Estreno absoluto de “Lucile”, de Johan Kobborg, con Viengsay Valdés y Ányelo Montero en los protagónicos. Foto: Maryla Sarduy. Gentileza BNC.

El Ballet Nacional de Cuba (BNC), patrimonio cultural de la nación, a pocos días del retorno a la mayor de las Antillas después de una extenuante gira por tierras portuguesas y españolas, sorprendió a su audiencia nacional con una creación foránea “Lucile”, realizada especialmente para la compañía por el coreógrafo danés Johan Kobborg. En este recorrido holístico de una cartelera diversa e inclusiva, la compañía llevó a escena obras de su repertorio activo, recientes estrenos, y la reposición del ballet en un acto “Celeste” (2014), de la colombo-belga Annabelle López-Ochoa.

Personalmente invitado por la bailarina y directora general del BNC, Viengsay Valdés, para la realización de una obra para su compañía, el primer bailarín danés Johan Kobborg obtuvo el auspicio de una entusiasta asociación inglesa, la British Friends of the National Ballet of Cuba. Un apoyo que sirvió para celebrar dos décadas de una colaboración que “ha propiciado la incorporación de obras de coreógrafos de fama mundial al repertorio de la compañía” cubana. Todo comenzó en 2004, cuando los British Friends crearon, junto con entidades estatales cubanas, un pequeño salón de clases y ensayos que Alicia Alonso decidió nombrar “Anton Dolin”, el notable bailarín y coreógrafo inglés que bailó con ella su primera Giselle.

El estreno absoluto de “Lucile”, de Kobborg, aconteció el 6 de julio en la sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba (a teatro lleno en cada función), con la propia Viengsay Valdés en el rol protagonista.

Completó el cartel “Celeste”, una obra también favorecida con la participación logística de los British Friends del BNC en 2014, con música en vivo de P. I. Tchaikovsky, creada para un cuerpo de baile de diez juveniles chicos y tres parejas mixtas de primeros bailarines y solistas. En esta pieza la motivación coreográfica emergió cuando López-Ochoa escuchó el “Concierto en Re mayor para violín y orquesta” del compositor ruso, y empezó a soñar con “Celeste”, una estrella “que brilla moldeada en las frágiles siluetas de tres bailarinas que danzan en un cielo oscurecido por la noche, representado por las viriles figuras de la decena de portentosos bailarines”.

El éxodo de bailarines ocurrido en los últimos años se manifiesta aquí con evidencia; un 20% de los danzantes en la premier han sido remplazados con los más jóvenes egresados de la Escuela Nacional de ballet. La bisoñez de estos talentosos prospectos de profesionales -algunos con sorprendentes demostraciones técnicas-, fue conducida hacia un futuro promisorio por un equipo de maitres y profesores poseedores de los saberes necesarios para conseguir la excelencia.

Después de “Celeste”, la colaboración con los British Friends permitió otras creaciones con mayor o menor éxito. Vino “Oscurio” en 2016, también de López Ochoa; “Próspera” de Cathy Marston en 2018; “La hora novena”, de Gemma Bond en 2022, y el estreno en Cuba de la espléndida bethoveniana “Séptima Sinfonía” en 2021, del malogrado Uwe Scholz.

El BNC repuso “Celeste” (2014), de la coreógrafa Annabelle López-Ochoa. Foto: Maryla Sarduy. Gentileza BNC.

Sobre Lucile, la otra bailarina danesa

La anunciada “Lucile”, con coreografía de Kobborg, 51 años, ocurrió tras una breve pausa, cuando todavía la audiencia no podía recuperarse de la brillante escritura abstracta con reminiscencias balanchinianas de “Celeste”. Una obra que transita por los entresijos de una comedia dramática bailada sobre músicas de Jules Massenet -nada de su partitura para la ópera “Manon”-, arregladas por el compositor Gavin Sutherland, a partir de las Suites Orquestales.

La idea de hacer “Lucile”, revela el propio Kobborg, le surgió en la década de 1990, cuando todavía era bailarín del Ballet Real Danés y durante una larga rehabilitación de una grave lesión en la espalda, sin la certeza de volver a la escena y se cuestionaba su futuro en el ballet. Felizmente pudo retornar a las tablas -recientemente ya como primer bailarín bailó con su esposa la afamada Alina Cojocaru-, en una pieza homenaje a Federico Fellini, “La Strada”.

Motivado por “La sílfide” de Bournonville, en cuyo ballet debutó como James en 1994, decidió llamar su creación “Lucile”, en honor a la célebre bailarina danesa Lucile Grahn (1819-1907), la primera Sílfide de Bournonville devenida en icono mundial de la Era Romántica del ballet.

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Laura Domingo seleccionó catorce bailarines para representar a los personajes que el autor mexicano Juan Rulfo incluye en su novela “Pedro Páramo”. Foto gentileza LD.

Con motivo celebrar los 62 años de la compañía Danza Contemporánea de Cuba (DCC), su director general, Miguel Iglesias (Premio Nacional de Danza), convocó a la joven coreógrafa cubana Laura Domingo, para realización de una nueva obra, basada en la novela “Pedro Páramo”, del escritor mexicano Juan Rulfo. No obstante, cuando solamente faltaba el montaje de esta pieza coral de 30 minutos, el mundo entró en los oscuros designios de la pandemia, y se sumergió en las contingencias sanitarias de COVID-19. Todo se paralizó. La vida quedó en “stand-by”. Y el estreno de “Páramo”, previsto para septiembre de este año, se instaló en la nebulosa de lo impredecible.

Domingo se formó en la Escuela Nacional de Ballet y allí dictó clases durante un tiempo hasta que la creación la fue distanciando de la enseñanza. No obstante, la Escuela fue su primer laboratorio. Allí montó algunas obras y luego, con el Ballet Nacional de Cuba (BNC) hizo tres coreografías grupales y un solo para Viengsay Valdés y, por último, DCC se convirtió en su gran cantera creativa.

En Italia trabajó con la Compagnia Körper de Napoli, el Balletto Teatro di Torino y Eko Dance International Project, como parte del intercambio coreográfico entre cubanos e italianos que comenzó la crítica de danza Elisa Guzzo Vaccarino en 2016. También estuvo involucrada en la realización del documental “Cuban Dancer” (coprod. Italia/Canadá/Chile) que se estrenará dentro del marco del Festival de Cine de Roma. Y aún sin fecha fija, su nueva obra, “Páramo”, subirá, pandemia mediante, al escenario del Gran Teatro Alicia Alonso.

Danzahoy: ¿Por qué Juan Rulfo?
Laura Domingo: La obra de Rulfo siempre llamó mi atención y me adentré más profundamente en ella durante la época universitaria. Como lectora, me atrajo primero la atmósfera, el estilo y la prosa de este escritor, así como su capacidad de irradiar universalidad desde lo particular mexicano. El realismo de Rulfo, por más desgarrador y violento que sea, contiene lo fantástico y místico que inspiró el realismo mágico y a muchos autores que formaron parte de este boom. Este contraste, de algún modo representa también el temperamento latinoamericano y la efervescencia social, emocional y política del continente.

D: ¿Y cuál es el motivo de la elección de “Pedro Páramo” como base para su coreografía?
LD: “Pedro Páramo”, en mi opinión es una obra visual y sensorial. En una primera lectura quizás uno no llega a comprender o ensamblar ciertas partes del argumento, pero de seguro, se queda con montones de frases, momentos y personajes vagando en la memoria. Esta es una cualidad que pertenece al movimiento, a la danza, a la imaginación.

D: ¿Cómo surgió la propuesta de hacerlo para DCC?
LD: Desde hacía mucho tiempo deseaba realizar una coreografía a partir de la novela, pero la posibilidad se dio cuando a principios de marzo, Jorge Brooks y Miguel Iglesias me propusieron desarrollar una nueva pieza para DCC. Sólo con esta compañía podía hacer algo así. ¿El motivo? Considero que muy pocas agrupaciones de danza en el mundo poseen el magnetismo escénico y la fuerza expresiva de los bailarines de DCC, gracia que privilegia y supera el virtuosismo individual.

