenará en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque, a través de cuatro funciones que se realizarán del jueves 16 al domingo 19 de noviembre del presente año, a cargo de su compañía INTERflamenca [una visión contemporánea del flamenco].

El maestro Rubio, con casi tres décadas de trayectoria en los escenarios, explicó que esta propuesta escénica surge a raíz de su interés en la relación que existe entre la voz y el cuerpo, que pudo plasmar en un poema de su autoría titulado “Prelude on love”, donde el cuerpo va construyendo un paisaje, un laberinto, para lograr una introspección en sus templos.

Experimento escénico

En “Mi temple (O)” [poema escénico], el coreógrafo construye una narración sonora con el cuerpo para mostrar ese viaje por las siete montañas que describe su poema “Prelude on love”. Este dispositivo escénico es cobijado por cuatro micrófonos dispuestos por el artista sonoro Mr. Ínsect y manipulados en tiempo real por el maestro Rubio, para generar paisajes sonoros y dar cuenta de los flujos rítmicos de los movimientos del cuerpo. Sobresalen las ramas secas que exaltan la ruta somática que el cuerpo experimenta, así como la luz mínima para estimular la audición del espectador.

La propuesta del también bailaor y maestro apela al espectador, por ello, construyó esta pieza como un ritual interactivo: se pedirá al público que lea fragmentos del poema en voz alta y, a partir de la voz, de los énfasis de las texturas que el propio lector le dé al texto y de cómo las reciba el cuerpo del performer, se construirá una narrativa corporal en tiempo real a partir de la cual se va a trabajar el montaje.

El universo sensorial

Para el maestro Rubio es importante dejar en claro que “Mi temple (O)” [poema escénico] no posee ninguna lectura dramatúrgica o de anécdota. Al respecto explicó: “Al igual que el flamenco, esta pieza se maneja por flujos emocionales y energéticos. Tiene su fundamento en el ritmo; es decir, cómo ritmas / rimas las pausas y cómo construyes en tiempo real una partitura energética a la cual la gente se va a conectar vía cuerpo, no vía mente. En este sentido, esta obra tiene la función de incidir directamente en estos tres lugares: nuestra pélvis (¿cómo conectamos con nuestros instintos?), nuestro tórax (¿cómo conectamos con nuestras emociones?) y nuestro cráneo (¿cómo conectamos con nuestra mente? las palabras que nos decimos y los conceptos que traemos)”.

Si bien no hay un mensaje o lectura específicos para el espectador, sí hay una temática que sostiene la propuesta: la escucha interior y los diferentes niveles de voces que emite el cuerpo. Sobre ello ahonda el coreógrafo: “¿cómo nos escuchamos a nosotros mismos y cómo reconocemos los diferentes niveles de voces que nuestro cuerpo tiene? ¿Cómo habla el cuerpo? El cuerpo no habla con palabras, es decir, no tiene conceptos, el cuerpo habla a partir de electricidad. Entonces, escuchar la electricidad del cuerpo y escuchar la resonancia ¿Cómo resuena el cuerpo y en qué partes resuena?”.

El maestro Rubio está convencido de que la participación del público permitirá una gran experiencia sensorial: “¿Cómo en colectivo construimos un ritual para llegar a esa escucha de nuestro propio cuerpo, de nuestros templos interiores (cavidades óseas del cuerpo: la pélvica, la toráxica y la craneal) y cuáles son los resonadores?; ¿cómo le llegan al público, participante de este ritual para que todos podamos acceder a esta vibración?”.

Al igual que el flamenco, “Mi temple (O)” [poema escénico] se maneja por flujos emocionales y energéticos. Foto: Gloria Minauro. Gentileza INTERflamenca.

Pieza simbólica de INTERflamenca

El director de INTERflamenca se muestra satisfecho con los resultados de su propuesta, ya que es resultado de una recapitulación de los paisajes escénicos que ha visitado a lo largo de su trayectoria profesional y de sus 51 años de existencia.

“Durante muchos años he establecido formas de encontrarme y comunicarme con mi cuerpo, cuerpo a cuerpo. También de comunicarme con el espectador a partir de mis propios flujos y de los flujos del propio espectador de forma directa, incidiendo de forma concreta y real en un ritual como ‘Mi temple (O)’ [poema escénico] que sucede en tiempo real, sin determinantes. Evidentemente hay una intención y unas lógicas que se construyen antes, pero sucede en tiempo real, sucede con la energía que está a disposición en ese momento, de tal forma que no se puede planear, no se pueden hacer planes de lo que sucederá, sino abrirme a la escucha del eterno presente”.

