“Ay, amor, amor!”, dirigido por José Galvañ, un espectáculo rompe con los códigos visuales y escénicos más tradicionales. Foto gentileza Red de Teatros Flamencos de Artesred.

El flamenco ha sido históricamente mucho más que un género musical; ha sido el eco de las alegrías y también el refugio de las resistencias. Tras el éxito del pasado año, la red de Teatros Flamencos de Artesred vuelve a programar su producción “Ay, amor, ¡amor!”. Este espectáculo, que nació con el firme propósito de demostrar que el flamenco es un arte sin etiquetas, regresa a los escenarios para celebrar la diversidad emocional y el derecho a amar libremente. La gira comenzará el 23 de junio en el Teatro Flamenco Sevilla, continuará el 30 de junio en el Teatro Flamenco Madrid, y llegará a la Ciudad Condal el 15 de julio, con el estreno del espectáculo en el Teatro Flamenco Barcelona.

Concebido bajo la premisa de que el flamenco ha sido históricamente un territorio de refugio, vanguardia y resistencia, el espectáculo se articula como un profundo homenaje a figuras que desafiaron las convenciones de su tiempo, tales como Miguel de Molina, Antonio el Bailarín y Federico García Lorca.

No es una propuesta elegida al azar: es un homenaje directo a figuras que utilizaron su arte para abrir caminos de libertad en épocas donde el silencio era la norma. Hoy, en pleno siglo XXI, “Ay, amor, amor!” recoge ese testigo para recordar que, aunque los tiempos han cambiado, la visibilidad sigue siendo un acto de justicia artística.
José Galvañ, director del espectáculo comentó que se trata de un espectáculo muy necesario. “No tanto para reivindicar, sino para normalizar todos los tipos de amor que existen entre todas las personas que hay en el mundo. En el espectáculo no hay un argumento, simplemente son las historias de diferentes personas que se comunican y que se enamoran entre sí, sin importarle su sexo, ni nada y nos enfrenta a una realidad que existe y que nos encantaría que fuera la normalidad más absoluta”.

El espectáculo rompe con los códigos visuales y escénicos más tradicionales. Aquí, las fronteras de género se difuminan: el bailaor se atreve con el cante, la cantaora se acerca al toque y la bata de cola deja de ser un atuendo femenino para transformarse en un símbolo de libertad absoluta. Es una explosión de talento multidisciplinar, donde la rabia, la dulzura y la verdad se encuentran para lanzar un mensaje claro: el flamenco también es orgullo.
El elenco, compuesto por cinco artistas multidisciplinares de una calidad técnica incuestionable, vuelve a estar encabezado por el polifacético Alberto Sellés (Candidato a Mejor Intérprete Masculino de Danza – Premios Max 2023). “Ay amor, amor” es un espectáculo flamenco en el que se suceden una serie de coreografías, de paso a dos y de paso a tres que refleja todos los tipos de amores y todos los tipos de pareja que existe, toda la diversidad con referencia musicales y artísticas de todos aquellos artistas que rompieron y que confiaron en manera de amar, de ser y de sentir -comentó Sellés-. Espero que el público se emocione y disfrute mucho porque nosotros nos emocionamos mucho haciendo este espectáculo”.

El cuadro flamenco transita por la emoción pura durante sesenta minutos de entrega. Tras el rotundo éxito de la pasada edición en las sedes de Madrid y Sevilla, este año se ampliará el alcance de esta reivindicación artística. Por primera vez, el espectáculo viajará también a su nueva sede en Barcelona, reafirmando el compromiso de la red de teatros por llevar la cultura inclusiva a todos sus rincones.

“Ay, amor, amor!” no es solo un espectáculo de flamenco: es una invitación a celebrar que, como dice su lema, no importa a quien ames, sino hacerlo.

Grandes artistas del colectivo estarán presentes en esta reposición de Teatros Flamencos de Artesred, que en enero de este año comenzó una colaboración con Queer Destinations para convertir sus teatros en los primeros espacios de flamenco con el distintivo oficial de espacio seguro para la comunidad LGTBIQ+. Este acuerdo, refuerza el compromiso de los teatros con la inclusividad y el respeto.