En marzo 2020, Laura Domingo (ctro.) en un ensayo de “Páramo” con los integrantes de Danza Contemporanea de Cuba. Foto gentileza LD.

D: ¿Cuándo y cómo empezaron?
LD: Empezamos a trabajar en marzo. Seleccioné a catorce bailarines que representaban personajes puntuales de la novela. Entre ellos, algunos ocupaban un puesto protagónico (Leyna González en el papel de Susana San Juan, Heriberto Meneses en el de Juan Preciado, Víctor M. Varela en el de Pedro Páramo); pero traté de insistir desde un principio en que cada bailarín comprendiese su participación como esencial y exclusiva. Montamos cinco escenas de siete que serían el total, con una duración estimada de 30 minutos, y tuvimos que detenernos debido a la pandemia. Nadie imaginaba que la pausa sería tan prolongada; pero creo que esto ya ha traído sus beneficios en el presente. El futuro, luego dirá.

D: ¿Cual es la razón de seleccionar la música de Chopin para una obra como esta?
LD: Me interesó desde un principio el contraste que podía establecerse entre el lenguaje de la danza contemporánea y el estilo romántico del genio polaco. Sin embargo, quería realizar algunos ajustes a los preludios, nocturnos y scherzos seleccionados, y para ello sumamos al proyecto al compositor cubano Jorge Amado quien además creó una pieza original. ¿Por qué Chopin? Son varias las razones. La más cercana a mí y la que llamó mi atención es que hay en la obra de Rulfo y de Chopin una atención a la desdicha, el sabor de la hiel, las sombrías orillas de la existencia humana.

D: ¿Cómo elaboró la idea del vestuario?
LD: Los diseños de vestuario estuvieron en manos de un artista con el que, siempre que puedo, trato de colaborar: Vladimir Cuenca. Suelo sentir que Vladimir adivina lo que yo a veces ni siquiera le he explicado con palabras. Así ocurrió cuando estrené “Cénit” con DCC en 2016, obra para la cual él también realizó los diseños. En el caso de “Páramo”, los catorce trajes estaban ya listos antes de que se interrumpiesen los ensayos.

D: Como coreógrafa, ¿qué significación tiene esta obra dentro de tu lista de creaciones?
LD: “Páramo” sería mi primera pieza coral para DCC. He realizado otras obras con quince o veinte bailarines con el BNC, por ejemplo, u otras compañías de Colombia e Italia. Pero la producción en serie, la velocidad, nunca me han interesado y considero que no pertenecen siquiera al arte.

“Páramo” es la mi primera pieza coral que la coreógrafa Laura Domingo creó para Danza Contemporánea de Cuba. Foto gentileza LD.

Oksana Bóndareva e Igor Kolb en un clásico de Mikhail Fokine, “Shehérezade”, sobre la partitura de Rimski-Kórsakov. Fotos: Buby Bode. Gentileza BB.

Provenientes de distintas compañías de ballet de Rusia llegaron a La Habana una decena de sus más destacadas estrellas de la danza académica de ese país, mundialmente una primera potencia indiscutible en esta manifestación artística.

Su primordial objetivo era ofrecer una extraordinaria función de gala con lo más representativo del repertorio, como regalo a la capital cubana en las celebraciones por su medio milenio de fundación.

Fuimos testigos, esa única noche, dentro de lo que se llamó Días de San Petersburgo en la República de Cuba, en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, de una memorable gala de lujo, donde lo único reprochable, justificable por su elevado costo, la ausencia de su magnífica orquesta en vivo, sin embargo, el soporte sonoro era de alta fidelidad. Los decorados fueron remplazados por eficaces proyecciones que nos situaban en contexto sin la ocurrencia de posibles “baches”: la duración en dos partes con pausa no consumió las dos horas. El espectáculo, desde su apertura, auguraba su ulterior esplendor con la interpretación de una joya coreográfica debida al genio de Mikhail Fokine, “La muerte del cisne”, un solo siempre gratificante y de ejecución riesgosa, esta vez brindado por Oksana Skórik, con una demostración de una ajustada concepción del postrer momento de esta hermosa pero potente ave, con las ligadas amplias ondulaciones de sus port de bras y poderosas puntas en los pas de bourrée en sus musicales desplazamientos.

Le siguió una radiante pareja formada por Irina Perrén y Marat Shemiúnov, en la ejecución del infaltable célebre dueto acrobático de Asaf Messerer (miembro de una poderosa dinastía en la danza), “Aguas Primaverales”, la cual puso en pie al auditorio por sus dificultades técnicas y el brillante atletismo de sus desafiantes cargadas, apoyadas por la espléndida música de Sergei Rajmaninoff.

La fluidez de los encadenamientos neoclásicos ejecutados en pareja durante el Adagio del concierto para contrabajo, del compositor italiano Giovanni Bottesini por el dueto Victoria Livínova y Yuri Smekálov (también autor de la coreografía y director artístico de la gala) fueron largamente premiados por su excelente entrega.

“Giselle Roja”, de Boris Eifman, interpretado por Lilia Lishchuk y Denis Klímuk. Fotos: Buby Bode. Gentileza BB.

Igualmente apreciamos a otros destacados especialistas de la escuela rusa Vagánova, por las impecables muestras de estilo y musicalidad, tales como Oksana Bóndareva junto al laureado artista Igor Kolb, en el adagio del ballet “Romeo y Julieta” según la versión coreográfica de Leonid Lavroski; así como un fragmento en adagio del ballet para toda una noche “Giselle Roja” del controvertido creador Boris Eifman, el cual fue defendido con valentía y convicción por Lilia Lishchuk y Denis Klímuk.

El artista emérito de Ucrania Denis Matvienko abordó con espectacularidad e impresionante fisicalidad, dentro de una línea más contemporánea, un solo del ballet “SSSSS”, con música de Fréderick Chopin y coreografía de Edward Klug. (Matvienkio impartió una ejemplar clase magistral a los alumnos de niveles avanzados de la Escuela Nacional de Ballet, muy apreciada por profesores, estudiantes e invitados). Posteriormente el propio Matvienko subió al escenario para ofrecernos una exquisita interpretación de un solo debido al genial inglés Fréderick Ashton, con el inquietante título Danza de los espíritus benditos, originalmente concebido para el afamado bailarín Antony Dowell, con el primordial objetivo de destacar la elegancia en el baile masculino de uno de los grandes “danseur noble” del siglo XX.

En la segunda parte, algunas de las parejas mencionadas retornaron abordando otros estilos y personajes. Así fue el caso con Lishchuk y Klímuk proponiéndonos una elegante y apasionada escena del ballet “Anna Karénina”, de Eifman, así como Bóndareva y Kolb en una brillante y sensual entrega del conocido título orientalista de Fokine, “Shehérezade”, según uno de los cuentos de “Las mil y una noche” sobre la espléndida partitura de Rimski-Kórsakov. Por su parte, el dueto Perrén y Shemiúnov se llevaron esta vez las palmas con un adagio del ballet “Espartaco” con coreografía de Gueorgui Kovtun y el soporte musical debido a Aram Khachaturian. A continuación hicieron entrada Litvínova y Smekálov, con el dueto La despedida, una breve mas conmovedora pieza contemporánea debida al propio bailarín.

Como colofón, la pareja Skórik-Matvienko triunfalmente desplegó todo su magisterio en el pas de deux del tercer acto del ballet Don Quijote, en la versión de Alexander Gorski, sazonado con el consabido virtuosismo climático al extremo –siempre gratificado por los aficionados al ballet con ovaciones en pie (los excesos en las españoladas gestuales quedaron perdonados).