Según Rubio esta pieza hace referencia a procesos de investigación donde siempre ha estado la voz, en términos de palabra, de poética, en términos de relación con el cante, el grito, después de la voz como un elemento inteligible, leído a partir de ideas; explorado también el trabajo con el pre-lenguaje, con los sonidos que el cuerpo emite: onomatopeyas, sonidos que suceden antes del lenguaje y que tienen un carácter más emocional: “Todo esto lo ha llevado a hacer este caldo de cultivo de cuerpo, voz, palabra, grito, canto, poética, que se mezclan en este lugar muy personal donde mi propio cuerpo se convierte en un lugar de arribo, en el templo que he construido a lo largo de casi 30 años de trayectoria”.

Funciones

“Mi temple (O)” [poema escénico]*

Jueves 16 y viernes 17 de noviembre, 20:00 horas
Sábado 18 de noviembre, 19:00 horas
Domingo 19 de noviembre, 18:00 horas
Sede: Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque (Campo Marte y Paseo de la Reforma. Atrás del Auditorio Nacional)

Idea original, dirección y coreografía. Ricardo Rubio.
Artista sonoro. Mr. Ínsect
Dispositivo Sonoro. Ricardo Rubio y Mr. Ínsect
Iluminación Yunuén García

Presentan INTERflamenca [una visión contemporánea del flamenco] y Producciones El Día D [casa productora de artes vivas].
Proyecto beneficiado por el programa Habitando Territorios 2023 del Centro de las Artes de Queréta

Ballet Flamenco Sara Baras presentó “Alma” en el Eisenhower Theater del Kennedy Center en Washington DC. Foto: Sofía Wittert. Gentileza JFKC.

“Soy el alma que baila sin cadenas, soy el sueño insaciable de la luna, soy testigo en la sombra de la vida, soy la que aprende que las semanas tienen más de siete días si estoy contigo, … no hace falta que te diga que moriría por bailar contigo, no hace falta que te diga que es mi corazón flamenco el que tiene alma de bolero”, dijo la voz en off de Sara Baras. Esa voz que estremeció la platea mientras un haz de luz enfocaba un micrófono solo en el medio del escenario.

Después, la música y la danza. “Alma”, no solo es, como dice Sara Baras, “un abrazo enorme, donde el flamenco abraza al bolero, y el bolero se deja abrazar por el flamenco” es, realmente, un encuentro interior en lo más profundo del alma. Y es ese nombre el que da comienzo a este espectáculo, intenso, vibrante y conmovedor donde el duende del flamenco se apodera del alma del espectador y se la roba.

Con las estrofas del tango “Nostalgias”, letra de Juan Carlos Cobián, cantado por seguiriyas, Sara Baras se contonea y saca los tonos más delicados y aterciopelados de su zapateo. Luego, los boleros más reconocidos que, a su vez, eran los preferidos del padre de la artista, se van transformando a través de la música y el cante, en los distintos palos flamencos.

“Algo contigo” va por bulería, “Contigo aprendí”, adquiere ritmo de rumba; “Remolinos”, va por soleá; “Te extraño”, se fusiona en una caña; “Toda una vida” en soleá por bulerías. Una alquimia perfecta en la que ambos géneros se funden como si no pudieran separarse el uno del otro. Y a su vez, se amalgaman en una combinación de instrumentos no “tradicionales” en el flamenco como la flauta travesera o el saxo. Si bien desde hace más de dos décadas muchos de los bailaores contemporáneos empezaron a incorporar sonidos del jazz en el flamenco. Todo eso, dirigido por Keko Baldomero.

Sara Baras combina solos y bailes grupales donde también se incorporan cantantes como parte de la coreografía.

La danza se apodera del escenario con una fuerza y una presencia que no da respiro e incita a ir por más. Baras ha logrado un espectáculo de una sublime exquisitez, con un refinamiento y una delicadeza que conmueve a cada instante. A eso se suma la plasticidad y la belleza de una escenografía minimalista, despojada, que divide el escenario a través de un telón que se parece a una lluvia constante. El mismo minimalismo y sobriedad que se impone en el vestuario de Luis F. Dos Santos y la iluminación de Chiqui Ruiz.

Impecable el cuerpo de baile integrado por Chula García, Charo Pedraja, Daniel Saltares, Cristina Aldon, Noelia Vilches y Marta De Troya. Los solos de cada una de ellas muestran el alto nivel de preparación de las bailarinas, y los solos de Baras encuentran esa delicadeza y esa potencia que hacen que el flamenco estalle en toda su intensidad. Sus diálogos musicales con los cantantes y con el saxo (Diego Villegas) son absolutamente sublimes. Una bailaora que sabe manejar los silencios, los gestos, los interminables giros, y es ella el propio duende que sale a escena.

“Alma” es una combinación perfecta de ritmo, movimiento, sonidos, olores y colores. Un espectáculo que apunta a lo más profundo del corazón, desde la punta de los tacones hasta los maravillosos movimientos de brazos y esas manos que se proyectan hacia el infinito.

