Hugo Layer y Allegra Vianello en “La Chambre d’Amour”. Foto: Olivier Houeix

Cuenta la leyenda que la hija de un pastor adinerado llamada Saubade y Laorens, un joven pescador huérfano, se enamoraron profundamente con la férrea oposición de la familia de la protagonista de la historia. En la costa vascofrancesa, una gruta entre las playas de Anglet y el faro de Biarritz era el escenario para los encuentros de los jóvenes amantes. Un buen día, una tormenta hizo elevarse a gran velocidad el nivel del Golfo de Vizcaya y las olas arrastraron a los enamorados, quienes murieron ahogados. La historia de Saubade y Laorens se popularizó gracias a la obra “L’Hermite en Province” (1817) de Étienne de Jouy, quedando la cueva como un símbolo del amor, de donde toma el nombre de La Chambre d’Amour.

En el año 2000, esta leyenda sirvió de fuente de inspiración a Thierry Malandain para crear un ballet de temática vasca, un par de años después de haber sido nombrado director del recién creado Centro Coreográfico Nacional-Ballet Biarritz. Pensado como una gran carta de presentación ante su nuevo público, la ambición del proyecto incluyó la composición original del músico vascofrancés Peio Çabalette. Todo aquel despliegue en un momento en el que el Ballet Biarritz aspiraba a tener una presencia estable en el País Vasco se tradujo en un apoyo institucional de gran calado a ambos lados de la frontera natural del Bidasoa. En aquel momento, la apuesta no obtuvo el resultado esperado y “La Chambre d’Amour” sólo ofreció nueve funciones, lo que le empujó a Malandain a buscar títulos más comerciales.

Irma Hoffrén y Raphaël Canet como Dido y Eneas. Foto: Stéphane Bellocq.

Curiosamente, el próximo relevo de Thierry Malandain en la dirección del Ballet Biarritz ha vuelto a poner de actualidad esta obra creada con tanto ímpetu, ilusión y apoyo hace un cuarto de siglo. El coreógrafo normando ha decidido recuperar “La Chambre d’Amour” para su adiós de la compañía biarrota. Concebido originariamente como un ballet para 14 bailarines, parte del reto actual de Malandain ha consistido en adaptar su coreografía original para 22 intérpretes. Aparte del acomodo numérico, lo más interesante de revisitar una obra antigua como ésta reside en el hecho de que permite visualizar con nitidez la evolución de Thierry Malandain como coreógrafo: mientras que en el año 2000 aún estaba inmerso en una fase de definición de su estilo y por ello, en la pieza conviven con total naturalidad en la escritura coreográfica frases neoclásicas con otras más contemporáneas, posteriormente, se ha caracterizado por el estilo neoclásico y ha hecho bandera de ello.

A nivel temático, el argumento de la obra hilvana seis historias de amores -y desamores- mitológicos o literarios con desenlace trágico, en la misma línea que la leyenda de Saubade y Laorens. La Biblia (Adán y Eva; Caín y Abel), las obras de Shakespeare (Otelo y Desdémona; Romeo y Julieta), “La Eneida” de Virgilio (Dido y Eneas) o la mitología clásica (Orfeo y Eurídice) proporcionan las parejas de personajes para escenificar el pecado original, el primer fratricidio de la historia, los celos, el amor trágico, la traición y la duda. A ellos añade un capítulo adicional con aire vasco protagonizado por los seres mitológicos Ura y Ederra. Viéndolo con la perspectiva que da el paso del tiempo, “La Chambre d’Amour” avanza algunas líneas temáticas que fueron posteriormente desarrolladas en sucesivas obras de Malandain como “Creation” / “Les Créatures” (2003) -espectáculo que se estrenó con el primer título y luego fue rebautizado con el segundo- y “Lucifer” (2011), producciones en las que incide en los episodios de Adán y Eva y en el fratricidio de Caín sobre Abel, y “Romeo y Julieta” (2010).

Claire Lonchampt y Michaël Conte como Desdémona y Otelo. Foto: Olivier Houeix.