La gira:

Teatro Flamenco Sevilla (C/ Cuna, 15) – 23 de junio.
Teatro Flamenco Madrid (C/ del Pez, 10) – 30 de junio.
Teatro Flamenco Barcelona (C/ Abaixadors. 10) – 15 de julio.
Todas las funciones darán comienzo a las 20:45h. y las entradas podrán adquirirse a través de las webs oficiales de cada teatro.

“De punta a cabo”, una icónica obra de Acosta Danza con coreografía de Alexis Fernández y Yaday Ponce. Fotos: Yuris Nórido. Gentileza Acosta Danza.

Después de una larga ausencia de los escenarios de la capital cubana, retornó a su Habana natal el ennoblecido Sir Carlos Acosta, eximio ídolo de oro del ballet cubano, para recibir los merecidos reconocimientos por haber mantenido con “alto voltaje” la compañía Acosta Danza. Fundada hace ya una década, la agrupación siguió demostrando, con pasión y sólida formación técnica, su rigor y ductilidad en la ejecución de la diversidad de propuestas coreográficas, no exentas de dificultades. Sin embargo, Acosta Danza ha logrado sostener la madurez profesional del elenco y el interés del público en el repertorio.

Carlos Acosta sorprendió con su espíritu artístico perseverante, si tenemos en cuenta que hace algunos años era director artístico de una importante compañía inglesa, el Royal Birmingham Ballet. Superado todo encumbramiento, Acosta se comprometió en ofrecernos (solo tres funciones) un programa sugerente conformado por reposiciones y estrenos, de creadores locales y foráneos, necesariamente interpretados por 14 bailarines bisoños, nacionales, recién egresados de la academia de la propia compañía.

En septiembre, el Teatro Nacional de Cuba acogió las presentaciones de “Una década en movimiento” en su sala mayor, la Avellaneda, con un aforo para unos tres mil espectadores, que desbordaron las capacidades y respondieron con ovaciones en pie cada noche, curiosamente un público juvenil, más allá de los fans habituales del género.

Carlos Acosta en el saludo final de su compañía exhibe un cuadro simbólico de una de las deidades cubanas. Fotos: Yuris Nórido. Gentileza Acosta Danza.

Sin embargo, hubo luces y sombras en las calificaciones del valor artístico y creativo de los títulos presentados, que se pudieron etiquetar de desiguales. Como dato curioso, se afirmaba en ellos el hecho del trabajo coreográfico coral, cuando en el programa de mano se omitió el apellido de los danzantes. ¿Acaso algunos de ellos serían los solistas del mañana?

La pieza de apertura, tal vez la de más altos quilates, “La Ecuación”, del notable coreógrafo cubano George Céspedes (también diseñador teatral), había sido estrenada previamente por miembros de Danza Contemporánea de Cuba. En ella, tres bailarinas y un bailarín demostraron con sólida técnica y precisión musical (música de X Alfonso) el apego del creador a los elementos matemáticos al elegir como base el cubo de Rudolf Laban, autor de la “Labanotation”, para transformarlo en la mente humana y, a partir de ahí, filosofar desde el movimiento: “sobre la existencia del ser humano y la eterna búsqueda de la verdad personal”. La iluminación, por el diseño de luces de Erik Grass, fue fundamental para su éxito.

A continuación, el público se enfrentó a otro discurso coreográfico minimalista, debido a un creador invitado de la península ibérica, el joven Javier de Frutos, en ascenso entre los talentos europeos del arte coreográfico de vanguardia, quien se mostró desafiante con su obra “98 días”, para conseguir una entrega lírica y conmovedora del poema “Son de negros en Cuba”, de Federico García Lorca, donde reflejó los momentos culminantes de sus 98 días en la mayor de las Antillas en 1920. La obra tuvo un acertado soporte musical donde intervino Estrella Morente, según versiones de Michael Nyman, sobre poemas de Juan de la Cruz: “El pregón de las moras” y “Calle del aire”. La iluminación diseñada por el propio Frutos y Pedro Benítez se transformó en protagonista. No obstante, su intención primaria de “imaginar” lo que había sucedido entonces, con total libertad, param entregarnos el “paisaje impresionista” de aquellos momentos, no fue conseguida.