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El BNE presentará en México “Invocación”, un espectáculo integrado por cuatro propuestas coreográficas. Gentileza BNE.

Pocos son los proyectos dancísticos a nivel mundial que han logrado fusionar tradición y vanguardia. El Ballet Nacional de España (BNE) es uno de ellos. Desde hace cuatro décadas y media ha sido el embajador del patrimonio coreográfico español, exaltando los lenguajes originarios de esta nación a través de propuestas escénicas renovadoras.

La prestigiada agrupación hará una gira especial en México, país que no había visitado desde hace casi veinte años. Su regreso a tierra azteca será con un programa especial, el primero creado por el maestro Rubén Olmo ya como director de este ballet, donde se inició justamente como bailarín.

Siete serán las ciudades donde el BNE compartirá su poderosa danza: San Luis Potosí, León, Morelia, Guadalajara, Monterrey, Puebla y Ciudad de México. Será en ésta última donde cerrará con broche de oro en el máximo recinto cultural de nuestro país: el Palacio de Bellas Artes, del 28 al 31 de julio.

La gira es producida por Iberarte (Lucia Beviá/Jaime Suárez) y cuenta con el apoyo de la Embajada de España en México, a través del Centro de España en México y el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música; así como la Universidad de Guadalajara por medio de la Coordinación de Extensión y Difusión Cultural.

Esperado reencuentro

Con profunda alegría, el maestro Olmo comparte su sentir de la gira por territorio mexicano: “Estoy muy emocionado de volver a México. Para los que hacemos artes volver a los escenarios en estos momentos después de pandemia es una terapia muy linda que nos sirve para sanar todo lo que hemos vivido. Acá en mi patria no dejamos de hablar de esta gira en vuestro país, estamos muy entusiasmados”.

El director del BNE -quien a los nueve años ingresó en el Conservatorio de Sevilla donde se licenció en Danza Española y Danza Clásica en 1996-, recuerda con nostalgia la gira que hizo esta prestigiada compañía en México en el año 2000, cuando él era parte del cuerpo de baile: “Fue una experiencia grandiosa, bailamos para el pueblo mexicano en el Zócalo capitalino. El recibimiento fue tal que, cuando nos subimos a los autobuses que nos llevarían al hotel, la gente no nos dejaba ir. Así que nos emociona la experiencia que tendremos ahora después de tantos años de ausencia en esta tierra”.

Para España y México, esta gira de la compañía ibérica refrenda una vez más los lazos de colaboración cultural, como lo expresa Juan López-Dóriga Pérez, embajador de España en México: “La promoción de la cultura española es crucial en México y este ballet es un referente obligado de nuestra cultura desde que lo fundó Antonio Gades. Después de una pausa tan larga que tuvimos con la pandemia era importante que hiciéramos una colaboración de esta envergadura”.

Gran fiesta española

“Invocación Bolera”, obra que celebra a los grandes maestros que marcaron la escuela bolera tradicional que surgió en el siglo XVIII. Gentileza BNE.

El programa que el BNE presentará en México lleva por título “Invocación”, el cual está integrado por cuatro propuestas coreográficas. A decir de su director, será un espectáculo que no sólo mostrará la esencia de las danzas españolas, sino el estilo único que caracteriza a esta agrupación.

Sobre el sello distintivo del BNE, el maestro Olmo reflexiona: “Sin temor a equivocarme, y respetando el trabajo de otras compañías, puedo decir que este ballet es único, no tiene competencia porque manejamos distintos estilos de danza, desde la clásica y la estilizada española, hasta el folclor español. Salvaguardamos todos los estilos de la danza española, pero también nos especializamos en danza contemporánea.  Además, los integrantes tocamos dos instrumentos, es decir, hacemos música con los pies y hacemos música con las castañuelas. Somos bailarines y músicos”.

Acerca del aporte que el maestro Olmo -Premio Nacional de Danza en 2015- le está legando al BNE, responde: “La evolución del grupo ha dependido de cada director. Cada uno le ha dado un sello especial, por eso cada etapa ha sido diferente. En mi caso, creo que mi dirección se distingue por una profunda pasión. Me han tocado momentos complicados, pero todos hemos ido de la mano juntos”.

La primera pieza que integra el programa de la gira se titula “Invocación Bolera”, donde se rendirá homenaje a los grandes maestros que han marcado pauta en la llamada escuela bolera tradicional, que surgió en el siglo XVIII en la madre España como producto de la combinación de bailes populares andaluces con danzas académicas

“Jauleña” es el nombre de la segunda coreografía, donde se conjuntan las tres disciplinas de la danza española: la danza estilizada, la escuela bolera y el flamenco; es un solo inspirado en un pueblo de Granada donde convivían las culturas cristiana, judía y árabe.