Irina Perrén y Marat Shemiúnov en un adagio del ballet “Espartaco” con coreografía de Gueorgui Kovtun y música de Aram Khachaturian. Fotos: Buby Bode. Gentileza BB.

Un encuentro con la prensa

Estos notables artistas integran en Rusia las conocidas compañías de los teatros Académico Estatal Mariinski, Bolshói, Mijailovski, Novosibirsk o el Ballet de San Petersburgo Leonid Yacobsón
En nombre de la delegación artística, en total 23 miembros, el director general Víctor Minkov, declaró a la prensa que esta era una oportunidad para fortalecer los nexos culturales y contribuir a la cooperación e intercambio entre las dos ciudades. En tanto que el destacado bailarín y coreógrafo Smékalov hizo énfasis en la fusión cultural entre ambas naciones y la necesidad de alcanzar una colaboración integral entre coreógrafos y bailarines rusos y cubanos.

Durante el intercambio con la prensa, la directora de la ENB, Ramona de Sáa, recordó que en 1962 bailarines y pedagogos soviéticos viajaron a la isla, y brindaron un importante apoyo en la concepción de los planes de estudio de la entonces naciente Escuela Nacional de Ballet (ENB), entonces dirigida por su fundador el maestro de maestros Fernando Alonso.
Aquella ayuda, añadió de Sáa, fue de un valor incalculable, porque “no teníamos experiencia para a creación de una academia de tal magnitud. La actual directora consideró esta presencia del ballet ruso como histórica y aprovechó la ocasión para renovar su solicitud de apoyo por parte de profesores de Rusia, para mejorar, dijo, la enseñanza –en algunas materias como la danza de carácter– en la escuela. Es significativo el asombro expresado por Matvienko y Smekálov, ante la demostración del virtuosismo en los giros realizado por estudiantes cubanos de dicha escuela.

Para el final llegó el infaltable “Don Quijote”, versión de Alexander Gorski, por Oksana Skórik y Denis Matvienko. Fotos: Buby Bode. Gentileza BB.

La primera bailarina del Ballet Nacional de Cuba, Viengsay Valdés y Alicia Alonso anunciaron los cambios directivos en la compañía. Foto gentileza BNC.

La primera bailarina del Ballet Nacional de Cuba (BNC), Viengsay Valdés, asumió el 22 de enero el cargo de subdirectora artística de la compañía que encabeza Alicia Alonso como directora general. La noticia se dio a conocer en reunión oficial con los bailarines de la compañía, sus directivos, y el viceministro de Cultura, Fernando Rojas. Actualmente el BNC cuenta además con subdirectores ejecutivo, técnico y administrativo.

Valdés, heredera de las tradiciones de la escuela cubana de ballet y continuadora de las enseñanzas de Alicia y Fernando Alonso, contará con un consejo artístico que la apoyará en su nuevo desempeño laboral.

La bailarina declaró a “Prensa Latina” su convicción y su decisión de ayudar a los bailarines en su formación y desarrollo profesional, al tiempo que admitió que su propósito es poder transmitir seguridad e inspiración para “compartir ese sueño común de una compañía unida y fuerte”.

Si bien Alonso sigue siendo la directora general de la compañía, Valdés tendría a su cargo las decisiones artísticas de la entidad. Su relación con la legendaria Alonso, que acaba de cumplir 98 años, se ha ido forjando de manera positiva a través de los años. Desde su juventud, Valdés ha ido aprendiendo a su lado y ha recibido consejos profesionales de Alonso.

Según la nueva subdirectora, una de sus principales satisfacciones de los últimos años fue haber podido trabajar de cerca con la Escuela Nacional de Ballet Fernando Alonso, invitada por su directora Ramona de Sáa y su subdirectora, Marta Iris Fernández.

Viengsay Valdés junto a la legendaria Alonso, que acaba de cumplir 98 años. Foto gentileza BNC.

“En estos momentos valoro conservar y defender el legado histórico de nuestra compañía para que siga siendo reconocida a nivel internacional”, enfatizó la bailarina. Por otra parte, apuntó su intención de seguir estrechando las relaciones del BNC con la escuela dentro de una línea de trabajo semejante, con el propósito de reafirmar la identidad del bailarín cubano.

Considerada uno de los pilares más sólidos de la Escuela Cubana de Ballet, Valdés ha sido artista invitada de The Washington Ballet en los Estados Unidos, Ballet Concierto de Puerto Rico, el Joburg Ballet de Sudáfrica, el Ballet Bolshoi y el Ballet Mariinski, entre otras compañías.

El Ministerio de Cultura de Cuba le otorgó la Distinción por la Cultura Nacional (1999), la Medalla Alejo Carpentier (2003) y la Medalla Raúl Gómez García (2014), y la Asociación de Artistas Escénicos de la Uneac (Unión de Escritores y Artistas de Cuba) le concedió el Premio de Interpretación Femenina, en 2009, y el Premio Lorna Burdsall, en 2015.

Elegida entre las 100 mejores bailarinas del mundo en la temporada 2010-2011 por la prestigiosa revista Dance Europe, comenzó a estudiar ballet  en 1986 en la Escuela Provincial de Ballet “Alejo Carpentier” de La Habana y luego, en la Escuela Nacional de Ballet, con profesores como Ramona de Saá, Adria Velázquez y Mirtha Hermida. En 1994, se graduó en la Escuela Nacional de Arte y pasó a formar parte del elenco del BNC, y en 2001 fue promovida a la categoría de Primera Bailarina.

En la vigésimo sexta edición del se presentó la versión de “Carmen” de Alberto Alonso, con Gretel Morrejón en el protagónico. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

En esta vigésimo sexta edición, el Festival internacional de ballet de La Habana adquiere el nombre de su cofundadora Alicia Alonso, prima ballerina assoluta siempre directora general del Ballet Nacional de Cuba (BNC), la compañía anfitriona de estos mega-eventos bienales que ha decidido festejar por lo alto los 70 años de su fundación.

Bajo la presidencia de la Alonso, el comité organizador ha convocado para esta cita del 28 de octubre al 6 de noviembre –como en ediciones precedentes- una impresionante cifra de invitados, entre estrellas internacionales y conjuntos (23), provenientes de algo más de 20 países.

Este festival, considerado como el de mayor envergadura en el hemisferio occidental, se mantiene como un encuentro de artistas y creadores sin carácter competitivo ni de lucro, por lo cual el máximo galardón que reciben es el aplauso entusiasta y sincero del público cubano, conocedor del arte de Terpsícore.

Desde su creación, en 1960 (de 1974 a 2016 fue establecido su carácter bienal), han participado 61 países de los cinco continentes. En la presente edición, ha culminado exitosamente, hemos podido disfrutar y valorar cinco estrenos mundiales: tres concebidos por coreógrafos foráneos y dos por cubanos (una bailarina del BNC y otro residente en el exterior). Igualmente, fueron representados más de 30 estrenos en Cuba. A todo ello sumamos la presencia de personalidades relevantes, tales como la argentina Paloma Herrera (ex-estrella del ABT y actual directora del Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires); Kara Medoff Barnett, directora ejecutiva del ABT; el bailarín y coreógrafo sueco Pontus Lidberg, director artístico del Danish Dance Theatre; el francés Pierre-Francois Heuclin, consejero personal del Director de la Ópera de París, entre otros.

Hee Seo interpretó “Giselle” con el elegante y solícito Albrecht de Cory Stearns, ambos del ABT. Foto: Gene Schiavonne. Gentileza ABT.