En el plano de la interpretación, la comparación de las versiones de 2000 y de 2025 también deja conclusiones diferentes. Probablemente más vitales, imprecisos y con un cierto aire de ingenuidad -aunque el tiempo difumina el contorno de sus actuaciones-, gracias al trabajo de los catorce miembros del Ballet Biarritz de principios del siglo XXI se pusieron los cimientos para la actual compañía profesional. El momento ilusionante de poner en pie una compañía poco tiene que ver con la estabilidad de los componentes del ahora denominado Malandain Ballet Biarritz y esto hace que el calado de sus interpretaciones sea diferente. Con mucha inteligencia, Thierry Malandain ha sabido distribuir los roles de los siete cuadros escénicos para destacar las cualidades de sus bailarines actuales, una plantilla que aúna juventud con experiencia, ejerciendo de pareja fetiche en esta producción los veteranos Hugo Layer y Allegra Vianello en la piel de las duplas de Adán y Eva-Ura y Ederra. Aunque los dúos están depurados, donde mejor mano demuestra el coreógrafo es en los movimientos corales, lo que también se ha convertido en una de las señas de identidad de su trabajo.

Esta producción ha sido la única que ha contado con música original a lo largo de la dilatada carrera creativa de Malandain. La partitura de Peio Çabalette combina los sonidos de la abrupta naturaleza del Cantábrico con su lluvia ligera o sirimiri y su embravecido mar con otros más metálicos, resultando, en ocasiones, no muy confortable para el oído del espectador. La escenografía de Jorge Gallardo mantiene la postal cantábrica aderezada con algunas piedras lunares en tonos plateados y la nueva iluminación de François Menou potencia la paleta de los grises y sepias, para evocar tiempos de antaño.

Thierry Malandain podía haber escogido para despedirse su programa más exitoso, “Homenaje a los Ballets Rusos” (2001), compuesto por sus lecturas sobre las piezas “Pulcinella”, “L’Après-midi d’un faune”, “La mort du cygne” y “Bolero”, o su obra más personal construida con los retazos de sus recuerdos infantiles, “Magifique” (2009), pero ha optado por lo que a priori fue un traspié con escaso número de funciones, “La Chambre d’Amour” (2000). Las razones de esa elección son todo un misterio que sólo se pueden llegar a intuir: desde un deseo de resarcirse del tropezón hasta el sentimiento nostálgico de cerrar un círculo que le transporta a un tiempo de juventud. En cualquier caso, convertido en toda una institución para la localidad vascofrancesa de Biarritz, Thierry Malandain afronta su última temporada al frente del Ballet Biarritz y el prólogo de su adiós materializado en la nueva versión de “La Chambre d’Amour” consiguió una cálida ovación de más de cinco minutos en la Gare du Midi durante la inauguración de la trigésima quinta edición del festival Le Temps d’Aimer la Danse.

El Malandain Ballet Biarritz inauguró la 35ª edición del Festival Le Temps d’Aimer la Danse. Foto: Olivier Houeix.

Los componentes de la compañía Hofesh Shechter interpretan “tHE bAD”, parte del tríptico “Barbarians”, presentado en la Gare du Midi de Biarritz. Foto: Gabriele Zucca. Gentileza Hofesh Shechte-Festival Le Temps d’Aimer la Danse.

El Festival Le Temps d’Aimer la Danse de Biarritz inauguró su vigésimo sexta edición con una firma apuesta por vanguardia extrema. La aclamada compañía de Hofesh Shechter, considerada uno de los mejores exponentes de la modernidad, presentó su tríptico “Barbarians”, ante una Gare du Midi cercana al lleno. Con una duración aproximada de dos horas, el espectáculo no deja indiferente al espectador, ya que su puesta en escena, collage de músicas, bailarines y discursos de diván de psiquiatra del coreógrafo israelí afincado en Gran Bretaña, producen desde el máximo entusiasmo hasta todo lo contrario.