La tercera propuesta coreográfica es “Eterna Iberia”, donde se exalta el uso de la castañuela, la capa española, el sombrero cordobés, así como la técnica y la fuerza interpretativa de la danza estilizada española.

Finalmente se interpretará “De lo flamenco”. Homenaje a Mario Maya, pieza compuesta por siete movimientos que la convierten en una suite flamenca que refleja el estilo de este gran icono de la danza española. El director del BNE se dijo orgullo de esta nueva creación, ya que hasta el momento el maestro Maya (1937-2008) no figuraba dentro del repertorio de la agrupación ibérica.

Historia de tradición y vanguardia

Fue en 1978 cuando el maestro Antonio Gades (1936-2004), un icono de la danza española, fundó el entonces Ballet Nacional Español (hoy Ballet Nacional de España). El sueño de este gran bailarín y coreógrafo era tener un grupo a través del cual se preservara, difundiera y transmitiera el patrimonio coreográfico de España y lo logró. Este hombre leyenda conformó un grupo donde reina la pluralidad y la tradición en las diversas formas de movimiento de la danza español: académica, estilizada, folclore, bolera y flamenco.

El reconocimiento que el BNE ha alcanzado en todo el mundo se debe a su singular estilo: un binomio entre la preservación del repertorio tradicional de danza española y la incorporación constante de nuevos lenguajes vanguardistas y nuevas tendencias escénicas.

No obstante que el gran número de bailarines, equipo creativo y de producción que lo conforman, el BNE protagoniza una movilidad única no sólo en territorio español, sino en otras naciones. Cuenta con el apoyo del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), el cual pertenece al Ministerio de Cultura y Deporte. Pero también es una compañía que alienta la auto gestión.

Muchas son las distinciones que el BNE ha cosechado a lo largo de su trayectoria, como el Premio a la Crítica al Mejor Espectáculo Extranjero en el Metropolitan de Nueva York (1988), Premio de la Crítica Japonesa (1991),  el Premio de la Crítica al Mejor Espectáculo en el Teatro del Palacio de Bellas Artes de México (1994), y el Premio Extraordinario a las Artes Escénicas que otorga el Festival Internacional del Cante de las Minas por su contribución a la preservación y difusión del mejor flamenco”.

La gira

“De lo flamenco”, homenaje a Mario Maya, pieza compuesta por siete movimientos que reflejan el estilo del gran icono de la danza española. Gentileza BNE.

El BNE iniciará sus presentaciones el viernes 1 de julio en el Centro Cultural Universitario Bicentenario de San Luis Potosí. Después viajará a León, Guanajuato para bailar el jueves 7 y viernes 8 de julio en el Fórum Cultural Guanajuato Teatro de Bicentenario Roberto Plascencia Saldaña.

El martes 12 de julio llegará al Teatro Morelos de Morelia, Michoacán, para luego trasladarse a Guadalajara, Jalisco, donde se presentará en el Conjunto Santander de Artes Escénicas de la Universidad de Guadalajara el sábado 16 y domingo 17 de julio. En Monterrey, Nuevo León estará en el Pabellón M el miércoles 20 de julio; en tanto que Puebla lo recibirá el domingo 24 de julio en el Auditorio Metropolitano.

La gira culminará en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, donde bailarán del 28 al 31 de julio, con el apoyo del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal).

Como homenaje al artista granadino Mario Maya el BNE presenta en Dubái la suite “De lo flamenco”. Foto: María Alperi. Gentileza BNE.

La riqueza de los distintos estilos de la danza española viajará hasta los Emiratos Árabes Unidos de la mano del Ballet Nacional de España (BNE), que actuará el 2 de febrero de este año que se inicia en la Exposición Universal Dubái 2020. La compañía ofrecerá en el escenario “Jubilee” una visión global de la danza española a través del programa “Invocación”. La compañía se une así a la amplia programación cultural organizada por el Pabellón de España y Acción Cultural Española (AC/E) para difundir la cultura y la imagen de España en el exterior en el marco de este evento internacional que se clausura el 31 de marzo de 2022.

“’Invocación’ es un programa en el que se puede disfrutar de un flamenco lleno de vida y de fuerza en el escenario, un ballet de la más pura danza estilizada y una de las escasas coreografías recientes de escuela bolera”, afirmó Rubén Olmo. Forma parte de este programa también el solo “Jauleña”, una pieza que explora hasta dónde puede llegar la fusión de la danza contemporánea, la danza estilizada y el flamenco, firmada por el director del BNE, con música de Manuel Busto. Olmo la interpretará dentro de los actos oficiales programados con motivo del Día de España.

Este programa ofrece la oportunidad de divulgar entre el público internacional el trabajo de uno de los grandes creadores de la danza española, Mario Maya, el bailarín, coreógrafo y director que cambió la estética y el concepto del flamenco. Hasta su fallecimiento en 2008, Maya fue el hilo conductor del flamenco tradicional hacia el contemporáneo, y su creatividad y forma de trabajar inspiraron a una generación de flamencos que están hoy en lo más alto de este arte.