Es un esfuerzo agónico el resumir, con las justas valoraciones, lo sucedido sobre los diferentes espacios escénicos –esta vez fueron cinco salas de la capital, diariamente-, sin excluir los salones de clase de la Escuela nacional de ballet “Fernando Alonso”, donde maestros cubanos de reconocida valía impartieron clases magistrales, con aplicación metodológica de la vigente y vital “escuela cubana de ballet”-In memoriam al Maestro paradigmático-, que incluyó a algunos residentes en Estados Unidos (formados en dicha escuela), como Lorna Feijóo (de gran rigor en sus correcciones) y Marcos Madrigal, o Víctor Gilí, así como Aurora Bosch (una de las llamadas “cuatro joyas”).

Una mención especial a los diversos eventos colaterales, organizados con tino por la Oficina de prensa y comunicaciones del BNC, que incluyó -entre otros- las inauguraciones de muestras fotográficas (dos significativas de Ani Collier de Florida y la cubana Nancy Reyes), presentaciones de libros (el dedicado a la escritura coreográfica de Alonso por la académica Ivette Fuentes, y el volumen enjundioso sobre la vida y obra de Marius Petipa editado en Madrid por Jesús Rivera Rosado); además, dos importantes exhibiciones por premios nacionales de artes plásticas: Zaida del Río y Nelson Dominguez.

Este festival habanero se ha caracterizado por un hito particular. Teniendo en cuenta los cambios ocurridos en las leyes migratorias y ciertas flexibilidades en el sistema político del país, fueron invitados (mediante otras coyunturas particulares y de posturas fraternales, bailarines afincados con éxitos en distintos sitios de la geografía planetaria), a bailar en este evento: algunos, en décadas, anhelaban esta ocasión, y también los aficionados locales que han seguido con pasión el desarrollo de sus carreras. Otros no pudieron asistir –como era su deseo-, por obligaciones contractuales con sus compañías de ballet, coincidentemente en temporadas y estrenos.

Una situación menos eufórica y más preocupante ha marcado esta edición: la ausencia física de la tan apreciada leyenda viva de la danza mundial, Alicia Alonso. Una repentina y transitoria afección pulmonar la ha mantenido en reclusión domiciliaria, por orden de los médicos que la atienden. Hacemos votos por su pronto restablecimiento para festejarle, como se merece, sus 98 primaveras el próximo 21 de diciembre.

Los programas

Se estrenó en el Festival “Ciudad de Luz”, de Pepe Hevia, dedicada al medio milenio de La Habana, con Gretel Morejon y Aram León. Foto: Kike Smith. Gentileza KS.

Una acertada estructura en la programación general de los espectáculos –que atribuyo a los esfuerzos ingentes del Coordinador general Heriberto Cabezas y del subdirector técnico y diseñador Salvador Fernández, con veteranía en estas lides-, quienes concibieron dos Galas como pórticos: la inaugural (con el Desfile de las escuelas y la compañía, así como el primer discurso en este evento por el nuevo Presidente de la República de Cuba, Miguel Díaz-Canel Bermúdez) y la de Clausura (donde flotaba un sentimiento de tristeza, reforzado por la ausencia de una orquesta en vivo que produjera un elemento climático con la obra no elegida para el colofón).

Y como puentes climáticos de esta dramaturgia, fueron las galas dedicadas a dos significativas efemérides en los anales de la danza: el homenaje al gran maestro marsellés Marius Petipa en su bicentenario, y al aniversario 75 del debut consagratorio de Alicia Alonso en el rol titular del ballet “Giselle”, en el antiguo Met de Nueva York. El cuerpo de baile del BNC recibió las ovaciones merecidas por la impecable ejecución del segundo acto, con el afinado acompañamiento musical de la Orquesta Sinfónica Nacional bajo la dirección de Giovanni Duarte.
Exitosas fueron en la escena del Teatro Mella, las del Ballet del Teatro Nacional de Praga, y las del Ballet del Gran Teatro de Ginebra (con una espléndida producción de “Carmina Burana” de Karl Orff, en la elogiada versión de Claude Brumachon), también sorprendió por su creatividad y expresividad teatral el Danish Dance Theatre en la Sala Covarrubias del Teatro Nacional de Cuba, con “Siren”, la más reciente pieza de Lidberg, inspiración poética de ciertos pasajes del viaje de Ulises en la Odisea de Homero.

“Próspera”, dedicada a Alicia Alonso, una visión íntima y personal de la era isabelina de la joven coreógrafa inglesa Cathy Marston. Foto: Kike Smith. Gentileza KS..

Muy aplaudida con final en pie, el conjunto “ad hoc” de Estados Unidos Stars of the American Ballet, liderado por el virtuoso bailarín Daniel Ulbricht, integrado por “principals” y solistas del New York City Ballet. Estas producciones se alternaban con noches de concierto (los llamados “highlights programs”), donde algunos de ellos deslumbraron por su virtuosismo técnico, aunque los estilos sufrieran en su autenticidad, tales como Rasta Thomas, María Kochetkova, Joaquín de Luz, Isabella Boyston, Teresa Reichlen, Aram Bell, la italiana de La Scala Petra Conti, y la sudamericana Mary Carmen Catoya, con mención aparte para la coreana del ABT, Hee Seo, en una entrega fenomenal como Giselle, con el elegante y solícito Albrecht de Cory Stearns.
La razonable desmesura fue la respuesta de las audiencias que asistieron a las únicas presentaciones de Rolando Sarabia, Taras Domitro, Marizé Fumero, Adiarys Almeida, Lissi Báez, Carlos Quedit. Particular destaque par a dos representantes de una cultura tan distante de nuestro ámbito: de Mongolia Altan Khuyag-Dugara (un divo en su país) y Anujin Otgontugs. Reconocemos el desarrollo artístico de la pareja cubana en Australia, Yanela Piñera y Camilo Ramos, así como el carisma exhibido por Arionel Vargas, Javier Torres y Dayesi Torriente (laureados en tierras europeas).

“La forma del rojo” de Ely Regina, fue otra de las novedades coreográficas que se presentaron en el festival. Foto: Kike Smith. Gentileza KS.

Entre los estrenos absolutos, los más relevantes ora por su creatividad o por la entrega de los artistas en su desempeño fueron, “Próspera”, dedicada a Alicia Alonso, una visión íntima y personal de la era isabelina de la joven artista inglesa Cathy Marston donde se destacó Daniela Gómez; “Ciudad de Luz”-dedicado al medio milenio de La Habana- es un intenso dúo de ocho minutos de Pepe Hevia, ejecutado con musicalidad y pericia por Gretel Morejon y Aram León (lo mejor de la gala de cierre); “La forma del rojo” de Ely Regina, metáfora poética demostrativa de los talentos evidentes de la autora en próximos proyectos, y el solo “Ánima” de la española María Rovira para el primer bailarín del BNC Dani Hernández, rotundo y dueño de la escena en la Sala Lorca.

Por primera vez, participa como sala teatral del festival el primorosamente restaurado Teatro Martí, joya arquitectónica de la capital, el cual fue literalmente invadido con el arte del flamenco por tres compañías de fuste invitadas. Este coliseo decimonónico a la italiana con aforo para acomodar a 800 personas, sirvió de adecuada vitrina a Rafael Amargo y su grupo (su única actuación dejó muy mal sabor de boca en los asistentes y los organizadores, por incidentes extra-artístico), luego fue una delicia asistir al espectáculo didáctico y auténtico ofrecido por la Fundación Antonio Gades; finalmente, la función de lujo ofrecida por la notable bailaora –diz que del nuevo flamenco- María Juncal, que ya se le sitúa como la más juvenil entre otros eminentes de este arte, tales Joaquín Cortés, Antonio Canales , o Eva Yerbabuena. Para su “Suite Flamenca”, ella se hizo acompañar del excelente bailarín Alfonso Losa y de un espectacular par de cantaores.