Como segunda parte del programa, Acosta Danza ofreció la creación del español Goyo Montero, “Llamada”, con la cual retornó a la escena cubana con un discurso revelador de su fibra sensible, casi mágica, algo así como una segunda parte de su pieza precedente “Imponderable”, donde trajo a discusión el concepto de género, entonces “cada vez más diversificado”, donde se añadieron las múltiples maneras de vivir, al aceptar la diversidad sexual en todos sus matices. Su título mismo subrayaba “un término del baile flamenco que define el momento en el cual se producirá un cambio”. En la puesta en escena, con la manipulación eficaz del vestuario de Ángelo Alberto, se sugiere el interrogante: ¿por qué el mundo se sigue viendo masculino y femenino? ¿Hasta qué punto ser diferente es un ataque a las costumbres sociales?

Para el cierre, Carlos Acosta y su equipo de producción eligieron el título “De punta a cabo”, en versión de Yaday Ponce (bailarina y maestra principal) sobre la original de Alexis Fernández (Maca). Una suerte de movimientos vinculados a la fusión musical de la banda sonora, que fue desde lo más tradicional hasta lo actual (Kumer, Kike Wolf, a partir de “La Bella Cubana” de White, X Alfonso y Omar Sosa). Las realidades de lo cotidiano en la vida del cubano se vieron más sintetizadas, con su imbricación lograda con las proyecciones de imágenes en video de X Alfonso localizadas en el Malecón habanero, como contribución inteligente al ritmo dancístico urbano. Es decir, estuvimos en presencia de un coherente divertimento donde se reflejaron los conceptos fundamentales de esta agrupación, como la variedad de diferentes técnicas y estilos que dieron nacimiento a la compañía Acosta Danza. Su permanencia en la escena cubana e internacional depende de la vitalidad creativa de su fundador, Carlos Acosta, y de los futuros reconocimientos de sus coterráneos.

Acosta Danza abrió sus presentaciones con “La Ecuación”, del notable coreógrafo cubano George Céspedes. Fotos: Yuris Nórido. Gentileza Acosta Danza.

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“Danzas del amor que se fue”, del británico Billy Cowie, sobre textos de Federico García Lorca. Foto: Adolfo Izquierdo. Gentileza DCC.

Los sistemas estéticos del posmodernismo y el minimalismo están presentes con evidencia en la programación que propone la compañía estandarte de la danza más actual, Danza Contemporánea de Cuba, siempre bajo la dirección del ex bailarín y premio nacional de danza Miguel Iglesias. En la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba se presentaron dos estrenos absolutos de coreógrafos nacionales y una reposición británica. Se trata de “Sacrificio”, un solo femenino de la joven coreógrafa Laura Ríos; la obra coral “Polvo, palabras, sombras, nada”, basada en un concepto coreográfico de George Céspedes, inspirado en la poética persa de Omar Khayyam. Como pieza de apertura, Iglesias eligió reponer “Danzas del amor que se fue”, del británico Billy Cowie, sobre textos de Federico García Lorca.

La joven coreógrafa y bailarina Laura Ríos produjo una conmoción en la amplia y diversa audiencia que colmó la sala mayor de este complejo teatral. Esta vez, con su aforo limitado al 50% debido a la situación pandémica. Con la creación sado-masoquista del solo para una bailarina, la virtuosa Stephanie Hardy, demostró poseer una especial resistencia, pues bailó –a fondo- las tres obras en cartel de esa noche. En la obra de Ríos, de doce minutos intensos, todos los músculos y articulaciones de la frágil anatomía de Hardy participan del discurso coreográfico ambivalente y de su intertextualidad, que hubiera satisfecho a la ensayista Julia Kristeva. Ella desarrolla, en su desempeño, una asombrosa dinámica; coherente, formada por movimientos explosivos y otros de carácter más líricos, donde las transiciones fluyen interconectadas con frases en “staccatos”. Para ello, se beneficia con el apoyo musical original electroacústico creado por Iván Fernández Real, quien por momentos recordó sonoridades de altos decibeles experimentados por Karlheinz Stockhausen en décadas pasadas.

El coreógrafo George Céspedes creó “Polvo, palabras, sombras, nada”, inspirado en la poética persa de Omar Khayyam. Fotos: Adolfo Izquierdo. Gentileza DCC.