“Invocación bolera”, de Rubén Olmo, es una de las escasas coreografías de este estilo creadas recientemente. Foto: María Alperi. Gentileza BNE.

Como homenaje al artista granadino, Olmo ha elegido la suite “De lo flamenco” para formar parte del programa, dado que reúne un amplio abanico de registros de flamenco, desde el clasicismo al barroquismo y la vanguardia. “El repertorio de Mario Maya encaja muy bien con el Ballet Nacional de España porque coreografiaba para un gran número de bailarines”, añadió Olmo. La versión que representa el BNE incluye dos nuevas coreografías a la obra original, estrenada por la Compañía Andaluza de Danza (actual Ballet Flamenco de Andalucía) en 1994: “Romance del emplazado”, de Rafaela Carrasco, y “Taranto”, de Isabel Bayón. En el resto de las coreografías se ha intentado ser fiel a la creación de Mario Maya, desde el vestuario hasta la música compuesta por Diego Carrasco, Jesús Torres, Moraíto Chico y Los del Río.

El flamenco es el más popular de los estilos incluidos en la danza española, pero no es el único. La escuela bolera, disciplina que reúne técnicas de danza clásica con bailes populares del siglo XVIII y el dominio de las castañuelas o palillos, también tiene cabida en este programa. “Invocación bolera”, de Rubén Olmo, es una de las escasas coreografías de este estilo creadas recientemente. El director de BNE se inspiró en los grandes maestros de la escuela bolera y en lo que le enseñaron sus maestros para lograr una coreografía de escuela bolera muy personal, con un estilo contemporáneo.

Completa el programa “Eterna Iberia”, uno de los ballets más puros de estilización de la danza española creados por Antonio Najarro en 2019. La capa y el sombrero cordobés, ensalzados por el vestuario diseñado por Yaiza Pinillos, cobran protagonismo en un ballet que recupera la partitura musical compuesta por Manuel Moreno-Buendía para Eterna Castilla, de Antonio Ruiz Soler, y editada posteriormente en forma de suite con el título Celtiberia.

El Ballet Nacional de España estrenó Invocación el 7 de marzo de 2020 en el Festival de Jerez y ha representado este programa en Madrid, San Petersburgo, Santander, Pamplona, Zaragoza, Albacete, Terrassa (Barcelona) y Pozuelo de Alarcón (Madrid). Después de Dubái, podrá verse próximamente en Logroño, Torrejón de Ardoz (Madrid) y Valencia, entre otras ciudades.

“Eterna Iberia”, uno de los ballets más puros de estilización de la danza española creados por Antonio Najarro en 2019. Foto: María Alperi. Gentileza BNE.

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“El canto de los pies”, de Casilda Madrazo, es una pieza visual, auditiva y sensitiva donde se funden distintas percepciones y experiencias. Foto: Silvio Margain. Gentileza INBAL.

Tras un profundo ejercicio de introspección sobre el lenguaje corporal y la búsqueda permanente de un estilo propio, la bailarina y coreógrafa Casilda Madrazo ha creado un singular trabajo coreográfico que podrá ser disfrutado de manera presencial.

“El canto de los pies” es el nombre de la propuesta dancística que la artista escénica interpretará en el Complejo Cultural Los Pinos como parte de la oferta programada por el INBAL, a través de la Coordinación Nacional de Danza. Las funciones serán el sábado 24 y el domingo 25 de abril a las 12:00 y 14:00 horas en el espacio conocido como La Pérgola de este recinto enclavado en el Bosque de Chapultepec.

Madrazo, que en el pasado mostró su talento como bailaora de flamenco, ha logrado destacar dentro del gremio dancístico por su peculiar estilo de explorar en diferentes géneros como la danza butoh, incursionar en otras disciplinas como el video y el performance, además de trabajar con artistas visuales, músicos y poetas.

En entrevista, la bailarina y coreógrafa compartió su sentir de regresar a la modalidad de funciones presenciales: “Es muy emocionante. La experiencia en vivo es algo que el cuerpo y el corazón piden. Ya se extrañaba”.

Asimismo, quien ha sido becaria por el Fonca en los programas Jóvenes Creadores y Fomento a Proyectos y Coinversiones Culturales, confesó que este regreso también le genera otro tipo de emociones: “Hay una sensación de nervios porque nos desacostumbramos a compartir esa energía con otros cuerpos. Como artista también será una sorpresa, de ver cómo me voy a encontrar con la escena después de estar más de un año fuera de ella. Para mí es una incógnita, un misterio”.