Comenzó la velada con “The barbarians in love” (2014), un sexteto sobre la música barroca de François Couperin (1668-1733) y de la orquesta Le Concert Des Nations creada por el violagambista y director de orquesta catalán Jordi Savall, entremezclada con música electrónica. Si la banda sonora es constantemente interrumpida de forma abrupta, esa línea es potenciada aún más con el diseño de iluminación de Lawrie MCLennan, con focos cenitales impenitentes que interrumpen, parpadean constantemente e incordian, más que ayudar, a los bailarines en medio de un espeso humo blanquecino. En escena, seis bailarines ataviados de blanco empiezan a recibir las lecciones que la voz en off del propio Shechter va dictando, cuya moraleja se condensa en el lema “We are not alone” (no estamos solos), que gritan con bastante frecuencia. La danza, en ocasiones, es trepidante, enérgica y agotadora; mientras en otras, parece carente de fuste, apática y flácida.

Quizás lo más exasperante de esta primera parte son las intervenciones del creador en las que va descargando las cuestiones que le carcomen en su interior. Puede que sea un cliché muy manido, pero podría decirse que Shechter apunta maneras para convertirse en el Woody Allen de la danza si continúa por esa senda creativa. Y cuando el discurso es tan disperso, incoherente y poco consistente, la mejor manera de conseguir dejar al público boquiabierto es con el desnudo integral del sexteto de intérpretes. Fin del primer acto.

Descanso mediante, la segunda parte se inició con “tHE bAD” (2015), cuyo título busca ser un pueril juego de palabras que conforma el término Head (cabeza). En esta ocasión, aparecen en escena un quinteto de bailarines imbuidos en unos ceñidos monos dorados. Después del absoluto despropósito de la primera pieza, esta obra se desarrolla de una forma más convencional, con una danza mejor hilada entre sus intérpretes y algunos recursos al humor. Eso sí, el creador israelí no renuncia a la ‘mélange’ de estilos musicales de épocas muy diversas, pero el espectador que no quiera escuchar puede hacer uso de unos útiles tapones para los oídos suministrados al principio de la función.

Un instante de “The barbarians in love”, ofrecido por la compañía del israelí Hofesh Shechter en la inauguración del veterano festival de danza de Biarritz. Fotografía de Gabriele Zucca, cortesía de Hofesh Shechter-Festival Le Temps de Aimer la Danse.

“Two completely different angles of the same fucking thing” (2015) es la tercera pieza que completa el puzle de “Barbarians”. Una pareja de enamorados -él, vestido del tirolés con pantalón corto y sombrero ad hoc, y ella, ataviada de calle- protagoniza la última obra del tríptico cuyo tono general es más tierno que sus piezas predecesoras. Sin embargo, su apariencia resulta ridícula e incluso grotesca, como si de alguna manera Shechter se quisiera reír de todo lo positivo que emana del amor como sentimiento. Al finalizar esta escena, se van incorporando los personajes blancos y dorados de las anteriores piezas, a modo de coro que amplifica lo que realizan los protagonistas de este instante.

“Barbarians” busca ser un tríptico sobre la intimidad, la pasión y la banalidad del amor. Sin embargo, la suma de todos los elementos genera sentimientos muy encontrados entre el público. El patio de butacas se dividió entre quienes aplaudieron de forma entusiasta la arriesgada provocación de Hofesh Shechter y quienes no sucumbieron ante su sórdida, mordaz y cáustica visión de las relaciones humanas. Desde luego, el gran mérito de la propuesta del coreógrafo israelí es que no deja indiferente al espectador. Guste o no guste su apuesta por Hofesh Shechter, lo que es innegable es que Le Temps d’Aimer la Danse de Biarritz ha rebasado sus bodas de plata con la firme intención de seguir siendo un festival por donde desfilan los muy diversos estilos que componen la danza como lenguaje universal.

La Compañía Nacional de Danza finalizó el espectáculo con “Minus 16″, una explosión de energía que conquistó al público de Biarritz. Foto: Jacobo Medrano. Gentileza de CND.