El 6 de noviembre en la noche, en el prestigioso escenario del Gran Teatro Alicia Alonso, tuvo lugar el espectáculo de clausura con un programa concierto donde se repitieron piezas por artistas invitados y con coreografías de autores foráneos mayormente, y ninguna con el soporte musical en vivo. Finalmente, el solo interpretado por Viengsay Valdés, un brillante tour de force ( venía directamente del Teatro Nacional donde había interpretado con el BNC la producción en dos actos de “Giselle”), “ParAlicia”, creado por la cubana Tania Vergara (ahora residiendo en Estados Unidos) y estrenado hace varios años por la misma intérprete, siempre acompañada al piano por el propio compositor y reconocido pianista Frank Fernández , pieza para piano y banda magnetofónica, y secuencias de imágenes de la Alonso capturadas del filme “Giselle” y otros documentales cubanos, consiguió un mitigado climax de cierre. Las ovaciones en pie por varios minutos gratificaron a todos los intérpretes de esta noche. Sin embargo, el rostro de muchos aficionados al abandonar el coliseo mostraba una expresión poco festiva: el adorado icono cubano de la danza universal no estuvo allí.

Talleres de formación en la sede de Danza Teatro Retazos en el Centro Histórico de La Habana Vieja. Foto gentileza DTR.

En una tórrida tarde de agosto: una conversación sobre lo terreno y lo divino con Isabel Bustos, en su sancta sanctorum de la sede de Danza Teatro Retazos, la compañía que fundó y dirige hace más de dos décadas. Fue en Los Jardines de las Carolinas -con el auspicio de la Oficina del Historiador de La Ciudad-, en una hermosa y angosta calle del Centro Histórico de La Habana Vieja.

La plática comenzó con los obligados cuestionamientos típicos para llegar a unos fluidos niveles de confianza, ora de familiaridad entre profesionales civilizados que comparten intereses comunes en el mundo del arte de la Mayor de las Antillas. Como quien dice, “a boca de jarro”, y conociendo su reticencia a hablar de ciertas intimidades personales, surgieron las primeras preguntas sobre su familia y su llegada al mundo, sus avatares en su recorrido vital hasta llegar a Cuba como destino definitivo,.

“Nací en el seno de una familia muy especial –confiesa–. Era una mezcla de ecuatorianos y chilenos. Mi madre fue una mujer con una personalidad muy interesante, fuera de época si consideramos aquel medio social conventual. Se destacaba por ser una persona diferente con respecto a las otras mujeres que la frecuentaban. Somos cinco hermanos, con padre chileno y madre ecuatoriano. Ella, mi madre, tenía de gitana, por eso siempre estábamos de mudanza, de un lugar a otro, por ello nuestros constantes desplazamientos a los dos países originarios de mis progenitores. Te diré que tuvimos una infancia un tanto trágica, al morir mi padre cuando era muy niña y la lucha por sobrevivir se nos hizo difícil. Esto fue superado cuando mi madre se volvió a casar, esta vez con un hombre distinguido que la quería muchísimo, diplomático de carrera, al que propusieron irse de misión como embajador a Canadá, sin embargo hubo cambios en el ministerio y, definitivamente, lo enviaron a Cuba”.

“Entonces era muy pequeña, también mi hermana, no pasábamos de los 10 años cumplidos cuando desembarcamos en La Habana. Lo que mantengo como recuerdo de aquella ocasión es el impacto con el calor y la humedad de la isla, que no nos permitía casi respirar; lógicamente fue un contraste con el clima de Quito, ciudad de gran altura y de clima seco y frío”.

“Esto acontecía en los primeros años de la Revolución que derrocó a Batista en 1959. Llegamos en medio de la efervescencia del triunfo de Fidel Castro y sus barbudos, y mi madre era una enamorada del líder máximo y del movimiento de izquierda que se instalaba en la isla, y como consecuencia se involucró apasionadamente con estos procesos sociales, dándole su apoyo.  Mas su esposo recibió instrucciones de trasladarse a otro país y mi madre decidió quedarse a vivir en Cuba permanentemente”.

“Consigue una entrevista con Fidel Castro, allí le explica su interés de permanecer en Cuba y con dos hijas menores de edad. Él le brindó su apoyo, aunque preocupado por los estudios de nosotros, le pidió su parecer para otorgarles becas. Entonces, mi madre que fue excelente bailarina y vinculada con las artes, respondió que mi hermana iría a estudiar artes plásticas y yo en ballet (así fue, aunque yo siempre estuve interesada en los estudios musicales). Después de tres años en la Escuela Nacional de Ballet, me proponían ir a una compañía profesional para dedicarme a las danzas de carácter, pero eso no era realmente algo para lo que estaba preparada. Mi hermana se graduó y, rápidamente, comenzó a realizar murales, vinculados con el proceso revolucionario local”.

“Por mi parte, decidí probar suerte en la Compañía Nacional de Danza Moderna (hoy, Danza Contemporánea de Cuba) y allí  me interesó mucho el trabajo del maestro Guido González del Valle, como enfrentaba la docencia para trasmitir sus saberes a los bailarines. Lamentablemente, poco después decidió irse del país, dejándome sin su guía estética, por lo que pasé por otros grupos, hasta que retorné al Ecuador. Allí formé parte del team que formaba la Compañía Nacional de Danza, convocada por la bailarina Noralma Vera para que la ayudara junto con otros artistas del país. Realmente, esto me desviaba de los estudios sociológicos, mi interés primordial entonces, pero ante la insistencia volví al redil”.

“Bailé algunas obras de coreógrafos importantes sudamericanos y norteamericanos, sin embargo nada de eso me sedujo. Así que decidí bailar obras de mi cosecha, como “Cono Sur”, producto resultante de los terribles sucesos en Chile  con la caída del gobierno de Salvador Allende y la instauración de la cruenta dictadura pinochetista. Aquí comienzo a mostrar mi tendencia a llevar a la escena de danza los temas políticos álgidos. Posteriormente volví a Cuba, después viajé a Francia para cumplir con una beca, que me concedieron para estudiar coreografía en París por 3 años. Creo que los aproveché bastante bien”.

“Tuve la oportunidad de quedarme en Europa, pero debía retornar a La Habana para cumplir con mis deberes maternos, pues tenía allí un hijo cubano que atender. Se me abrían las puertas para ingresar en los circuitos teatrales de Londres, de la India, por ejemplo. En Cuba, también, estaba otra de mis grandes pasiones: Fidel Castro y su revolución. Es aquí donde me siento realizada, y creo que es donde mi vida tiene un sentido. Me parece que  así respondo tu pregunta”.

Isabel Bustos llegó a la Habana cuando tenía 10 años y luego entró a la Escuela Nacional de Ballet. Foto gentileza DTR.

Comenzando a crear

“Empecé a elaborar coreografías pequeñas paralelamente con mi trabajo docente como profesora en la Escuela Nacional de Arte (ENA), donde fui maestra de maestros y de alumnos. En un final, pensé que me resultaba mejor formar una compañía pequeña, de unos diez bailarines de ambos sexos. Entonces llegó lo que se ha dado en llamar “período especial”, una crisis económica difícil de superar para la acción cultural: varias salas teatrales y otros espacios adecuados  fueron cerrados temporalmente.  Felizmente encontré un espacio público donde trabajar y presentar mi obra, se llamó “el Patio de María”, proyecto juvenil en una Casa de la Cultura municipal, con el mínimo de recursos posibles. De aquí seguí en busca de otra visibilidad, y llegué al floreciente centro histórico patrimonial de la Habana Vieja, donde se concluían los trabajos de restauración de palacetes coloniales, y serían sedes de diversos proyectos culturales, amparados por nombres ilustres de países sudamericanos. Inspirada por este vibrante entorno, nacieron algunas de mis mejores obras coreográficas, algunas se mantienen vivas en el repertorio de Retazos, y se han presentado en los escenarios de la capital o en el extranjero, con éxitos de pública y crítica especializada”.

Ante la pregunta: ¿Por qué el teatro dramático es un elemento importante en tus creaciones escénicas, al punto que tu compañía es “danza teatro”?