Sobre su solo dancístico “El canto de los pies”, Madrazo explicó que surgió de la intención de ordenar su cuerpo con respecto a las informaciones que ha recibido a lo largo de una búsqueda que lleva varios años. Después de un complejo proceso de separación del arte flamenco para encontrar su propio estilo, se encontró en una confusión formal y personal. Este proceso de introspección fue crucial para ella. Al respecto dijo:

“Fue hasta que regresé a caminar, tan sencillo como eso, y a sentir mis pies, que se abrió un panorama más claro. Un panorama que no sólo se revelaba con los movimientos, los gestos y las palabras sino también con el canto. Esta propuesta es la primera versión de una pieza que estoy creando a partir de dicho ordenamiento. Ordenamiento que a su vez resultó de una autoinvestigación o autolaboratorio al que yo misma decidí presentarme. De este modo, lo que aquí comparto es el estreno de lo que todavía no sé cómo nombrar”.

Afiche del ciclo programado por INBAL en el Bosque de Chapultepec. Gentileza INBAL.

Respecto a las emociones que quiere transmitir al público con “El canto de los pies”, su creadora señaló: “quiero compartir una pieza muy visual, auditiva y sensitiva porque así es el cuerpo en movimiento. Quiero que pensemos que todos somos cuerpo y que éste tiene muchas posibilidades. No hay movimiento sin espacio, ni cuerpo sin espacio”.

Finalmente, quien en 2006 ganó junto con Mari Paz Covarrubias el primer lugar para dueto en danza española en el I Concurso Interamericano de danza en Puebla, dijo que la pandemia ha generado muchos momentos de reflexión, por lo que su obra dancística puede ser muy empatía: “La sensación que nos ha dejado esta situación mundial es que la vida está para vivirla y que las acciones están para tomarse. Elegí esta pieza porque quiero tomar acción ante todo lo que descubrí en estos tiempos de resguardo”.

 Ficha técnica:

“El canto de los pies”

Dirección, danza, composición musical:
Casilda Madrazo
Diseño de vestuario: Casilda Madrazo
Realización de vestuario: María del Jesús Patricio
Asesoría de audio: Esteban Chapela
Producción: Casilda Madrazo.
Danza Compositor invitado: Andrés Guadarrama.

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# QuédateEnCasa

Cabe recordar que, para acompañar a la población mexicana, la Secretaría de Cultura y el INBAL, cuentan con diversos contenidos en línea que permiten conocer y disfrutar el patrimonio cultural y artístico desde casa, a través de la plataforma Contigo en la distancia, a la cual se puede acceder de manera gratuita a través de contigoenladistancia.cultura.gob.mx

Se pueden seguir las redes sociales del INBAL a través de Instagram (@INBAMX) Facebook (/INBAmx) y Twitter (@bellasartesinba). Sigue las redes sociales de la Secretaría de Cultura en Twitter (@cultura_mx), Facebook (/SecretariaCulturaMX) e Instagram (@culturamx).

“Monk” es una pieza que llegó de China para el FIVideodanza 2019, con dirección de Aly Rose y coreografía de Tao Siye.

Ante la crisis generada en el mundo entero por la pandemia del COVID-19, la Red Nacional de Arte y el Festival Internacional de Videodanza de la Ciudad de México lanzan una plataforma para ver videodanzas en línea. Los trabajos, que forman parte de la muestra del 4to Festival de Videodanza realizado en 2019, estarán disponibles, a cualquier hora y en cualquier momento, entre abril y mayo, y se difundirán de manera gratuita.

Con la intención de contribuir a diversificar la oferta cultural en casa durante esta contingencia extrema, el Festival Internacional de Videodanza de la Ciudad de México en colaboración con Red Nacional de Arte optaron por “subir a escena” creaciones de nacionales e internacionales que formaron parte de la edición anterior, mientras lanzan una nueva convocatoria para este año.

Algunas de las obras disponibles en línea que se podrán ver desde cualquier parte del mundo son: “Wild-er-ness” de Ana Baer y Heike Salzer, “Cross-cap” de Lícia Arosteguy, “Las flores en el jardín” (creación colectiva), “Shadow” de Metamorphosis Dance, “Solsticio” de Nohbords, “Searching for Wonder” de Greg Osei, “Flamenco” de Manuel Díaz, “Swing Time” de Brian Hollins, “Alter, el espacio que compartimos” de Roxana Morales, “T.I.A. (THIS is Africa)” de Matthieu Maunier-Rossi, “Propiocepción” de Andrés Tonacatecuhtli y Diego Marín, “4 ~” de Rodrigo Rocha-Campos, “Monje” de Aly Rose, o “Tonantzin” de Alberto Munguía. A medida que vayan pasando los días se ampliará el catálogo y el público tendrá más opciones.

Por otra parte el Festival Internacional de Videodanza de la Ciudad de México, en colaboración con Red Nacional de Arte, convoca a las y los coreógrafos, realizadores, agrupaciones, colectivos, compañías y artistas en general a inscribir sus obras en la quinta edición del FIVideodanza a realizarse del 10 al 13 de Septiembre de 2020.