El primer espectáculo de la temporada 2015/16 llevó a la Compañía Nacional de Danza (CND), a la localidad vascofrancesa de Biarritz, que, estos días, apura las últimas jornadas de la vigésimo quinta edición del Festival Le Temps d’Aimer la Danse. Habiendo sido su actual director José Carlos Martínez étoile del Ballet de la Ópera de París durante quince años, las estrechas relaciones con todo el mundo de la danza francés son consustanciales, por eso, a nadie extraña que la primera actuación en el extranjero de la etapa de Martínez fuera en Biarritz o que Thierry Malandain, director del Ballet Biarritz y del Festival Le Temps d’Aimer la Danse, invitara a la CND en la edición de las bodas de plata del certamen.

Para esta ocasión, Martínez se decantó por un programa triple de corte contemporáneo, compuesto por piezas del coreógrafo norteamericano William Forsythe y de los creadores israelíes Itzik Galili y Ohad Naharin. Comenzó la velada con la obra “Sub” (2009) de Galili, una especie de enérgico combate masculino que reúne a siete bailarines en escena, ataviados con largas faldas y torsos desnudos. Las piezas del coreógrafo israelí suelen nutrirse de un lenguaje muy físico, casi cercano a una batalla campal o a una lucha de un arte marcial. De extremada exigencia física, requiere intérpretes con buen fondo físico para su correcto desarrollo. Por otra parte, concibe el dibujo escénico del movimiento de forma muy geométrica, tendiendo a las líneas cardinales puras, todo ello muy subrayado por una iluminación de mínimos y certera, que acentúa el dramatismo y derroche energético de los intérpretes.

Considerado uno de los coreógrafos clave del último cuarto del siglo XX, el neoyorquino William Forsythe redefinió y exprimió la técnica clásica con modos muy contemporáneos, durante su etapa al frente del Ballet de Frankfurt (1984-2004). “Herman Schmerman” (1992), creada para el New York City Ballet, es un buen ejemplo de cómo emplear la técnica clásica y que su apariencia diste mucho del almibarado prototipo de tutú y zapatillas de punta. Se trata de una pieza sin argumento, más que la pura diversión de los intérpretes, en palabras del propio Forsythe. Construida en dos escenas, comienza con lo que podría ser el cuerpo de baile y finaliza con un paso a dos.

El espectáculo finalizó con la divertidísima “Minus 16” (1999) de Ohad Naharin, creada para Nederlands Dans Theater II. El israelí es el padre de la técnica gaga, gracias a la que los bailarines ganan autoconciencia de su cuerpo y aprenden a escuchar su propio movimiento, de forma que consiguen mayor fluidez. En el caso de la pieza con la que la CND finalizó su actuación, la nota más característica es su eclecticismo tanto en la calidad y estilo de movimiento como en el collage musical que acompaña a la obra: desde “Stabat mater” de Vivaldi a una versión tecno de “Somewhere over the rainbow”. La obra se compone de varias escenas, alternando fragmentos de mayor seriedad, con otros más desenfadados, en los que incluso los bailarines suben a escena a varios espectadores.

El público biarrota recibió con ganas a la CND, tras la buena imagen dejada en su actuación de 2012. Hace días que las entradas se agotaron y no cabía ni un alma más en la Gare du Midi. Siendo el primer espectáculo de la temporada para el grupo de Martínez, la compañía demostró profesionalidad y oficio en unas obras en las que se destacó su vertiente contemporánea. Muy aplaudidos en cada pieza, el final con la entretenida interacción con los espectadores, provocó muchas situaciones cómicas y consiguió una destacada salva de aplausos, con gran parte del patio de butacas en pie. Para la temporada 2015/16, el gran caballo de batalla de José Carlos Martínez es la puesta en escena de un ballet clásico íntegro, habiendo sido el escogido “Don Quijote”, que subirá a las tablas del Teatro de la Zarzuela, el 16 de diciembre. Visto que en los programas mixtos -de corte más clásico, neoclásico o contemporáneo- la CND se desenvuelve con soltura, queda abordar ese gran clásico que sería deseable que no quedara en una quijotada.