Después de un breve intermedio, pasamos al mundo filosófico y matemático preferente en las creaciones coreográficas recientes de George Céspedes, autor del segundo estreno absoluto de esta temporada de DCC, “Polvo, palabras, sombras, nada”.

El programa de mano intenta dar la clave del título, aunque no es explícito para ayudar al espectador en las diversas lecturas que esta obra arriesgada e inquietante puede provocar al entregarnos una cita del filósofo, matemático, astrónomo persa del siglo XII, Omar Khayyam: “El vasto mundo: un grano de polvo en el espacio. La vana ciencia de los hombres: palabras. Los pueblos, las bestias y las flores de los siete climas: sombras. El fruto de tu continua meditación: nada”. El propio Céspedes desvela aquí la evidente participación activa de los bailarines en la creación y desarrollo de este trabajo de 53 minutos de duración, con la dirección de autor. De lamisma manera que el concepto del vestuario minimalista en negro ejecutado por Vladimir Cuenca.

Esta creación de DCC (comisionada por Les Films Figures de Francia) cuenta con un dramático soporte musical debido al compositor francés Charles Camille Saint Saens (del cual se festeja su centenario), estructurado a partir de fragmentos pertinentes de varias obras sinfónicas, sometidas a una juiciosa edición musical por Alexis de la O Joya y de Céspedes.

Stephanie Hardy interpretó el solo “Sacrificio”, un estreno de Laura Rios. Foto: Yuris Norido. Gentileza DCC.

Empero todo lo dicho no basta. Céspedes se lanza en picada a desentrañar, con su peculiar estilo a veces gimnástico, los célebres “Rubaiyat” (cuartetos) de la mencionada inescrutable personalidad persa, Omar Khayyam, con acentuada sensualidad en el minimalismo. Se suma la espectacularidad proactiva de los bailarines de ambos sexos: cambios constantes de formatos en los diseños coreográficos articulados en duetos, cuartetos, dúos, tríos o numerosos grupos de todo el elenco.

Este programa presentó como pieza apertura, una reposición de 32 minutos, la obra del británico Billy Cowie “Danzas del amor que se fue”, una interpretación de textos poéticos de Federico García Lorca entregada con virtuosismo por un conjunto de diez magníficas bailarinas. Apoyadas musicalmente por una partitura original del mismo Cowie, acentuada por las armonías vocales de Rowan Godel y Deborah Hay, con participación destacada de la cantante Daphne Scott-Sawyer, que consiguen embriagarnos con sus interpretaciones del cante, de madrigales, de zapateados, de soleares, o pasodobles que nos sumergen en los dos ríos de Granada: “uno de sangre” y el otro “de llanto”.

Bernarda y Poncia en la versión de “La casa de Bernarda Alba”, de Federico García Lorca, realizada por Ricardo Veitía para el Ballet Español de Cuba. Foto: Jorge Fernández Fuentes. Gentileza Toni Piñera.

De las variadas formas de baile y canto en las distintas regiones de la península española, el flamenco ha sido la más destacada fuera del país. Tal vez, por su exotismo y diferencia, sus profundos gemidos en el cante jondo, sus vibrantes taconeos en el baile y sus famosas batas de cola y mantones, flores, abanicos y peinetas, más el rítmico balance de la guitarra y el cajón. Amén que en él se fusionan músicas/pasos que llegan desde la India, atravesando el Oriente Medio hasta el África y Andalucía. Son rasgos gitanos, moros, judíos, todo mezclado. Ese estilo de danza propio de Andalucía, España, coloreó la escena, con sus diversas dimensiones, durante el recién finalizado 1er. Festival Internacional de Danza Española y Flamenco, que en saludo al aniversario número 30 del Ballet Español de Cuba, liderado por Eduardo Veitía, desandó con pasión y fuerza el GTH Alicia Alonso durante doce días, junto con compañías cubanas y otras invitadas de Chile, España y México.