FIVideodanza 2020 mantiene abierta la convocatoria para la quinta edición hasta el 9 de agosto.

Se podrán inscribir todos los trabajos nacionales y extranjeros, terminados entre el periodo 2018-2020, sin tener que presentar una duración mínima o una duración máxima.

El festival aceptará todo tipo de videodanzas, con especial interés hacia aquellos que impliquen un impacto social, creadas con el fin de ser compartidas con público de la Ciudad de México, haciendo uso de cualquier lenguaje corporal, cuya coreografía esté articulada con el lenguaje cinematográfico, sin importar si poseen un carácter documental o de animación, por mencionar algunas de las posibilidades audiovisuales y estéticas. Para la quinta edición se programarán además videodanzas enfocadas al Medio ambiente.

Todos los trabajos pueden ser inscritos a la par en la selección de videodanza online, que será mostrada en la página oficial del festival (festivalvideodanza.com) durante las fechas del evento.

Para la inscripción de las obras se deberá utilizar la plataforma Filmfreeway, el formulario de Red Nacional de Arte, o la plataforma Festhome. Todas las opciones se encuentran disponibles al final de éste documento. Se recibirán obras desde el momento de la publicación de la convocatoria y hasta las 23:59 horas del 09 de agosto de 2020.

La cuota de inscripción por cada videodanza enviada es de $140.00 pesos mexicanos m.n. si la videodanza es nacional y se registra a través de Red Nacional de Arte, o en su caso, de 14 USD en las demás plataformas.

Se podrá presentar un máximo de cinco obras. Los trabajos que formarán parte de cada sección serán elegidos por un comité de selección, cuya decisión es inapelable.

El 70% de los beneficios obtenidos por las cuotas de inscripción se destinarán a la premiación de la mejor videodanza. En caso de que alguno de los ganadores no reclame su premio en los siguientes tres meses, se entenderá que renuncia al mismo y podrá ser usado para cubrir los gastos que genere la próxima edición del festival.

Los trabajos seleccionados podrán formar parte de muestras nacionales e internacionales en las que participe el Festival durante el 2020 y 2021. Al participar, el postulante acepta también el uso de fotogramas o segmentos de la pieza inscrita para la difusión y elaboración de materiales impresos o electrónicos, tales como invitaciones, carteles, postales o catálogo virtual, en caso de que así se requiriese.

La lista de videodanzas seleccionadas será publicada en el sitio oficial del festival el 16 de agosto de 2020 y se contactará a cada participante seleccionado por correo electrónico.

Realizado a partir del estudio del espacio arquitectónico de Casa Wabi del arquitecto Japonés Tadao Ando, “Solsticio”, es una creación de Nohbords (Mauricio Rico, Diego Mur).

En la WEB
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#FIVideodanza

El National Dance Day convoca a D.C. Bhangra Crew, compañía dedicada a las danzas tradicionales de la India. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

El Kennedy Center de Washington DC, en colaboración con la Dizzy Feet Foundation y con la congresista Eleanor Holmes Norton presenta el National Dance Day (Día Nacional de la Danza-NDD) el sábado 30 de julio en el Grand Foyer del Kennedy Center y en la terraza del ala norte. Las actuaciones comienzan a la 1:00 PM y terminan a las 11 PM. Y a las 6:00 PM se realizará un show en el Milleniun Stage que será transmitido en vivo en el sitio web del Kennedy Center y quedará en los archivos de la institución.

Clases abiertas para todos los niveles, guiadas por reconocidos maestros. En este encuentro gratuito, dedicado al público de todas leas edades incluye actuaciones de artistas y grupos reconocidos en el área, como también clases sobre una variedad de estilos. Este año el NDD convoca al bailarín de tap, cantante y guitarrista Evan Ruggiero; a la reconocida compoañía de danza contemporánea, Bowen McCauley Dance; a la escuela de danzas irlandesas, The O’Neill James School of Irish Dance, y al estudio DIVAS. También darán su “presente” en esta celebración, la D.C. Bhangra Crew, compañía dedicada a las danzas tradicionales de la India; CapoeiraDC, que trae este tradicional estilo de artes marciales brasileñas, y el coreógrafo de Hip Hop dancer, Teren Dickson.

El grupo Dance Place Step Team también se pliega a esta celebración junto a las danzas latinas que llegan a través de Kat Kinnunen, como también, Native Pride Dancers, ensamble que mezcla las danzas nativas tradicionales con danza moderna. A su vez, el Dance Institute of Washington y la compañía de flamenco, Furia Flamenca Dance Company, se sumarán a las propuesdas de jazz-dance traídas por Helen Hayes, directora de Joy of Motion’s Youth Dance Ensemble.