“Pues te diré que tiene sus orígenes en un encuentro con dos iconos del teatro cubano, desafortunadamente desaparecidos: los hermanos Raquel y Vicente Revuelta. Mi encuentro con ellos y su trabajo con su grupo Teatro Estudio, me marcó y enriqueció artísticamente, pues asistía regularmente a sus ensayos, y me invitaron a colaborar en algunas de sus laureadas puestas en escena. Raquel se interesó en mi obra, y me pidió que las presentara en su sede, la Sala Hubert de Blanck, los sábados. Hubo una buena afinidad con los hermanos Revuelta y su docencia en la Universidad de las Artes, el ISA, con una nueva metodología allí aplicada por Vicente. Fue precisamente Raquel la que me alertó para definir lo que hacía en danza. Un día me dijo: Oye, Isabel, lo que tú haces es danza-teatro. Desde entonces comenzamos a trabajar conjuntamente”.

Por falta de información actualizada, en aquellos tiempos no se conocía que tanto en los Estados Unidos como en Europa ya se creaban obras calificadas por los críticos como “danza teatral”.

“Me enteré de ellas porque me lo comenta la Revuelta, estaba ajena a lo que otros coreógrafos foráneos – establecidos y reconocidos-  ya practicaban  en su escritura coreográfica”.

“Siempre me ha gustado tratar temas que sean interesantes al expresarlos con movimientos:  da lo mismo que sea inspirado por un sombrero, o una canción, o un acontecimiento social o político de mi entorno inmediato, o un espacio físico arquitectónico determinado que me motiva…inmediatamente me brotan las ideas y me pongo a crear la futura pieza”.

“No me interesa crear danzas o espectáculos por encargo –por supuesto que los he hecho-, al tratarse de una poderosa obligación profesional. Por ejemplo, mi última obra, recientemente estrenada en los salones de Retazos, “Mensajeros” es un poco eso: expresar con mi particular lenguaje coreográfico los acontecimientos terribles que agobian nuestro mundo hoy;  que pudieran desembocar  en una Tercera Guerra mundial. Espero que nunca suceda esto, o al menos que no seamos testigos oculares, o posible víctima letales”.

“Realmente, existen situaciones de crisis tan violentas en varias regiones de nuestro planeta que muestran cuánto han cambiado en “nuestra casa común”, las perspectivas de vida en poco menos de dos décadas. Todos formamos parte de una diáspora donde se ha perdido la esencia de lo humano en muchos ámbitos, y todo lo que acontece en el universo nos toca…Gracias a Dios, en Cuba, existe la armonía, porque creemos todavía en la espiritualidad, y tenemos fe en el futuro posible”.

“Seguimos trabajando en algo que creemos va a funcionar, y nos esforzamos en apoyar al prójimo; algo que ayudará al crecimiento cultural de los jóvenes. Si observamos la situación social en otros lados del planeta, constatamos que la confianza en el futuro se acabó”.

Mensajeros

Ensayos en la Universidad de las Artes, ISA, donde Isabel Bustos comenzó haciendo puestas coreográficas de danza-teatro. Foto gentileza DTR.

La más reciente pieza de Bustos, “Mensajeros” que podría calificarse como “work in progress”, es una muestra de movimientos violentos, ejecutados por 17 bailarines de ambos sexos con una gestualidad rotunda, que exhibe un rechazo al negativismo al no carecer de la espiritualidad. ¿Cuál sería el origen de este discurso coreográfico?

“La génesis de esto debo buscarla en las cosas que quedaron arraigadas en mí durante la niñez, en la formación recibida de una institución religiosa católica para niñas: lo aprendido allí no desaparece del todo, está en los estamentos profundos de tu cerebro. Si bien he seguido otros derroteros, la esencia está ahí”.

Algunas de sus obras han sido dedicadas o inspiradas por músicos, cultivadores de diversos géneros musicales, ya sea compositores como intérpretes…también ha mostrado su vertiente en el dominio de las artes visuales… Siempre ha llamado la atención la importancia que Bustos le otorgas a la música en sus proyectos creativos. ¿A qué se debe esto?

“Diré algo que nunca antes había desvelado: un tío abuelo fue el célebre pianista chileno Claudio Arrau –los cubanos todavía recuerdan su virtuosismo en las presentaciones que realizaba en el fenecido teatro Auditorium en la pasada centuria-, no lo llegué a conocer pero mi madre me habló mucho de él. También tuve otros parientes músicos aunque no tan relevantes”.

Para Isabel Bustos a la hora de pensar en una nueva obra, que va primero ¿la música?  ¿El tema o el concepto?

“Algo que no sucede siempre: a veces la música es la que me conduce al desarrollo de una coreografía. O puede suceder lo contrario; cuando me surge una idea con determinada dramaturgia debo entonces encontrar la música adecuada a ella, no cualquier música (como sabes en este país es muy difícil que un compositor te escriba música original para tu obra)”.

“En el otro aspecto de las imágenes, mis movimientos están muy vinculados con las imágenes; para mí tiene más valor la imagen lograda que las técnicas del movimiento. Me gusta mucho el cine, pero no está muy presente en mis proyectos. En cambio te confieso que me impresionan  mucho las secuencias fuertes de Andrei Tarkovsky, y las del gran maestro sueco Ingmar Bergman; ambos son muy existenciales y eso es lo que más me gusta hacer en mis coreografías”.

Algunos observadores de tu repertorio le atribuyen influencias de la notable maestra alemana Pina Bausch, ¿qué hay de cierto en esto?

“Particularmente, no lo creo. Algunas personas me lo han comentado en varios países que visité en giras con Retazos.  Nunca pude conocerla personalmente y tampoco he visto mucho de su obra”.

“Sí creo que es una coincidencia, y a los que me conectan con la Bausch siempre les doy las gracias por compararme con alguien tan grande como ella. Lo tomo como un elogio que me honra”.

También se advierte que también te involucras en la producción de las puestas en escena…

“Casi siempre diseño los figurines, aunque en los programas aparecen los nombres de quienes los realizan. En cuanto a los diseños de luces, también intervengo pero deseo conocer más sobre la iluminación teatral. Para ello, tendremos pronto a un experto diseñador de luces de Alemania que ofrecerá una serie de talleres en nuestra sede, muy necesarios para el perfeccionamiento de nuestro equipo técnico”.

Xiomara Reyes, la nueva directora de la Washington School of Ballet, se propone tener más relación entre la escuela y The Washington Ballet. Foto Maritza Gueler.

El 1 de septiembre, Xiomara Reyes entró por primera vez en su rol de flamante directora a los estudios de la Washington School of Ballet. La ex bailarina principal del American Ballet Theatre (ABT) llegó a reemplazar a Kee Juan Han -quien anunció su retiro en abril de este año-, convocada por su compañera de largos años en el ABT, Julie Kent, actual directora de Washington Ballet (TWB). Ambas se despidieron de la escena en 2015, y comenzaron otra nueva aventura juntas. Su marido, Rinat Imaev, la acompaña en este periplo como profesor Senior de la escuela y como maestro de TWB, compañía actualmente dirigida por Julie Kent.

Reyes creció en El Vedado, uno de los barrios más emblemáticos de La Habana, Cuba, se formó en la Escuela Nacional de Ballet, tuvo una fuerte influencia de Laura Alonso, y luego, salió a volar con sus propias alas, inspirada por las enseñanzas de “Juan Salvador Gaviota”, de Richard Bach. Así pasó siete años en el Royal Ballet of Flanders y luego llegó al ABT. Y en uno de sus últimos pasos por Washington, Reyes fue invitada por TWB para interpretar a Katherine en el ballet creado por Septime Webre, “Sleepy Hollow”.