“Carmen por dos”, con flamenco y arte lírico, basada en la puesta coreográfica de Eduardo Veitía (1998) puso el punto final del evento. Podríamos decir, sin dudas, que es una versión de su “Carmen”, que mueve de lugar algunas escenas e incorpora otras para acercarla más a la ópera de Bizet. Enriquecida y coloreada del lado musical con los cantantes líricos -que compartieron las tablas con los bailarines-, dirigidos, artísticamente por Helson Hernández en una co-producción junto con el Teatro Lírico de Cuba que vio la luz en mayo pasado. Ellos vivieron en el escenario como magia del arte, que motivó al espectador para sentir/palpar una Carmen multiplicada, en el gesto y en la voz. De forma orgánica e inteligente Carmen (bailarina: Leslie Ung) y Carmen (cantante; la soprano Maité Milián) aparecía y desaparecía frente a todos, dejando un grato recuerdo. Del lado del movimiento la Ung desató emociones con su radiante quehacer –baile/interpretación-, y la soprano Mayté Milián dejó una agradable estela en la difícil interpretación con una voz clara y hermosa.

Escamillo, cobró especial aliento en el primer bailarín Ricardo D. Quintana, quien mantuvo un excelente paso en el encuentro. En el mismo personaje, el barítono Reynaldo Cobas, dio muestras de su alto nivel artístico. Mientras que el José, tanto en la piel del primer bailarín Daniel Martínez, como del tenor Mario Peñafuerte, alcanzó matices de alto vuelo que desataron fuertes ovaciones del auditorio. En un solo acto, sin intermedio, se sucedieron nueve escenas en la que alternaron bailarines y cantantes en un todo común. Otros personajes que no tuvieron su eco en la voz, solo en danza dejaron también su impronta: como la impecable labor artística de la joven Lorena Martínez quien en su segunda ocasión en el personaje del Toro realizó una actuación digna de elogios, con una limpieza y fuerza fuera de la común. Y aplaudir, desde este texto, las actuaciones de solistas y cuerpo de baile, quienes aportaron con tenacidad y entrega un grano de arena a este triunfo colectivo.

Ana Ruiz en el “Fado”, invitada especial desde España, en el Primer Festival internacional de danza española y flamenco de La Habana. Foto: Jorge Fernández Fuentes. Gentileza Toni Piñera.

Flamenco de muchos matices

El flamenco, ese sentimiento que llega desde lo más profundo del ser alcanzó variados matices en el encuentro. Vale mencionar, entre otros, a la flamencóloga, historiadora y bailaora, Ana Ruiz (Andalucía, España), quien en sus interpretaciones aquí, y en particular el Fado Flamenco “vistió” de un particular estilo las tablas de la Lorca con esa manera auténtica y personal de enfrentarlo pues lo conoce a la perfección, por ser andaluza y granadina. Junto a ella, regalaron también mucha luz a la presentación los cantantes Lindiana Murphy/Alberto Pérez, junto a la guitarra de Abdiel Rodríguez y la flauta de Annata García. Mientras que la agrupación chilena La Academia que dirigen Gladis Acosta/Carola Cussen, matizó una de las noches con “De la Cordillera al Malecón” (estreno mundial), y también el flamenco que vivió un especial instante. La música que llegaba desde cualquier parte: Estados Unidos, Chile, Cuba… era el terreno ideal para hacer sentir sobre el escenario los nuevos aires que atrapa este género nacido en Andalucía, y que con el tiempo adquiere nuevos tintes, fusionado con otras músicas y ritmos, pero manteniendo siempre su esencia.

Un toque de originalidad/contemporaneidad salpicó al flamenco y las tablas de la mano de la compañía Centro de Danza y Arte Proart, de Querétaro (México) con la coreografía “Entropía”. Pero quedaría incompleto este trabajo sin hablar de las diferentes agrupaciones cubanas que llenaron la Gala de las Estrellas. En primer lugar, la Lizt Alfonso Dance Cuba que con tres coreografías iluminó la noche y motivaron fuertes aplausos: “Quisiera amarte menos”, “Al Aire” y “Aferrado a los clásicos”, mientras Alma flamenca acercó “Chanelando” y “Nostalgia”. Pasaron también la Compañía Ecos, liderada por Ana Rosa Meneses en “Flamenco por dentro” regalando colorido y buen hacer en el baile, la Compañía Habana Compás Dance en “Génesis”, con la música de Eduardo Córdova de la mano de esas muchachas hermosas que bailan y emiten compases con diferentes elementos para decir un ritmo muy personal, y Hechizo flamenco con “Bulerías” y “Tango de Granada”. Una pasarela con joyas de la artista/orfebre Rosana Vargas y su marca ROX 950 de la colección “Puro Acento”, inspirada en obras de la compañía y otras de la serie La Habana que danza, paseó por el vestíbulo del GTH Alicia Alonso en los cuerpos de los bailarines del BEC, dejando huellas en un Festival que abarcó lo español desde diversos ángulos…

En la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana se presentó "El crimen fue en Granada" por la compañía Irene Rodríguez. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

La más reciente creación de la primera bailarina y fundadora de su propio conjunto de danza, en solamente diez minutos, logra involucrar y cautivar emocionalmente a la audiencia que colmaba todo el aforo disponible de la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana.