Este encuentro con la danza también incentiva al público para que presente sus propios videos de danza. Las sedes oficiales para hacer las presentaciones este año son The Music Center, Los Angeles, CA; the Kennedy Center, Washington, D.C., y Dr. Phillips Center for the Performing Arts, Orlando, FL.

Fundada en 2009 por Nigel Lythgoe y el director Adam Shankman, todos los años la Dizzy Feet Foundation forma parte del NDD a través de la producción y distribución de videos instructivos que ofrecen rutinas de baile de todos los niveles para que el público pueda entrenarse antes de ir a las clases. Cada una de estas rutinas, al igual que el segmento “Dancing Under the Stars” y “So You Think You Can Dance (SYTYCD)”, estarán guiados por Alex Wong, reconocido bailarín que fue principal del Miami City Ballet. Hacer clic aquí para ver las rutinas preparadas para este año: https://www.youtube.com/user/dizzyfeetfoundation

Informes:
www.dizzyfeetfoundation.org
www.kennedy-center.org

Horarios
1:00 – 5:30 p.m.: Shows de danza y actividades en la plaza norte.
6:00 – 7:00 p.m.: Millennium Stage evento en el Grand Foyer.
8:00 – 8:30 p.m.: Dancing Under the Stars (clases de danza en la plaza norte).
8:30 – 9:30 p.m.: Música en vivo y baile en la plaza norte.
9:30 – 10:00 p.m.: Clases de danza en la plaza norte.
10:00 – 11:00 p.m.: Música en vivo y baile en la plaza norte.

Creado, producido, dirigido y coreografiado por Los Vivancos, “Nacidos para bailar” funde lo sacro y lo profano. Foto gentileza Los Vivancos.

Tras una gira ininterrumpida de nueve años que los ha llevado por 200 ciudades en 37 países, actuando más de 900 veces ante cerca de 1.800.000 espectadores, el premiado grupo Los Vivancos presenta su tercera gran producción: “Nacidos para bailar”. El espectáculo, que se estrena en el teatro Tivoli de Barcelona del 11 de mayo al 3 de julio, cierra una etapa en la carrera de estos siete artistas.

Lo éxitos atemporales de las grandes leyendas de la música se reúnen en “Nacidos para bailar”, un concierto que busca traspasar las fronteras de lo físicamente posible combinando atletismo con eclecticismo artístico. Una obra en la que danza, humor, artes marciales, virtuosismo musical y equilibrismo convergen para crear una utopía escénico-musical. En este show combina el flamenco, el metal y una orquesta sinfónica con interpretaciones musicales en directo, un vestuario de alto diseño y una elaborada producción técnica.

Con esta obra Los Vivancos concluyen una trilogía que les ha llevado nueve años completar y que está formada por “7Hermanos”, “Para Siempre” (Aeternum), y  “Nacidos para bailar”.

Con “7Hermanos”, el grupo representó el cuerpo; con “Aeternum”, el alma, y con “Nacidos para bailar”, encontraron la fusión de lo sacro y lo profano.

Creado, producido, dirigido y coreografiado por Los Vivancos, este último espectáculo cuenta con la participación de un equipo creativo de nivel internacional. El premiado compositor cinematográfico Joan Martorel, que ha colaborado en la orquestación de bandas sonoras como “Mi gran noche” (Alex de La Iglesia) o “Terminator Genesis”, firma las partituras de esta pieza. Y adapta las composiciones originales de leyendas como Metallica, Deep Purple o Lehonard Cohen al rock sinfónico de Los Vivancos.

El show cuenta con la tecnología inalámbrica de E-Tecnileds que se combina con el sello de Leather Desings, artesano creador de complementos en cuero presentados en el Museo de Arte de Brooklyn y que han usado artistas como Madonna o Beyoncé. El ingeniero espacial de la NASA, Eduardo García, colabora como asesor técnico de la escenografía, que se compone de estructuras especialmente diseñadas. Y la Orquesta Sinfónica de Budapest interpreta la banda sonora de la obra.

Para describir esta obra Los Vivancos utilizan un lenguaje coreográfico que presenta la espectacularidad como un fin en sí misma. Integrado por Elias, Judah, Josua, Cristo, Israel, Aaron y Josué, y con el Guinness World Record a los pies más rápidos del mundo, han sido catalogados por “The New Yorker Magazine” como “La agrupación flamenca con más proyección de la actualidad”. Destacan sus colaboraciones con importantes personalidades y artistas como Antonio Banderas, el diseñador Giorgio Armani o la Princesa Estefanía de Mónaco. A ellos se suma la directora artística de la Ceremonia de Clausura de los Juegos Olímpicos de Sochi 2014, Julie Hamelin; el creador y director de “Corteo” del Cirque du Soleil Daniel Fizi Pasca, y el compositor Fernando Velázquez, entre otros.