Cuando Kent asumió como directora de TWB, pensó en ella para que tomara la batuta de la escuela, Y así comenzaron un trabajo en conjunto que les permite formar a las nuevas generaciones de bailarines y alimentar a la compañía local con nuevos talentos. Actualmente en la escuela hay cerca de 810 alumnos en la sede del centro de DC, en Wisconsin Avenue, North West, y aproximadamente 300 en el North East.

Después de pasar varias horas dando clases, observando, y elaborando un plan a futuro, alrededor de las las 6:30 de la tarde, Reyes recorre las otras sedes de la Washington School of Ballet para ir delineando los programas que colaboren para ir acercándose a sus objetivos: formar bailarines con una sólida formación clásica, capaces de abordar una diversidad de estilos y escuelas.

En la Washington School of Ballet apuntan a que los alumnos sean capaces de abordar diferentes escuelas y estilos. Foto gentileza TWB.

Danzahoy: ¿Cómo surge esta idea de volver a trabajar juntas desde un lugar diferente del escenario?

Xiomara Reyes: Se origina primero porque a Julie le dieron el puesto de directora de TWB y nosotras hemos trabajado mucho juntas y tenemos muchos puntos en común. Cuando se enteró de este puesto, nos propuso a mi esposo y a mí para que la ayudemos a construir su visión de la compañía. La escuela es un elemento muy importante para hacer una compañía.

D: ¿Cuál es el foco principal en el que se apoyan para la formación de los estudiantes?

XR: Ponemos la insistencia en que el alumno salga de la escuela con una educación completa del baile y de la cultura en general, y que tenga una visión amplia de lo que es ser un artista. Me gustaría interactuar más con otras disciplinas. Para mí la relación maestro-alumno es clave, ya que el maestro es fundamental en la formación de una vida joven. Nosotros no solo educamos bailarines sino seres humanos para que en el futuro desarrollen su talento y la confianza en sí mismos, para que luego ayuden en la sociedad.

D: ¿Cómo planean el trabajo juntas?

XR: Queremos tener más relación entre la escuela y la compañía. Los directores anteriores no encontraron muchos puntos en común, pero en este caso, las dos tenemos cosas en común que queremos reflejar tanto en la escuela como en TWB. Mi esposo y yo también damos clases con la compañía, y al mismo tiempo ponemos mucho cuidado en los estudiantes que formamos para que Julie saque los bailarines que luego integrarán TWB.

D: Después de tantos años, ¿de qué manera pesa lo vivido en la escuela cubana de ballet?

XR: La escuela cubana es tremendamente profesional, con cinco días a la semana de trabajo. Aquí funciona de manera diferente, especialmente para los más pequeños, que tienen clases tres veces a la semana. Por lo tanto, lo importante es maximizar el tiempo. La escuela cubana es muy fuerte y da la libertad de interpretar y al mismo tiempo de ser más sólido en la técnica. Eso es lo que quiero transmitir aquí. Por otra parte, la escuela rusa que tiene un port de bars que se destaca enormemente, y el objetivo es hacer una mezcla de los elementos más representativos de cada escuela. De esta manera los muchachos se exponen a los diferentes estilos. Nuestra meta es buscar bailarines que puedan hacer Balanchine, Forsythe y que puedan moverse en todos los estilos con fluidez y gracia. Y tenemos muy buenos maestros.

Para Xiomara Reyes la relación maestro-alumno es clave en la formación de los jóvenes. Foto gentileza The Washington Ballet

D: ¿Y de qué manera empezó este cambio de timón?

XR: Ahora estamos haciendo de todo con un poco más de lentitud para darle a los estudiantes el tiempo para corregir algunos alineamientos. Ese trabajo lo llevamos a todas las sedes, y prestamos mucha atención en esos puntos, para corregir lo más pronto posible. Por ejemplo, con los aprendices estamos trabajando “Raymonda”, con el propósito de exponerlos a este tipo de preparación clásica. Estoy tratando de poner la mano en los aprendices para darles un lugar más importante del que tenían hasta ahora.

D: ¿Y cómo comenzó el trabajo?

XR: Estoy en un momento de mi vida muy especial. Hay muchas cosas que aprender. Desde lo profesional, es muy interesante. En este momento estamos preparando “Cascanueces”, y es un proceso muy encantador, y se ve desde el punto de vista del niño, de la forma en que se involucran en este ballet. Es un mundo fascinante.

D: ¿Washington o Nueva York?

XR: Siempre me encantó Washington, la naturaleza que se ve en la ciudad, sus árboles frondosos, el río… No he tenido mucho problema para adaptarme. Nueva York es muy ecléctico, pero Washington es más semejante a lo que yo pretendo. Si bien todavía estoy tratando de instalarme y armarme en la nueva casa. Vivo a 20 pasos de la escuela, y eso ayuda muchísimo, especialmente en estos momentos en los que uno se tiene que involucrar más.

Alicia Alonso junto al presidente de la Nación, Raúl Castro, en la ceremonia de inauguración del teatro que ahora lleva su nombre. Foto: Nancy Reyes.

La capital cubana comienza el año 2016 con razones para sentirse orgullosa de poseer una suntuosa y elegante instalación teatral en pleno corazón de la urbe. El primer día del año reabrió el Gran Teatro de La Habana, desde ahora bautizado con el nombre de la gran diva de la danza Alicia Alonso. La celebración: un espectáculo ad hoc denominado ´Tríptico Clásico” -un acto de “Giselle”, de “Coppélia” y de “Lago de los cisnes”-, a cargo del Ballet Nacional de Cuba (BNC) sobre la escena de su Sala principal Federico García-Lorca.

El renovado inmueble abrió sus puertas como se lo conoce hoy, en 1915, con la autoría de Paul Belau, un acreditado arquitecto belga que se decantó por un eclecticismo que integra elementos de un neobarroquismo europeo tardío y recargado, con guiños hacia particularidades arquitectónicas provenientes de españolismos “tropicalizados”.

El ahora Gran Teatro Alicia Alonso de La Habana, como prefieren llamarlo los medios oficiales, puede considerarse la más antigua institución teatral en activo de América latina, pues fue inaugurado el 18 de febrero de 1838, entonces bajo el nombre de Gran Teatro de Tacón. (Un acto obsequioso de los propietarios hacia el gobernador general de la Isla, de infeliz memoria para los súbditos de la corona española).

La poderosa Comunidad  Gallega de La Habana, fundada en 1879, se empeñó después de instaurada la República (1902) en construir un palacio que reafirmara su presencia física en la naciente sociedad criolla del archipiélago cubano. Para tales efectos, se compraron en 1906 el teatro Tacón y sus edificios anexos, los cuales ocupaban una de las áreas urbanas mejor situadas del llamado reparto Las Murallas, enfrentadas al emblemático Parque Central capitalino.

Integrantes del Ballet Nacional de Cuba presentaron “Giselle” en el Gran Teatro Alicia Alonso. Foto: Nancy Reyes.

El Centro Gallego fue una de las más importantes obras de su tipo que se realizaron en La Habana, y su construcción fue encomendada a la acreditada firma norteamericana Purdy and Henderson. En su interior se mantuvo la sala teatral que, después de 1961 hasta hoy, adoptó el merecido nombre de García Lorca. Remodelada con los más exquisitos materiales de construcción y decorativos, muchos la consideraron como “una de las mejores de América, tanto por su elegancia, como por su decoración y confort”, si se tiene en cuenta sus excepcionales condiciones técnicas y el mecanismo escénico que poseía.

Desde su fundación, por las tablas de este magnífico coliseo se han presentado las más prestigiosas figuras y compañías de ballet, ópera y del arte dramático, con fama internacional, así como los más ilustres intérpretes de la música, tanto instrumentistas, como cantantes o directores orquestales. Igualmente, las más relevantes luminarias del talento artístico nacional. Y desde 1965, es la sede del BNC y, luego de sus Festivales internacionales de ballet. A partir de 1985, por iniciativa de la propia Alicia Alonso, el edificio en su totalidad pasó a denominarse Gran Teatro de La Habana.