Tomando como soporte dramatúrgico el célebre poema homónimo del poeta español Antonio Machado, publicado en 1937, como rotunda denuncia del asesinato de Federico García Lorca, cometido por seguidores del sector más oscura franquista, Rodríguez logra estructurar una sobria pero limpia y condensada narración en movimientos que remite de manera magistral a los palos del flamenco y a la gestualidad con referencias de la danza contemporánea.

La danza se erige en protagonista en medio de una puesta en escena minimalista, con un único telón negro de fondo, un vestuario en blanco y negro (elegante y sensual el vestido de faralaes de la Rodríguez, con un magnífico mantón del mismo tono manejado con eficacia metafórica, cual paloma o espíritu santo que envuelve al protagonista).

El solista Henry Carballosa, como Lorca, se suma, sin desbordamientos de sobreactuación a las impetuosas llamadas bailables –como un flirteo con la muerte-, de la primera bailarina y directora.

El conjunto se desempeña con cohesión y convicción en la entrega, que también arrancó numerosos aplausos del auditorio, en varios de los momentos climáticos, apoyados con el inteligente diseño sonoro de Fabio Corrieri y la propia Rodríguez. Las ovaciones finales apuntan hacia un buen augurio para la futura andadura de esta compañía.

La compañía

Fundada a principios del 2012, la Compañía Irene Rodríguez (anteriormente, fue primera bailarina del Ballet Español de Cuba, que dirige Eduardo Veitía), está integrada por cinco parejas de bailarines, todos con una amplia experiencia escénica y un amplio dominio de los diferentes estilos de la danza española, del ballet y de la danza contemporánea.

Esta compañía, citamos notas al programa de mano, “está enfocada en crear nuevas tendencias que hagan evolucionar el género español, fusionándolo con todo aquello que amplíe el vocabulario escénico, como las artes dramáticas, las corrientes contemporáneas de la danza, los ritmos nacionales y todo aquello que permita hacer confluir la tradición y modernidad de un género de carácter internacional y nuestra manera, muy cubana, de afrontarlo”.

Sobre el Festival

El Festival La Huella de España surgió a finales de la década del 80, de la pasada centuria, como proyecto cultural del entonces Cónsul General de España en Cuba, Señor Don Juan José Santos Aguado y de Alicia Alonso, prima ballerina assoluta y Directora general del Ballet Nacional de Cuba, quien era en ese momento igualmente directora del Gran Teatro de La Habana.

Asimismo, diversas instituciones, cubanas y españolas apoyaron la realización de este evento multidisciplinario, el cual tuvo su primera edición el 14 de febrero de 1988, en la explanada del Castillo de la Real Fuerza, una de las más antiguas fortalezas coloniales construidas en América Latina, al pie de la Bahía de La Habana, en el Centro Histórico de la ciudad, Patrimonio de la Humanidad de Unesco desde 1982.

En este festival están representadas casi todas las artes: la danza, la música, la plástica, el canto lírico, la poesía o el teatro, y cada año está dedicado a mostrar no sólo las raíces españolas presentes en la cultura cubana, sino también la vida cultural y las costumbres de las regiones y comunidades autónomas españolas.

Seis de los festivales realizados hasta la fecha, se han dedicado a las comunidades autónomas de Valencia, Andalucía, Islas Canarias, Galicia, Asturias y Cataluña, con la participación de prestigiosas agrupaciones y artistas representantes de estas regiones.

Esta edición 24 estuvo dedicada, nuevamente, a la región de Andalucía.

La programación fue asegurada esta vez con las agrupaciones artísticas nacionales, pues la crisis financiera actual que aqueja a España no permitió el envío de artistas en el número amplio de las precedentes.