Desde este año, por decreto del Consejo de Estado, este complejo cultural se llamará “Alicia Alonso”. Para refrendar el apoyo estatal irrestricto a esta institución y a las agrupaciones artísticas que acogerá, a la función de gala de reapertura asistió el presidente de la Nación, Raúl Castro, arropado por el ministro del ramo y otras altas autoridades de su gobierno.

Los privilegiados para asistir a este significativo acontecimiento, según criterio de los organizadores, fueron los obreros y especialistas, y sus familias. Todos ellos hicieron posible la restauración durante tres años. También asistieron algunos familiares de músicos y bailarines, laureados con premios nacionales de todas las manifestaciones artísticas, entre otros “elegidos”. Derecho a su cobertura periodística, solo la tuvieron los periodistas de los medios oficiales locales.

En las funciones posteriores a la inauguración hubo cambios en las distribuciones de los elencos, particularmente los protagonistas. La única primera bailarina reincidente fue Sadaise Arencibia. En cambio los otros roles fueron asumidos por talentosas bailarinas principales, como Estheysis Menéndez y Gretel Morejón, en las entregas viriles no hubo alteraciones.

La programación continuó, el siguiente fin de semana, con tres funciones de “Giselle” en su producción completa donde alternaban los papeles protagonistas Arencibia con el joven Víctor Estévez; Anette Delgado con Dani Hernández y, por último, la pareja formada por Viengsay Valdés (a pesar de persistentes dolores sacro-lumbares no abandonó su notable entrega) y de nuevo Estévez.

“Lago de los cisnes”, a cargo del Ballet Nacional de Cuba subió a escena en la Sala principal Federico García Lorca. Foto: Nancy Reyes.

Significativo del desarrollo artístico de la bailarina Menéndez  resultó su desempeño en el difícil rol de Myrtha, la Reina de las Wilis, y como siempre deslumbró el trabajo estilístico coherente y preciso del cuerpo de baile femenino en la ejecución de las diagonales del segundo acto, premiados con rotunda salva de aplausos. Sin embargo es para recomendar más ensayos con el cuerpo de baile, ahora nutrido en su mayoría por elementos muy juveniles, para le realización de los bailables del primer acto más concentrados musicalmente, y su relación con las pantomimas, en el primer acto.

Por iniciativa personalizada del notable bailarín cubano Carlos Acosta, se encuentra en La Habana estos días el coreógrafo y bailarín francés Benjamin Millepied, actual director de danza del Ballet de L´Opéra de Paris, junto con su esposa la “oscareada” actriz Natalie Portman y su pequeño hijo Aleph. Ambos visitaron los salones de la Escuela Nacional de Ballet guiados por su directora y maestra principal Ramona de Sáa, para luego ver “in situ” los trabajos que desarrolla la recién creada agrupación cubana de Acosta. Igualmente, fueron recibidos por Alicia Alonso en su sede de El Vedado, donde les mostraron fragmentos del segundo acto de “Giselle”.

El coreógrafo Pedro Ruiz desplegó su talento con un grupo de bailarines de la Escuela Nacional de Ballet, que promediaban los 17 años. Foto: Yuris Nórido. Gentileza Bienal de la Habana.

En el ámbito de esta desbordante y abarcadora duodécima Bienal de La Habana, que se realiza desde el 22 de mayo al 22 de junio, la capital cubana se ha convertido en una inmensa galería de artes visuales, signada por el lema escogido por sus organizadores, “entre la idea y la experiencia”.

El escenario del restaurado teatro Martí se convirtió por unas espléndidas dos horas en el espacio urbano privilegiado para la presentación cubana (antes fue en New York el pasado marzo), del valioso libro “The Light in Cuban Eyes”, nacido gracias al patrocinio filantrópico de la coleccionista e investigadora estadounidense Madeleine Plonsker. Empero con la ayuda de un talentoso equipo mixto de las dos orillas.

Para ello, se diseñó un programa artístico que privilegiaba la danza y la música, con la participación única del ballet contemporáneo Endedans (con sede en la oriental provincia de Camaguey) y la Escuela Nacional de Ballet, bajo la dirección de la maestra Ramona de Sáa. Todos respondiendo a la batuta artística y coreográfica del cubano norteamericano Pedro Ruiz, contratado en exclusiva al neoyorquino Windows Proyect, para este evento irrepetible. Un elemento positivo más que apuesta por el diálogo y el rencuentro entre los dos países: Cuba y Estados Unidos.

Para su apertura se contó con la actuación especial del maestro Frank Fernández,  pianista cubano internacionalmente conocido.

El coreógrafo Pedro Ruiz, con vasta experiencia en su disciplina y una obra aplaudida en la escena neoyorquina, ha creado anteriormente ballets para dos importantes conjuntos cubanos: el Ballet Nacional de Cuba y el Ballet contemporáneo Endedans. Esta vez, desplegó su talento con bisoños efectivos con afinados cuerpos, que le fueron entregados ahora por la maestra Ramona de Sáa, directora de la Escuela Nacional de Ballet. Una docena de chicos y chicas promediando los 17 años.

En sólo dos semanas, logró montar y estrenar dos bien estructuradas y refinadas piezas de estilo neoclásico, ambas con música original del pianista Frank Fernández, cuyos efectos tímbricos electroacústicos y los percutidos de raíces afrocubanas, incentivaron la creatividad del autor y  el desempeño artístico de los danzantes. Sus títulos en inglés: “Summer Plac” y “The Three State of Soul”. En esta última obra se destacó la solista de 17 años Laura Tovar, en elegante vestido vaporoso en rojo, arropada por cuatro parejas en azul, quien brilló por su musicalidad y prometedor dominio técnico. Ambos títulos, apenas superaron los 20 minutos cada uno.

Sin embargo, fue el dúo masculino “Losting Embrace”, arreglado por Ruiz sobre música de Mozart hace un par de años para dos atléticos bailarines del camagueyano Endedans, Jesús Arias y Armando Gómez, en sendas trusas negras, el que recibió la máxima aprobación de la audiencia y los especialistas. Es una danza de unos 15 minutos emocionalmente intensos, con un bien resuelto hilvanado de los movimientos en pareja, evitando el homoerotismo vulgar, sin evadir la inherente sensualidad hasta un final que deja sin aliento. Unos segundos después del black out, donde desaparece uno de los bailarines, la ovación rompió el “suspenso”.

De colección

“The Three State of Soul”, de Pedro Ruiz, interpretado por la solista de 17 años Laura Tovar. Foto: Yuris Nórido. Gentileza Bienal de la Habana.

El libro “The Light in Cuban Eyes” es una selección proveniente de la magnífica colección de Madeleine Plonsker, residente en los Estados Unidos, por mucho tiempo patrocinadora de la fotografía cubana, la cual ha estado viajando de Chicago a La Habana desde 2002 para descubrir y apoyar la obra de fotógrafos de la isla mayor de las Antillas, considerados talentos emergentes en este género de las artes visuales.

Este valioso “coffee table book” (amazon.com), publicado por Lake Forest Colletge Press y curado por la propia Plonsker, puede ser considerado como la primera publicación que aparece con el patrocinio conjunto del Ministerio cubano de Cultura y la Fototeca de Cuba (de la Oficina del Historiador de la Ciudad), depositaria de la fotografía, institución comparable en función al Departamento de Fotografía del Smithsonian museum, en Washington, DC.

Dicho libro refleja con gran dignidad artística la situación cotidiana de los habitantes del archipiélago cubano, en los tiempos de la mayor escasez y pobreza denominados “período especial´`, resultante de la pérdida de los recursos suministrados entonces por la ex Unión Soviética y los países aliados del este europeo, en los prístinos años de la década de los 90 de la pasada centuria.